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Ungeschützt, vollkommen verwirklicht und ganz und gar sein Eigen - Wesley Josephs lang erwartetes Debütalbum zeigt den Sänger, Songwriter, Produzenten und Regisseur von seiner selbstbewusstesten und verletzlichsten Seite und bringt die vielen Facetten seines kreativen Lebensweges zum Ausdruck. Das Ergebnis ist ,Forever Ends Someday": 13 Tracks voller Selbstreflexion und weitreichender Realitätsflucht. Auf dem Danny Brown-Feature ,Peace of Mind" hingegen überwindet Joseph seine Ängste und liefert eine basslastige Hymne voller Selbstvertrauen und Zuversicht. Auf ,July" arbeitet Joseph mit Jorja Smith zusammen, und die beiden performen einen freudigen Rückblick, aufgenommen in ihrer Heimatstadt Walsall, in dem sie sich daran erinnern, wie weit sie gekommen sind und was sie alles verloren haben. Joseph nahm sich drei Jahre Zeit, um sich aus dem Rampenlicht zurückzuziehen und seine Geschichte zu finden. Er entschied sich dafür, der Ehrlichkeit seiner Kunst nachzugehen, anstatt aus seiner Karriere Kapital zu schlagen - mit Höhepunkten wie einem ausverkauften Headliner-Konzert im Londoner KOKO und einer ausverkauften Nordamerika-Tournee. ,Ich habe das Album einfach wie ein Gefäß behandelt und ständig Dinge aus meinem Leben hineingeworfen", sagt er. Der Titel ,Forever Ends Someday" bezieht sich auf die vergängliche Schönheit des gegenwärtigen Augenblicks - ,die Vorstellung, dass Dinge, wenn man jung ist, ewig währen, aber dann wird man erwachsen und erkennt, dass die Jugend nur geliehen ist", erklärt Joseph. Die Titel des Albums spiegeln ehrlich die menschlichen Erfahrungen wider, sowohl die hellen als auch die dunklen Seiten. Aufgenommen in London, Walsall, Los Angeles und ,auf halber Höhe eines Berges in der Schweiz", holte Joseph ein Kernteam von Mitarbeitern und Co-Produzenten an Bord, um seine Vision während der drei Jahre des Schreibens umzusetzen. Er arbeitete eng mit dem Komponisten Nicholas Jaar (The Weeknd, FKA Twigs), der mehrere Tracks mit seiner Sensibilität für Soundscapes bereicherte, dem Produzenten Harvey Dweller (Loyle Carner, Joy Crookes), dem für den Mercury Prize nominierten Tev'n (Rina Sawayama, SBTRKT), A. K. Paul (Nao, Fabiana Palladino), Al Shux (JAY Z, Kendrick Lamar, SZA), Ryan Raines (Paul McCartney, Dominic Fike) und dem Produzenten Romil Hemnani (Brockhampton) zusammen. Von Walsall in die Welt hinaus zeigt ,Forever Ends Someday", dass Josephs Vermächtnis gerade erst begonnen hat.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Wir denken gerne, dass unser Leben zu Geschichten geformt werden kann - klare Bögen, verständliche Bedeutungen, aber das Leben lässt sich nicht in Schubladen stecken. Stattdessen geht es unverblümt und ohne Entschuldigung weiter, ohne Rücksicht auf unser Ordnungsgefühl. El Ten Elevens ,Nowhere Faster", das 16. Album des Duos, entstand in diesem Unbehagen. In acht Tracks geht es nicht nur um das Nichts, sondern auch um Geschwindigkeit - diese seltsame Dringlichkeit, die uns vorantreibt, auch wenn das Ziel unklar bleibt. Das 33-minütige Album verlangsamt sich gerade so lange, um die schwierigen Fragen zu stellen: Wovor laufen wir weg und was glauben wir, überholen zu können? ,Nowhere Faster" entstand während der längsten Pause, die Kristian Dunn und Tim Fogarty in ihren 23 gemeinsamen Jahren von Tourneen und Aufnahmen gemacht haben, obwohl ,Pause" eigentlich nicht ganz richtig ist. Dunn ist bekannt dafür, dass er immer kreativ am Werk ist, und das hat er auch hier nicht aufgegeben. Stattdessen fing er an, nicht nur für einen, sondern für zwei Schlagzeuger zu schreiben, was Fogarty vor eine der größten Herausforderungen seiner Karriere stellte. Das Album ist auch eine Premiere für die Band, da es durchgehend echte Streicher und Klavier einbindet und damit die Klangpalette eines ihrer vielschichtigsten Werke noch erweitert. Nowhere Faster ist kein Rückzug in Nostalgie. El Ten Eleven setzt weiterhin auf Risiko und Neuerfindung. Das Album konzentriert sich weiterhin auf Fogartys treibendes Schlagzeugspiel und Dunn's bassgetriebene Experimente: Die ersten vier Tracks (,Seite A") zeichnen sich durch E-Bass aus, während die zweite Hälfte (,Seite B") zu akustischem Bass wechselt, der durch Pedale verarbeitet wird und so die emotionale Schwere des Albums subtil verändert. Letztendlich ist ,Nowhere Faster" ein Album über das Abrechnen - über Zeit, Ausdauer und die Ungewissheit, wie lange eine Band oder ein Leben dauern kann. Wir alle tasten uns an die Endlichkeit heran. Die Frage ist nicht, ob wir dort ankommen, sondern was wir auf dem Weg dorthin hören wollen. Zu welcher Musik werden wir tanzen, wenn sich der Boden unter uns zu verschieben beginnt? Wenn schon nichts anderes, dann vielleicht zu etwas, das wie ,Nowhere Faster" klingt.

Alex Zhang Hungtai steht auf ,Dras" still da, aber es ist eine Stille, die jede Menge Möglichkeiten hat. Diese neun Stücke wurden 2019 in der Saint Joseph Oratory in Montreal aufgenommen (kurz bevor ein Klavier kaputtgemacht wurde) und lagen während der Pandemiejahre auf seiner Festplatte, bis endlich der Funke übersprang. Was jetzt entsteht, fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er die Konturen seiner eigenen inneren Landschaft nachzeichnet, wobei jede Melodielinie eine sorgfältige Auseinandersetzung mit dem Unbewussten ist. Dies ist nur im weitesten Sinne ein Saxophon-Album. Das Terrain hier ist taktil und unerbittlich. Im Titeltrack werden schwierige Melodien auseinandergerissen und zu emotionalen Drones geformt, wobei Dissonanzen ineinandergreifen, während Töne mit metallischem Glanz ihren Weg durch die Sinne bahnen. ,El Khela" bricht sich in spektrale Schichten, die mit ewiger Schwerkraft ziehen, während ,Estado" Trost in seiner eigenen Dunstglocke findet, mit Rhythmen, die kaum hörbar sind, aber mit ihrer Kadenz, die sich an grauen Wänden abzeichnet, vorwärts führen. Es sind kleine Momente, die zu kathartischen Klangatmen werden und jeweils neue Passagen durch die psychische Geografie offenbaren. Es liegt Schönheit in den subtilen Wiederholungen des Openers ,Erg" und in den leuchtenden Progressionen von ,White Dwarf". Zhangs Saxophon wird zu einer Wünschelrute für das Unbekannte, während Elektrizität durch die Adern des Albums fließt und sein Atem alles an etwas wortlos Menschlichem verankert. Die digitale Bearbeitung dieser Kirchenaufnahmen verdeckt nicht das menschliche Element von ,Dras". Sie verwandelt das Rohmaterial in etwas, das zwischen äußerem Raum und innerer Landschaft navigiert. Als der Schlusssong ,Mazil" kommt, lässt Alex Zhang Hungtai sein Saxophon seine volle Resonanz entfalten. Tiefe, kehlige Klänge öffnen sich wie Abgründe unter melodischen Konstellationen, die in dichter Schwerkraft schweben. Hier herrscht Endgültigkeit, auch wenn sich etwas in diesen Passagen schwerelos anfühlt. Diese Musik ist durchdrungen von innerem Dialog, einem wortlosen Zauber, der über dem psychischen Abgrund tanzt. Tonale Sequenzen zerfallen in betäubende Klänge, eine scharfe, elegante Kante, die schneidet, ohne Blut zu vergießen. Dieses einsame Werk der Erforschung wird zu etwas Gemeinschaftlichem. ,Dras" ist eine Karte, um den Raum zwischen dem, wo wir sind, und dem, wo wir hingehen könnten, zu durchqueren.

Ella Langley, who has redefined the next wave of country music with her magnetic, unmistakable voice, and fearless songwriting, has announced her highly anticipated sophomore album Dandelion, out April 10 on SAWGOD/Columbia Records. Co-produced by Ella, Miranda Lambert and Ben West, this 18-track album, which features her #5 Billboard Hot 100 hit “Choosin’ Texas,” is one about growth, and carries a deeper symbolism of hope, healing, and resilience. In Ella’s own words: "I've thought about this record every single day for the last year and a half, and I'm so excited to finally say: 'Welcome to Dandelion.’"

Mit ihrem Debütalbum "Luiza" präsentiert die französisch-brasilianische Sängerin eine faszinierende Mischung aus World, Pop, Electronica und organischen Grooves. Aufgewachsen zwischen Jazz, Tanz, Amazonas-Reisen und Dub-Partys auf La Réunion, formt Luiza aus all diesen Einflüssen einen eigenen, sofort wiedererkennbaren Sound. Ihre Stimme nutzt sie wie ein Instrument - warm, flexibel und voller Emotion, oft mehrsprachig und manchmal sogar in ihrer eigenen Fantasiesprache. Ihr viraler Durchbruch gelang 2025 mit "Soleil bleu", einem Song, auf den sich überraschend Jugend- und Adult-Radiostationen gleichermaßen einigen konnten. Auch in Deutschland wurde der Titel zum erfolgreichsten französischsprachigen Radiosong des Jahres. Das Album "Luiza" knüpft an diesen Erfolg an: ein sonniges, energetisches Werk, das Natur, Freiheit und Lebenslust miteinander verbindet. Zwischen brasilianischen Klassikern wie "Manha de Carnaval", kraftvollen Hymnen wie "Étincelles" und internationalen Kollaborationen entsteht ein vibrierendes Klangbild, das Grenzen aufhebt und pure Lebensfreude transportiert. Luiza zeigt auf ihrem Debüt, wie moderne Global Pop Music klingen kann: farbenreich, mutig, intuitiv und voller Herz. Ein Album, das berührt - und das die außergewöhnliche Persönlichkeit dieser Künstlerin in jeder Sekunde spürbar macht.

How do losers dance? According to Helmut, almost weightlessly, with soft feet, warm gestures, sometimes alone, sometimes together. Content Creatures, Helmut's fourth album, evokes the pop archetype of the "beautiful loser", who had almost disappeared from view in so-called late capitalism. In a present in which even suffering is often similarly instrumentalised and tailored to clicks like a competitive sport, this album sets a counterpoint: those who listen to it suddenly want to be enchanting losers again, useless and joyfully messing up, losing something beloved, having their hearts broken, giving up a dream, sinking into beauty.
You don't sink alone. Comforting harmonies envelop you, the voices of friends appear, accompany you for a while and then disappear again. Warm grooves, floating synths and delicate guitar lines characterise an indie sound that remains open and breathes.
Self-produced for the first time in his home studio in Neukölln, 'Content Creatures' sounds thoughtful and light at the same time. The album will be released digitally and on vinyl on 10 April 2026 on Berlin-based label St.Vladimir. There are four songs on one side and four songs on the other. The cover is adorned with an exceptionally pretty guinea pig. Helmut shows the special in the seemingly ordinary: a child's pet, the most ordinary of all, is his cover star and headstrong protagonist.

Wie tanzen Verlierer? Wenn man nach Helmut geht, dann fast schwerelos, mit weichen Füßen, warmen Gesten, manchmal allein, manchmal gemeinsam. Content Creatures, Helmuts viertes Album, evoziert den Pop-Archetypus des "beautiful loser", der im sogenannten Spätkapitalismus fast aus dem Blick geraten war. In einer Gegenwart, in der sogar das Leid oft ähnlich durchinstrumentalisiert und auf Klicks getrimmt ist wie ein Leistungssport, setzt dieses Album einen Kontrapunkt: Wer es hört, möchte auf einmal gern wieder ein bezaubernder Verlierer sein, nutzlos und freudvoll abkacken, etwas Geliebtes verlieren, das Herz gebrochen bekommen, einen Traum aufgeben, in Schönheit versinken.
Man versinkt nicht allein. Tröstende Harmonien legen sich um einen, die Stimmen von Freundinnen tauchen auf, begleiten einen ein Stück weit und verschwinden wieder. Warme Grooves, schwebende Synths und feine Gitarrenlinien prägen einen Indie-Sound, der offen bleibt, atmet. Erstmals in seinem Neuköllner Homestudio selbst produziert, klingt "Content Creatures" bedacht und leicht zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl am 10.04.2026 auf dem Berliner Label St.Vladimir. Es hat vier Songs auf der einen und vier Songs auf der anderen Seite. Das Cover ziert ein außergewöhnlich hübsches Meerschweinchen. Helmut zeigt das Besondere im scheinbar Gewöhnlichen: Ein Kinderhaustier, das normalste von allen, ist bei ihm Coverstar und eigensinnige Protagonistin.

Das Debütalbum einer der renommiertesten und einflussreichsten Bands Großbritanniens, Songs to Remember, versetzt uns zurück in die Anfänge von Scritti Politti. Die von Green Gartside angeführte Gruppe, die aus der DIY-Szene der Einzimmerwohnungen in Camden Ende der 70er Jahre hervorgegangen war, hatte jedoch eine musikalische Vision, die der von Miles Davis (mit dem sie später zusammenarbeiteten) in nichts nachstand. Mit Songs To Remember, das sowohl die feurige Politik der damaligen Zeit als auch eine aufkeimende Pop-Sensibilität widerspiegelte, etablierte sich die Gruppe als einer der wahren Innovatoren der frühen 80er Jahre. Songs to Remember, das bei seiner Veröffentlichung 1982 vom NME als "witzig und genial" beschrieben wurde, wurde für diese längst überfällige Vinyl-Neuauflage vollständig remastered, was Gartside persönlich überwacht hat. "Mark E Smith, damals Künstler bei Rough Trade, sagte einmal zu mir: 'Scritti hat die beste Rhythmusgruppe in der Rockmusik." Er erwähnte Green Gartside nicht, daher weiß ich nicht, was er von ihm hielt. Ich weiß jedoch, dass wir bei Rough Trade alle von Greens honigsüßer Stimme und seinen brillanten Texten fasziniert waren. Es waren aufregende Zeiten, in denen die Menge an purem Talent, die in das Rough-Trade-Universum strömte, einfach überwältigend war. Niemand mehr als Green, der den intelligenten Angriff auf die Zitadelle der Popmusik-Perfektion verkörperte. Ich erinnere mich, dass ich sehr stolz auf "Songs To Remember" war, zu einer Zeit, als es für uns noch eine relativ neue Erfahrung war, ganze Alben zu veröffentlichen." - Geoff Travis

Was ist Sweet Soul? Vielleicht die perfekte Mischung aus Lowrider und symphonischem Soul? Eine üppige und dennoch lebendige Produktion, die in hörbare Seide gehüllt zu sein scheint und jeden Zuhörer innehalten lässt. So oder so, wenn eines sicher ist, dann ist es, dass sein Zweck vollkommen klar bleibt. Vergnügen, langsam und gemächlich, bajito y suavecito. Jeder Kuss beginnt mit Soul oder Sweet Soul für Lowrider. Sweet Soul ist der Vorläufer dessen, was wir heute als Modern Soul bezeichnen. Er kam in den späten 60er und 70er Jahren auf, parallel zu - aber getrennt von - dem raueren, funkgetriebenen Soul, der die Radiowellen dominierte. Während diese Musik harte Rhythmen und rohe Emotionen förderte, milderte Sweet Soul die Kanten. Sie bevorzugte Melodie, Wärme und Raffinesse und verlieh ihr ein ruhiges, üppiges Gefühl, das es leicht machte, zu ihr zurückzukehren und sie auch Jahrzehnte später noch zu lieben.

Was ist Sweet Soul? Vielleicht die perfekte Mischung aus Lowrider und symphonischem Soul? Eine üppige und dennoch lebendige Produktion, die in hörbare Seide gehüllt zu sein scheint und jeden Zuhörer innehalten lässt. So oder so, wenn eines sicher ist, dann ist es, dass sein Zweck vollkommen klar bleibt. Vergnügen, langsam und gemächlich, bajito y suavecito. Jeder Kuss beginnt mit Soul oder Sweet Soul für Lowrider. Sweet Soul ist der Vorläufer dessen, was wir heute als Modern Soul bezeichnen. Er kam in den späten 60er und 70er Jahren auf, parallel zu - aber getrennt von - dem raueren, funkgetriebenen Soul, der die Radiowellen dominierte. Während diese Musik harte Rhythmen und rohe Emotionen förderte, milderte Sweet Soul die Kanten. Sie bevorzugte Melodie, Wärme und Raffinesse und verlieh ihr ein ruhiges, üppiges Gefühl, das es leicht machte, zu ihr zurückzukehren und sie auch Jahrzehnte später noch zu lieben.