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Noctourniquet And then everything went black, at least for a while, at least for The Mars Volta. In the months and years following their fifth full-length, Octahedron, Omar kept on at his usual fearsome creative pace. In fact, he ramped up his output considerably, starting up his own Rodriguez Lopez Productions label and releasing a slew of solo albums. It was a practice he’d begun shortly after De-Loused’s release, with his solo debut A Manual Dexterity: Soundtrack Volume One, but as the decade reached its close, Omar grew to rely upon his solo recordings as an outlet for his prolific creativity, these albums often exploring musical pastures far beyond even The Mars Volta’s wide-ranging parameters. Before choosing to release music under his own name, Omar would always play it to Cedric first, to see if the frontman thought it had potential to become Mars Volta music. Shortly after Octahedron’s completion, Cedric flagged one batch of tracks Omar had cut with Deantoni Parks, a brilliant drummer and composer who’d briefly occupied the Mars Volta drumstool in-between Jon Theodore and Thomas Pridgen’s tenures, and whose volcanic creativity and unique, unpredictable approach to rhythm and composition had quickly made him one of Omar’s favourite artistic foils.

As with the music that made up Octahedron, the new tracks Cedric had optioned for The Mars Volta often veered far from the riotous, Grand Guignol visions of their earlier releases. It possessed the punchy, song-based focus of Octahedron, though this was a considerably darker, more menacing strain of pop, with synthesisers figuring heavily in the productions. Cedric took the tracks in 2009 and set about writing songs to the music. But no more new Mars Volta music would be heard until 2012. The years that passed in-between were nonetheless momentous, and busy, witnessing an unexpected reunion of the members of At The Drive-In, and Cedric joining his own side-project, Anywhere. But there wasn’t any sign of life within the Mars Volta until Omar, Cedric and their bandmates took to the road for a series of live shows in the spring of 2011, billed as The Omar Rodriguez-Lopez Group, debuting the songs that would become Noctourniquet. The album followed the next year, and it remains one of The Mars Volta’s finest, its electronic textures staking out unfamiliar but fertile new ground.

An unsettling, subtly turbulent listen, Noctourniquet found Cedric sketching out a story about “some sort of device that stops the darkness from bleeding”, drawing influence variously from the nursery rhyme Solomon Grundy, the Greek myth of Hyacinthus and the song Birth, School, Work, Death by British underground rockers The Godfathers. It was an album of dystopian futurism, signalled by the paranoid cyber-rock of opener The Whip Hand and its unnerving chorus, “That’s when I disconnect from you”. But it was also an album of inspired, unexpected moves and uncanny invention, like how Dyslexicon seemed to eerily evoke Blondie’s Rapture, before rushing headlong into its bruising chorus, tempos shifting restlessly throughout like quaking earth beneath the listener’s feet, or how Aegis put a brave new spin on The Mars Volta’s trademark rewiring of salsa’s overdriven passions, or how Cedric had never sounded as scary as he did on The Malkin Jewel’s mutant burlesque shuffle. Tracks like Molochwalker were sleek and concise in a way The Mars Volta had never really attempted before – which was all part of Omar’s plan.

“It had all been guitar, guitar, guitar, overdubs, everything fighting for space in the same frequency,” he explains. “So for Noctourniquet, it was all about subtracting elements, of sticking to how I made demos.” Deantoni’s presence helped revivify the group, playing against cliché and expectation, and taking each song in unexpected directions. “I’d beatbox a rhythm for him to play, to go with my guitar part, and he’d come back with three or four alternate options. It was so great.” Similarly, Cedric had never sung better than on Noctourniquet, staking out a fearsome spectrum from the chilling Tom Waitsian growl of The Malkin Jewel to the keening, beautiful vocalisation on Vedamalady, rising to match some of Omar’s most deft, most immediately effective and melodic songs yet. Indeed, Noctourniquet is the sound of a band discovering new ways to do familiar things, renewing their commitment to their mission, finding fresh inspiration a decade in, and shaking off any complacency that might have come with ten years of acclaim and success.

The journey through French-speaking pop archives continues with this fifth volume, packed with fuzz, gimmicks, and dissent. Far from the charts, the selected tracks display a great creative freedom, often backed by corrosive humor. Welcome to the surprising, kaleidoscopic, and colorful world of the late sixties and early seventies, Wizzz!
Born in Montauban, Robert Pico stumbled into music by chance when he met René Vaneste, then artistic director at Pathé-Marconi. René brought him to Paris to record his first 45 RPM EP in 1964. A year later, Pierre Perret introduced him to Vogue, where he recorded his second album with Claude Nougaro’s orchestra. Sylvie Vartan then introduced him to RCA, where he recorded four singles, including the astonishing "Chien Fidèle," a track backed by a hair-rising fuzz guitar. Alongside his solo career, he also composed for other artists like Alain Delon (the song was recorded but remains unreleased), Magali Noël, Bourvil, and Georges Guétary. In the Paris of the sixties, he mingled with Mireille Darc, Elsa Martinelli, Marie Laforêt, France Gall, Françoise Hardy, Petula Clark, Régine, Dani, Serge Gainsbourg, Joe Dassin, Franck Fernandel, Charles Level, and Roland Vincent. Despite his efforts and winning a Grand Prix Sacem for his final record, Robert Pico didn’t achieve the expected success in show business and decided to leave Paris and return to the Southwest, where he devoted himself to writing. He is the author of 23 books (including Delon et Compagnie, Jean-Marc Savary Editions 2025, a memoir about his youth and his many encounters). Today, he is relieved to never have become a celebrity and devotes himself to his work with passion.
In 1969, the Franco-Italian movie Erotissimo was released, directed by Gérard Pirès (who later directed Taxi in 1998, written and produced by Luc Besson). This pop comedy features Annie Girardot, Jean Yanne, Francis Blanche, Serge Gainsbourg, Nicole Croisille, Jacques Martin, and Patrick Topaloff. The soundtrack was written by Michel Polnareff and William Sheller, with lyrics by Jean-Lou Dabadie. "La Femme Faux-cils," performed by Annie Girardot. It recounts the feelings of a rich CEO's wife who seeks to develop her sex appeal under the influence of advertisement and magazines. Groovy, sparkling and light, this track, with ITS lush arrangements humorously critiques consumer society and feminine beauty standards.
“Je suis l’Etat” (1967) is the flagship track of the first EP by singer-songwriter Spauv Georges, aka Georges Larriaga, better known as Jim Larriaga (1941-2022). Born into a family of bakers, the young man was initially planning to become a hairdresser when he discovered English-speaking music through Elvis Presley and the Beatles. After this revelation, he decided he would become a songwriter and gave himself five years to succeed. He recorded his first two EP’s independently for RCA under the pseudonym Spauv Georges; meaning “that poor George”, a nickname given to him by the mother of her friend Jean-Pierre Prévotat (future drummer of the Players, Triangle, or Johnny Hallyday). Portraying a depressed and eccentric young man, Spauv Georges created corrosive and amusing songs that didn’t reach a wide audience, despite a TV appearance with Jean-Christophe Averty.
Supported by his loyal friend and fellow songwriter Jean-Max Rivière, Georges Larriaga met the future singer Carlos in the early '70s, then Sylvie Vartan’s assistant. He wrote songs for Carlos, including the popular "La vie est belle," "Y’a des indiens partout," and "La cantine", which went onto become a huge hit in 1972. He also composed for Claude François (“Anne-Marie”, 1971), Charlotte Julian (“Fleur de province”, 1972), helped launch child singer Roméo (who sold 4 million records), and later wrote the hit "Pas besoin d’éducation sexuelle" (1975) for the young Julie Bataille. In 1971, Jim recorded an album for Disc'Az: “L’univers étrange et fou de Jim Larriaga”, which featured pop gems like “La maison de mon père”.
The story of the song "Zoé" began when Pierre Dorsay, artistic director at Vogue Records, asked Swiss singer and musician Pierre Alain to write a song for a new female singer. The inspiration came when he realized that Zoé (the artist's name) was also the name of France's first atomic battery, created in 1948, which consisted of uranium oxide immersed in heavy water! The lyrics reflect a bubbling energy that must be handled with caution, while the instrumentation echoes this atomic theme, notably with the use of a theremin.
Zoé’s career lasted only as long as a single 45 RPM, but it seems Christine Fontane was the vocalist behind this pseudonym, who is known for several EPs, a good "popcorn" album in 1964, and a handful of children’s singles in the '70s. Regardless, the photograph on the cover is of a different girl entirely.
Later, Pierre Alain continued his career, writing songs for himself, Marie Laforêt, Danièle Licari, Alice Dona, Arlette Zola (3rd place in Eurovision 1982), and achieving multiple gold and platinum records in Canada. Also an inventor with several patents, president of the Romande Academy, and head of the French Alliance in Geneva, he now composes atonal music, books, and poetry. Moreover, he is also the host of "Les Mardis de Pierre Alain" at "Le P'tit Music'Hohl" in Geneva.
Filled with oriental choruses and fuzz guitar, "Fou" is from Jacques Da Sylva's only EP released by Vogue in 1967. Despite the quality of this recording, all traces of this singer disappear after this first effort.
Valentin is a baroque pop singer born in Belgium. He is the songwriter and composer of most of the tracks on his three singles released in the late 60s in Canada. A legend says that he reincarnated himself as Jacky Valentin during the 1970s for a rock'n'roll revival career in Belgium, but his older brother sadly debunked this story. Valentin's first two singles were arranged by Claude Rogen, a Parisian session pianist who had come to Canada to promote the song “Mister A Gogo”, a cover of David Bowie’s “Laughing Gnome”, adapted by singer Delphine, his wife at the time. Far from his usual network, Claude Rogen arranged music for Polydor, including the arrangements for “Je suis un vagabond” in 1969, a jerk tune with string arrangements and a furious optimism.
Jacques Malia wrote, composed, and recorded his only 45 EP for Festival in 1966. “Histoire de gitan” is an incredible beat track with bohemian scat that tells the story of a gypsy musician who came to Paris to make it in the Music-Hall, to no avail. The hero of the song and its author probably shared a similar fate, as Jacques Malia faded into anonymity after this remarkable attempt.
Bernard Jamet recorded two EPs for Barclay in the late sixties and co-wrote several songs with Christine Pilzer, Pascal Danel, and prolific songwriters Michel Delancray and Mya Simile. The track “Raison Légale” (1968), his masterpiece, immerses the listener in a courtroom right when a murderer is being judged, with jerk rhythm and free arrangements. A unique, paranoid, judicial, and psychedelic oddity.
Jean-Pierre Lebrot-Millers started his career in show business in 1967 as a singer and songwriter for the Philips label. After three singles, he wrote several songs of a new kind with his friend Pierre Halioche, in the midst of the sexual liberation movement and the democratization of drugs. With provocative lyrics, “Les filles du hasard” and “Barbara au Chapeau Rose” were released on a Philips singles in 1968. The character of Barbara was inspired by a queen of Parisian nightlife during the psychedelic years: model Charlotte Martin, who dated Eric Clapton from 1965 to 1968, then Jimmy Page from 1970 to 1983. Jean-Claude Petit’s arrangements, with a table-filled intro, soul brass, and Hendrixian guitar, emphasize the flamboyance of a hedonistic and sexy character, whose dog is named Junkie because “Junkie est un nom exquis”! The track was recorded live in three takes with a full orchestra.
Upon its release, the record was censored by Europe 1 and RTL due to its references to drug use. Jean-Pierre Lebrot was then banned from the airwaves and later dismissed by his record label. He changed his artist name to Jean-Pierre Millers, while his companion Pierre Halioche became D. Dolby for a new dreamy composition, “Chilla”, which Jean-Pierre produced himself with arrangements by Jean Musy. Once again, the song was immediately censored everywhere. After this setback, he decided to stop singing and started taking on odd jobs to support his Swedish wife and their son until the day he met Jean-Pierre Martin, then production manager at Decca, who had worked with Manu Dibango. Martin offered Jean-Pierre Lebrot-Millers, then employed at Rank Xerox, the position of artistic director at Decca. He accepted and became, a year later, promotion director (radio, press, TV). He worked on Julio Iglesias’s first album for Decca, which became a massive hit and allowed him to meet Claude Carrère. The latter asked him to write new songs and find their performers, much like a “talent scout.” It’s through him that Jean-Pierre discovered Julie Pietri and Corinne Hermès. He composed “Ma Pompadour” for Ringo, Sheila’s husband, and took the microphone again for the syncope hit “Rendez-Vous” in 1982.
That same year, Jean-Pierre Lebrot-Millers tried to release a track for which he had heavily gone into debt: “Si la vie est un cadeau”. Having recorded it in London, he presented it to numerous professionals, all of whom refused to get involved. The same thing happened with Antenne 2 and the Sacem when he proposed the song as France’s entry for Eurovision. He then met Haïm Saban, who was producing cartoon soundtracks and had just launched the Goldorak theme song. Saban, having listened to the song, declared it had the potential to become a hit. He sent Jean-Pierre and Corinne Hermès to meet the CEO of the Luxembourg radio and television network. The latter received them, asked to hear a verse and chorus a cappella in his office, and immediately hired them to represent Luxembourg at Eurovision 1983. They reworked the arrangements and recorded a new version with Haïm Saban as co-producer. The song ended up winning Eurovision 1983, a great comeback for our hero. He continued producing and hung out with the band Nacash in Belgium when a couple came to introduce their daughter for an impromptu audition in a hotel room. The girl sang “Les démons de minuit” while dancing to a radio cassette. Impressed, he had her take singing lessons for a year and composed a song for her (for which he had the melody and title, but no lyrics). This required him to go on the hunt for a lyricist, who ended up being Guy Carlier. They recorded the song, which was initially a ballad, at Bernard Estardy’s CBE studio, and gave the singer a new name: Melody. They showed the song around their industry network without success. Later, Estardy called Jean-Pierre to suggest changing the rhythm and making it pop-rock. Orlando, Dalida’s brother, liked the result and decided to co-produce the track. “Y’a pas que les grands qui rêvent » became a classic hit. The song has since been covered by Juliette Armanet (as a ballad, like the original) and Valentina.

Born into an aristocratic Breton family, Hervé Mettais-Cartier worked as a DJ at Queen Kiss, a nightclub in Poitiers, where he formed the band Les Concentrés with Michel (an actor) and Christian (a radio technician). Together, they created a repertoire of whimsical songs (“Ma bique est morte”, “J’suis un salaud”, “Fils de dégénéré”...) that they performed on stage dressed in white (in homage to “concentrated milk”). They performed at Bliboquet and Olympia in 1968 for the 10th edition of the “Relais de la chanson Française” organized by L’Humanité-Dimanche and Nous les Garçons et les Filles, sponsored by Pepsi Cola. Winners in the author-composer category, alongside Danish singer Dorte, their visibility allowed them to record a 45, and appear on television in Jean-Christophe Averty’s show. The A-side of the disc features Bruno le ravageur, a casatchok dedicated to Bruno Caquatrix, the director of Olympia, nicknamed in the song “Coq Atroce” or “croque-actrices”. The B-side is dedicated to “Fils de dégénéré”, a quirky tribute to Hervé's aristocratic roots, mixing absurdity with sophisticated vocal harmonies.
After Les Concentrés, Hervé Mettais-Cartier formed the duo La Paire et sa Bêtise with his friend Olivier Robert. They performed in Parisian cabarets and toured with Pierre Vassiliu. In the late 1970s, Hervé began a solo career. He recorded two albums for the Motors label in 1978 and 1979, which did not achieve their anticipated success due to lack of promotion. In 1980, he met Bernadette, with whom he started a family and created a “Chansons à voir” (songs to see) show that he performed until his death at the end of 2024.

Publicité comes from the final EP by the Missiles (Ducretet Thomson, 1966), a disc that also includes “La (nouvelle) guerre de cent ans”, featured on Volume 4 of our Wizzz! series. Please refer to the booklet for the story of the band.

“He’s 1.82 meters tall, 28 years old, weighs 135 kg, is black and Belgian”: this is the description of singer Hegesippe on the back of his sole single (Decca, 1967). He appears on the album cover wearing a Greek toga, like a hippie gag – we are at the end of the year 1967. In “Le crédo d’Hegesippe”, this former bodyguard of Antoine and the Charlots plays the delightful card of the thick brute converted to Flower-Power and non-violence, with arrangements by Jean-Daniel Mercier, aka Paul Mille.
“Ethéro-disco” was released on a promotional record for clients of the Maréchal company (Liège, Belgium) for the New Year 1979. Over a funky rhythm, celebrity impersonations (Brigitte Bardot, Jacques Dutronc, Fernandel…) deliver an enigmatic text about pharmaceutical products like ether, bismuth, and aspartate. The track was composed by Dan Sarravah (responsible for Joanna's “Hold-up inusité” featured on Wizzz! Volume 3) and Tony Talado, who was also a singer (one 45 in 1967), songwriter (with over a dozen credits between 1964 and 1985 in various styles from surf music to disco), author (Devenez Végétarien, Dricot Editions, 1985), ad designer, and psychologist.

Décollez-les is on the A-side of Mamlouk's only single, a pseudonym for Marsel Hurten, who is known for his work on several EPs in the late sixties, as well as composing music for Hervé Vilard’s “Capri, c’est fini”, Claude Channes' “La Haine”, Annie Philippe’s “On m’a toujours dit”, and Nancy Holloway’s “Panne de Cœur”.
This strange song, with Afrobeat horns and absurd dialogues between a chef and his kitchen staff, is the result of a collaboration between Marsel Hurten and one of his neighbors, a photographer from Pavillon-sous-Bois (93), where the musician settled after returning from the Algerian War. A music video was shot to promote the record.
Marsel Hurten was born in Tourcoing (59) into a musical family. At a young age, he joined the brass band founded by his grandfather, playing the piston before studying trumpet at the conservatory, as well as teaching himself how to play the guitar. As an orchestra musician, he toured in France, Belgium, Germany, and England. He released a series of solo 45’s between 1965 and 1968 for the DMF and Az labels before stopping recording to focus on working for other artists (Gilles Olivier, Noëlle Cordier…).
“L’amour nu” (Vogue, 1971) is the work of the short-lived Belgian band Mozaïque. The track, written by singer Jacques Albin, closely resembles another of his compositions, “Carré Blanc”, which he recorded in 1969 for Disc’AZ.
Represented by the Lumi Son micro-label based in Marignane (Côte d'Azur), Jean-Marc Garrigues released two 45 RPMs in the late sixties, defending the French jerk sound. The song “Je dis Non” is a short, joyful ode to youth, pop music, and rebellion.
Songwriter and performer Jacques Penuel released three singles. The first one, “Astronef 328” (Fontana, 1969), features a dizzying series of chords punctuated by sound effects, a sci-fi story, and arrangements by Jean-Claude Vannier.

We would like to sincerely thank Pierre Alain, Moon Blaha, Marsel Hurten, Bastien Larriaga, Jean-Pierre Lebrot-Millers, Bernadette Mettais-Cartier, Robert Pico, Olivier Robert, Claude Rogen, Micky Segura.

Als Blackwater Holylight vor drei Jahren ihre Heimatstadt Portland, Oregon, verließen, war es ihr Ziel, der Tristesse des pazifischen Nordwestens und dem beruhigenden Komfort des Vertrauten zu entfliehen. Mit dem Ziel, das sonnigere Klima von Los Angeles zu genießen, fand sich die Band nicht nur in einer wärmeren Umgebung wieder, sondern auch in einer völlig neuen Landschaft - einer ohne Arbeitsplätze, langjährige Freundeskreise und die bequeme Zuflucht alter Gewohnheiten. Und genau hier, unbelastet von der Zufriedenheit der Sicherheit, begann Blackwater Holylight fleißig an ihrem vierten Album ,Not Here Not Gone" zu arbeiten. Wie schon ihre früheren Werke beschäftigt sich ,Not Here Not Gone" mit der Dualität von Licht und Dunkelheit - bedrohliche Riffs bilden das Fundament für betörende Melodien, dichte Wände aus Shoegaze-Gitarren paaren sich mit luftig-leichten Synthesizern, und schwere Themen werden durch sirenenhafte Gesänge vermittelt. Im Laufe des Albums verspürt der Zuhörer mal ein Gefühl der Stärke, mal ein Gefühl der Verletzlichkeit. Wie Schlagzeugerin Eliese Dorsay es beschreibt: ,In einigen Songs sind wir die Raubtiere, in anderen die Beute." Die Gegenüberstellung von Selbstvertrauen und Unsicherheit ist nirgendwo so deutlich zu spüren wie bei einer lebensverändernden Entscheidung, was vielleicht erklärt, warum der Umzug der Band ihr Studium der Kontraste auf ,Not Here Not Gone" zu neuen Höhenflügen intensiviert hat . ,Not Here Not Gone" wurde im Sonic Ranch außerhalb von El Paso, Texas, von Sonny Diperri (Narrow Head, DIIV, Emma Ruth Rundle) aufgenommen, wodurch die Band erneut ihre Komfortzone verlassen und sich an einem Ort isolieren konnte, an dem sie sich ausschließlich auf ihre Kunst konzentrieren konnte. Das Ergebnis ist das Kronjuwel von Blackwater Holylights Diskografie - eine reichhaltige und eindringliche Studie in tonalen Hell-Dunkel-Kontrasten, in der das Licht seinen Weg aus den Schatten findet.

The Roots of Chicha, compiled by Barbès Records, was originally released in 2007 and became the first recording to popularize psychedelic cumbia around the world.

From the late 60's through the 80's, Peruvians invented a new popular musical hybrid inspired by music from the Americas. In 1968, Enrique Delgado released his first record on Odeon with his new group, Los Destellos, single-handedly creating Peruvian cumbia. He codified the genre early on by using the electric guitar as the primary melodic instrument, and mixing cumbia rhythms with folkloric huaynos, criollo voicings, Cuban guarachas and guajiras, rock, boogaloo, surf, psychedelia, oriental music, classical music, and bits and pieces from Brazil, France, Chile... All Peruvian cumbia bands for the next thirty years would end up drawing from the exact same sources (Grupo Celeste, Los Mirlos, Juaneco Y Su Combo, Manzanita Y Su Conjunto...).

This new wave of Peruvian cumbia came to be known as chicha. Chicha is originally the name of an alcoholic drink, made of fermented maize, which the Incas were especially fond of. In the past thirty years, however, the word has taken on a pejorative connotation. Peruvian cumbia started being called chicha in the late 70s, around the same time that the music came to be viewed as the expression of the slums – the pueblos jovenes. Little by little, the word became an adjective, and people now talk of chicha culture, chicha press, chicha architecture, even of a chicha president, and none if it – you guessed right – is meant as a compliment. Chicha suggests corruption, shady deals, and cholos – a derogatory term for a person of Andean heritage that, of late, is being reclaimed and worn as a badge of honor by the very cholos it was supposed to demean in the first place.

Compilation of contemporary Hawaiian music on Aloha Got Soul. Inspired by a 1970s compilation series that featured emerging talent from the Hawaiian Islands, Aloha Got Soul’s Mix Plate provides a snapshot of what Hawaii sounds like today. This is the second installment in the ongoing series.

Auf ihrem Debütalbum ist eine lange Liste von Elite-Musikern aus der Daptone-Familie zu hören, die alle mit ihrem Talent dazu beigetragen haben, Pazners kreative Vision zu verwirklichen. Das Album wurde mit großem Beifall aufgenommen und erlangte schnell den Ruf als eines der besten Instrumental-Soul-Alben des Jahrzehnts – mit Rezensionen von Pitchfork, American Songwriter, Brooklyn Vegan, Rolling Stone u.v.a.. Im digitalen Bereich wurde das Projekt durch ein unglaublich starkes organisches Wachstum bei den DSPs unterstützt, wobei die Streaming-Zahlen alle Erwartungen übertrafen und es zu einem Durchbruchserfolg sowohl für Daptone als auch für Pazner machten. Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album „In Search of a Revival“ (Daptone Records).
Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst. Mit einer Mischung aus Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während „The Olympians“ stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich „In Search of a Revival“ an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die „Sirens of Jupiter“ eröffnen, bis hin zur treibenden Horns von „Sagittarius By Moonlight“ liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen. In Search of a Revival ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

Auf ihrem Debütalbum ist eine lange Liste von Elite-Musikern aus der Daptone-Familie zu hören, die alle mit ihrem Talent dazu beigetragen haben, Pazners kreative Vision zu verwirklichen. Das Album wurde mit großem Beifall aufgenommen und erlangte schnell den Ruf als eines der besten Instrumental-Soul-Alben des Jahrzehnts – mit Rezensionen von Pitchfork, American Songwriter, Brooklyn Vegan, Rolling Stone u.v.a.. Im digitalen Bereich wurde das Projekt durch ein unglaublich starkes organisches Wachstum bei den DSPs unterstützt, wobei die Streaming-Zahlen alle Erwartungen übertrafen und es zu einem Durchbruchserfolg sowohl für Daptone als auch für Pazner machten. Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album „In Search of a Revival“ (Daptone Records).
Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst. Mit einer Mischung aus Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während „The Olympians“ stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich „In Search of a Revival“ an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die „Sirens of Jupiter“ eröffnen, bis hin zur treibenden Horns von „Sagittarius By Moonlight“ liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen. In Search of a Revival ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

In der Rock-Mythologie traf Robert Johnson 1930 an einer Kreuzung auf den Teufel und begründete damit den Rock'n'Roll. Fast hundert Jahre später, im Mai 2024, steht Dirty Sound Magnet vor seinem eigenen Schicksal, als es an der Zeit ist, ein neues Album aufzunehmen.Zum ersten Mal in ihrer Geschichte hat das Trio nicht den Luxus, jeden Schritt des Aufnahmeprozesses sorgfältig zu planen. Seit 2022, nach der Veröffentlichung ihres vielgelobten Albums DSM-III, spielt die Band 120 Konzerte pro Jahr und managt alle Aspekte ihrer Karriere selbst. Daher ist es 2024 für das Trio die einzige Möglichkeit, ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen, indem es seinem Instinkt folgt. Me and My Shadow ist das Album, zu dessen Entstehung die Band bestimmt war - ein Album, auf dem alles auf elegante Weise zusammenkommt.Wie immer in der Rockgeschichte war die Tragödie nie weit entfernt, und das Album wäre beinahe nicht entstanden. Zwei Wochen vorden ersten Aufnahmesessions entgeht Stavros nur knapp dem Tod durch eine versehentliche Vergiftung. Auf einem Krankenhausbett, halb bewusstlos und umgeben von aufgeregten Ärzten, tauchen die Themen des Albums in seinem Unterbewusstsein auf. Inmitten des Geflüsters der besorgten Ärzte, die um sein Leben fürchteten, wuchs in ihm die Gewissheit und Klarheit: ,Das kann unmöglich das Ende sein - wir müssen noch ein Album aufnehmen." Dieses Licht, das ihn aus den Schatten zurückholte, ist dasselbe Licht, das vor hundert Jahren Robert Johnson und seitdem unzählige Musiker inspiriert hat.

Audio taken from a live performance by Anar Band (Jorge Lima Barreto and Rui Reininho) with E.M. de Melo e Castro in November of 1978 at Cooperativa Árvore, Porto. The performance was filmed. A segment was included in »Obrigatório Não Ver«, a weekly programme presented by Ana Hatherly on Public Television’s Second Channel. It was not possible to determine the exact date of the event, and no documentation seems to be available in the relevant archives.

»Encontro que Tenho« and »Profissões«: these titles are specific to this release. Having failed to locate the respective poems after a thorough search in E.M. de Melo e Castro’s body of work, it was deduced both texts were created for the occasion.

Even without a full contextualisation, the sound transmits the spirit of cultural agitation proper to these sessions. When this show happened, Anar Band were Jorge Lima Barreto (ARP Odyssey synthesizer) and Rui Reininho (Ibanez double-neck guitar), with the addition of E.M. de Melo e Castro, whom we shall call a poet but whose creative intervention was far reaching. Besides poetry, also continued his efforts in linking up diverse artistic areas (painting, drawing, collage, performance, video) and his official training in textile engineering. He was one of the artists featured in Henri Chopin's »OU Revue« in 1966, establishing his natural connection to the European concrete/visual/sound-poetry avant-garde. Melo e Castro was also proficient in the agitation of minds and political awareness. A good example in »Profissões«, where initially separate professionals (an intellectual, a fisherman, a soldier, a factory worker) are gradually mixed in a show of interdependency. Symbolically, through his words one listens to a transformation of society, although the same conclusion arises twice: surplus always finds its way to the hands of the capitalists.

That was the state of affairs many were looking to change, an economic and social malaise that the 1974 Revolution in Portugal fully uncovered, when dissident voices could finally be heard in public. Each in his own way, all three participants in this recording were non-believers in the structure of society such as it was presented. Through his books and press writings, mainly concerned with Jazz, Jorge Lima Barreto pushed his way into Portuguese artistic and critical circles since the late 1960s. Consciously and unwittingly, he collected enemies and pointed them by name, people he labelled as reactionary, people who delayed progress, social and cultural mixes, the avant-garde; they even delayed the chaos from which new forms and attitudes arise.

Rui Reininho, a non-conformist by heart, experienced incomprehension from an early age. His anarchic ways, a tendency to baffle others, were revealed through the choice of clothes and accessories, public behaviour, and »real life« performances. Just as Lima Barreto, and even together with him, he enjoyed provoking the extremes: Maoists on one side, right-wing conservatives on the other. He translated leftist books and joined Anar Band precisely on the day a duck or swan or goose (one of them) was thrown on stage in Porto, 1976.

This record documents a concrete action, a snapshot of the agitation, something we have no problem calling punk activism, something which allowed two people with little to no musical training to play and record music. By then, Anar Band had managed to release their only LP in 1977. It’s this performance, however, that reveals the naked rawness of the music: improvisation, mutual listening, and choice of intervention between both musicians and Melo e Castro, clearly sensing when the synth has to change tone, the voice has to make pauses, the guitar punctuates both and finds the space to… scream. The sound was captured by the film crew, adding to the rawness: the instruments are palpable, the voice often too close to the mic. Everything was preserved. First time on disc.

Spotlights veröffentlichen am 21. November über Ipecac Recordings ,Rarities", eine remasterte Zusammenstellung von neun frühen und seltenen Titeln aus der gesamten Diskografie der Band. ,Rarities" zeichnet die Entwicklung der Band nach, von ihrer Debütsingle bis hin zu herausragenden Titeln aus ihrer EP ,Séance" aus dem Jahr 2023. Nach ihrem Umzug von San Diego nach New York im Jahr 2013 veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Darauf folgten die EP ,S San Diego nach New York zog, veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Es folgten die EP ,Spiders" und ihr Debütalbum ,Tidals" im Jahr 2016 - Veröffentlichungen, die die Aufmerksamkeit von Künstlern wie Deftones, Shiner, If These Trees Could Talk auf sich zogen und schließlich zu ihrer Unterzeichnung bei Ipecac Recordings führten. Nach einem Jahrzehnt voller Veröffentlichungen reflektiert die Band nun über diese Songs, die alle zum ersten Mal auf Vinyl erscheinen.

2026 Repress

Wer auf Hardrock und traditionellen Heavy Metal steht, sollte sich den Namen Wings Of Steel genau merken. Die beiden ersten Alben der amerikanischen Band, »Gates Of Twilight« (2023) und »Winds Of Time« (2025), fanden in der Szene großen Widerhall.

Wings Of Steel nehmen ihren Anfang, als sich Sänger Leo Unnermark und Gitarrist/Bassist Parker Halub beim Musikstudium in Los Angeles über den Weg laufen. Beide verbindet dieselbe Vision und ähnliche musikalische Vorlieben. 2019 beginnen sie, gemeinsam Songs zu schreiben. 2022 erscheint die erste, selbstbetitelte EP von Wings Of Steel.

Wings Of Steel erhalten in der Fachpresse durchweg wohlwollende Kritiken, speziell in Kontinentaleuropa, wo das deutsche Rock Hard den Gesang von Leo Unnermark bewundernd als Kreuzung aus Geoff Tate und Bruce Dickinson beschreibt.

Über High Roller Records erscheint die ursprünglich von der Band in Eigenregie produzierte Debüt-EP mit den Songs „Stormchild“, „Wings Of Steel“, „Rhythm Of Desire“, „Khamsin Riders“ und „Black Out The Street“ nun zum ersten Mal offiziell als internationale Lizenzpressung.

Die ideale Gelegenheit also, um sich mit dem frühen Material dieser herausragenden neuen Band vertraut zu machen.

The musical legacy of a night that will live on for years - Fermin Muguruza's 40th anniversary roar! Under the title "Akelarre Antifascista" (which literal translation would be "Anti-Fascist Witches' Coven", but loosely translated as Anti-Fascist Celebration), in a reference to the legendary Akelarre, a wild gathering of Basque witches, this album distils all the intensity, sweat and collective excitement of a night when thousands of voices joined together to celebrate not just a career, but a way of seeing art as resistance. On 15th February 2025, Madrid saw more than just a concert: it was a collective ritual, an anti-fascist demonstration in which thousands of voices came together as one to emphasize the tenacity of a voice that never surrendered. Four decades after lighting the fuse of combative rock in Euskal Herria, the Basque Country, Fermin Muguruza chose the capital of Spain, a city that closed its doors to him so many times and that he has described as "the heart of the beast", to make the definitive record of his 40th anniversary tour. The result is "Akelarre Antifascista", a live album that distils the history of a musical and political resistance that has spanned generations, languages and frontiers. The concert, sold out with 15,000 people, was an explosion of energy, memory and future. Right from the first chord, the Sports Palace of Madrid became an open setting, a free territory where bodies, rhythms, languages and flags mixed freely. Triple 180gr vinyl LP in trifold sleeve.

Gelbes Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. Exklusiv für den Indie-Handel. Kommt mit Texblatt und Downloadcode. Great Resignation! So wird das massenhafte Kündigen von Bullshitjobs während der Corona-Pandemie bezeichnet. Die Verweigerung die eigene Arbeitskraft zu den widrigsten Bedingungen zu verkaufen, wenn es nicht mal zum Leben reicht. Auch wenn man sowieso bald wieder ran muss - nur für einen Moment spüren, die Macht zu haben alles lahm zu legen, hörten einfach alle auf: Wertschöpfung, Broligarchie, Kaufland, Deutschland. pogendroblem haben sich also nochmal zusammengerauft und ein neues Album gemacht. Drei Jahre für ein neues Album? In der Tat: Great Resignation. Oder zu wenig die Brotjobs gekündigt? Und wenn sie die Arbeit so hassen, warum haben sich pogendroblem dann noch weiter in die Musikindustrie reinbegeben? Widersprüche schärfen und aushalten. Ambiguitätstoleranz. Nachdem AWINHSMK Ende 2022 bei Audiolith erschien, ging es für die Band wild hin- und her zwischen Pop-Festivals, Punkbühnen, Preisverleihungen und Solishows für selbstverwaltete Kulturzentren oder gegen die extreme Rechte. Nun der Nachfolger Great Resignation bei Kidnap. Das Schulterklopfen der Kulturförderung darf natürlich auch nicht fehlen. Zwölf Tracks auf 1:22 bis 2:30. Ästhetisch nochmal diversifiziert und dennoch aus einem Guss, entstanden unter Regie von Gregor Hennig im Studio Nord Bremen, gemischt von Daniel Roesberg und gemastert von Christian Bethge. Musikalisch klarer und pointierter als zuvor. Obviously (Post-)Punk, poppige Niedlichkeit, Garage Vibes, bisschen Hamburger Schule, bisschen Kraut, etwas düsterere Gitarren und natürlich Brotschneidemaschine durch FX geballert. Große Resignation! Die große Traurigkeit zieht sich durch die Platte hindurch, auch in den auf den ersten Blick lustigen Liedern. Denn hier sind sich pogendroblem treu geblieben, es geht um absurde Alltagsgeschichten, um Subjektivierung, die nicht mehr zu funktionieren scheint. Um Fragmentierung von Gesellschaft, Arbeitsbeziehungen, der Linken. Wie durch die Zeit der Monster (Antonio Gramsci) navigieren, fragen pogendroblem. Wie weiter machen gegen Faschisierung und Klimakrise? Klar ist: Es kann nicht immer so weitergehen.

Pelican war schon immer eine Band, die nicht nur aus Chicago kommt, sondern echt typisch für Chicago ist. Gegründet im Jahr 2000 von den Gitarristen Trevor Shelley de Brauw und Laurent Schroeder-Lebec zusammen mit den Brüdern Bryan und Larry Herweg am Bass und Schlagzeug, hat Pelican seine Wurzeln in der regel- und genreunabhängigen Szene, die man mit dem Fireside Bowl verbindet. Nachdem Schroeder-Lebec nach dem Weggang von Dallas Thomas im Jahr 2022 zur Band zurückgekehrt war, konnte Pelican in dieser wiedervereinigten Besetzung an den Geist ihrer Gründungszeit anknüpfen und mit ihrem 2025 erschienenen Album Flickering Resonance" etwas ganz Neues schaffen. Das Album ist bereits in der dritten Vinyl-Auflage. Sowohl neue als auch alte Fans stöbern wieder im Pelican-Katalog, was auch zu zusätzlichen Neupressungen und Wiederveröffentlichungen ihrer beliebtesten Titel geführt hat. Mit drei Vinyl-Neupressungen allein im ersten Jahr und mehreren Tourneen in den USA und Europa zur Unterstützung des Albums hat Pelican nun eine EP mit vier Titeln aus der Flickering Resonance"-Ära als neue 12"-EP Ascending" neu aufgelegt. Pelican-Fans werden die letzten beiden Tracks Adrift" und Tending the Embers" wiedererkennen, die 2024 digital selbst veröffentlicht wurden und nur auf einer limitierten Anzahl von Kassetten erhältlich waren. Diese 12"-Platte enthält auch eine Gesangsversion der Lead-Single Cascading Crescent" von Flickering Resonance mit Geoff Rickly von Thursday. Diese Version des Tracks war bisher nur auf einer limitierten Anzahl von 7"-Singles erhältlich, sodass sie nun zum ersten Mal digital veröffentlicht und auch in physischer Form allgemein verfügbar ist. Der Titeltrack der EP, Ascending", wurde etwa zur gleichen Zeit wie Flickering Resonance aufgenommen, aber nicht auf dem Album veröffentlicht, da er eher wie ein eigenständiges Werk wirkt. Die Zusammenführung dieser vier Tracks auf einer EP unterstreicht einmal mehr, dass Pelicans regelwidriger Ansatz der Kern dessen ist, was Pelican zu einer festen Größe in allen Genres macht, die sie erkunden.

Pelican war schon immer eine Band, die nicht nur aus Chicago kommt, sondern echt typisch für Chicago ist. Gegründet im Jahr 2000 von den Gitarristen Trevor Shelley de Brauw und Laurent Schroeder-Lebec zusammen mit den Brüdern Bryan und Larry Herweg am Bass und Schlagzeug, hat Pelican seine Wurzeln in der regel- und genreunabhängigen Szene, die man mit dem Fireside Bowl verbindet. Nachdem Schroeder-Lebec nach dem Weggang von Dallas Thomas im Jahr 2022 zur Band zurückgekehrt war, konnte Pelican in dieser wiedervereinigten Besetzung an den Geist ihrer Gründungszeit anknüpfen und mit ihrem 2025 erschienenen Album Flickering Resonance" etwas ganz Neues schaffen. Das Album ist bereits in der dritten Vinyl-Auflage. Sowohl neue als auch alte Fans stöbern wieder im Pelican-Katalog, was auch zu zusätzlichen Neupressungen und Wiederveröffentlichungen ihrer beliebtesten Titel geführt hat. Mit drei Vinyl-Neupressungen allein im ersten Jahr und mehreren Tourneen in den USA und Europa zur Unterstützung des Albums hat Pelican nun eine EP mit vier Titeln aus der Flickering Resonance"-Ära als neue 12"-EP Ascending" neu aufgelegt. Pelican-Fans werden die letzten beiden Tracks Adrift" und Tending the Embers" wiedererkennen, die 2024 digital selbst veröffentlicht wurden und nur auf einer limitierten Anzahl von Kassetten erhältlich waren. Diese 12"-Platte enthält auch eine Gesangsversion der Lead-Single Cascading Crescent" von Flickering Resonance mit Geoff Rickly von Thursday. Diese Version des Tracks war bisher nur auf einer limitierten Anzahl von 7"-Singles erhältlich, sodass sie nun zum ersten Mal digital veröffentlicht und auch in physischer Form allgemein verfügbar ist. Der Titeltrack der EP, Ascending", wurde etwa zur gleichen Zeit wie Flickering Resonance aufgenommen, aber nicht auf dem Album veröffentlicht, da er eher wie ein eigenständiges Werk wirkt. Die Zusammenführung dieser vier Tracks auf einer EP unterstreicht einmal mehr, dass Pelicans regelwidriger Ansatz der Kern dessen ist, was Pelican zu einer festen Größe in allen Genres macht, die sie erkunden.

White double vinyl

High Roller Records, weiße Doppel-Vinyl, limitiert auf 200 Stück, 425 g/m² schwerer Kartonumschlag mit 5 mm Rücken, 4-seitiges Insert, Download-Code

Mit ihrem dritten Album „Exequiae“ (lat. „Totenfeier“) setzen Lone Wanderer aus Freiburg im Breisgau ein eindrucksvolles Zeichen in Sachen Funeral Doom. Das High-Roller-Debüt der Band führt die inhaltliche Linie seines Vorgängers „The Faustian Winter“ fort - vom Ende der faustischen Kultur hin zu innerer Trauer und existenzieller Verzweiflung.

Die Stücke - darunter der fast 25-minütige Schlüsselsong ‚To Rest Eternally‘ - verbinden erhabene Langsamkeit, dichte Harmonien und erdrückende Schwere

Das Artwork stammt getreu der Tradition des Quartetts von einem Maler der deutschen Romantik: Ernst Ferdinand Oehme, dessen „Prozession im Nebel“ die Grabesstille des Albums einfängt.

Una interpretación de Soinuarenbidea II debería partir de esta premisa: todo es posible, nada es aleatorio, y en sí mismo es un imposible de aleatoriedades. El escenario planteado explora la idea de realidad aumentada desde una percepción sonora, ambiental y colectiva. La obra transita hacia adelante y hacia atrás recreando experiencias extintas de porvenir incierto, tratando de facilitar un fin pacificador. Cada pieza sonora se crea, se despliega, se repliega y se destruye, en una torsión permanente de toda la realidad que hace posible cada fragmento musical, cada identidad acústica, cada espacio sonoro. Lo onírico, la ficción, y el viaje están continuamente presentes, y es en el transitar de cada fragmento donde se produce el diálogo de la exposición musical. Los elementos de esta ficción se recrean continuamente, en un continuum donde se entrelazan y se van contorsionando a medida que crecen o decrecen con cada fragmento de síntesis concreta. Los temas explícitamente musicales son el magma que conduce a dar voluptuosidad al disco, siendo la piel un contexto o límite que en sí mismo fluctúa indefinidamente en texturas y configuraciones posibles. Y la urdimbre del silencio es la síntesis que está continuamente presente y que trata de cohesionar los fragmentos en continua colisión expresiva. Las grabaciones de campo proporcionan el material sonoro concreto, y como un fractal sonoro cada una de ellas ofrece diferentes grados de interpretación que a su vez conduce a nuevos fragmentos y nuevas creaciones. Así que se puede pensar que esta es una síntesis de una posible realidad, pero interpretable en infinidad de maneras. Un movimiento y una estaticidad implícitas que generan estructuras y dinámicas acústicas. Lo que se escucha no es real, pero en sí mismo forma parte de la realidad, creando un escenario expectante. Lo cinematográfico, plástico y teatral, danzante y dinámico cobra importancia en este juego, porque se trata de contar una historia, una experiencia recreada desde los puntos de vista del arte visual. Es a su vez hilo conductor y entretenimiento, discurso político y puro divertimento. Es desde este espacio de convivencia artística que tiene sentido la totalidad y justifica el formato sonoro planteado. La contradicción de la obra es patente en el formato, y es a su vez el planteamiento de una accidentalidad en el devenir vital. Contenedor de Ruido recoge todas estas contradicciones y las manifiesta en la obra Soinuarenbidea II. Es una historia sonora, es un cuento acústico. Es un fragmento de vitalidad en imágenes audibles. Es una invitación a la reflexión, a la crítica, al disfrute, a la meditación, a la celebración. Y sobre todo es esperanzadora apreciación de la realidad como algo maleable que confeccionamos colectivamente, que requiere de una paciente observación y la participación colectiva global, en un mundo finito pleno de diversidades y del que ignoramos prácticamente todo, al que deberíamos volver con respeto y devoción.

Soinuarenbidea II-ren interpretazio batek premisa honetatik abiatu beharko luke: dena da posible, ezer ez da ausazkoa, eta, berez, ausazkotasun ezinezko bat da. Planteatutako agertokiak errealitate areagotuaren ideia aztertzen du, soinu-, ingurumen- eta talde-pertzepzio batetik abiatuta. Lanak aurrera eta atzera egiten du, etorkizun zalantzagarriko esperientzia desagertuak birsortuz eta helburu baketsua lortzen saiatuz. Soinu-pieza bakoitza sortu, hedatu, tolestu eta suntsitu egiten da, musika-zati bakoitza, identitate akustiko bakoitza eta soinu-espazio bakoitza ahalbidetzen dituen errealitate osoaren etengabeko bihurdura batean. Onirikoa, fikzioa eta bidaia etengabe daude presente, eta pasarte bakoitzaren joan-etorrian gertatzen da musika-erakusketaren elkarrizketa. Fikzio honen elementuak etengabe birsortzen dira, continuum batean, non sintesi zati zehatz bakoitzarekin hazi edo txikitu ahala elkar lotzen eta bihurritzen diren. Esplizituki musikalak diren gaiak diskoari atsegintasuna ematera eramaten duen magma dira, azala testuingurua edo muga izanik, testura eta konfigurazio posibleetan mugarik gabe aldatzen dena. Eta isiltasunaren irazkia etengabe presente dagoen sintesia da, zatiak etengabeko adierazpen-talkan kohesionatzen saiatzen dena. Landa-grabazioek soinu-material zehatza ematen dute, eta soinu-fraktal batek bezala, horietako bakoitzak interpretazio-maila desberdinak eskaintzen ditu, eta horrek, aldi berean, zati eta sorkuntza berrietara eramaten du. Beraz, pentsa daiteke errealitate posible baten sintesia dela, baina hamaika modutan interpreta daitekeena. Egitura eta dinamika akustikoak sortzen dituzten mugimendu eta estatikotasun inplizitu bat. Entzuten dena ez da erreala, baina, berez, errealitatearen parte da, eta agertoki espektakularra sortzen du. Zinematografikoak, plastikoak eta antzerkikoak, dantzariak eta dinamikoak garrantzia hartzen dute joko honetan, ikusizko artearen ikuspegitik birsortutako istorio bat, esperientzia bat, kontatzea baita helburua. Aldi berean, hari gidaria eta entretenimendua da, diskurtso politikoa eta dibertimendu hutsa. Elkarbizitzarako espazio artistiko honetatik osotasunak zentzua du eta planteatutako soinu-formatua justifikatzen du. Obraren kontraesana nabarmena da formatuan, eta, aldi berean, bizi-bilakaeran istripu-tasa bat planteatzea da. Zarata-edukiontziak kontraesan horiek guztiak jasotzen ditu eta Soinuarenbidea II obran adierazten ditu. Soinu istorio bat da, ipuin akustiko bat. Bizitasun zati bat da, irudi entzungarrietan. Hausnarketarako, kritikarako, gozamenerako, meditaziorako eta ospakizunerako gonbidapena da. Eta, batez ere, itxaropentsua da errealitatea modu kolektiboan egiten dugun gauza xaflakor gisa hautematea, behaketa pazientea eta partaidetza kolektibo globala eskatzen dituena, dibertsitatez betetako mundu mugatu batean, ia guztia kontuan hartzen ez duguna, eta errespetuz eta debozioz itzuli beharko genukeena.

An interpretation of Soinuarenbidea II should start from this premise: everything is possible, nothing is random, and in itself is an impossible randomness. The proposed scenario explores the idea of ​​augmented reality from a sonic, environmental, and collective perception. The work moves back and forth, recreating extinct experiences of an uncertain future, seeking to facilitate a peaceful end. Each sound piece is created, unfolds, retreats, and is destroyed, in a permanent twisting of all reality that makes each musical fragment, each acoustic identity, each sonic space possible. The dreamlike, the fictional, and the journey are continually present, and it is in the transit of each fragment that the dialogue of the musical exposition takes place. The elements of this fiction are continually recreated, in a continuum where they intertwine and contort as they grow or diminish with each fragment of concrete synthesis. The explicitly musical themes are the magma that leads to the work's voluptuousness, the skin being a context or boundary that in itself fluctuates indefinitely in possible textures and configurations. And the warp of silence is the synthesis that is continually present and seeks to unite the fragments in a continuous expressive collision. The field recordings provide the concrete sound material, and like a sonic fractal, each one offers different degrees of interpretation that in turn lead to new fragments and new creations. So one can think of this as a synthesis of a possible reality, but interpretable in an infinite number of ways. An implicit movement and staticity that generate acoustic structures and dynamics. What is heard is not real, but in itself is part of reality, creating an expectant scenario. The cinematic, plastic and theatrical, dance and dynamic aspects take on importance in this game, because it is about telling a story, an experience recreated from the perspective of visual art. It is at once a common thread and entertainment, political discourse and pure entertainment. It is from this space of artistic coexistence that the whole makes sense and justifies the proposed sound format. The contradiction of the work is evident in its format, and it is, in turn, the presentation of an accidentality in the course of life. Noise Container gathers all these contradictions and manifests them in the work Soinuarenbidea II. It is a sound story, an acoustic tale. It is a fragment of vitality in audible images. It is an invitation to reflection, to critique, to enjoyment, to meditation, to celebration. And above all, it is a hopeful appreciation of reality as something malleable that we collectively craft, requiring patient observation and global collective participation, in a finite world full of diversity and of which we know practically nothing, to which we should return with respect and devotion.

Paisajes sonoros, diseño sonoro, drones y música grabada, realizada y arreglada para Contenedor de Ruido por David Aranaz. Coro: Basandere Ahotsak. Producido y mezclado por David Aranaz. Mástering: Estanis Elorza. Fotografía: David Aranaz. Texto: David Aranaz. Traducción: Saioa Aranaz Oreja. Trabajo y Diseño artístico: Cristina Martinez. Edición: Contenedor de Ruido Producciones y Sarbide Music. Distribución: Contenedor de Ruido.

Contenedor de Ruido agradece el apoyo en la realización de Soinuarenbidea II al coro Basandere Ahotsak y en especial a Eva Orbara Goicoa.

Soinuarenbidea II está dedicado al pueblo palestino.

Paisajes y objetos Sonoros, samplers y otras músicas transformadas para Soinuarenbidea II
Burlada: Paseos sonoros matinales por Merindad de Sangüesa, Calle Mayor, Capuchinas, Parque Uranga y varias iglesias y plazas. Pasajes del cotidiano: basura de papel, cristal y plástico.
Pamplona: Cementerio de San José. CEIP Sanduzelai /// Quinto Real: Fábrica de Armas, Puerto de Urkiaga y alrededores. Suite del silencio, bosques en movimiento /// Fábrica de armas de Orbaiceta: regatas, biosques, paseo sonoro hasta regata /// Belate: Puerto de Belate y alrededores. Vacas en pradera junto a las turberas /// Bardenas Reales: Suite de guitarra y Suite del silencio, estepa desértica /// Austria: Tranvías de Graz y Viena. Muchedumbre del metro de Viena.
Voces cinematográficas de: Matanza en Texas, Robocop, Espíritu Sagrado, Solo los Amantes Sobreviven, Voces de Gaza, Yojimbo, Terciopelo Azul, Los 7 Magníficos.
La pista A2 está dedicada a la memoria de David Lynch.
La pista B4 está dedicada a Eva Orbara Goicoa.
Pista A4: Contiene interpretaciones de piano de Three Piano Pieces Op.11 de Arnold Schoenberg.
Pista A5: Es una interpretación expandida con síntesis FM del Concerto Op. 24 - Etwas lebhaft - de Anton Webern.
Pista A7: Contiene la canción Besarkatu ninduzun (Letra de Josune López y música de Josu Elberdin) en interpretación de Basandere Ahotsak en la iglesia de Burutain bajo la tormenta.
Pista B2: Contiene la canción Recuerdos de la Alhambra (Fernando Tárrega) en interpretación torsionada de David Aranaz Sarasa.
Pista B14: Contiene la canción Agur María (Letra y Música de Estíbaliz Robles “Estitxu” y arreglo exclusivo de Alfonso Ortiz para Basandere Ahotsak) en interpretación de Basandere Ahotsak.

Equipamiento para Soinuarenbidea II.
Micros de condensador SE7, configuración XY y ORTF; Micros de cinta ORTIZ LUTHIER configuración XY y Blumlein; Grabadoras MARANTZ y ZOOM; Sintetizadores y samplers Elektron MONOMACHINE SPS-1, MACHINEDRUM SFX6 y MODEL:SAMPLES. Dave Smith MOPHO. Torso Electronics S-4. Sintetizador Modular 333 DIY; Guitarra clásica ALHAMBRA 6P; Esculturas Sonoras tipo Baschet, cristal y metales; Mesa Soundcraft FX16ii; Interface de Audio RME Babyface Pro FS; DAW Logic Pro; Procesamiento de modelado analógico con Acústica Audio, Waves, Softube, Brainworx, Sonible, Analog Obsesion, Tokio Dawn. Metering de Logic y RME DigiCheck . Amplificación Hafler PRO2400. Monitorización BW DM602 S3. Mezcla digital; Mastering híbrido.

'In 2023, sound artist and composer Weston Olencki toured across the American South. Beginning in their hometown in South Carolina, they snaked a circuitous path from the mountains of West Virginia to the banks of the Mississippi River. As the miles accumulated, so did the initial seeds of new work.
'Instruments and artifacts they acquired hitched a ride in the backseat, while songs and sounds filled their portable recorder: water in its various states, the familiar insectoid buzz of those summer nights, trains cutting through the landscape, the traditional music that lived alongside the communities that kept it. Olencki took it all in, and over time, found ways that these experiences coalesced into a bramble-like perspective of time, where past, present, and future intersect in ways both barbed and beautiful.
'Broadsides, Olencki’s newest solo full-length is the multilayered result of this journey. The album follows their landmark release Old Time Music from 2022, which presented radical interpretations of traditional tunes from Appalachia and throughout the South alongside original compositions that drew significantly on archival recordings. On Broadsides, Olencki rejects delineations between the unmoored avant-garde and the rootedness of one’s cultural heritage, revealing their porous and intertwined nature. “My mother was a quilter. Her mother before that,” they write in the album’s liner notes. “Quilting, like music, is a practice of embedding knowledge and remembrance into the very core of the thing you are making. It’s not just about the materials, but how they’re reassembled, recontextualized, stitched, woven to form new patterns - the minutiae of craft holding significance to those looking to find it. Stories woven from stories, never told the same way twice.”
'Like all great road trips, Broadsides unfolds slowly and continuously, with moments of dramatic reverie punctuating the endless melt of highway in the rearview. We’re immediately confronted by the uncanniness of revisiting old haunts, as Southern storms break through the initial churn of the freight locomotives of Alabama. Olencki’s interpretation of the bluegrass standard “Foggy Mountain Breakdown” captures the euphoria of melancholy in motion. The permutational plucks of banjo are bounced around the frame by a computer, its pitches determined within algorithmic sequences and transcriptions of classic three-finger licks. The tonalities of old-time are smeared and stretched until all that’s audible is the insistence that Heaven might be real.
'In the album’s second half, “Omie Wise,” a murder ballad made famous by Doc Watson, follows an interlude recorded on the river in North Carolina in which the titular character’s body was laid. Ghostly echoes of a dozen other renditions float through the substrata as Tongue Depressor’s Henry Birdsey accompanies them on the pedal steel guitar. The album’s central composition, “all my father’s clocks,” is a profound meditation on entropy and impermanence. The sound of their father’s extensive clock collection ticks away as Olencki pulls a bow across the length of an autoharp sourced from a rural strip mall. The instrument was left as detuned as it was found, the resonance of its deep bass drone and clanging high-end the result of years of neglect and the warping effects of Southern humidity.
'Historically, broadsides were an early form of broadcasting, an often- musicalized telling of current news pasted in the public square. The name was later taken up by Sis Cunningham and Gordon Friesen in the 1960s, whose Broadside magazine published songs and social commentary when American folk music resurfaced as an urgent way of communicating the multifaceted politics of its time.
'Olencki borrows the phrase to recall both this old form of songmaking and that later prominent reexamination of traditional music’s role in modern life, but also to draw attention to the fragmented and machine- mediated way heritage is diffused in this very different, but no less pivotal, moment.
'As a sanitized past is used as justification for current violence and domination, we can turn to these artifacts to better understand the history of ourselves, but only if they are consciously pushed to evolve. Broadsides represents one personal, striking vision of what far-flung futurisms could be respun from = these high, lonesome sounds: a reflection of the unbridled joy and deep sorrow inherent to living together through time, and a desire to push further into the untold and unknown.'

Compilation of early 70s singles and later archival recordings by pioneering Mexican proto-doom and stoner rock band.

Ltd. Coke Bottle Green Vinyl

Die LP-Erstauflage kommt als Sub Pop Loser Edition auf Coke-Bottle-transparent-grünem Doppel-Vinyl im Klappcover mit speziellen Innenhüllen und mit Inlay. Die 14 Songs des Albums verteilen sich auf die ersten drei LP-Seiten, denn Seite 4 des Albums enthält ein Etching. Mit "Death Jokes" wendet sich der in New York City lebende Damon McMahon, zum ersten Mal seit der Gründung des Amen Dunes Projekts im Jahr 2006, mit seinen spirituellen Reflexionen und Meditationen von sich selbst ab und wendet sich direkt der Welt zu. Das Album ist auch musikalisch und thematisch eine drastische Wendung, verwurzelt in der elektronischen Musik der Raves und der Rap-Musik, mit der er aufgewachsen ist, von der er sich aber nie vorstellen konnte, dass er sie machen könnte. Durch Samples und Texte wirkt es wie ein vernichtendes elektronisches Essay über Amerikas Kultur der Gewalt, der Dominanz und des zerstörerischen Individualismus. Die Arbeit an "Death Jokes" begann nur wenige Wochen vor der ersten Nachricht von der Pandemie im Winter 2019; sie wurde drei Jahre später abgeschlossen. Die Bedeutung des Albums wandelte sich mit dem Fortschreiten der Pandemie, zunächst als Reflexion über unsere Verbundenheit mit der Form und mit uns selbst, dann als feierliche Anklage gegen die blinden Flecken unserer Kultur, wenn wir falsch urteilen und angreifen, wenn sich Egozentrik und Selbstgefälligkeit als Moral ausgeben. "Death Jokes" ist das erste Album von Amen Dunes seit "Freedom" aus dem Jahr 2018, das von Pitchfork als ein "bestes Album des Jahrzehnts" bezeichnet wurde.

Me Saco Un Ojo Records proudly presents the debut EP of Croatian death-doom maniacs Decrepit Altar.
Gloomy guitars greet you with a charnel atmosphere, eerily descending into the graves. This subsides to showcase putrescent riffing and gargantuan drums with a monolithic heaviness, the perfect recipe for fetid death-doom excellence. Morbidly snarled vocals reverberate into the abyss with the spectral instruments perfectly enshrouding their malignant presence.
Combining crushing heaviness with savage and creeping aggression, these three tracks lurk in shadowy cemeteries awaiting your arrival only to punish you with their flagellating horrors. From the warping progressions to the primal bludgeoning force, it will not take long for you to feel this band means business with their first release.
Each sinuous and stringy tendril of terror flows organically from the last, presenting darkness and evil with a veritably claustrophobic and tense sound. Churning malice and groove in equal measure, their vile concoction of festering offal is something pungent and addictive that keeps you coming back for more.
All three of these twisted offerings give something of their own with a personality and character while fitting together to forge a trinity of depraved darkness that doomed death metal fans will certainly cherish. Prepare for egregious defilement…

Spotlights veröffentlichen am 21. November über Ipecac Recordings ,Rarities", eine remasterte Zusammenstellung von neun frühen und seltenen Titeln aus der gesamten Diskografie der Band. ,Rarities" zeichnet die Entwicklung der Band nach, von ihrer Debütsingle bis hin zu herausragenden Titeln aus ihrer EP ,Séance" aus dem Jahr 2023. Nach ihrem Umzug von San Diego nach New York im Jahr 2013 veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Darauf folgten die EP ,S San Diego nach New York zog, veröffentlichte die Band 2015 ihre erste EP ,Demonstration". Es folgten die EP ,Spiders" und ihr Debütalbum ,Tidals" im Jahr 2016 - Veröffentlichungen, die die Aufmerksamkeit von Künstlern wie Deftones, Shiner, If These Trees Could Talk auf sich zogen und schließlich zu ihrer Unterzeichnung bei Ipecac Recordings führten. Nach einem Jahrzehnt voller Veröffentlichungen reflektiert die Band nun über diese Songs, die alle zum ersten Mal auf Vinyl erscheinen.

Here, Flavien departs from his usual creative process to embrace collaboration—because plouf! (Léviathan) is also the story of a dive, his first collective adventure with musicians he had always dreamed of working with: Michelle Blades (guitar), Kiala Ogawa (keys), Akemi Fujimori (bass), Cédric Laban (drums), and Thibaud Merle (winds).



Reworking these songs is a way of revisiting forgotten musical landscapes, shedding new light on them with a different perspective. It’s about transforming a solitary electronic record into a collective piece by exploring new textures and instrumental approaches.



With this album, Flavien Berger uses his early tracks as raw material—as if the 2015 Léviathan were now a kind of demo from which to extract the essence and create something entirely new. The project, like the music that drives it, is rooted in the idea of reinvention.



The result is a fresh sonic exploration where Léviathan’s tracks take on new forms—some staying true to their original versions, others completely reimagined, blending past and present.

New FLEE publication focused on Arabian Gulf's pearl divers, their culture through their soundscape, traditional songs & rhythms. Including archival recordings and reinterpretations by moderns electronic artists such as Joakim, Tomaga, Ben Bertrand, Conny Frischauf, Hieroglyphic Being .....

Available as 2LP, black vinyls & 2LP+258p book (English & Arabic text) bundle.

The pearls of the Gulf have stoked the imagination and desire of people around the world for centuries, their magnificence matched only by the courage of the divers who found them. This project aims to honor the memory of these valiant free-divers, their culture and their music by the means of a 2XLP compilation with undisclosed original recordings of pearl divers and inspired modern-day compositions by artists like Tomaga, YPY, Ben Betrand, Tarek Yamani or Hieroglyphic Being. Along with that record, a 258 pages long book in Arabic and English is available featuring contributions from regional experts and artists to contextualize the tremendously rich theme that is pearling and its music.

Oakland's DJ Mes returns with a fresh dose of jacked-up house in the 'D3w W3rk' series. Volume three blends gritty funk and rawness into fun, functional sounds. The EP opens with 'Detroit Ratchet City,' a bold, chunky anthem for pumping up the sweat before moving into the loopy 'For The People' where slinky percussion and soulful vocal hooks build a bristling arrangement. 'Look at Ya Shine' turns up the heat with a sleazy, slamming low end and then 'Peace of Mind' closes on a steamy, old-school tip with filtered synths, hooky male vocals and a retro charm that proves DJ Mes knows how to work the floor by joining the dots between the past, present and future.

Schneeweißes Vinyl. Zum ersten Mal seit seinem viralen Weihnachtsalbum ,A Joyful Sound", das 2020 rausgekommen ist, ist Kelly Finnigan (Monophonics) mit zwei neuen Original-Weihnachtsliedern zurück. ,I Can't Wait (For Christmas Time)" ist ein schwerer, aber entspannter Song mit einem geradlinigen Pop-Arrangement. Es ist dieser Rust-Belt-Soul-Sound mit den Harmonien, die südkalifornische Cruiser beflügeln: tief und emotional, mit genau der richtigen Instrumentierung, um Finnigans zarte Stimme in den Vordergrund zu rücken. Der Song wird auch von seiner Labelkollegin Kendra Morris und ihrer Band im Hintergrundgesang begleitet. Ähnlich wie frühere KF-Veröffentlichungen oder Perlen von The Escorts oder The Four Mints ist diese Platte für dich und deine Lieben gedacht, verpackt in hübsches Papier unter dem Baum bis zum Weihnachtsmorgen. Dann lass noch etwas Platz für Plätzchen und die B-Seite... ,Snowy Night In Ohio" fühlt sich an wie ein langsam fahrender Mitternachtszug, der sich von Cincinnati nach Memphis auf den Weg macht. Inspiriert von Finnigans erstem Winter in Ohio, seiner Liebe zu Gospelplatten und den Hornarrangements von Isaac Hayes. Dies ist ein wirklich herausragendes Instrumentalstück, das eiskalte Seele versprüht. Es enthält eine kurze Gesangsbotschaft von Finnigan, die sich wie ein Zeugnis und ein Herzensanliegen anfühlt. Mit dabei sind Terry Cole und Jimmy James von Colemine sowie Billy Aukstik und Morgan Price.

Do you remember the last time you were breathing consciously? Either way, you are likely doing it now. On his new album Observation of Breath« for the Swiss-based Hallow Ground label, Lawrence English worked exclusively with an organ for four compositions that are exercises in »maximal minimalism,« as their creator himself notes in a nod to Charlemagne Palestine, who coined this term. While it seems somewhat fitting that those four pieces based on a steady flow of air were conceived and recorded in a situation of accelerated standstill caused by a respiratory disease, the Room40 founder is not so much concerned with capturing the zeitgeist than rather incorporating the spirit of time itself. »It is a record about presence and patience,« he explains. Exploring the unique sonic affordances of a singular instrument, »Observation of Breath« is not only devoted to the durability of sound but also to its density. That it marks his debut on Hallow Ground after having shaped its sound by mastering most of the label’s releases in recent years is just as fitting then as its release following albums by Kali Malone and FUJI|||||||||||TA, whose innovative work with organ instruments have facilitated a rediscovery of their possibilities.English’s compositions however are neither directly indebted nor responding to these musicians. His exploration of the organ’s many facets started a decade ago when the composer was given access to an instrument built in 1889 that is presently housed at The Old Museum in Brisbane. After it had already played a crucial role on his seminal albums »Wilderness Of Mirrors« and »Cruel Optimism,« last year’s self-released »Lassitude« was the first record that English entirely composed and recorded with that instrument. »During the soft lockdowns, I spent many days playing to an empty concert hall, recording the pieces that became ›Lassitude‹ and then, this album,« says English in regards to an unfortunate situation that fortunately provided him with time and space—two major themes but also key qualities of the four new compositions. In this sense, he goes on, »Observation of Breath« resolves a number of the questions originally raised by »Lassitude.

Das fünfte Album der Newcastler Riffzauberer Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs (aka PIGSx7) ist geprägt von kalkulierter Aggression und selbstzerfrleichenden Texten. Zu den verblüffenden Boni gehören verspielte Synthesizer-Arbeiten und der Auftritt eines Hip-Hop-Masters. Mit seinem Titel, der Absurdität und Ernsthaftigkeit einander gegenüberstellt, ist dies Death Hilarious. Während Land Of Sleeper von 2023 als immersives Kopfhörer-Erlebnis konzipiert war, strebten Pigs dieses Mal nach etwas direkterem, böseren. ,Wir wollten, dass es ein Schlag ins Gesicht ist", grinst Produzent und Gitarrist Sam Grant. Dieses Ziel kam zum Teil dadurch zustande, dass die Band in den letzten Jahren sooooo viele Gigs gespielt hat. Die Band fühlte sich gut geölt und reif dafür, den Zuhörern zu Hause die Art von Prügel zu verpassen, die ihr Publikum von der Bühne aus erhält. Death Hilarious bietet einige Überraschungen, vor allem der Track 'Glib Tongued', bei dem El-P von Run The Jewels als Gastmusiker mitwirkt. Als Bassist John-Michael Hedley unwissentlich das schrieb, was seine Bandkollegen als ihr Äquivalent zu einer Hip-Hop-Nummer betrachteten, setzten die Pigs ihre Ziele hoch an und sicherten sich einen fulminanten Beitrag von einem der größten Rapper der Welt. Das soll nicht heißen, dass Pigs zum Nu-Metal übergegangen sind. Death Hilarious ist eine abwechslungsreiches, straffes Album, das sich zwischen sabbathianischem Doom, grotesk minimalistischem Noise Rock und zyklischen Post-Metal-Fortissimos bewegt. Auch die Pigs treiben sich selbst weiter an. Unpassende Synthesizer-Soli tauchen dort auf, wo normalerweise Gitarren-Histrionik Platz hätte. Klaviertracks lauern im Mix und verleihen dem Klangstrudeln eine fast unterschwellige Tiefe. Stitches" ist wie Motörhead, die versuchen, Glamrock mit einem beschwipsten Keyboarder zu spielen. Und dann ist da noch das 100-Meilen-Tempo des Cosmic-Thrash-Openers ,Blockage". Verzerrte Licks fliegen aus den Verstärkern von Grant und Lead-Gitarrist Adam Ian Sykes, während die Rhythmusgruppe dahinter brutzelt. Mit all dieser Power, die durch die Adern fließt, wird Death Hilarious mit Leichtigkeit eines der besten Rockalben des Jahres 2025 sein... und das ist kein Witz!

Die zweite Emo-Welle atmet den letzten Atemzug des Alternative Rock. Jejunes zweites und letztes Album ,This Afternoons Malady" demonstriert ihre Vorliebe für Midwest Emo durch eine Corganesque-artige Wand aus knurrenden Gitarren. In Zusammenarbeit mit Ted Leo von Chisel produziert, mischen die zwölf Songs von ,Malady" Handklatschen und Herzschmerz zu gleichen Teilen, alle remastered und endlich zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Sie können die Picture Disc nun entsorgen.

Black Vinyl

Das Album enthält Material aus allen Songwriting-Phasen der Band, einiges davon stammt aus den Zeiten von „Deprived“ und „Bringer of Drought“ sowie natürlich aus „Foreordained“, erklärt Gitarrist Samuel Dufour.

„Gateway“ wurde von dem langjährigen Mitarbeiter Xavier Berthiaume (Gevurah, Sanctvs) während derselben Session wie „Foreordained“ aufgenommen, gemischt und gemastert, wodurch die beiden Alben einen einheitlichen Klang erhalten und „Gateway“ die etablierten Erzählungen abschließen kann. „Wir betrachten es als das Ende eines Kapitels für die Band“, fährt Dufour fort. „Das heißt nicht, dass unser zukünftiges Material sich komplett von unserem bisherigen unterscheiden wird, ganz im Gegenteil, aber wir haben beschlossen, es beim nächsten Mal ein wenig anders anzugehen, indem wir neue Elemente hinzufügen, die bisher in unserer Musik noch nicht vorkamen, verschiedene Dynamiken ausprobieren und mit einer neuen Stimmung experimentieren.

Thematisch baut „Gateway“ auf Ideen auf, die erstmals auf „Foreordained“ untersucht wurden: „Der Song ‚Revival‘ aus ‚Foreordained‘ inspirierte das Thema des Albums, nämlich die Tatsache, dass Menschen seit Anbeginn der Zeit versuchen, ewig zu leben – oder ihr Leben auf unnatürliche Weise zu verlängern –, oft aus Gründen, die noch absurder sind als das Streben nach ewigem Leben selbst“, erläutert Dufour.

„Wir haben dies als Hauptthema verwendet und das Konzept weiterentwickelt, indem wir die abstoßendsten Formen der Grausamkeit untersucht haben, zu denen Menschen fähig sind – selbst wenn sie die Wissenschaft als Mittel einsetzen, um die Barbarei gegenüber ihren Feinden zu verlängern.“ Visuell setzt das Album die Zusammenarbeit von Phobocosm mit Lauri Laaksonen (Desolate Shrine, Convocation, Pestilent Hex) fort. „Auf den ersten Blick sieht man, dass es sich um ein Tor zu etwas Unheilvollem handelt, aber was dahinter liegt, bleibt dem Hörer überlassen.“ Phobocosm wird „Gateway“ mit ausgewählten Auftritten in Nordamerika unterstützen, gefolgt von Terminen in Europa im Jahr 2026.

January 21, 2026 marks the 40th anniversary of Hideaki Tokunaga's major label debut.
A long-awaited new album will be released on this memorable day! Titled "COVERS," it marks the launch of a new series of cover albums that truly showcase Tokunaga's talent.
This is his first studio recording since moving to Nippon Columbia, and his first cover album in 11 years since his smash-hit series "VOCALIST 6." With "VOCALIST," Tokunaga
built his own brand on the concept of faithfully covering classic songs by female artists. "COVERS" features a wide selection of works by both male and female artists,
reinterpreting classics that he "want to sing now" with his own powerful arrangements and vocals. It's been exactly 40 years since the release of his debut song, "Rainy Blue."
Look forward to the new sound that has been created as a result of this journey.

Die Third-Wave-Ska-Band Less Than Jake wagte im Jahre 2000 mit "Borders and Boundaries" einen mutigen Schritt. Unter der Leitung von Produzent Steve Kravacat lehnt sich das Album stärker als alle vorherigen Alben an Skate-Pop-Punk an. Anfangs polarisierte die Veröffentlichung (einige Kritiker schrieben, sie wünschten sich mehr Bläser und mehr ,Major-Label"-Sellouts, obwohl die Band wieder zurück bei einem Indie-Label war). Punknews bezeichnete das Album als ,unterschätzt". Chart Attack aus Kanada und Rock Hard & Ox-Fanzine aus Deutschland waren jedoch anderer Meinung. Ebenso wie Downed in Sound aus Großbritannien, das dem Album die perfekte Bewertung 10/10 gab und schrieb: ,Jeder Song ist so verdammt eingängig". 25 Jahre später ist "Borders and Boundaries" nun das meistverkaufte und beliebteste Album der Band. Die 25th-Anniversary-Edition enthält fünf bisher unveröffentlichte Demos und einen neuen Mix von "Is this Thing on?" von Tom Lord-Alge (u.a. Sum 41 ("Fat Lip"), Sevendust ("Waffle") und Angels & Airwaves ("The Adventure") sowie Weezer, Blink 182 etc. Gelbes Doppel-Vinyl in Gatefold Sleeve, Bonustracks auf de C-Seite, UV-Druck auf der D-Seite.

"An Eternity Still" delves into the theme of closure, capturing the emotional journey of closing one chapter and beginning another. It evokes a stirring blend of nostalgia and the need to move forward, balancing bright memories with the desire for growth and new challenges.

For this project, Vanity Productions' Christian Stadsgaard teamed up with close collaborators Emma Acs and Malthe Fischer, who joined in the compositional process. While the album maintains Stadsgaard's signature melancholia, it also introduces a fresh sonic palette, incorporating vocals and guitar alongside the project's hallmark broken electronics and dark, evocative melodies.

The Album also features remixes by acclaimed artists Farzané and Ireen Amnes, further enriching the album's collaborative spirit and adding new dimensions to its haunting soundscapes.

DIN SYNC DUB is an exploration of communication through sound. Six tightly packed experimental dub tracks use bass-heavy vibrations to rattle both body and mind, pushing the limits of self-expression in the hope of fostering deeper human connection.

The drive for more efficient and precise communication tools—whether between man and machine or machine and machine—has been a foundational force in the evolution of technology. This duality, the way we interface with computers and the way we speak to one another, is at the heart of DIN SYNC DUB. For this album, N1_SOUND looks back to 1980, drawing inspiration from Roland’s Din Sync—a 40-year-old synchronization technology once used to link musical machines in perfect harmony. While connecting machines to produce precisely sequenced music is nothing new, it’s the tension between perfection and imperfection—the mistakes of both man and machine—that gives DIN SYNC DUB its voice, its emotional rawness.

The journey begins with “Horizontal Hang”, which crashes through the door with a relentless bassline and crystalline synths. “Such Love” introduces a throbbing, guitar-driven groove, while “Intuition Dub” channels the spirit of Jah Shaka, offering a rhythmic pulse that echoes dub’s deep roots. “Us All” provides a moment of introspection with its sparse, three-dimensional melodies, before “Joy” reintroduces chaos, creating a post-dubstep soundscape that dismantles everything in its path. The album closes with “Mauzy” , a hopeful yet fragmented conclusion, reflecting the ever-evolving nature of technology and connection.

By the mid-to-late 1980s, Din Sync was superseded by the more widely adopted MIDI, yet obsolescence is built into the nature of all technology. Just as our relationship with machines shifts and fades, so too does our understanding of how those changes shape us. Before we can grasp the impact, the world has already moved on.

DIN SYNC DUB, the first full-length LP from Spiritual World, pulses with energy, on the edge of malfunction—a manifestation of the tension between the digital and the organic, the past and the present.

Seit 2007 bricht das schwedische Power-Disco-Quartett Royal Republic mit allen Rock'n'Roll-Normen, verweigert sich Klischees und schafft mit seinem fünften Studioalbum "LoveCop" eine rebellisch brillante Mischung. Gegründet mit Hits wie "Tommy Gun", entwickelte sich Royal Republic durch Alben wie "Save The Nation" und "Club Majesty" weiter. Mit Hits wie "My House" und "LoveCop" zeigt das Album, das in den Hansa Studios in Berlin von Michael Ilbert und Adam Grahn aufgenommen wurde, durch charakteristisch freche Riffs und Wortspiele, eine Fortsetzung ihres unwiderstehlichen Sounds. Vollgepackt mit intelligenten Drum-Beats und groovigen Bass-Lines ist es eine schweißtreibende Fusion aus Metallica und Michael Bolton. Macht Euch bereit für eine musikalische Achterbahnfahrt, wenn "LoveCop" die Herzen zum Schmelzen bringt und gleichzeitig die Lautsprecher in Brand setzt. Es ist die Befreiung von allen Fesseln mit dem Recht einfach mal wieder laut zu sein! Nehmt die Hände hoch und tanzt zu den unaufhaltsamen Beats von Royal Republic.

Known for their exhilarating live-to-record albums such as last year's critically acclaimed Wood Blues and Giant Beauty, سماع Sama'a (Audition) is the first of two releases that will surface after أحمدAhmed’s first studio recording sessions at North London’s The Fish Factory in early 2025.

Since 2014, Ahmed أحمد have excavated and re-imagined the music of Ahmed Abdul-Malik, in an ever ongoing search for future music. Over a decade on, the group were given the opportunity to set up in the studio for the first time and, with the aid of meticulous engineer Benedic Lamdin, سماع Sama'a (Audition) is the quartet's most detailed work to date.

Fastidious fans may recognise the album's tracklisting as that of Ahmed Abdul-Malik’s Jazz Sahara. After his success collaborating with the pianists Thelonious Monk and Randy Weston, Jazz Sahara was the first record Abdul-Malik made as a leader and was released in 1958. It used the flame of late Fifties jazz to light the wick of North African folk music and acted as a reminder of the Arabic origins of jazz, creating a distinct, unique sound that was far beyond its time. In Malik’s Jazz Sahara, there is no piano. The ongoing work of each member of [Ahmed] then is to think differently, to wonder how the music will work and to take a risk on trying it out - an extraordinarily compelling feat of imagination. Using group improvisation strategies and recording in single takes, سماع [Sama'a] (Audition) tackled the full suite of Jazz Sahara in just one session, with ‘Ya Annas [Oh, People’] and ‘Isma'a [Listen’] being previously unrecorded. 'Farah 'Alaiyna’, also released on 2019’s Super Majnoon, sounds unrecognisable - the slow, heady stomp and repeated phrasing of 2019’s embryonic [Ahmed] having been blast furnaced and sped up four-fold. The result is four kaleidoscopic, relative miniatures that move, unfold and re-imagine at a very different scale and proportion than [Ahmed]’s previous records. It’s a dizzying, euphoric music and an extraordinary record of a group moving through space-time like no other.




[b] Isma'a [Listen]
[c] El Haris [Anxious]
[d] Farah 'Alaiyna [Joy Upon Us]


[b] b1 Isma'a [Listen]
[c] c1 El Haris [Anxious]
[d] d1 Farah 'Alaiyna [Joy Upon Us]


[b] b1 | Isma'a [Listen]
[c] c1 | El Haris [Anxious]
[d] d1 | Farah 'Alaiyna [Joy Upon Us]

Quartet Records and MGM present the re-issue of the first official complete vinyl edition of Burt Bacharach’s timeless classic soundtrack for the 1967 James Bond spoof Casino Royale.

The infectious main theme performed by Herb Alpert and the Tijuana Brass is just the starting point of an epic comedy ride that includes such highlights as the unforgettable “The Look of Love,” sung by Dusty Springfield, or the epic fight music at the end of the film. Produced by record industry legend Phil Ramone, the original soundtrack LP offered selected highlights, expertly edited to showcase the best parts of the entire score. Thanks to the legendary sound quality of the stereo copies, this record became one of the most highly sought-after collectibles in the industry.

This straight re-issue of our 2019 vinyl edition was produced, restored and mastered by Chris Malone, rebuilding the score from the ground up. The soundtrack album has long been considered a cornerstone of an audiophile’s collection. Lauded by The Absolute Sound, the original Colgems release continues to remain in pole position as the best sounding “popular” LP vinyl disc of all time.

Malone’s work was focused on addressing unintended technical anomalies (such as filling dropouts and covering analogue splices) rather than broadly applying a modern sound palette. He has eschewed dynamic range compression and retained the brilliance of the original recording. The first LP is a fully remastered reissue of the iconic original stereo vinyl, playing in all its splendor. The second LP contains all the unreleased material, in mono, which are still the only available source to date.

This special 2xlp is a limited edition pressed on 180-gram black vinyl, all of it housed in a gatefold jacket, retaining the iconic original cover art by Robert McGinnis

Vinyl release of the album from 2023. Black vinyl in a standard sleeve. “out of love in the face of a shadow” is the new album from Credit Electric. Exploring the human unconscious through impressionistic pop vignettes, the album represents a significant evolution of the band’s sound that originally stemmed from limitations put in place by the global pandemic, before blossoming into something altogether new and unexpected. What started to emerge was a body of work that drew upon lo-fi jazz, dub, post-rock, ambient music, 70’s studio experimentation, and 90’s indie rock as much as the rustic folk of their past releases. The resulting album “out of love in face of a shadow” calls to mind influences as disparate as Hiroshi Yoshimura, American Football, Scientist, and Magnolia Electric Co, all the while inhabiting a world completely of their own design. Highly anticipated sophomore album from Credit Electric. Press coverage on recent releases includes reviews and features in New Commute (Albums of the Year), Various Small Flames, Raven Sings the Blues, Psychedelic Baby Magazine, and more. UK/EU Publicity handled by Chris Carr & Mal Smith. “…the band crafts American hymns that peer through fogged glass, tracing the lines of lament in hazy relief…” - Raven Sings the Blues // Albums of the Year - New Commute

Schwarze Vinyl LP Edition. Inklusive 7’’ Vinyl mit unveröffentlichten Bonus Tracks.

10-Jahre-Jubiläums-Reissue von Twit Ones wegweisendem Album „The Sit-In“ aus dem Jahr 2015. Von vielen Twit-Aficionados als eines seiner besten Werke gefeiert, unterschied sich „The Sit-In“ bei seinem Erscheinen deutlich von seinen vorherigen Alben – und Twits Musik war noch nie leicht vorhersehbar. „The Sit-In“ war die erste Twit-Platte, zu der man Räucherstäbchen anzünden kann, und auch zehn Jahre später hat sie nichts von ihrem Zauber verloren. Mit Sängerin May sowie den Poeten PB Louison und Imam Ally-Salaam. Artwork von Van Lagerstein und Robert Winter. Das 10-Jahres-Jubiläums-Reissue enthält außerdem eine Bonus 7"" mit vier neuen Tracks.