Поиск:alter

2026 Repress

Ob Krypto-Mensch oder Krypto-Substanz, es wird auf jeden Fall eine verhängnisvolle Affäre. Molas Musik ist die ungeschönte Antithese zu einer rosaroten Welt.
Sie feiert sich kaputt, zieht dich mit in ihr inneres Chaos und verzichtet auf übliche romantisierende Verklärungen der unbarmherzigen Orientierungslosigkeit, die einen nach der letzten Kippe auf dem Nachhauseweg einholt.?Das Album erzählt düster und doch fragil von kompromisslosen Autopilot Nächten die uns vereinen und trennen. Temporär reduziert intim, um dann in ikonischem 80er "Purpel Rain" Pathos zu eskalieren, illustriert MOLA das Gefühlschaos, das der innere Dialog von linker und rechter Gehirnhälfte in ihr auslöst.
Bei MOLA werden alle Erfahrungen misstrauisch auf links gedreht, um zu sehen was sich hinter der alltagstauglichen Fassade verbirgt. Sie kehrt ihr Inneres nach außen und spricht an was sie verletzt - unverzerrt, nicht übertrieben, nahbar.?MOLA beschreibt die eigenen Tiefschläge mit trotzigem Selbstbewusstsein, ohne sentimentaler Glasur.
"Schnee im Sommer" könnte ein Album einer 80er Jahre Punkrockband mit Liebeskummer sein, aber auch einer Alternative Band aus den 90ern kurz vor ihrem Urlaub in einer Betty Ford Klinik.

Inspiriert von den schattigen Cabarets und verrauchten Jazzclubs des Weimarer Berlins der späten 1920erJahre, präsentiert Bryan Ferry mit seinem Orchester auf „Bitter-Sweet“ sein Solo- und Roxy-MusicRepertoire in neuem Gewand – mit einer raffnierten Jazz-Sensibilität. Das Album besticht durch elegante
Bläserarrangements, gedämpfte Trompete, Klarinettenklänge und eine Atmosphäre urbaner Melancholie,
die Klassiker wie „Alphaville“, „Reason or Rhyme“ und „While My Heart Is Still Beating“ neu interpretiert.
Ferry selbst steuert auf acht Titeln den Gesang bei, während die übrigen Stücke als instrumentale Neuinterpretationen präsentiert werden, arrangiert mit dem Können von Colin Good und gespielt von einem
Ensemble erfahrener Jazzmusiker. Das Konzept des Albums entstand aus Ferrys Tätigkeit als Musikberater
für die gefeierte deutsche Fernsehserie „Babylon Berlin“, in der einige Titel ursprünglich verwendet wurden
und die filmisches Drama mit authentischem Jazz verbindet. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber
und Sammler: „Bitter-Sweet“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Songwriting und ist damit ein herausragendes Album zum Ausstellen, Entdecken und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte rote LP und CD.
Tauchen Sie ein in eine Welt, in der klassischer Art-Pop auf die wilden 20er Jahre trifft. „The Jazz Age“
interpretiert Bryan Ferrys Roxy Music- und Solo-Katalog als elegante Jazz-Instrumentals neu, präsentiert
vom Bryan Ferry Orchestra. Von „Virginia Plain“ und „Do the Strand“ bis hin zu „Love Is the Drug“ und
„Avalon“ – jeder Titel erstrahlt in authentischen Arrangements im Stil der 20er Jahre mit Banjo, Klarinette,
gedämpfter Trompete, Baritonsaxophon und Kontrabass, komponiert vom renommierten Arrangeur Colin Good. Britische Jazz-Größen wie der Trompeter Enrico Tomasso und der Saxophonist Alan Barnes erwecken
diese zeitlosen Melodien zum Leben, während die Mono-Produktion den Charme alter 78er-Schallplatten
heraufbeschwört. Ferry selbst verzichtet auf den Gesang und fungiert als Dirigent und Produzent. Dieses
innovative Projekt entstand aus seiner Liebe zum Jazz und seiner Neugier, wie seine Songs ohne Gesang
klingen würden. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und designorientierte Sammler: „The Jazz
Age“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Werk und ist damit ein herausragendes Sammlerstück zum
Entdecken, Ausstellen und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte Edition auf waldgrünem Vinyl (1LP) und
als CD.

Inspiriert von den schattigen Cabarets und verrauchten Jazzclubs des Weimarer Berlins der späten 1920erJahre, präsentiert Bryan Ferry mit seinem Orchester auf „Bitter-Sweet“ sein Solo- und Roxy-MusicRepertoire in neuem Gewand – mit einer raffnierten Jazz-Sensibilität. Das Album besticht durch elegante
Bläserarrangements, gedämpfte Trompete, Klarinettenklänge und eine Atmosphäre urbaner Melancholie,
die Klassiker wie „Alphaville“, „Reason or Rhyme“ und „While My Heart Is Still Beating“ neu interpretiert.
Ferry selbst steuert auf acht Titeln den Gesang bei, während die übrigen Stücke als instrumentale Neuinterpretationen präsentiert werden, arrangiert mit dem Können von Colin Good und gespielt von einem
Ensemble erfahrener Jazzmusiker. Das Konzept des Albums entstand aus Ferrys Tätigkeit als Musikberater
für die gefeierte deutsche Fernsehserie „Babylon Berlin“, in der einige Titel ursprünglich verwendet wurden
und die filmisches Drama mit authentischem Jazz verbindet. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber
und Sammler: „Bitter-Sweet“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Songwriting und ist damit ein herausragendes Album zum Ausstellen, Entdecken und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte rote LP und CD.
Tauchen Sie ein in eine Welt, in der klassischer Art-Pop auf die wilden 20er Jahre trifft. „The Jazz Age“
interpretiert Bryan Ferrys Roxy Music- und Solo-Katalog als elegante Jazz-Instrumentals neu, präsentiert
vom Bryan Ferry Orchestra. Von „Virginia Plain“ und „Do the Strand“ bis hin zu „Love Is the Drug“ und
„Avalon“ – jeder Titel erstrahlt in authentischen Arrangements im Stil der 20er Jahre mit Banjo, Klarinette,
gedämpfter Trompete, Baritonsaxophon und Kontrabass, komponiert vom renommierten Arrangeur Colin Good. Britische Jazz-Größen wie der Trompeter Enrico Tomasso und der Saxophonist Alan Barnes erwecken
diese zeitlosen Melodien zum Leben, während die Mono-Produktion den Charme alter 78er-Schallplatten
heraufbeschwört. Ferry selbst verzichtet auf den Gesang und fungiert als Dirigent und Produzent. Dieses
innovative Projekt entstand aus seiner Liebe zum Jazz und seiner Neugier, wie seine Songs ohne Gesang
klingen würden. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und designorientierte Sammler: „The Jazz
Age“ bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Werk und ist damit ein herausragendes Sammlerstück zum
Entdecken, Ausstellen und Verschenken.
Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte Edition auf waldgrünem Vinyl (1LP) und
als CD.

The 1975 veröffentlichten am 26. Februar 2016 ihr zweites Studioalbum „I Like It When You Sleep, for You
Are So Beautiful yet So Unaware of It”. Es führte sowohl die britischen (BPI Platinum) als auch die USamerikanischen (RIAA Gold) Albumcharts an und brachte sieben Singles hervor: „Love Me”, „Ugh!”, „A
Change of Heart”, „She’s American”, „Somebody Else”, „Loving Someone” und „The Sound”. Pitchfork,
Rolling Stone und The Guardian führten es als eines der besten Alben des Jahres 2016 auf. Die BoxsetVersion wurde bei den Grammy Awards 2017 für die Kategorie „Best Boxed or Special Limited-Edition
Package” nominiert.
2026 ist das 10-jährige Jubiläum dieses viel beachteten Albums. Um dies zu feiern, wird das Album
auf farbigem Vinyl (Farbe noch zu bestätigen) in einer 6-seitigen Dreifach-Gatefold-Verpackung mit alternativem Artwork und 17 12”x12”-Kunstkarten veröffentlicht, wobei jedes Kartenbild einen Song mit dem
Text auf der Rückseite darstellt.

For its first release of 2026, Bytes revisits the impeccable 2024 collaboration between Andy Bell (RIDE/Oasis), recording under his electronic alter ego GLOK, and the producer and Insult to Injury label boss Timothy Clerkin. Along for the ride are an impressive cohort of musical talent - bdrmm, Richard Sen, Tom Sharkett (WH Lung), Legowelt, Xylitol and FROID Dub - who all deliver exceptional and unique interpretations of the tracks.

Hotel Fiction is an indie rock band from Athens, Georgia comprised of Jade Long (vocals, keys, guitar), Jessica Thompson (vocals, lead guitar), Aaron Daugherty (lead guitar, synth), Aidan Hill (bass), and Gideon Johnston (drums). Their sound has often been described as genre-fluid, with indie, pop, folk, and rock influences. They have become known for their honest lyricism, haunting harmonies, and electric live shows.

Deluxe edition of Hotel Fiction's 2023 release Staring At The Sun. Features two new songs as well as alternate versions of album tracks, including a guest appearance from Hey, Nothing. LP pressed on limited edition coke bottle clear vinyl.

Single Coke Bottle Clear Color LP w/ printed inner sleeve + insert and updated artwork

With `The devil's door' And Also The Trees, one true original Post-Punk/New Wave band, presents a quiet storm of an album. At times filmic, poetic and intense with an undercurrent of dark psychedelia. It completes a trilogy of works `The Bone Carver', `Mother-of-pearl Moon' and now `The devil's door' created by the current line-up. Here there are signature `And also the trees' poetic lyrics, orchestral guitar and soundtrack influenced songs inspired by newsreel, oil paintings and folklore. But with this work we have the addition of some surprising instruments that skew the album towards a world where John Barry meets Bela Bartok. And also the trees (AATT) formed during the original post-punk era in rural Worcestershire, an environment that has provided a constant inspiration to a group whose music has often explored the dark underbelly as well as the beauty of the British countryside. They are renowned for their captivating live performances, a unique style of mandolin-like electric guitar, evocative lyrics and dark jazz rhythms - not to mention a creative independence fiercely preserved for over four decades. Back then AATT immediately caught the attention of Robert Smith of The Cure, who invited them to tour with his group on several occasions. Smith was also involved with their early recordings alongside his bandmate Lol Tolhurst, who produced their first records. This longterm friendship and mutual respect was further solidified when AATT were invited to perform at the Robert Smith curated 2018 Meltdown festival in London. This July AATT appear as The Cure's special guests at the Nimes festival. Founded by singer Simon Jones and his guitarist brother Justin, AATT have maintained a continuous presence on the post-punk, and alternative rock scenes worldwide, with a solid fanbase e.g. in Germany.

Limited edition classic LP, reissued on 180g vinyl, audiophile pressing
Portrait in Jazz was Bill Evans' third album as a leader, following New Jazz
Conceptions (1956) and Everybody Digs Bill Evans (1958). It was also Evans' first
studio album with his legendary trio, featuring Scott LaFaro and Paul Motian.
The repertoire here consists of standards (all of them treated in Evans' very
personal style) plus two originals, "Peri's Scope" – premiered on Portrait in Jazz,
and "Blue in Green," which was co-composed by Miles Davis. Bill first recorded the
latter composition in March 1959 with Miles for the classic album, Kind of Blue.






[f] BLUE IN GREEN [alternative take]




[k] AUTUMN LEAVES [Mono take]

The next chapter in this series, 'Second Thoughts (Expanded Edition)', marks 50 years since Split Enz ventured to London to record with Roxy Music's Phil Manzanera in the producer's chair. This definitive 2LP set pairs the original 1976 mix, remastered from the original tapes, with a companion LP 'Wide Angle Enz' - a treasure trove of live recordings and alternate mixes, including a previously unreleased archival rough mix of '129 (Matinee Idyll)' which is exclusive to this release. Presented in the distinctive Australia/New Zealand sleeve featuring John Prew's band portrait, the album concludes with the hypnotic locked- groove of 'Mental Notes', mirroring the international version's striking finale. Pressed on two 140g vinyl, housed in a wide- spine sleeve with printed inner bags. Remastered from the original tapes by Phil Kinrade and overseen by Eddie Rayner, with lacquers cut by Harry Rudkins at AIR Studios.

"British shoegazing/alternative rock band Chapterhouse released two albums during their existence, Whirlpool (1991) and Blood Music (1993). Their debut album is a fantastic example of shoegaze at its best. The wall of sound approach is built around dance music structures and they're creating some heavy grooves. Whirlpool spent three weeks in the UK Album chart, peaking at number 2 The Nineties classic album Whirlpool is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on white marbled vinyl and includes an insert. "

Whirlpool by Chapterhouse, released 29 March 2024, includes the following tracks: "Autosleeper ", "Falling down", "Guilt", "Something more" and more.

This version of Whirlpool comes as a 1xLP. This release comes with (a) Insert(s).

The vinyl is pressed as a marble, white disc.

From out of nowhere comes a unique collaborative album from Edvard Graham Lewis (WIRE) & Mark Spybey (ZOVIET FRANCE). Mixing lush electronic rhythms, sonic collage, ambient soundscapes and manipulated field recordings, these six compositions form an album with a strong identity. That this is such a vital and fertile partnership should come as no surprise. After all, both men have made careers out of creating confidently questing musics. Lewis with Wire, He Said, Hox, Dome etc. and Spybey with Dead Voices on Air, Beehatch, Altered Statesmen, Zoviet France and so on. This new album however, is something different again: experimental, yet tightly focused, and not averse to the groove or the sly hook. The pair met via an appearance on a podcast in November 2022, hosted by cEvin Key of Skinny Puppy. They hit it off immediately. “We did a live chat with Graham - which I think, went on for about three days” jokes Spybey. It was Spybey who first broached the idea of collaboration. “It was a bit like shy bairns get nowt: I just said ‘maybe we should make something together.’” And so, with no plan other than to see what might develop, the duo began to assemble the compositions at long distance. Indeed, Lewis and Spybey only met in the real world after the album had been completed. “Mark sent half a dozen tracks in a stereo mix,” says Lewis. “And I looked at the ’topography’, to see where the spaces might be. So then I’d add to those areas. But then, when do you take it away? Sometimes you let it drop off a cliff, land in the shingle, and it gets washed out to sea again.” The process moved at a pace. “Almost everything each of us brought, ending up being incorporated in some way.” Says Spybey. “We didn’t really go down any cul-de-sacs.” As Lewis observes “We have such a sympathetic tone.” Full of inventive sonics that draw on both men’s previous work, ‘Lewis/Spybey’ offers up a richly detailed soundworld

"On its Various 2 compilation, Altered Circuits returns with a gripping four-track selection by an equal number of distinct-voiced artists. Perrax En La Calle sees tINI merge sturdy drums, arpeggiated basslines, and ominous synth work. She knows what makes the floor tick blindfolded, and keeps the energy high here, channelling electronic body music and Italo into a contemporary club knockout. Up next is Ionic, a fusion of quirky, pointillist hooks that play call and response, driven by 909 kicks and a sub pattern underneath. Mogwaa spellbinds, and often pulls the rug only to reveal more intricate melodic needlework -- it's done so nimbly and enticingly, there's no way not to get drawn in. On the flip side, rising talent Desiree Falessi joins with the peak time Scandal. Statically-charged basslines mesh with reverb-drenched percussion salvos, and as slinky pads and subtle theme variations emerge, the intensity builds toward a tipping point. Closer Flex features a sharp arpeggiated bassline that funnels through misty, LFO-steered synths, scattered alarm-like melodies, muffled vocals, and gated-reverb snares. When classic high-pass modulation intermezzos are introduced, Monile demonstrates how sparse means, when deployed precisely, can sustain considerable tension."

Nanook of the North is back with their second album, following the enthusiastically received 2018 debut "Nanook of the North," (Denovali) The duo of a composer and violinist Stefan Wesołowski and electronic producer Piotr Kaliński were acclaimed by Boiler Room, The Wire or NPR. Bob Boilen of Tiny Desk Concerts called Nanook of the North's performance "one of the wow moments of SXSW". Their new material is a raw and minimalist sonic landscape, practically devoid of percussive elements but featuring vocals by an acclaimed mezzo-soprano Margarita Slepakova. As with the debut, the music on "Heide" is rooted in nature and its primordiality. The title of the album alludes to wildness and untamedness, and the material was recorded last winter in a village located in the middle of forests in the northern Poland, which is clearly felt in the atmosphere of the 9 new tracks on "Heide".

Stefan Wesołowski is a Polish composer and violinist, author of critically acclaimed original albums and film music scores. Associated with publisher Mute Song and record labels like Important Records, Lakeshore Records, Ici D'ailleurs and Back Lot Music. He is an author of original soundtrack to „Listen to me Marlon” (Universal) - Oscar-shortlisted and BAFTA-nominated documentary on Marlon Brando directed by Stevan Riley and original soundtrack to Irish feature film by Nathalie Biancheri entitled „Wolf” (Focus Features), starring Lily-Rose Deep and George MacKay, premiered 2021 at Toronto Interational Film Festival.

Piotr Kaliński is na electronic music producer and guitarist. Based in Gdańsk, Poland. Associated with record labels like R&S Records and Instant Classic. Member of Hinode Tapes, Hatti Vatti and JANKA bands. One of the most active figures in Polish alternative scene - in last few years he performed live in many countries across Europe, Japan, Korea and United States. Kaliński is an author of original music for short films, fashion brands campaigns like Calvin Klein or Paul Smith and games (i.e. „Cyberpunk 2077”).

Margarita Slepakova is a coloratura mezzo-soprano specialized in the field of historical practices of early music. Based in Switzerland, she is a renowned opera, concert, and recital singer, collaborating with ensembles and orchestras all over Europe. Slepakova is a founder of Le Sommeil project, specializing in French music of the 17th century. She sang in many concert halls and opera houses including Carnegie Hall and Royal Albert Hall during BBC Proms. Margarita also performs contemporary music and has premiered pieces written especially for her voic

Written during a period of geographic and artistic transition, Country Music traces Severin Black’s movement from London to Berlin, unfolding through cycles of isolation and adaptation. Composed on the city’s periphery, the album’s material was continually dismantled and reassembled, reflecting a process of both artistic and personal reconstruction. The album marks a shift in production methodology, moving away from the immediacy of summed live takes toward a more deliberate, stratified multitrack approach. Sparse yet hypnotic, the record distills layers of sound formed by constant relocation, recurrent solitude, and a recalibration of instinct. In many ways, it echoes the experience of exile, not in a political sense but in the quieter, more insidious form of displacement that alters one’s perception of time and self. The music drifts between structure and dissolution, a reflection of existing at the threshold of different spaces—both physically and sonically.

The shedding of the previously used Nape moniker signaled a decisive sonic transformation, informed by extended time spent in the Pyrenees and a renewed engagement with folkloric material. Severin began playing the clarinet while making this record, and though its presence is minimal, it reveals itself as an interest in acoustic simulation, particularly the digital approximations of classical instruments that emerged within 1990s synthesizer technology. This interrogation of authenticity and mediation parallels the album’s thematic engagement with memory, where recollection functions not as a retrieval of fixed experience but as an iterative process of distortion and reconstruction. The relocation to Berlin reignited an affinity for grime music, evident in the syncopated brass of Pilgrim Wine and the fractured vocal layers of March, while memories of childhood in rural Wales permeate the record’s atmospheric spaces. The album includes contributions from longtime collaborator Vanessa Bedoret and Berlin-based artist Pavel Milyakov (Buttechno).

Country Music situates itself within an unresolved dialogue—between past and speculative futures, between folk lineage and digital fragmentation, between place and its embodied and sonic traces. What emerges is not a fixed statement but a process, an ongoing negotiation between what is left behind and what is brought forward. Words by Chantal Michelle

Mastered by Owen Pratt / Design by Severin Black / Center label image by Nicky Kidd / Back cover text by Alya Kanıbelli

Zum 20-jährigen Jubiläum zurück -zweifarbiges Swirl Dopple-Vinyl und erste schwarze 2LP-Pressung seit der ursprünglichen Warner-Veröffentlichung 2005. Plus exklusives Glanzlack-Sleeve! Mit über 2,5 Millionen verkauften Exemplaren weltweit ist "City of Evil" nach wie vor eines der beliebtesten Alben von Avenged Sevenfold. Inklusive des Fan-Favoriten "Bat Country", der Single "Burn It Doen" und "The Wicked End". Avenged Sevenfold (abgekürzt A7X), die amerikanische Heavy-Metalcore-Band aus Huntington Beach, Kalifornien, wurde 1999 gegründet. Avenged Sevenfold sind bekannt für ihren variantenreichen Alternative Metal-Sound und ihre dramatischen, teils expliziten, Bilder auf Albumcovern und Merchandise-Artikeln. Auf ihrem Debütalbum "Sounding the Seventh Trumpet" entwickelte die Band einen Metalcore-Sound, den sie bis zu ihrem zweiten Album "Waking the Fallen" weitgehend beibehielt. Der Stil der Band hatte sich mit ihrem dritten Album und ihrer ersten Veröffentlichung bei einem Major-Label Warner, "City of Evil", zu einem traditionelleren Heavy-Metal-Stil entwickelt, der u.a. Bezug auf NWOBHW und Metallica nimmt. Nr. 63 auf der Liste der "100 Greatest Guitar Albums of All Time" des Guitar World Magazine. Kerrang! listet "City of Evil" sowohl bei "666 Albums You Need to Hear Before You Die" als auch in "50 Albums You Need to Hear Before You Die" sowie als Nr. 35 in "50 Greatest Metal Albums Ever". Rolling Stone nimmt das Album in seine Liste "The 100 Greatest Metal Albums of All Time" mit auf.



Die Jubiläums-Editionen des Doppelalbums sind als rot-gelbes Swirl-Vinyl (limitiert auf 500 Exemplare weltweit) erhältlich, oder als klassische schwarze 180g-Pressung, welche für Hopeless Records absolut nicht klassisch ist, sondern eine Rarität darstellt, zu haben Beide kommen mit Silberfolie veredeltem Sleeve, welches exklusiv für die 20th Anniversary 2025er Auflagen sein wird. Für Fans von Metallica, Slipknot, & Bullet For My Valentine, Metalcore, Alternative, Post-Metal, Emo, Heavy Metal

Back on vinyl for the first time since 2015! New remastered version with alternative cover art. Unlike all DJ Yoda’s artist albums, ‘Breakfast Of Champions’ features the same collaborators on every track effectively putting together a band. The genesis of the project was in Manchester, where the legendary Band On The Wall venue asked him to host an artistic residency. He put a call out for local musicians, did auditions, and selected three rappers. Two were local to Manchester - Truthos Mufasa and Sparkz. They were local legends making up parts of The Mouse Outfit and LVLZ. And the third was Rex Domino from down south, who was a British MC who Yoda thought would gel well with the other guys. They wrote, rehearsed and recorded intensively in Manchester - performed a memorable series of live shows (including an epic Glastonbury show), and Yoda put the finishing touches to the album back in London after the fact. “It was such an enjoyable experience” says Yoda. “Lifelong friendships were made, and most excitingly two of the band members got together (James Breen, drummer, and Claire Northey, violinist) and had two kids! So there are Breakfast of Champions humans out there too!”

This new pressing features alternative artwork that was never used at the time of the album’s original release.

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

Bruise Control sind eine laute, vierköpfige Punkband aus Manchester, die sich in der britischen DIY-Szene einen Namen gemacht hat. Mit ihrer ungestümen Energie mischen sie die rohe Aggression des 80er-Hardcore mit eingängigen, kantigen Indie-Riffs der frühen 2000er. Ihre neue EP, co-produziert von ihrem Gitarristen Niall Griffin, fängt dieses chaotische, energiegeladene Feeling perfekt ein – mit Mitsing-Refrains, rauem Gesang und einer kantigen Musik, die trotzdem irgendwie melodisch klingt. Das einschlägige Portal Punkinfocus zur Single "Gone To Ground": "Roh, dringlich und emotional ehrlich – ein großartiges Beispiel dafür, wie sie Härte und Melodie ausbalancieren." Vinyl und CD enthalten jeweils 5 exklusive Bonustracks, die im Streaming nicht erscheinen.

*** Vinyl exclusiv