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Specs: Wrapped in shrink, DL code, insert with liner notes

"Music in DNA" is an album recorded in the early 1980s in New York City by Yasuhito Ohno, a young Japanese man breaking free from the constraints of his homeland. The album is a naive burst of outsider DIY enthusiasm, inspired by the multiple avant-garde movements of the era, in music, painting and performance, as well as the native energy of 80s NYC. Ohno channeled his youthful “edge” and zeal into open-minded lo-fi musical explorations using a mere two machines: the then-new technological glories of a four-track cassette recorder and that polyphonic synthesizer masterpiece, the Roland Juno-60; on several pieces he vocalizes. These seven tracks have a zestful, innocent, anything-goes charm, free from preciousness and self-consciousness: a raw and youthful human spirit at play in a new world. Ohno was also inspired by the humanistic promise of the general technological developments of the day, including DNA research, personal computing, and early computer graphics, an example of which can be found on the cover. Ohno later returned to Japan, becoming a renowned composer/producer. In an era of jaded cynicism, "Music in DNA" is a welcome taste of big-hearted innocence, a revival of a raw self. Available on CD/LP/Digital, with E/J liner notes.

When you notice the cheerful mystery playing with the synths, the edges of this small world start to look slightly distorted. In any era, someone is always creating mysterious music on their own. (7FO)

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Music in DNA is an album recorded in the early 1980s in New York City by Yasuhito Ohno, a young Japanese man breaking free from the constraints of his homeland. The album is a naive burst of outsider DIY enthusiasm, inspired by the multiple avant-garde movements of the era, in music, painting and performance, as well as the native energy of 80s NYC. Ohno channeled his youthful "edge" and zeal into open-minded lo-fi musical explorations using a mere two machines: the then-new technological glories of a four-track cassette recorder and that polyphonic synthesizer masterpiece, the Roland Juno-60; on several pieces he vocalizes. These seven tracks have a zestful, innocent, anything-goes charm, free from preciousness and self-consciousness: a raw and youthful human spirit at play in a new world. Ohno was also inspired by the humanistic promise of the general technological developments of the day, including DNA research, personal computing, and early computer graphics, an example of which can be found on the cover. Ohno later returned to Japan, becoming a renowned composer/producer. In an era of jaded cynicism, Music in DNA is a welcome taste of big-hearted innocence, a revival of a raw self. Available on CD/LP/Digital, with E/J liner notes.

In ,Osni the Flare", dem zweiten Teil von Tristan Allens mythischer Trilogie, zeigt der Komponist, Produzent und Puppenspieler, wie ein Sterblicher durch die Entdeckung des Feuers zu einer Gottheit wird. ,Osni the Flare" wurde über vier Jahre hinweg mit wortlosen Gesängen, Orgeln, Okarinas, einer Menge Spielzeuginstrumenten und einem ausgeklügelten Sounddesign aufgenommen und erzählt in vier akustisch und visuell beeindruckenden Akten von den Ursprüngen der Flamme und der Zeitlichkeit. Allen webt einen Schöpfungsmythos, der zwischen Schönheit, Schatten und wehmütiger Glut wechselt, und schafft so ein Portal zu einem sorgfältig gestalteten, emotional kraftvollen Klang und einer Geschichte, die durch ein fantastisches Reich hallen. Allen wurde in Saratoga Springs, New York, geboren und hat Kindheitserinnerungen an den Aufenthalt seiner Familie in Japan. Sein Weg führte ihn zu prägenden Begegnungen, darunter mit seinem Lehrer Andy Lorio, der das wachsende Interesse und Können des jungen Musikers am Klavier durch Improvisationstechniken förderte, und Amanda Palmer, die ihn mit 16 Jahren während eines Sommerprogramms am Berklee College entdeckte und seine erste Veröffentlichung durch Crowdfunding finanzierte. Nachdem er an der Berklee Klavier studiert, das Live-Elektronik-Kollektiv Nue mitbegründet, mit der Metal-Band Dent durch China getourt und zwei Solo-Klavier-EPs veröffentlicht hatte, zog Allen 2018 von Boston nach Brooklyn. Eine Anzeige auf Craigslist führte zu einer Puppenspielausbildung bei Mike Leach, der ihnen sechs Monate lang beibrachte, wie man eine Marionette richtig führt, was ihnen eine Stelle als Darsteller am renommierten Puppetworks Theater einbrachte. Diese harte Arbeit, zusammen mit dem Kontakt zu den Artefakten des Bread and Puppet Theater ihres Vaters und dem balinesischen Schattenspiel, brachte Allen zu ihrer kreativen Praxis: Komponieren für akustische Instrumente, elektronisches Arrangieren und Auftritte mit Puppenspiel. Osni the Flare erzählt einen Schöpfungsmythos, in dem die Titelfigur in einem Garten aufwacht und Äpfel von einem Baum pflückt. Von einem Loon herbeigerufen, macht sich Osni auf, den Baum vor der Kälte des Winters zu schützen. Als der Loon von einem Drachen verschlungen wird, wagt sich Osni in dessen Bauch und entdeckt dort Glut. Als er diese Glut dem Baum anbietet, entzündet sich dieser - der Ursprung des Feuers selbst. Iso, der Gott des Meeres, greift mit einer Flut ein, die Osnis Garten überschwemmt. Nach seinem Tod gelangt Osnis Seele in das Reich der Schatten, wo sie sich Tin und Iso anschließt und zur Gottheit des Feuers wird - Osni the Flare. Das Album klingt menschlicher und kindlicher als sein Vorgänger ,Tin Iso and The Dawn" und wechselt von der Perspektive der Götter als Beobachter zu der des ersten sterblichen Charakters in Allens Welt. Unterstützt durch neue Liebe, kanalisiert das Projekt Gefühle in Musik, die zu einem ganz eigenen Zauber wird. Wie Tin Iso beginnt und endet das Album mit Klavierklängen als Portal, das die Heimat repräsentiert, während Osni sich auf eine Reise durch drei Reiche begibt: das Land der Lebenden, das Zwischenreich und das Jenseits. Osni the Flare wurde fast komplett mit einem Aston-Kondensatormikrofon in Allens Wohnung in Brooklyn mit Blick auf den Cypress Hills Friedhof aufgenommen und besteht aus Spielzeugklavier und Flöten, Okarinas, Harmonium, Pumporgel, E-Bass und Kontrabass, Gadgets und einer umfangreichen Sammlung von Spieluhren und Glocken. Die Gesangsmelodie - inspiriert vom Summen seiner Partnerin Virginia Garcia Ruiz, das an Pans Labyrinth erinnert - war Allens erster Ausflug in den Gesangsbereich, wobei er eine Melodie ohne Worte verwendete, um den Zuhörern zu ermöglichen, die Protagonisten zu bleiben. Die Flöten wurden Note für Note akribisch aufgenommen, darunter balinesische Sulings, Fundstücke aus chinesischen Souvenirläden und vogelförmige Okarinas. Die Spieluhren wurden langsam aufgezogen, einzeln gesampelt und dann neu arrangiert und gestimmt, um Virginias Summen zu verdoppeln. Ein ausgedientes Casio SK-1 mit einem kaputten Lautsprecher wird mit einem Harmonium kombiniert, um Akkordtexturen zu erzeugen. Stundenlange Improvisationen, die durch Bastl Thyme und NanoVerb geleitet wurden, erzeugten lange, ausklingende Delays, wobei die besten Momente für Songs ausgewählt wurden. Feuergeräusche entstanden durch Fingernagelklicken auf Klaviertasten. Feldaufnahmen hielten das Zerlegen eines Klavieruntergestells, das Löschen von Kerzen und Geräusche aus einem Hospiz fest. Die Stimme des Drachen spricht Worte aus Allens erfundener Sprache. Die Melodie liegt oft im Bass - inspiriert von Goth und Gamelan - mit nach oben gerichteten Verzierungen. Der detailreiche Ansatz spiegelt eine Punktierung wider, die Allens Original-Artwork für das Albumcover ähnelt und durch ihre obsessive Arbeit kleine Teile zu einem großen Bild zusammenfügt - unter der Dusche, vor dem Einschlafen, mitten im Satz. Das Klavier wurde von der Toningenieurin Katie Von Schleicher bei Figure 8 Recording neu aufgenommen, gemischt wurde das Album von Paul Corley. Der technische Leiter Jim Freeman arbeitete vier Monate lang am Halsgelenk und fünf Monate lang an den Schultern der Basswood-Stabpuppe, die von Bruce Schwartz' Ballerina inspiriert ist. Freeman verbrachte Jahre damit, ein selbstgebautes LED-System zu entwickeln, um das Puppenspiel von der Bühne aus zu beleuchten, und sein unwillkürliches Pfeifen während der Arbeit wurde heimlich aufgenommen und ist im Schlussmoment zu hören. Die Herstellung der Puppen wurde von Miryam Moutillet und Lauder Weldon überwacht, die hybriden Köpfe wurden von Duygu Bayar Ekren entworfen. Seit der Veröffentlichung von Tin Iso im Jahr 2023 hat Allen in der experimentellen Puppenspiel-Community von New York City eine Heimat gefunden und wird von der Jim Henson Foundation und La MaMa unterstützt. ,Osni the Flare" steht für Tristan Allens kontinuierliche Weltgestaltung mit akribischer Kontinuität - viele bewegliche Teile, die in funkelnder Kohäsion präsentiert werden, wobei sich jede Komponente aus einer Idee entwickelt, wie eine Fantasy-Serie, die im selben Reich spielt. Das Album erreicht das, was sich Allens kindliches Ich beim Anschauen von Fantasy-Filmen vorgestellt hat: Musik, die nicht so klingt, als würden Menschen Instrumente spielen, sondern wie das Werk der fantastischen Welt selbst. Durch die Kunst des Puppenspielers, ,wahre Lügen zu erzählen", lädt Allen die Zuhörer ein, etwas Ursprüngliches und Unmittelbares zu erleben. Während Osni sich von einem Sterblichen zu einer Gottheit verwandelt, zeichnet das Album nicht nur den Ursprung des Feuers nach, sondern auch den Ursprung des Mythos selbst.

Stine Janvin & Morten Joh unveil "Or Gare," a stark and deeply atmospheric excavation of funeral-processional music from Ryfylke, Norway. The release marks the debut collaboration of both artists, recasting a near-forgotten tradition into ghost-lit contemporary form. Rooted in the bygone custom of "Liksong" (literally "corpse song") that was once sung by small groups of singers who guided rural funeral processions, Janvin and Joh tap into its uncanny, unbearably slow intervallic structures, reanimating the practice as a kind of ancient electronic microtonal devotional music.

In 2016, Big Gigantic released their album Brighter Future, featuring tracks with hip hop artists such as Waka Flocka Flame and Logic, singers Jennifer Hartswick, Rozes, Angela McCluskey, and Natalie Cressman, as well as collaborations with GRiZ and Cherub. The album debuted at number two on the Billboard Dance/Electronic Albums chart. Their fifth studio album, Brighter Future, reflects Big Gigantic's vision for uniting the world through music and community. Saxophonist/producer, Dominic Lalli wrote, "Now more than ever, we need to come together and work towards a brighter future for us, our children and for the human race as a whole." The album was released on August 26, 2016 and features special guests Waka Flocka Flame, Logic, Cherub, Griz, Pell, and many more. The singles "The Little Things" feat. Angela McCluskey and "All Of Me" feat. renowned rapper Logic have received national acclaim, with over 3 million downloads and 100 million streams.

Nach ihrer erfolgreich absolvierten Europa Tournee mit den Kaliforniern Y&T als special guest im Gepäck sowie diversen Festivalshows und den drei »Rockmonsters Of Switzerland« Arena-Auftritten mit ihren Landsmännern von Krokus, legen Gotthard nun nach: »More Stereo Crush« kommt mit insgesamt acht Tracks als lukrative, brandneue EP um die Ecke und liefert eine Menge neues und starkes Material.

Darunter befinden sich fünf vielseitige, bis dato unveröffentlichte Songs aus der »Stereo Crush« Aufnahmesession, wie zum Beispiel das pumpende »Ride The Wave«. On top gibt es das bis dato nur als Videoclip veröffentlichte »Mayday«, die Radio-Version der aktuellen Power-Ballade »Burning Bridges« sowie als Sahnehäubchen eine brandneue Duett-Version des aktuellen Album Fan-Favoriten »Liverpool«, zwischen Nic Maeder und Krokus-Monsterröhre Marc Storace.

By 1968, Soul music is fully in the ascendant, with some of the tracks getting funkier and funkier - no Blues or R & B any more. So this album of music from the Lone Star state continues the tradition of mixing up big star artists with lesser known singers - plenty of uptempo dancers and a few delicious ballads for a change of pace. Definitely the best of Texas ‘68!

Two turntables and a microphone. There is a truth in the clarity of that simple coda, a truth that also belies the breadth of what is possible within its confines. Sometimes you gotta get reminded. I Guess U Had To Be There, the new album from NYC rapper ELUCID and veteran producer Sebb Bash, is one of those ones. So fresh it sounds like it was made tomorrow, but bet money you could put this on in ’89 and get heads bopping.
There are moments in music when masters of their craft cross paths at the height of their respective powers—records like Madvillainy, Liquid Swords, Dr. Octagonecologyst, and Hell Hath No Fury—where the result is more than the sum of its parts. ELUCID and Sebb Bash find themselves in this heady, seemingly effortless ephemera on I Guess U Had To Be There. Everything is both familiar and groundbreaking. The beats shift and flip under ELUCID’s feet but he tightropes it all, delivery nimble as a mountain goat, producer and rapper moving in perfect synchronization. Some shining stars make memorable appearances: billy woods, Breezly Brewin, Estee Nack, Shabaka Hutchings. But this is a two-man show, and the duo keep the spotlight where it belongs. I Guess U Had To Be There is a captivating, convention-defying listen and a high-water mark for two of the best artists in the genre.

Die französisch-afrikanische Künstlerin Amy Gadiaga (AH-mee GAH-dee-ah-gah) ist eine in London lebende Bassistin, Sängerin und Komponistin. Ihre Debüt-EP "All Black Everything" hatte eine wichtige neue Stimme in der Londoner Jazzszene angekündigt. Mit ihrem neuen Projekt "BabyGoated" macht Gadiaga einen mutigen Schritt in Richtung Farbe und Selbstbewusstsein. Sie folgt ihrem Instinkt, über den Jazz hinaus zu expandieren und Musik zu machen, die sich weitläufig, grenzenlos und ihren Wurzeln treu anfühlt. "BabyGoated fasst zusammen, wer ich bin", erklärt Gadiaga. "Sowohl verletzlich (Baby) als auch mutig (Goated). Es ist niedlich und liebenswert, aber auch ein bisschen arrogant." Der Titel spiegelt die Dualitäten wider, die das Projekt prägen: zwischen Demut und Stolz, Sanftheit und Stärke, göttlicher Energie und menschlicher Unvollkommenheit. ,Das ganze Projekt ist ein ständiger Kampf zwischen Selbstbewusstsein und Verlorenheit - aber immer voller Anmut." Während "All Black Everything" sich auf erweiterte Jazz-Instrumentierung stützte, tauscht "BabyGoated" diese gegen Direktheit ein. Gadiagas Stimme rückt in den Vordergrund und verleiht ihrem inneren Dialog mit ungeschützter Klarheit Gestalt. "BabyGoated" setzt auf organische Texturen und nutzt warmes Klavier, Trompete und folkige Gitarrenklänge. Zum ersten Mal schreibt sie auch in französischer Umgangssprache. Das ist eine befreiende Wendung, die ihre französische und afrikanische Identität verbindet. "Normalerweise schreibe ich auf Französisch poetisch und extravagant", sagt sie. "Aber dieser Song entstand aus der Absicht, etwas zu schaffen, mit dem sich mein jüngeres Ich identifizieren und das es genießen kann." Die EP ist durchzogen von einer überschwänglichen Stimmung, sowohl in der Musik als auch in den Bildern. In Zusammenarbeit mit einem Kreis enger Mitarbeiter, die sie liebevoll ihre African Baddies nennt, ließ sich Gadiaga von ihrem afrikanischen Erbe inspirieren, um die Welt von "BabyGoated" zu einer farbenfrohen Vision zu formen, die Individualität und panafrikanischen Stolz zelebriert. Letztendlich ist "BabyGoated" eine Geschichte über Selbstvertrauen, Verwandlung und Freude.

I don't wanna die (Pt. 1 & 2) is John Wells raw portrait of two years caught between a stalled music deal, broken trust, and the fight to stay alive. Set against fog and grit in Baltimore, the EP blends soul-baring lyricism with shifting, dreamlike production — confronting self-doubt, past mistakes, and the stubborn will to survive.

Formed in Southend in the late 90’s, Beatglider’s tale is a familiar one taking in early acclaim only for momentum and promise to be dashed by major label statis and indifference.

After the release of the debut long-player, ‘40 Days Of Summer’, in 1999 the band signed to Sony subsidiary Lakota and decamped to LA to record its follow-up, ‘Dreaming Of Roads’, an album that was never to see the light of day.

And now, over 20 years later, ‘Dreaming Of Roads’ eventually gets a deserved release on 28th February via the Arlen label. A beautiful 11-track understated delight which musically falls somewhere between the likes of Elliott Smith, Grandaddy, Yo La Tengo and Sparklehorse, the album has not only stood the test of time, but arguably sounds as fresh as ever in 2026.
The tracklisting of the album - recorded in Los Angeles at the famed Sound City studios - is as follows:

MAN ON THE RUN stammt aus dem Amazon-MGM-Studios-Dokumentarfilm Man on the Run – The
Story of Paul McCartney and Wings, inszeniert vom Oscar-Gewinner Morgan Neville. Die Musik spiegelt
McCartneys Jahre nach den Beatles wider, in denen er sich zahlreichen Herausforderungen stellte und
einen weiteren jahrzehnteprägenden Soundtrack schuf. Dieses Set enthält sowohl weniger bekannte als
auch zeitlose Favoriten aus McCartneys Solokarriere – von seltenen Demos und unveröffentlichten Stücken
bis hin zu obskuren Live-Aufnahmen. Dieses Album fasst viele der operativen Aufnahmen des Spielfilms
erstmals auf Vinyl zusammen – darunter bisher unveröffentlichte Titel wie ’Live and Let Die (Rockshow)’,
’Gotta Sing Gotta Dance’ und ’Arrow Through Me (Rough Mix)’.

Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.

10" EP + DIY Fanzine Schwedens enthusiastischste Katastrophentouristen, The Sensitives, sind zurück mit einer neuen 10" EP, Ride It Like You Stole It - fünf Songs und eine Mischung aus Punkrock, Ska, Rock'n'Roll und Folk, die einen Optimismus versprühen, den man nur bekommt, wenn man zu viele Tourneen überlebt hat. Auf jedem der Tracks sind Gastmusiker*innen zu hören, welche die Band irgendwo auf ihrem langen, chaotischen Weg getroffen haben. Diese Freund*innen aus verschiedenen Szenen und Ländern verwandeln die EP in eine laute Feier der Gemeinschaft, der Zusammenarbeit und der Magie, sich gegenseitig zu helfen, anstatt so zu tun, als hätte man alles im Griff. Die EP kommt zusammen mit einem von der Band erstellten Fanzine, welches Songtexte, Akkorde und Geschichten aus dem DIY Alltag der Band enthält. So geht es um lange Nächte, gerissenen Saiten und immer wieder um kaputte Transporter. Trotz des Chaos ist es eine unmissverständliche Liebeserklärung an das Selbermachen. Aufgenommen, gemischt und gemastert wurde die EP von der Band zusammen mit ihrem Tour-Tontechniker Mattias. Das Fanzine wurde von Johanna gestaltet, die schon seit Ewigkeiten mit The Sensitives auf Tour ist - sie verkauft Merchandise, spielt und singt auf der Bühne und im Studio, macht Fotos und Videos und tausend andere Dinge. Ihr wisst schon... DIY: Wenn etwas zu tun ist, hat es wahrscheinlich schon jemand mit Klebeband und Kaffee erledigt....

Wie ein schwarzer Wind, der aus längst verstummten Mooren aufsteigt, legt die irische Band Coscradh ihr zweites Album „Carving the Causeway to the Otherworld“ vor, das mit furchterregender Zauberei die Moorwege der Toten freilegt. Aus tief verwurzelter Traditionen und alter Mystik lässt das Album die sechstausend Jahre alten Eichenpfade wiederauferstehen, die von kriegführenden Stämmen unter dem kalten Blick der Druiden angelegt wurden, um in das Reich jenseits des Lebens zu gelangen, und beschwört diese verschwundenen Mühen mit der Erinnerung an die Gewalt selbst herauf. Coscradh kanalisiert den Druiden als Astronomen und Kriegsseher und ruft Mars als den Gott an, dessen rotes Licht Opfer fordert, und offenbart gälische Krieger, die sich zu Gefäßen aushöhlen und die Wut von Goac in sich eindringen lassen, um sie für den Kampf zu verschlingen. Gitarren flammen auf - brennend wie Meteore, die den Horizont durchschneiden - und lassen Riffs los, die mit der Kraft der Vorfahren durchdrungen sind. Der glühende perkussive Ansturm kracht wie Hufe auf tote Erde, während die wilde Grausamkeit der Band wie ein in den Himmel geschleuderter Kriegsschrei ausbricht, gekrönt von ruinöser Pracht. Coscradh bewohnt diesen Bereich zwischen den Welten vollständig und haucht ihrem Werk die Wut und spirituelle Kraft eines Volkes ein, das Wahrheiten in Land, Himmel und Grab gemeißelt hat. Als eine Verbindung aus druidischer Wissenschaft und Blut, ritueller Aggression und sprachlicher Wiederauferstehung zwingt „Carving the Causeway to the Otherworld“ zu einer himmlischen Abrechnung, bei der das Schicksal selbst auf den Altar geworfen wird. Wie Götter, die das Firmament bereisen, fällt Coscradhs kalte, grausame Ausstrahlung auf alle, die sie hören. Das Album ist eine kosmische Hinrichtung, die vergangene Dammwege, Kriegsgötter, Steinidole und sternengeborene Kräfte, die die Druiden zu nutzen suchten, miteinander verbindet. Eine Vision des Nachthimmels als lebendige Festungsmauer der Omen für diejenigen, die auf die alten zornigen Geister hören wollen.