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For the third time, they had been sent to this forsaken land. It was neither east nor west, neither north nor south. They said it had once been a kingdom, somewhere in the heart of the old continent, something they had pieced together from the ruins scattered across jagged hills sprouting here and there from the ground. Everyone else went islands, dived to the seabed, drilled at the poles, and explored waste in the east, but these two were sent here again, as if someone were trying to get rid of them, just to keep them out of the way.

What were they really supposed to find here? They wandered the land, aimless and bored, like the last bird watching from the sky. Sometimes they landed, took samples for the lab, and then caught a nap by the river bend. They avoided the hot fumes of active volcanoes. Compared to those on other planets, these were more like small, whispered fumaroles, but even so, they had to be careful.

They felt as if they had stepped into a scene from a movie they had once glimpsed. A mad and exhausted conqueror screamed and wildly flailed his arms on a ridiculous wooden raft in the middle of a raging river. It was somewhere in the south of this planet, deep in the jungle. There were many movies made on this planet, but only fragments of the reels survived, and this one quickly became iconic.

When a trumpet sounded in the distance and flooded the land with a booming murmur, when all the fumaroles hissed together, and when wind rolled in, covering the land in heavy fog, both of them knew the third expedition would not be like the previous ones.

At that moment, Kult Masek and Petr Vrba were flying over the land that was once called České středohoří.

2025 Repress

Tresor Records is proud to announce forthcoming special editions of its entire catalogue of Drexciya and related projects. 2022 marks the 20th anniversary of the passing of James Stinson and the releases of the Transllusion and Shifted Phases albums.
In recognition, the rightsholders, their families, and the label have commissioned Detroit-based contemporary artist Matthew Angelo Harrison to re-conceptualize the covers of Tresor's Drexciya-related catalogue. These editions will be released sequentially, bimonthly, starting early-September 2022.
Just a month after the album release of 'Neptune's Lair' in September, its companion 12" 'Hydro Doorways' will be second in the series, out on October 7th. In November, 'Harnessed The Storm' and 'Digital Tsunami' are coming, followed by the release of Transllusion in February 2023. The series is completed by the long-awaited re-release of 'Shifted Phases – The Cosmic Memoirs Of The Late Great Rupert J. Rosinthrope' - at the end of March.
These records, individually and as a catalogue, represent some of the most crucial moments in the Tresor label history, with the sound and mythic world of Drexciya undoubtedly inspiring generations.

Dream Dancing have been on the hunt for something special and find it with the return of Blueless.

On the A side, two highly sought after tracks originally released on her own Capture Records in 2007.
'Groove Me' is a stunning emotive deep tech house moment which will raise the hairs on your neck on every listen.
'OK' enters more club territory, still keeping within the soulful spectrum. Restored and remastered from Blueless' own vault.

On the B side, 'Trueness' and 'Outsounding' are both fresh from the studio, offering organic rhythms, effortlessly gliding with classy musical atmospheres and warm rolling grooves.

Almost 20 years between the productions, Blueless remains true to her unique soulful style with these much welcomed heartfelt, timeless and deep sounds.

Something old, something new, all Blue!

The word "amateur" originates from the Latin word "amator," meaning "lover" or "admirer". This Latin term is derived from "amare," which means "to love". The French adopted "amateur" from Latin, and the English then borrowed it from French, initially retaining the sense of someone who loves or is devoted to something. Over time, the English usage of "amateur" also developed a meaning related to a lack of professional skill or experience. How did a word derived from love become a slur? Is love really so defenseless? They say love conquers all, but in reality isn’t love quite ridiculous? It has no intention, no motive, no agenda. How could it possibly prevail? It can’t be bought or sold, or so they say.Its mere existence can't be proven or even measured. What an impossible thing. Trying and failing, time and time again, no wonder cynicism always seems to win. I see “amateurism” as a delighted, even foolish, protest. Protest against everything. Of what’s expected of someone, or expected of someone to desire or strive for. To be elite, to be expert, to be professional, to be a master, to excel and succeed. Where’s the joy in that? I just want to have fun. I want to want. I want to love. And keep doing it, forever. I want to have fun, even when it’s tiring and sometimes even heaven is boring as hell. I want to be bad. I want to do my own thing. “I vant to be alone”. I want to be someone so dedicated to their passion that it starts to seem like there’s something wrong with them. All the way. We can take it all the way, and never get it back. ” - Molly Nilsson Amateur is the 12th studio album by Molly Nilsson. Deep in the teeth of a career that threatens to tip into something resembling a “legacy,” Molly Nilsson celebrates with an album recorded instinctively, quickly and bursting with so many moments of emotional brilliance and clarity it may be her greatest yet. Hers has been a career spent reaching out, perennially powerful in her earnestness, a warrior ridiculously defenceless and armed with a glittering sincerity. Shearing herself of the machinations of the music industry, recording at home, writing direct to the heart. Amateur is a jubilee for losers. A treatise in 13 songs, Amateur states clearly that we should live our life with eternal curiosity, offers us an open hand of comradeship out of the rat race. The songs on the album are both some of the most personal of Nilsson’s career and the most anthemic. First single How Much Is The World asks us to re-evaluate value in the face of a Neo-liberal system squeezing the life out of our loves. Pulsing opener Die Cry Lie satirises the commercialisation of emotion in the form of a shout-along diss-track. With a pounding rhythm track held down by gorgeous chord changes, heartbreaker Valhalla carries the torch for the main themes of the album: never growing up, making mistakes with kindness, moving on. When the drums crash in on the line “It’s going to get better now, you’ll see, going to be much better off without me” there is a world of feeling swirling about in the vocal delivery. One reading of the track might be that it’s a break up song but the subtext is classic Molly Nilsson: by living truthfully, making mistakes, we’re active agents against the myriad oppressions of the world. All The Way takes the theme for a run into the eternal sunset. It’s a manifesto for living fully. “Take it all the way, and never get it back” - it’s the process that’s the important point. The journey not the destination. Big Life, follows on like a part 2: An ode not only to Molly Nilsson’s career of endless gigs, endless connections with people, it’s a massive ode for following your dreams, doing it yourself. Closer The Bitter End is a powerful anthem for friendship, another definition of love infused in Nilsson’s work, A beautifully poignant ode to comradeship til the end, it seems to be the songwriter approaching aging, approaching life’s inevitability with the same vigour and earnestness, the same love of life she enjoyed at the onset of her career. There are moments on Amateur shrouded in reverb, slightly out of focus, forcing the listener to step deeper into the Mollyverse.. Nilsson’s open-armed beseeching to the world permeates every beat, every chord. These are songs exploding with life: the chunky, aggressive bassline on the punker Get A Life can’t hide its massive, catchy chorus. The sweeping Swedish Nightmare might be a tongue-in-cheek self-reference, but at its heart it’s a song about the duality of living life large, what is a dream, what is a nightmare? Molly Nilsson says you can’t have one without the other, and why would you want to? Here’s to making mistakes.

In May, fans were treated to the first new music from Trentemøller since 2022. A new single, "A Different Light," showcased a stunning blend of prismatic space rock and folk. For anyone wondering if it foreshadowed the release of a full-length, Dreamweaver will drop in September, on Friday the 13th.
Featuring 10 tracks that traverse Trentemøller's many musical strengths, Dreamweaver also represents an obvious artistic leap, treading new ground while retaining the overall plot. Tracks featuring vocals come courtesy of of Iceland's Disa, who has been in Trentemøller's fold since the Memoria tour.
Dreamweaver's nylon string-led opening track, and first single from the album, "A Different Light," contains many of Trentemøller's trademarks: exploring dichotomies, musical shadowplay, Nordic frigidity, and warm waves. It opens the door for the steady, hypnotic "Nightfall," with its tetherless vocal, wistful guitars, and early morning desert chill. The third track in the opening trifecta, "Dreamweavers" finds its footing with a percussive soft trot, which starts after what feels like a shortwave radio scan in search of the right chords, eventually dialing in a weightless voice. Ostensibly keeping a ruminative pace with the previous two tracks, the song and, by extension, album soon opens up as the rest of the elements drop into place with a grand, luxurious burst.
Dreamweaver is about to enter its next phase. With the hatch blown off of the portal, the noisy "I Give My Tears," driven by its glissed and fuzzy bass line, pours into the void. It's followed by its sibling, the most chaotic track on Dreamweaver, "Behind My Eyes." Arriving as a piece of noise rock pandemonium, "Behind My Eyes," can't be contained in its plush vault. A whip-crack snare and convulsing guitars smash against each other in the song's verse chamber. The tension builds, as the particles collide, pushing past the point of critical mass, kicking off the chain reaction which is the chorus. At times it harkens back to the proto-gaze tracks that gave birth to dream pop, at others it newly defines what that is. There's no time to contemplate it, though, as the song disintegrates in a microphonic feedback instant.
A respite follows with the somnambulistic pair of "Hollow" and "Empty Beaches." Then, a moment of intensity returns as the soaring textures and tribal drum bursts of "In A Storm" take control, before being taken out with the ambient slo-core of "Winter's Ghost" and "Closure." This diptych wraps up an album which certainly feels on-script for Trentemøller, but is also much more psychedelic than previous offerings.
Dreamweaver will be released on Trentemøller's own In My Room label. It is an exceedingly immersive experience, bound to release any dormant hallucinations you may be harboring.

Following the cult success of the first two EPs and debut album Cinema 3000, Common Saints returns with the highly anticipated EP, Equinox - a release that"s already generating excitement within the Common Saints community. The record blends the signature soul, funk, and psychedelic influences fans have come to love, but this time with a livelier tempo and renewed energy.

Anushka Chkheidze + Robert Lippok’s »Uncontrollable Thoughts« on Morr Music is the duo’s debut joint release. The Netherlands-based Georgian composer and the German sound artist from Berlin first met in 2019 in the context of a workshop programme that took place in Tbilisi, and later worked with Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, and Lillevan on the massive »Glacier Music II« music and book project, released in 2021. This led them to engage in a less conceptually driven form of musicking and real-time composition that corresponds with their respective environments. They draw on traditions such as minimal music or late 1990s and early 2000s electronica to integrate subtle beats with elegiac organ drones, playful melodies with lush textures. The first document of an ever-shifting intergenerational dialogue, »Uncontrollable Thoughts« is a product of mutual listening outside time.

Though Chkheidze and Lippok had access to professional studios, they chose to rent a simple rehearsal space, equipped with only the bare essentials—bass and guitar amps as well as a small PA—to maintain immediacy in their working process. The music they made together corresponded to and drew on the respective possibilities and shortcomings of this studio, much like their collaboration in general is characterised by the care with which they approach each other's talents and ideas. While both had loosely defined roles—Chkheidze was responsible for the free-flowing beat programming and the evocative distortion came courtesy of Lippok, for example—they individually contributed in different ways to their joint process, which is as free of hierarchies as it is limitless. Hence, the duo’s focus on spontaneity and out-of-the-moment emergence makes them organically move beyond tried and tested conventions, resulting in music that seems to suspend time altogether.

When the first chimes on »Bird Song« announce a piece that sets rattling kickdrums against a backdrop of layered drones and rhizomatically entangled melodic elements, it becomes clear why »Uncontrollable Thoughts« carries this title: The album follows the constant detours of the subconscious of its makers, letting them explore moments of ecstasy such as on »Rainbow,« melancholy with »Field,« and the interplay of suspense and release through the ten-minute-long title track. But the different pieces also tie into one aother in various ways. The dirge-like organ drones on which »Rainbow Road« ends reappear in the beginning of »Uncontrollable Thoughts,« much like Chkheidze’s gentle yet emphatic piano chords on »Field« seem to provide the starting point from which the artist develops the striking motifs of the final piece »Opening«, whose title itself suggests that the record as a whole can and should be enjoyed as a loop. All this creates a unique, idiosyncratic temporal logic.

While there is much that sets Chkheidze and Lippok apart as solo artists, the major shared leitmotif in their respective bodies of work is the sonic engagement with space. »Uncontrollable Thoughts« is hence best understood as an extension of this practice; as an album that maps the geographies of their minds in motion, tracing musical movements as they melt into each other.

The Klinik are Dirk Ivens(vocals) and Marc Verhaeghen (music). Also featured on Fear is Eric Van Wonterghem (sequence and percussion), Guy Drieghe cover design on Fear. Luxury package design and reconstruction by Pieter Willemen, All tracks remastered as " like you have never heard them before" by Pieter Dewagter early 2025.

Terry Francis makes his debut on Pariter with a rare and essential reissue from one of the UK Tech House's original pioneers. A cornerstone of the London scene, long time Fabric resident and a driving force behind the early Housey Doingz and Wiggle movements, Terry's influence runs deep in the foundations of underground house music as we know it today.

This release marks the first installment in a short-series with a carefully selected tracks from Terry's archive. Engineered by Wubble-U at the legendary Strange Weather studios and originally released on Eukahouse 25 years ago, these tracks capture the raw energy and spirit of the late 90's London Tech House at its finest. A timeless, sought-after release specially reissued and remastered with an unreleased retake, a vital document from a pivotal era.

funcionário delights in the freedom of creating freeform music for the first time in his career. On “horizonte”, he loosens the reins, his sound follows a wavy, organic structure rather than a rigid, formal one. If it feels freer and more colourful, that’s because it truly is.

Eight years ago, when we first encountered his work, he was composing soundtracks for imaginary video games and crafting sonic landscapes that felt like destinations for sci-fi anime characters. With “Cavalcante” (2022), he broke away from that past. It marked a turning point, he was ready to explore a “fourth world” in both sound and concept. The feedback was overwhelming.

Three years later, “horizonte” marks another evolution. He sends us music regularly, but this album stood out immediately. It felt right: more synth-driven, more open to improvisation. As he put it: “It’s like using oil pastels for the first time and discovering new possibilities. In a way, I’ve found new ways of creating using the same colours.”

Listening to horizonte is like waking up from a dream. Again and again. The opening track, “nascer”, suggests a new dawn, but it’s in “pássaros” that the vision fully takes flight: less processed, more raw, yet still detailed and expansive.

Finding new ways with the same colours has been his quiet mission all along. What’s new here aren't the tools, but the feeling. The movement. The invitation to travel with him. You can hear - and feel - his sense of wonder. Every sound radiates joy. Every moment sparks a new thought. The music moves quickly, but breathes slowly.

Tracks like “renascer” and “o caminho do regresso” echo the spirit of late-70s/early-80s Vangelis, in deep reverence. And just as you approach the end, “fantasma” arrives - a stunning closer, reminiscent of Eno’s “An Ending”. By then, it’s clear: the “fourth world” is behind him. funcionário has moved on. To where? We’re about to discover.

Es gibt wohl keine größere Überraschungserfolgsgeschichte aus dem Internet im Bereich Musik als die von Ata Kak.Der ghanaische Rapper und Sänger veröffentlichte 1994 still und leise ein Tape, das erst 2006 wiederentdeckt wurde - zu einer Zeit, als die bloggetriebene Online-Sammlerbewegung für Musik in der Vor-Streaming-Ära auf ihrem Höhepunkt war.Die mitreißende Mischung aus Lo-Fi-House und aufrichtig vorgetragenem, kraftvollem Burger Highlife eroberte Mitte der 2000er die Herzen von Musikliebhabern auf der ganzen Welt. Mit Unterstützung seiner Londoner Band spielte Ata Kak weltweit Konzerte und stand auf riesigen Bühnen vor Tausenden von Fans.Die sieben Songs auf ,Obaa Sima" haben Hörerinnen und Hörer gleichermaßen begeistert und verblüfft, seit sie als erster Beitrag auf dem Blog Awesome Tapes From Africa erschienen. Eine gut dokumentierte, jahrelange Suche nach dem Sänger endete 2015 mit einer Neuauflage.Trotz der sorgfältigen Arbeit der langjährigen ATFA-Mastering-Partnerin Jessica Thompson war die Klangqualität der Quelle jedoch nicht optimal - das originale DAT-Tape war verschimmelt und zerfiel.Nach jahrelanger Suche nach der bestmöglichen Kassette steht nun die Obaa Sima Anniversary Remaster-Version bereit. Zum ersten Mal können wir diesen inzwischen legendären, unkonventionellen Dancefloor-Klassiker in glasklarem Klang hören.Die ursprüngliche Neuauflage von ,Obaa Sima" hat über 10.000 LPs verkauft, und die Kassette wurde vom ursprünglichen Blogpost Hunderttausende Male heruntergeladen. Auf der Basis dieser legendären Aufnahme spielte Ata Kak energiegeladene Shows in Clubs und auf Festivals weltweit.Die Deluxe-Edition des neuen Remasters enthält eine LP in gesprenkeltem Vinyl sowie eine DVD-Dokumentation mit bisher unveröffentlichtem Filmmaterial.

Es gibt wohl keine größere Überraschungserfolgsgeschichte aus dem Internet im Bereich Musik als die von Ata Kak.Der ghanaische Rapper und Sänger veröffentlichte 1994 still und leise ein Tape, das erst 2006 wiederentdeckt wurde - zu einer Zeit, als die bloggetriebene Online-Sammlerbewegung für Musik in der Vor-Streaming-Ära auf ihrem Höhepunkt war.Die mitreißende Mischung aus Lo-Fi-House und aufrichtig vorgetragenem, kraftvollem Burger Highlife eroberte Mitte der 2000er die Herzen von Musikliebhabern auf der ganzen Welt. Mit Unterstützung seiner Londoner Band spielte Ata Kak weltweit Konzerte und stand auf riesigen Bühnen vor Tausenden von Fans.Die sieben Songs auf ,Obaa Sima" haben Hörerinnen und Hörer gleichermaßen begeistert und verblüfft, seit sie als erster Beitrag auf dem Blog Awesome Tapes From Africa erschienen. Eine gut dokumentierte, jahrelange Suche nach dem Sänger endete 2015 mit einer Neuauflage.Trotz der sorgfältigen Arbeit der langjährigen ATFA-Mastering-Partnerin Jessica Thompson war die Klangqualität der Quelle jedoch nicht optimal - das originale DAT-Tape war verschimmelt und zerfiel.Nach jahrelanger Suche nach der bestmöglichen Kassette steht nun die Obaa Sima Anniversary Remaster-Version bereit. Zum ersten Mal können wir diesen inzwischen legendären, unkonventionellen Dancefloor-Klassiker in glasklarem Klang hören.Die ursprüngliche Neuauflage von ,Obaa Sima" hat über 10.000 LPs verkauft, und die Kassette wurde vom ursprünglichen Blogpost Hunderttausende Male heruntergeladen. Auf der Basis dieser legendären Aufnahme spielte Ata Kak energiegeladene Shows in Clubs und auf Festivals weltweit.Die Deluxe-Edition des neuen Remasters enthält eine LP in gesprenkeltem Vinyl sowie eine DVD-Dokumentation mit bisher unveröffentlichtem Filmmaterial.

Es gibt wohl keine größere Überraschungserfolgsgeschichte aus dem Internet im Bereich Musik als die von Ata Kak.Der ghanaische Rapper und Sänger veröffentlichte 1994 still und leise ein Tape, das erst 2006 wiederentdeckt wurde - zu einer Zeit, als die bloggetriebene Online-Sammlerbewegung für Musik in der Vor-Streaming-Ära auf ihrem Höhepunkt war.Die mitreißende Mischung aus Lo-Fi-House und aufrichtig vorgetragenem, kraftvollem Burger Highlife eroberte Mitte der 2000er die Herzen von Musikliebhabern auf der ganzen Welt. Mit Unterstützung seiner Londoner Band spielte Ata Kak weltweit Konzerte und stand auf riesigen Bühnen vor Tausenden von Fans.Die sieben Songs auf ,Obaa Sima" haben Hörerinnen und Hörer gleichermaßen begeistert und verblüfft, seit sie als erster Beitrag auf dem Blog Awesome Tapes From Africa erschienen. Eine gut dokumentierte, jahrelange Suche nach dem Sänger endete 2015 mit einer Neuauflage.Trotz der sorgfältigen Arbeit der langjährigen ATFA-Mastering-Partnerin Jessica Thompson war die Klangqualität der Quelle jedoch nicht optimal - das originale DAT-Tape war verschimmelt und zerfiel.Nach jahrelanger Suche nach der bestmöglichen Kassette steht nun die Obaa Sima Anniversary Remaster-Version bereit. Zum ersten Mal können wir diesen inzwischen legendären, unkonventionellen Dancefloor-Klassiker in glasklarem Klang hören.Die ursprüngliche Neuauflage von ,Obaa Sima" hat über 10.000 LPs verkauft, und die Kassette wurde vom ursprünglichen Blogpost Hunderttausende Male heruntergeladen. Auf der Basis dieser legendären Aufnahme spielte Ata Kak energiegeladene Shows in Clubs und auf Festivals weltweit.Die Deluxe-Edition des neuen Remasters enthält eine LP in gesprenkeltem Vinyl sowie eine DVD-Dokumentation mit bisher unveröffentlichtem Filmmaterial.

Recital releases The Holy Restaurant, the new full-length album by Derek Baron, and their first solo LP since Curtain (Recital, 2020).

The album is built from years of miniature transcriptions of improvisations, functioning in many ways as a sister to Curtain. Half-thoughts and mistakes are revisited, gilded, and illuminated. The floorboards of the album are laid with piano, organ, string pads, while serrated accruements (distortions, flourishes, and recording interferences) step and drop overhead. The resulting conflux, as Baron notes in the accompanying booklet “becomes the point and the problem to explore.”

The second track “Oven Girls” opens with us galloping on a horse in some video-game meadow on a bed of MIDI strings. Abruptly, a helicopter soars over us and we transition to a latticed guitar and woodwind exploration. The album rolls on in this fashion, juxtaposing musical half-sentences within a museum of sounds rag-picked from history and daily life. Emotional interviews with Midwestern friars who build and sell caskets are set against gothic piano and guitar duets. On “Music in the Casket,” A disorienting and hilariously epic guitar solo erupts. The penultimate titular piece, “The Holy Restaurant,” sets a text written by Baron’s grandfather. A small chorus voices his words, echoing the humanistic storytelling of “Blue” Gene Tyranny’s A Letter From Home. Under sunlit piano progressions, a fleet of smokey trumpets emerges.

Running throughout the album is a series of “traces”: short melodic phrases painted over again and again with different real and MIDI instrumentation. The “luxurious asceticism of doubling” as Baron puts it. They explain, “Part of the allure for me is that the ‘original’ material is itself kind of thin, sketchy, meaningless, maybe calling attention to itself only by way of a felicitous mistake. Hearing, transcribing, and learning what was basically only ever played first on accident becomes the guiding concern.”

The album’s shifting, variegated forms and voices pass quickly; the record feels both comforting and elusive, suitable for any hour of the day.

The Holy Restaurant features guest players Ed Atkins, Lucy Liyou, Quentin Moore, Emily Martin, Dominic Frigo, Jacob Wick, and several of Baron’s family members. It is released in a limited edition vinyl pressing of 200 copies, accompanied by a booklet of effusive program notes by the composer, alongside an assemblage of photographs, scores, and artwork.

Downwards present Alexander Tucker in metamorphosis from psych folk to techgnostic bard, aided by notable guests – Justin K Broadrick, Regis, Phew, Karl D’Silva, JJOWDY, and Elvin Brandhi – in a quest for disordered convention and new thrills. One up to Tucker’s outings for Alter and The Tapeworm, and spiritual successor to his »Nonexistant« trio on Downwards, »Clear Vortex Chamber« is an enigmatic take on the brownfield edgelands where the eldritch intersects electronic heck. Decades of work spread between hardcore punk, psych rock, folk, and drone — including work with Stephen O’Malley (Ginnungap) and Neil Campbell (Astral Social Club, ESP Kinetic) — feed forward into this album’s unsteady machine rhythms and cranky junkyard atonalities, where Tucker panel-beats aspects of his previous sound with a newfound industrial thrust and cyber-punky lust that suits him dead well.

A crafty example of how to mutate without losing sight of yourself, the album’s eight parts feel like a cyborg patching itself into modernity. On opener »Udug« Tucker’s signature falsetto peals from a A Scanner Darkly-style scramble suit of stereo-strobing electronics, setting a melodramatic, neo-gothic tension that riddles the album thru the knotted, fractured industrial dancehall bullishness of »Mallets« with Yeah You’s feral gob Elvin Brandhi, via a pair of standout »Fedbck« parts with Tucker’s personal idol, Justin K Broadrick (Godflesh, Jesu, and the rest), featuring the Brum deity’s claw-handed riffs and howl on the first, and smeared with Karl D’Silva’s brass in its noctilucent second part.

Regis also proves a staunch foil for the album’s most robust, club-ready cut »Zona«, hammered out from buzzing metallic drums and monotone bass drones, and pitting his severed vox against Tucker’s own androgynous harmonies to recall aspects of The Ephemeron Loop via British Murder Boys, whilst scene legend, Can and Ryuichi Sakamoto spar Phew (aka Aunt Sally) ideally tempers the flow in a relatively soothing »Sansu«, sharing more cyber-romantic, recombinant sentiments with the channelling of Robert Wyatt gone Funk Bruxaria on »Folded«.

Latest record off the Kalahari production line comes courtesy of a real one. Klon Dump in the building, moving like a madman across four barrelling tech house scorchers.

Part-producer, part-engineer and a long time co-conspirator of A Colourful Storm’s Moopie. Better known to some under the alias Mark, but always surefire for some serious dancefloor potency. Doubters, look no further-this is another demonstration of his mastery.

Big with the radiant stabs, even bigger on the earworm groove. Ploughing the furrow of tough, direct but deft as the Klon Dump faithful will have come to expect by now. Proper belters.

Always flexing outstanding rhythmic ingenuity, whether it’s hardcore hybridity as Mark or the tech house innovation shown here. If anything in life is certain, it’s that a KD record will lay down some serious torque.

There’s also an off-kilter playfulness that kinda feels reminiscent of T+++’s ‘Space Pong’ or Fiedel and Errorsmith’s MMM project. Another ace in the hole from the Antipodean shapeshifter.

Acid Worlds Part One marks the beginning of Tin Man's new series exploring the dimensions of collaborative acid. The EP features contributions from Susi Saisa (w/ Jussi-Pekka), John Tejada & Tin Man, Romans (w/ Gunnar Haslam), and Rolling Ones.

Thank You For Almost Everything is the sophomore album for Headache, a collaboration between writer and poet Francis Hornsby Clark and music-producer Joseph Thornalley aka Vegyn. This new album follows on the surprise underground success of their debut: The Head Hurts But The Heart Knows The Truth (released 31 May 2023) releasing on Vegyn's own PLZ Make It Ruins label. The debut record has streamed over 19.4 million times on Spotify alone and sold over 8,000 physical copies worldwide. The debut gained its popularity entirely organically with zero marketing or PR spend. Since its release, Headache has built a dedicated global fanbase, with several fans even going so far as to get lyrics or the project's logo tattooed on themselves. Thank You For Almost Everything continues the original's distinct style of Trip-Hop / Downtempo Electronica but combining with its own unique (and now imitated) AI-voiced spoken word. For this new album, Headache steps away from the hum-drum of Blighty and instead focuses his gaze to sunnier shores. Recalling personal histories of ruffled hair and school cafeterias, ancient unsolved Albionic riddles, Rome's changing seasons and its poignant graffiti, arguments with girlfriends at luxury hotel beachfront restaurants, and what it truly feels like to be alive in this inscrutable but beautiful world. The project features a further collaboration with artist Cali Thornhill DeWitt who returns to design the packaging and cover for this new album. This double 12" vinyl release, like the first, includes the instrumental versions exclusive to the vinyl version. The album, mixed and mastered by Margo Broom at RAK Studios, will use a similar surprise drop strategy as with the first album. "Follow up to the 2023 debut that gained its popularity entirely organically with zero marketing or PR spend. "Total Streams Since Release (31 May 2023): 19,413,173 (Spotify alone) "Previous vinyl album sold over 8,000 physical copies worldwide. "2nd Disc contains instrumental versions exclusive to vinyl format

Fides Records celebrates ten years of independent sound and vision with the monumental 41-track release “FIDES X – 10 Years of Fides”. The first 12” FIDESX 1, set to release on 24th October sets the tone for the seven-part vinyl journey, opening with a powerful statement of intent.

UFO95 introduces “After Light Comes Shadow”, a bleep-infused 4/4 cut whose broken accents unfold into layers of cinematic tension. Z.I.P.P.O and Claudio PRC follow with “Marte Rosso”, a poetic excursion across Martian landscapes shaped by evolving pads and hypnotic grooves. D-Leria’s “Underwater” plunges deeper still, driven by relentless modular propulsion and immersive aquatic textures.

The B-side expands the spectrum. Stephanie Sykes & Dyad contribute an untitled roller infused with spiritual intensity and organ-like resonance, while BIMOL’s “Fragmento en La” twists cinematic atmospheres and industrial edges into broken rhythms guided by a haunting Spanish vocal. Bringing the record to a close, Decoder delivers “We Keep Lying To Ourselves”—a slow-burning, 808-driven piece of subtle progression and timeless elegance

Bogdan Ra kicks off his new Love Affair label with four banging cuts that nod to the 90s and bring plenty of authentic acid madness. 'Kick It Off' begins with a heavyweight bump, trippy synth motifs and rigid rhythms that make you jerk your body in an 80s Chicago style. 'After Acid Hours' is another full body workout with wiggly 303s adding the energy and 'Ough Yeah' then gets snappy and sweaty with its fractured vocals and strobe-lit moods. 'Beat Body' shuts down with a more slamming technoid energy and rugged acid. Four stylish, fresh and destructive sounds.

Die Nine Mile Section in der Gemeinde Saint Ann ist die Geburts- und Ruhestätte der Reggae-Legende Bob Marley. Das Mausoleum, das seine sterblichen Überreste beherbergt, ist eine wichtige Pilgerstätte für Fans aus der ganzen Welt. Nine Mile wird oft mit der Rastafari-Kultur in Verbindung gebracht, die die Reggae-Musik stark beeinflusst. Die Gemeinde spiegelt das langsamere Lebenstempo, die tiefe Verbundenheit mit der Natur und das afrozentrische spirituelle Ethos wider, das dem Roots-Reggae zugrunde liegt. Dies inspirierte Alborosie zu seinem neuesten Album, das seine persönliche Hommage „Trench Town Legend“ enthält.
„Come My Way“, die erste Single aus dem Album, ist eine Neubearbeitung von „King Tubby Meets Rockers Uptown“, einem weiteren Markenzeichen von Roots Reggae und Dub.

Die kommende Single „Calling Selassie“ liefert einen einheitlichen Roots-Sound und eine inspirierende Botschaft.
Alborosie ist im Frühjahr und Sommer 2025 auf Tournee und wird diese Songs bei seinen Live-Auftritten präsentieren.

Dub techno dons Lempuyang are back with the first double LP from the revered JS Zeiter, an assured artist whose early 12"s merged Chain Reaction's energy with deepchord's immersive depth and made him a modern-day great. Since then, he has spent years refining his craft into a consistently exceptional and sought-after sound across various aliases. Context Collapse marks a significant new chapter with eight expertly designed sounds that offer dub for all occasions, from those zoned out early mornings after a long night at it to more airy and uplifting dreamers like 'Interplay' via cosy, cuddly and introspective gems such as the smooth and seductive 'Open'. JS Zeiter is a true craftsman, as this double pack shows once more.

We are very pleased to share with you our fourth vinyl release: “Volvió el minimal, dicen los Content Creators” (FYC008) by Santiago Uribe.


An EP that confronts the current relationship between the world of electronic music and social media.
Through four compositions, the work unfolds with sonic rawness and radical abstraction, challenging both the dominant aesthetic and the logic of accelerated consumption.


"Deeply tied to the composer’s own life, the narrative of Lacrimosa invites reflection in the face of loss. This sonic work draws inspiration from Alice Coltrane’s spiritual Eternity (1976) as well as the traditional structure of the Requiem, a mass for the dead. One of its sections, the Dies Irae, evokes Judgment Day and concludes with the Lacrimosa (literally, “full of tears”), depicting the weeping of souls in search of salvation.

In Lacrimosa, Low Jack transforms autobiographical elements into a messianic, polyglot form, unfolding across eight movements that chart the storms and serenity of grief. The piece unfolds from dawn to dusk, as the eyes open and then close. An initiatory solar cycle, from which one returns like Dante in his Divine Comedy, transcendent yet grief-stricken by the loss of a guiding presence.

Low Jack crafts one of his most intimate compositions, weaving together musical archetypes and universal narrative structures, drawing from both classical lyrical music and pop standards."

200 copies available worldwide.

DIIV teams with In Sheep's Clothing to release their previously digital-only 'Frog in Boiling Water' Remix EP on a limited edition white label 12". Featuring remixes from Minor Science, Mount Kimbie, Daniel Avery and upsammy.

CENTRAL's new release is already here! On the B-Side, DJ KAWASAKI has edited the extra-hit “Samurai” to make it an even hotter dance track!
Both sides of the album are perfect for the field!

CENTRAL, a salsa band that has suddenly gained attention after releasing two singles and a full-length album last year, but is actually a group of seasoned salsa veterans, has already released a new single! This time around, CENTRAL has released a cover of “Brazilian Rhyme,” one of Earth, Wind & Fire's many classic songs that still remains a dance floor favorite, with a Latin arrangement that is full of CENTRAL's signature style. The groovy bass, shimmering electric piano, percussion, and outstanding horn arrangement make you want to dance and scream, “This is CENTRAL! The B-Side features DJ KAWASAKI's edit of “Samurai,” a definitive mellow salsa track that has now become a WANT-requested item from all over the world, sublimated into an even hotter dance track!

This summer, dance hard to CENTRAL's salsa!

Zum 50. Jubiläum von Bad Company und anlässlich ihrer Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame 2025 erscheint am 24. Oktober das erste von der Band autorisierte Tribute-Album:
„Can’t Get Enough: A Tribute to Bad Company“

Diese besondere Veröffentlichung vereint namhafte Künstler*innen aus Rock, Country und Americana – darunter The Pretty Reckless, Charlie Crockett, Slash, HARDY und Def Leppard – die Bad Companys Klassiker auf persönliche, frische Weise interpretieren.

Ein echtes Highlight: Frontmann Paul Rodgers und Drummer Simon Kirke wirken selbst an mehreren Songs mit – in Kollaboration mit den teilnehmenden Künstlern.

Ein Must-Have für Fans von Classic Rock und eine ehrwürdige Hommage an eine der einflussreichsten Rockbands der Musikgeschichte.

Zonate presents its fifth release, The Roots EP, uniting four tracks from three exciting new voices in the scene. The A1 comes from Guzman with Final Point - a grooving electro cut that builds patiently before unleashing a roaring drop in the second half. Bassy Bee follows with Will Not Hurt You - dark and evolving, driven by growling low-ends and self- recorded vocals. The flip side is all Gaston Cabrera. On B1, Persiguiendo Pesadillas is propelled by a defining arp that touches into prog-trance territory. Closing with B2, A La Luz De Las Velas, Cabrera returns to his South American–infused sound - hypnotic, driving techno / prog.

Firing remix package of cuts from two legendary album's from Brazil's Orquestra Afro-Brasileira. Feat

Two albums - Obaluayê (1957) and Orquestra Afro-Brasileira (1968) - were enough for Orquestra Afro-Brasileira to mark its history in music forever. Born in 1942 in Rio de Janeiro by its founder Abigail Moura, it remained active until 1970 and, in 2021, was revived by the only living member of the original line-up at the time, Carlos Negreiros, when the third and final album in the orchestra's career, entitled 80 years, was released by Amor in Sound/Night Dreamer. Today (31) the album gets its remix version with tracks signed by names of the caliber of Marcelo D2, Criolo, Pupillo, Emicida, Rael, Cut Chemist, Mexican Institute of Sound, among others.

Aiming to keep the legacy of the Orquestra Afro-Brasileira alive, the album 80 Anos (Remixes) reaffirms the group's relevance as a creative source for different generations of musicians and listeners, based on new interpretations produced by artists who are also fans of the orchestra. According to Mario Caldato Jr., the album's musical director, "it was a great joy when I got to know the work of the Afro-Brazilian Orchestra and, soon after, had the honor of meeting and working with Carlos Negreiros. Producing 80 Anos alongside him was a gift and being able to look back on it, having the remix album to celebrate this legacy, is really wonderful."

For Amor in Sound - Mario and Samantha Caldato's record label - this release faithfully represents their values: Respect for memory, diversity, friendship and the possibility of creating new worlds. Made in a totally collaborative way, the album is born as a historical record, interpreted by great names in current music and, above all, great friends. “Being able to do this is indescribable, the value of relationships makes up and continues the legacy of the Orquestra Afro Brasileira,” says Samantha.

The project brings together Brazilians Criolo, Emicida, Rael, Marcelo D2, Lucio Maia, Pupillo, Rogê, Tropkillaz, Kassin, Pedro Dom, Zilladxg, Nuts, Daniel Ganjaman, Imperatore and Nave, as well as international DJs and producers such as Mix Master Mike, Cut Chemist, Gaslamp Killer, J Rocc, TASO, Mexican Institute of Sound and Mophono.

Barac and Alex Font deliver a mesmerizing 2x12" – four deep, transcendent tracks that blur the lines between rhythm and ritual. This is music carved from emotion and space, where minimalism meets soul, and every detail breathes intention. The sonic quality is exceptional – raw yet refined, warm yet weightless. A meditative pulse runs through it all, inviting the listener inward.
Each cut is a journey, crafted with precision and soul, rich in atmosphere and unmistakable in identity. This collaboration isn't just a meeting of minds – it’s a shared vision, etched into wax. A record that doesn’t shout, but resonates. Timeless and essential. Almost 30 min Playtime, 180g 2x12inch, Fullcover print.

Broken District presents Theoric Proximity, the debut album from French producer and label co-founder Jus Jam. Known for his blend of dreamy atmospheres and groove-driven productions, Jus Jam delivers a 12-track journey exploring the subtle balance between introspection and the dancefloor.

The record flows between ambient textures, deep and leftfield house, broken beat, hip-hop, and jazz influences, creating a cohesive yet versatile soundscape. From late-night moods to club-ready moments, Theoric Proximity reflects the artist’s unique approach: instinctive, emotional, and personal.

A milestone release for both the artist and the Bordeaux-based label, Theoric Proximity positions Broken District among today’s forward-thinking electronic imprints.

Trystero returns with their new album Humming Fuzz on Knekelhuis — a kaleidoscopic voyage deeper into the band’s expanding cosmos.

Built on plunging basslines, acid-drenched loops, and spiraling kraut-inspired guitar textures, the record drifts between hypnotic repetition and free-flowing, hallucinatory songwriting. It echoes the visionary spirit of Psychic TV and the genre-blurring universe of Weatherall, while carving out a raw, magnetic space of its own.

Recorded once again on a canal barge in the North of France, Humming Fuzz feels like a natural evolution from their debut Sfumare e Vedere — denser, more alive, and charged with electricity. Now expanded with Nelly on bass and Alexia on vocals, Trystero channels this expanded energy into their wild, expressive live performances, soon to ignite audiences on their upcoming tours.

oDYSea is back for its second release with the much-awaited debut EP of Penelope, featuring four compelling club tracks brimming with power and grace.

Opener ‘Unexpected Dreams’ surges with muscular basslines and acid liquidity, while ‘Usual Suspects’ adds crashing breaks into the mix.

On the B-side, ‘Strange World’ steps into outer space with a broken beat, alien foghorn motif and big synth riffs, before the electro-house groove of ‘Flow’ sends us home with a funky bang. A hypnotic blend of techno pulse and delicate breaks, ready to take you on a full dance floor immersion.

There is a new artist from Japan followed by the name Kakeru who is giving his Shaw Cuts debut with ãRaw CourageÒ, telling the story of an emperor besieged by an army who then entrusts his child to the Black Dragon Clan heading off to a dangerous journey.
An attempt to usurp the Ming Emperor's throne by the sinister martial artist simply known as ãold monster" and his armies results in most of the palace being massacred. ãQuagmireÒ and its vibrant percussive pattern carried by a heavy broken kick and a driving bassline help the emperorÕs infant son to escape and put in care of the Black Dragon Clan.
En route they are attacked by government forces but rescued by two knights. They prove to be a valuable addition to the party in subsequent encounters with their pursuers. ãMirror ForestÒ and its laid-back atmosphere, mysterious vocal snatches and shining pads carried by an expressive drum pattern help the travellers parrying every sneaky attack on their journey.
Trying to head to the White Dragon Clan in order to seek for help, the squad has to masquerade and take several battles, always protecting the baby in tow. The razor-sharp percussions, corrosive bass and thrashing kick of ãSwayingÒ tremendously supports the warriors in each fight.
Finally they make it to the temple of the White Dragons where they show their Black Dragon seal as a sign of solidarity. But all of a sudden the mood changes. ãBroken BubblesÒ and its menacing atmosphere built up by a monstrous sub bass, reduced but impactful drums and subtle synth elements underline the potential threat. Did they walk into a trap? Is there enough energy left for one big fight? Raw courage is vital now.

2025 Repress

It was only in 2018 that New York techno mainstay Joey Beltram revealed that he was the man behind 'SW37', a record which had been an underground classic since it first started doing the rounds in 1998. It remains an evergreen favourite almost 30 years on, which is why Damon Wild's Synewave is reissuing it here. The A-side is gloppy, dubby techno with impish percussion darting about the mix and drunken hits bring an off-kilter edge. On the flip, 'SW37B' is stripped back to pure deep techno serenity with deft ambient pads and a sense of unrelenting meditation that locks you in the here and now.

Parisian mainstay Leonard Perret, better known as Le Loup, signs a new 12” for Dancefloor Rituals, channeling the raw, old school traditions that have long informed his work. A fixture of the city’s underground, his collaborations with Chris Carrier and ongoing curation of his own Shadow Play imprint have positioned him at the intersection of heritage and forward motion. This latest release distills that ethos into stripped-back, hypnotic grooves and precision-crafted dancefloor tools that nod to the past while keeping their gaze firmly on the future.

In between the folds of ceremony and commonality lies a perennial spring of musical expression.

A statement along the time continuum, or a testament to the resilient resourcefulness embedded in that truth, forms the philosophical approach of this album – the first outing of Dídac.
Studying an extensive archive of instruments, artifacts, and field recordings at the Musée d’ethnographie de Genève—a space steeped in folkloric gesture – Dídac encountered a cosmos of liturgical music and folk song. Anchored in reverance for tradition and transformation alike, this album navigates the old-world Mediterranean lore through a post-modern ambient lens, threading drone, gentle rhythm, electroacoustic textures and the crude tactility of archival material into one woven tapestry.

Under the guidance of Dr. Madeleine Leclair, Dídac was invited to work within one of the world’s most extensive ethno- musicological archives—L’AIMP. In the saturated basements and tape-lined backrooms of the museum, he submerged himself in the sounds of ritual and rural life: wax cylinders from the Eastern Mediterranean, tapes of liturgical hymn, the worn edges of communal song.
In a makeshift studio on the fourth floor of the museum, he sifted through the hours of material he collected, gradually discovering that the archive was no static source – It did not dictate; rather, it served as a companion—offering not answers, but questions. Not a beaten track, but a cluster of sonic clues and riddles. Samples do appear occasionally, tenderly interwoven into the dialogue of the songs. In Dídac’s self-titled debut, the past is not worn as ornament or kitsch; it is listened to and responded to. The museum, its archives, and the visit to Geneva became a foundational culisse of sorts, igniting a myriad of rough cuts and improvisational outtakes.
Dídac, or Diego Ocejo Muñoz, was born in Madrid in 1994 to a family of both Catalan and Castilian origin.

Brought up in a religious household, the influence of the Catholic Church innately shaped the social fabric, schooling and daily life. This lingering dominance led the adolescent Diego into a path of rejection of everything sacramental, promptly resorting to subversion in the shape of grafitti, skateboarding and underground music. Only later in life, after a rigorous venture as an acid and electro producer, the Church re-emerged before him in new light, invoking a deep fascination for its mysticism, iconography and choral tradition.

Spain in general and Catalonia in particular, has long served as a crossroads of the eastern–western Mediterranean continuum, with many of its cultures sharing aspects of way of life and ceremony. At the MEG, Diego found himself puzzled with this realization, resulting in a sonic amalgamation that reaches farther away from the rugged mountains of Catalonia than you might perceive at first encounter.

The deeply embedded memory of rite and public ceremony, religious hymn and landscape—sieved through the undercurrent of personal re-emergence, forms the emotional topography of this album. The record does not trace this landscape; it inhabits it. Its repetitive mysticism and ambient, wide-eyed gaze could possibly evoke (perhaps redundant) comparisons to artists such as Dimitris Petsetakis, or Popol Vuh’s late 70’s cinema scores.
The delicate lines between the sacred and the secular – between memory and re-invention – serve as a cipher to understanding this album in its entirety. Titles like Malpàs Mines or Pantocrator’s Portal Outro nudge toward a folkloric and devotional bedrock—places where labor and spirituality coexist, where names preserve both dust and veneration.

Nevertheless, this is far from mere nostalgia. It is a reclamation — singing alongside the spirits of the past, nurturing what still hums beneath the soil. It is an intimate reflection on tradition, rebellion, adolescence, ceremony and fantasy – a pastoral contemplation on what once was and what is to be.

Spring Revisited pays us a respectful revisit this autumn as a full double LP on Acid Jazz, Ace Records and Cosmos, pinching the celebrated 12" singles into one power-punchy grab bag. Spring, founded in late 60s New York by Bill Spitalsky with Roy and Julie Rifkind, became a 70s soul powerhouse, home to such dance music pioneers Millie Jackson, Joe Simon and The Fatback Band. Their collegiate creations were of course ripe for modern reinterpretation - a fated intention - and as recently as 2025 saw DJs and producers pull them apart and reappraise them for modern floors: Dimitri From Paris turned Jackson's 'We Got To Hit It Off' into a stout summer anthem, Joaquin 'Joe' Claussell reimagined Fatback's 'Snake', and Kenny Dope, Dave Lee, DJ Spinna, Opolopo, Colleen 'Cosmo' Murphy and others added their own ensouled spins.

Hailing from Raw Culture, Anna Funk Damage returns with his third release on the Roman label, delivering a record as fierce as it is intimate. Tarantola was born out of a winter suspended between contrasting emotions – melancholy, anger, love, confusion – distilled into a sound that transforms personal fragility into collective energy. There’s no pursuit of perfection here, but rather an urgency running through the veins, taking shape across supersonic punk, wave, ambient and industrial.

Each track is an emotional fragment, a bite that leaves its mark: from the electric tension of Vivere Distaccati to the feverish rush of Trasmissione, from the rawness of Decadente to the hypnotic title track Tarantola, which embodies the beating heart of the album. Side B unfolds into more nocturnal and intimate landscapes, from Chiang Mai to the disenchanted sincerity of Lavoro Troppo, closing with a party that carries the bittersweet taste of reality.

Tarantola is a journey into the chaos of human emotions, an album that doesn’t just narrate but pulls you deep into its sonic labyrinth, giving noise back its vulnerable yet powerful soul.

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Tremor erscheint zu einem Zeitpunkt, an dem Averys Arbeitspensum für Außenstehende kolossal erscheint. Als Produzent, DJ, Musiker und Remixer, der ständig mit anderen zusammenarbeitet, hat er kürzlich DRONE:NODRONE von The Cure neu interpretiert, wofür er allgemeine Anerkennung erhielt. Seine Arbeit als eines von drei Mitgliedern von Demise of Love (eine Gruppe, die gemeinsam mit Ghost Culture und Working Men’s Club gegründet wurde) liefert derzeit den Soundtrack für die verschwommenen, undurchsichtigen Ränder der Tanzflächen auf der ganzen Welt. Das Album ist Averys erste Veröffentlichung bei Domino.

Die Platte ist voller unerwarteter Kollaborationen, darunter: Yeule, Art School Girlfriend, Ryan von bdrmm, Yune Pinku, Cécile Believe, Walter Schreifels von Rival Schools, Julie von New Dad und Alison Mosshart. „Tremor” wurde teilweise von David Wrench und teilweise vom legendären Alan Moulder gemischt. Es ist ein Breitwand-Album, auf dem sich Daniel mehr denn je auf Instrumentierung stützt und diese Klänge mit seiner charakteristischen, dunklen, techno-ähnlichen Produktion ergänzt. Es gibt wunderschöne melodische Parts, große elektronische Hits, härtere Grunge-Parts und wunderschöne Ambient-Momente, die einen wieder zur Ruhe kommen lassen.

Ein unverzichtbares Album von Roy Ayers, das soulige Jazz-Wurzeln mit knackigem 1970er-Jahre-Funk verbindet. Mit Ayers' charakteristischen Vibes, präzisen Arrangements und herausragenden Tracks wie "The Boogie Back" (gesampelt von NWA, 2Pac, De La Soul_) und "Change Up the Groove" ist diese LP ein Muss für jeden Fan von Jazz-Funk und Vintage-Grooves, ein etwas verstecktes Juwel aus Roy Ayers Ubiquitys frühen Polygram-Jahren. Dieses soulige Album, das oft zugunsten von Ayers' größeren Hits übersehen wird, ist eine Meisterklasse in Jazz-Funk-Fusion und fängt die Essenz von Ayers' sich entwickelndem Stil ein, als er die Lücke zwischen seinen Jazz-Wurzeln und dem rhythmischen Snap der Funk-Revolution der 70er Jahre überbrückte. Vom ersten Track an steht Ayers' charakteristischer Vibraphon-Sound im Mittelpunkt, der vor Emotionen und Groove nur so sprüht. Das Album besticht durch seine instrumentale Vielfalt, zu der Jazzgrößen wie der legendäre Bernard Purdie am Schlagzeug einen herausragenden Beitrag leisten. Streicher verweben sich subtil und unterstreichen Ayers' ohnehin schon tiefgründige und strukturierte Arrangements. Zu den Höhepunkten gehören der unverkennbare Funk von "The Boogie Back", ein Breakbeat-Favorit für Crate-Digger und DJs (der oft gesampelt wird, um andere Tracks zu garnieren), und eine üppige, elektrifizierte Interpretation von "Feel Like Makin' Love", die vor sanfter Soul-Musik nur so glüht. Der Titeltrack "Change Up the Groove" liefert den typischen, emotional aufgeladenen Funk, der diese Ära geprägt hat. "Change Up the Groove" ist nicht nur ein Album - es ist eine Momentaufnahme von Roy Ayers' künstlerischer Entwicklung, voller Rhythmus, Herz und zeitlosem Groove. Egal, ob Sie ein langjähriger Fan sind oder nun neun entdecken. Essential listening!

‘Aurelia’ is another atmospheric masterpiece by Boozoo Bajou.

Deep atmospheric soundscapes have always been a part of Boozoo Bajou during their 27 years as producers. Each of their previous five albums had those almost beatless melancholic beauties as part of the musical presentation.

Since this is a key element, Peter Heider and Florian Seyberth aka Boozoo Bajou decided to dedicate a new six-track album, called ‘Aurelia’, to this genre of music which might be called Ambient but is rather a free flow through their musical minds.

Based on a warm analogue mix, there are various instruments giving guidance to this journey, enriching the overall quality of this new output from Boozoo Bajou.

Gramrcy and John Loveless return to Phantasy with a double-A single, ‘Lucid / Feel So’. Three years on from their festival-rupturing hit ‘Highdive’, which found regular rotation in the sets of 2ManyDJs, Peggy Gou and Daniel Avery alongside soundtracking shows for Moschino and Hugo Boss, two new tracks expand the sound of the Berlin pair’s studio partnership.

‘Lucid’ features a unique vocal turn from Tony Morris, a former teacher, taxi driver and contemporary cult figure in Glasgow’s underground scene. Having begun DIY production only in his late sixties, he has since released on the city’s peerless Optimo Music and has been profiled by the BBC and NPR, alternately described by The Scottish Herald as “Scotland’s most unlikely pop sensation” and by himself as “a deviant cabaret artist”.

Morris’s hypnotic repetitions prove to be an earworming anchor for Gramrcy and Loveless’s pressure-cooker arrangement, a bubbling concoction that represents their most formative influences, combining the sheer bassweight of FWD-era UK dance with the ISDN-line scramble of the most out-there electroclash. Rich in rhythm and textural weirdness, ‘Lucid’ captures the sound of a deeply satisfying intersection of rave outsiders.

Eschewing the dreamy psychedelia of its counterpart, ‘Feel So’ instead tips the scales back toward the outright ecstatic. The influence of esoteric disco and post-punk percussion rides on a throbbing bassline that builds toward supreme dancefloor release, paying tribute to a legacy of hi-NRG, spanning Chicago to Rimini.

Gramrcy & John Loveless - ‘Lucid / Feel So’ will be available to download & stream on October the 10th via Phantasy There will also be a limited-edition run of just 200 hand-stamped 12” vinyl records, including the instrumental cut of ‘Lucid’, available to pre-order from Bandcamp and the Phantasy store.

An electrified meeting of minds, Candy Girl is a lost 1975 session by jazz pianist Mal Waldron, recorded in Paris with core members of the mighty Lafayette Afro Rock Band, the American funk unit who had made France their home and whose deep grooves would later be mined by generations of hip-hop producers.

By 1975, Waldron was a decade into his self-imposed exile from the United States—a transformed musician who had reassembled his sound in Europe and Japan after a devastating breakdown in the early '60s. His post-1969 output had stripped jazz down to its core elements: modal intensity, locked grooves, and hypnotic repetition. Candy Girl doesn’t interrupt this trajectory—it extends it, wrapping Waldron’s minimalist mantras around the funked-up chassis of the Lafayette rhythm section.

Originally released in microscopic quantities on the Calumet label and long shrouded in obscurity, Candy Girl was recorded spontaneously in the studio of French producer Pierre Jaubert, whose Paris HQ had become the workshop for both avant-garde jazz (Archie Shepp, Art Ensemble of Chicago, Steve Lacy) and psychedelic funk (Lafayette Afro Rock Band AKA Ice). This session finds Waldron jamming freely with bassist Lafayette Hudson, drummer Donny Donable, and keyboardist Frank Abel on clavinet, Moog and more—laying down raw, unfiltered instrumental funk with an experimental edge.

Highlights include the low-slung vamp of “Home Again”, the crisp, break-laden groove of “Red Match Box”, and the mesmeric swirl of the title track “Candy Girl” —a minor-key electric piano waltz with hints of cosmic soul. There's even a deep cut for the crate diggers: the somber yet meditative “Dedication to Brahms”, where Waldron deconstructs the Romantic composer’s third symphony into a sparse jazz reverie.

Unlike his polished sessions for Japanese labels or the avant-garde swing of his earlier Prestige work, Candy Girl feels more spontaneous, even accidental — and that’s part of its power. It’s a document of Waldron as bandleader, collaborator, and explorer, captured in the midst of a vibrant, cross-cultural scene in mid-70s Paris. Never officially issued with a cover and barely released at all, Candy Girl is a rare convergence of two underground traditions: Waldron’s Euro-exile electric jazz and the raw, sampled-future funk of the Lafayette Afro Rock Band. Now finally resurfaced, it deserves its rightful place in both stories.

The second phase of Invisible Inc’s 10-year anniversary celebrations has landed, hot on the heels of the scorching Phase 1.

Where Phase one focussed on the dub-style, electronic and ambient side of the label’s output, the second volume leans slightly more towards the ‘psych’ side of the label and is aptly titled “Resonance: Ten Years of Psychedelic Sounds From The Soul Of Invisible Inc”

Following the success of Highly Refined Pirates' forward-thinking guitar gymnastics and Menos El Oso's groundbreaking glitch rock, Seattle's premier pop revisionists Minus The Bear dug into some of rock music's most ostentatious years for inspiration for their 2007 album, Planet of Ice. The title alone conjures images of Yes's Relayer album art, and the influence of the elder statesmen's symphonic scope can be felt throughout Planet of Ice's lush and intricate arrangements. You can also hear the band channel the ominous instrumental interplay of Lamb-era Genesis on "Dr. L'Ling", the deceptively savvy musicianship and pristine production of Steely Dan on "White Mystery", and the tightrope walk between ethereal space and pre-metal riffage of Pink Floyd's "Echoes" on "Lotus". Not that Minus The Bear completely abandoned their earlier style_elements of Menos El Oso's sample-driven technique can be heard on the lead single "Knights". But the heart of the song ultimately belongs to the haunting Fripp-esque guitar lines spliced between verses. After being out of print on record since 2010, Suicide Squeeze is proud to reintroduce Planet of Ice's creative marriage of classic motifs and modern musical wizardry with a vinyl remaster courtesy of Bernie Grundman.

The first LP release of the EP featuring the opening theme “Sense” from the TV anime Platinum End.
This is the LP version of BAND-MAID's EP "Unleash," originally released on CD on September 21, 2022.

"discografia due" ist Melkus' chaotischer Liebesbrief an das Verlieren: verdrehte Riffs, Verzerrung als Farbe und Monate, die damit verbracht wurden, Einflüsse zu entwirren und in rohe Meisterwerke zu verwandeln. Eine Mini-Diskografie von Chaos, Lärm und Freude am Scheitern. Keine Gewinner - nur eine Crew von Verlierern, die zwischen Wahnsinn und Nervenzusammenbrüchen tanzt.

Repress 2025

The King of K-Pop Returns!

To those unfamiliar, G-Dragon is regarded by many as the Godfather of K-Pop. Rising to fame in the mid-00’s with his group, Big Bang, that later went on to become one of the world’s biggest selling boy groups. He quickly stood out with his unique and intricate songwriting as the leader of the group. A talented songwriter and trendsetter within the youth culture and fashion space, G-Dragon has received a bevy of awards, nominations for his music and fashion sense from the World Music Awards, to Hypebeast’s 100 list, to Forbes’ 30 Under 30 list, it’s apparent that G-Dragon has cemented his place in cultural relevance.

After serving his mandatory South Korean military service and a brief hiatus from music, the global superstar, G-Dragon has returned! He announced that he signed with indie-powerhouse, EMPIRE, and released his first comeback single on October 31, 2024 with POWER to immediate global fanfare and buzz, with the music video garnering over 44 MILLION views in a month and over 115 MILLION global streams. He soon followed that up with an electrifying performance at the 2024 MAMA Awards show in Osaka coupled with the release of his new single, Home Sweet Home which has garnered 100 MILLION global streams since release.

2025 will see the release of his first full length album since 2017 entitled Übermensch along with global tour dates. The album is expected to make a huge impact globally and further cement his place in music history!

Nach der Neuauflage von The Belair Lip Bombs' (dem ersten australischen Signing des Labels) Debütalbum ,Lush Life" im Jahr 2023 durch Third Man Records - das breite Anerkennung fand, darunter eine ?-Bewertung im NME, eine 7,8-Bewertung von Laura Snapes in Pitchfork, einen Artikel in der Rubrik ,Ones To Watch" im Guardian und eine Auszeichnung als ,Best Rock or Punk Work" bei den Victoria Music Awards erhielt, bereitet sich die vierköpfige Band aus Melbourne auf die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums ,Again" am 31. Oktober vor. Unter der Leitung von Maisie Everett (Gitarre, Keyboard, Gesang) und ergänzt durch ein talentiertes Trio von Musikern bestehend aus Mike Bradvica (Gitarre), Jimmy Droughton (Bass) und Daniel Devvlin (Schlagzeug) wurde das Album mit Produzent Joe White von Rolling Blackout Coastal Fever aufgenommen. (,Again" festigt die Position von Lip Bombs (als feste Größe in der aktuellen Indie-Szene). ,Hey You", die erste Singleauskopplung aus dem Album, fängt das großformatige Songwriting und das angeborene Gespür der Band für mitreißende Melodien ein.

Nach der Neuauflage von The Belair Lip Bombs' (dem ersten australischen Signing des Labels) Debütalbum ,Lush Life" im Jahr 2023 durch Third Man Records - das breite Anerkennung fand, darunter eine ?-Bewertung im NME, eine 7,8-Bewertung von Laura Snapes in Pitchfork, einen Artikel in der Rubrik ,Ones To Watch" im Guardian und eine Auszeichnung als ,Best Rock or Punk Work" bei den Victoria Music Awards erhielt, bereitet sich die vierköpfige Band aus Melbourne auf die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums ,Again" am 31. Oktober vor. Unter der Leitung von Maisie Everett (Gitarre, Keyboard, Gesang) und ergänzt durch ein talentiertes Trio von Musikern bestehend aus Mike Bradvica (Gitarre), Jimmy Droughton (Bass) und Daniel Devvlin (Schlagzeug) wurde das Album mit Produzent Joe White von Rolling Blackout Coastal Fever aufgenommen. (,Again" festigt die Position von Lip Bombs (als feste Größe in der aktuellen Indie-Szene). ,Hey You", die erste Singleauskopplung aus dem Album, fängt das großformatige Songwriting und das angeborene Gespür der Band für mitreißende Melodien ein.

In einer Welt, die von zwei Monden umkreist wird, tanzen die Mondphasen im Gleichklang und beeinflussen die Gezeiten. Unter diesen Lichtamuletten liegt die Landschaft, in der SAINTSENECAs neues Album ,Highwallow & Supermoon Songs" entstanden ist. Zac Little wirkt an der Oberfläche subtil, aber die Kunstfertigkeit in jeder seiner Phrasen ist fast überwältigend. HIGHWALLLOW & SUPERMOON SONGS findet seine Stimme in ihrer elastischsten Form, reitet auf den Hügeln seiner Heimat, schwirrt vorbei wie eine Libelle und legt sich dann ruhig wie ein alter Hofhund.

Die ,CURSE"-EP von UMO spiegelt die verfluchten Zeiten wider, in denen wir uns befinden. Inspiriert von italienischen Horrorfilmen der 1970er- und 1980er-Jahre sind die sechs Songs dieser Veröffentlichung so kathartisch wie kaum eine andere Aufnahme der Band. Sie vereint sowohl schroffe, von Black Sabbath inspirierte Riffs in ,BOYS WITH THE CHARACTERISTICS OF WOLVES" als auch das entspannte, filigrane Gitarrenspiel, für das UMO vielleicht am bekanntesten ist, in ,DEATH COMES FROM THE SKY".Die CURSE-EP ist der perfekte Soundtrack für deine nächste Konfrontation mit dem Nichts.

Serie mit unbekanntem Ausgang. Diary of Dreams starten eine Serie von Mini Alben, deren finale Anzahl noch nicht beschlossen ist; Mastermind Adrian Hates erklärt: "Die Serie endet, wenn die Geschichte zu Ende erzählt ist." So beginnt nun am 31.10.2025 die neue musikalische Traumreise mit dem Kapitel "Dead End Dreams". Der Titel ist ursprünglich eine Textzeile aus dem Song Panik? vom 2002er Mini Album PaniK Manifesto, welches für DoD das erste seiner Art war. Die Zeile blieb für Adrian jedoch bis heute inhaltlich unvollendet; es gab dazu noch so viel mehr zu sagen. Es war also höchste Zeit, dieses Sinnbild zu vollenden. Begeben wir uns dafür nun gemeinsam in völlig neue Klangwelten des Tagebuchs. Der Titel verrät ein wenig, womit zu rechnen ist - düstere und apokalypische Szenarien und ein Rückzug in die eigenen Gedanken, um das auszublenden, was kaum fassbar mehr scheint: die Realität; Eine Welt am kollektiven Abgrund. Gegründet wurde die Band 1989 und erspielte sich seitdem mit über 700 Konzerte in 43 Ländern ein treues Publikum.

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

Mit Ex Voto / The Silent Love vollendet der schwedisch-amerikanische Singer-Songwriter Christian Kjellvander eine inoffizielle Trilogie über die Liebe - in all ihrer Zartheit, Komplexität und spirituellen Tiefe. Nach About Love and Loving Again und Hold Your Love Still präsentiert er ein Album, das leise und zugleich eindringlich wirkt: intim, atmosphärisch und emotional kompromisslos. Ursprünglich als ruhiges Country-Album geplant, entfaltet sich Ex Voto zu einer vielschichtigen Klangreise. Die Songs bewegen sich zwischen geisterhafter Stille und dynamischen Ausbrüchen, getragen von Kjellvanders markanter Baritonstimme und einer fein abgestimmten Instrumentierung aus Rhodes, Bassklarinette, Kornett und weiblichen Vocals. Produzent Tobias Fröberg verleiht dem Album durch gezielten Einsatz von Reverb eine fast übernatürliche Präsenz. Aufgenommen in einem alten Sommerhaus an der schwedischen Küste, spiegelt das Album die Ruhe und Tiefe seines Entstehungsortes wider. Es ist ein Werk, das zum Verweilen einlädt - wie ein nächtliches Gespräch, das lange nachhallt.

Mit Ex Voto / The Silent Love vollendet der schwedisch-amerikanische Singer-Songwriter Christian Kjellvander eine inoffizielle Trilogie über die Liebe - in all ihrer Zartheit, Komplexität und spirituellen Tiefe. Nach About Love and Loving Again und Hold Your Love Still präsentiert er ein Album, das leise und zugleich eindringlich wirkt: intim, atmosphärisch und emotional kompromisslos. Ursprünglich als ruhiges Country-Album geplant, entfaltet sich Ex Voto zu einer vielschichtigen Klangreise. Die Songs bewegen sich zwischen geisterhafter Stille und dynamischen Ausbrüchen, getragen von Kjellvanders markanter Baritonstimme und einer fein abgestimmten Instrumentierung aus Rhodes, Bassklarinette, Kornett und weiblichen Vocals. Produzent Tobias Fröberg verleiht dem Album durch gezielten Einsatz von Reverb eine fast übernatürliche Präsenz. Aufgenommen in einem alten Sommerhaus an der schwedischen Küste, spiegelt das Album die Ruhe und Tiefe seines Entstehungsortes wider. Es ist ein Werk, das zum Verweilen einlädt - wie ein nächtliches Gespräch, das lange nachhallt.

"I live in the arcades. Reality was never an option!"

The 85-year-old video game queen and film composer pdqb (born on November 14, 1939) delivers a beautiful love letter to your boomer childhood, a wild ride through the golden age of video gaming. Hear how she dodges bullets, jumps over cosmic chasms, beats bosses, reaches bonus stages, uses cheat codes and even her last continue...just to stay in a world of pixels and vectors forever. pdqb will bring you back all those fond memories of unburdened joy that you might have lost while growing up. She could be your savior.

Synaptic Cliffs is filled with otherworldly pride to present these 14 timeless masterpieces to its beloved listeners.

Eyvind Kang ist Komponist und Bratschist, dessen Werk experimentelle, klassische und traditionelle Musikformen umfasst. Zu seinen Kollaborationen zählen unter anderem Jessika Kenney, Bill Frisell, Laurie Anderson, Bennie Maupin, Stuart Dempster, Sun City Girls und SUNN O))). Kang ist bekannt für seine Erkundungen der Mikrotonalität, der modalen Improvisation und des Klangrituals. Seine Werke wurden weltweit auf führenden Festivals und Veranstaltungsorten präsentiert. Kang ist derzeit Fakultätsmitglied am CalArts und unterrichtet Komposition und experimentelle Klangpraktiken. Seit über dreißig Jahren erforscht Eyvind Kang die verschwommenen Grenzen zwischen Komponist, Interpret und Zuhörer. Auf Riparian präsentiert er eines seiner bisher intimsten und fokussiertesten Werke: zwei Langformstücke für Viola d'amore, improvisiert innerhalb mikrotonaler Systeme, die er während der Pandemie entwickelt hat. Kang bezeichnet diese Improvisationsmethode als ,Riparian" und beschwört damit das Bild eines Flusses herauf, der in verschiedene Richtungen überquert wird - fließend, nichtlinear und lebendig mit subtilen Variationen. ,Ich stellte mir Pizzicato und Arco wie das Springen von Stein zu Stein in einem Bach vor", sagt er. ,Es gibt eine geerdete Zufälligkeit, wie bei einem Frosch oder einer Schildkröte, die sich zwischen Land und Wasser bewegt." Jedes Stück auf Riparian ist eine erste Aufnahme, die im Studio als Teil dessen aufgenommen wurde, was Kang als ,eine Art Geschichtenerzählen unter gleichgesinnten Freunden" bezeichnet. Das Ergebnis ist Musik, die mit stiller Intensität und emotionaler Klarheit fließt und Melodien entfaltet, die sich sowohl uralt als auch lebendig präsent anfühlen. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SU NN O))), Omar S ouleyman, Kali Malone) produziert und aufgenommen, fängt Riparian die volle Resonanz der Viola d'amore in einem reichen, dimensionalen Klang ein. Dunns Handschrift verleiht Kangs lyrischer Phrasierung Wärme und Transparenz und offenbart subtile Klangtexturen, die ein tiefes Hören belohnen. Meditativ und ausdrucksstark zugleich lädt Riparian den Hörer in einen Raum ein, in dem die Zeit weicher wird und Klang zu einer Form der Einstimmung wird .

Chloe Kim ist eine in Korea geborene, in Sydney lebende Schlagzeugerin und Improvisatorin, deren Musik Traditionen und Geografien miteinander verbindet. Bekannt für ihren unerschrockenen Improvisationsansatz und ihre ausdrucksstarke Beherrschung des erweiterten Schlagzeugs, ist sie in ganz Australien und international in den Bereichen Jazz, Experimental und Neue Musik aufgetreten. Aufgewachsen in Korea und heute in Sydney ansässig, hat sich die Perkussionistin Chloe Kim als einzigartige Stimme im zeitgenössischen Schlagzeugspiel etabliert, indem sie furchtlose Improvisation mit kompositorischer Klarheit und interkultureller Tiefe verbindet. Ratsnake markiert ihren kühnen Einstieg in den Kanon der Solo-Schlagzeugalben, indem sie viszerale Kraft mit Präzision und Fantasie verbindet. Kims internationales Ansehen stieg 2023 nach ihrer ,herkulischen" (The Guardian) 100-stündigen Solo-Drum-Performance über 10 Tage. Auf Ratsnake kanalisiert sie dieselbe Ausdauer und Vision in ein zutiefst persönliches Studioalbum, das das vollständige klangliche Potenzial des Schlagzeugs auslotet und es als melodisches und skulpturales Instrument behandelt. Der Titel des Albums stammt aus einem Traum, den Kims Mutter vor ihrer Geburt hatte und der sich auf die Rattennatter bezieht, ein koreanisches Symbol für Widerstandsfähigkeit, Verwandlung und seltenes Glück. Dieses symbolische Erbe zieht sich durch das gesamte Album, während Kim komplexe rhythmische Ideen mit Eleganz und Kraft entfaltet. ,Als ich zum ersten Mal in New York war, spürte ich, wie die Energie der Stadt neue Ideen aus mir hervorbrachte ", sagt Kim. ,Jeder Track hebt eine Facette meiner Solo-Sprache hervor - von ausgedehnten Percussion-Parts und langen rhythmischen Zyklen bis hin zu Texturen, die ich noch nie live verwendet habe ." Auf dem gesamten Album greift Kim auf jahrelange persönliche Motive zurück: eine im Laufe der Zeit verfeinerte Zwei-Takt-Phrase im Titeltrack, komplexe Strukturen in ,The First Gift" und weitläufige Arrangements in ,Birth Dream". Jedes Stück baut auf ihrer fortwährenden Auseinandersetzung mit Rhythmus, Form und verkörpertem Klang auf. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SU NN O))), Annea Lockwood, Kali Malone), fängt Ratsnake Kims dynamische Phrasierung mit räumlicher Fülle und Detailtreue ein. Es ist ein kraftvolles , nuanciertes Debüt, das die Möglichkeiten der Solo-Percussion neu definiert .

Her New Knife ist eine Shoegaze-/Alternative-Band aus Philadelphia, Pennsylvania. Zu den Mitgliedern der Gruppe gehören Edgar Atencio (Gitarre und Gesang), Ben Kachler (Gitarre), Carolina Schooley (Bass) und Elijah Ford (Schlagzeug). Die Band veröffentlichte letztes Jahr ,chrome is lullaby" über das einflussreiche Label Julia's War Recordings. Die EP besticht durch ihren rohen, verletzlichen Charme und bietet Fans von Shoegaze und Post-Punk eine tiefe Verbindung zu ihrem einzigartigen Sound. Nach einer einmaligen Björk-Coverversion (,Pagan Poetry") kehrt die Band nun mit einer 6-Song-Remix-EP zurück, die Remixe von TAGABOW, Sword II, Frost Children und anderen. Die physische Version der Veröffentlichung ,Chrome is Lullaby Deluxe" enthält auf Seite A die EP ,Chrome is Lullaby" und auf Seite B die entsprechenden Remixe.

Her New Knife ist eine Shoegaze-/Alternative-Band aus Philadelphia, Pennsylvania. Zu den Mitgliedern der Gruppe gehören Edgar Atencio (Gitarre und Gesang), Ben Kachler (Gitarre), Carolina Schooley (Bass) und Elijah Ford (Schlagzeug). Die Band veröffentlichte letztes Jahr ,chrome is lullaby" über das einflussreiche Label Julia's War Recordings. Die EP besticht durch ihren rohen, verletzlichen Charme und bietet Fans von Shoegaze und Post-Punk eine tiefe Verbindung zu ihrem einzigartigen Sound. Nach einer einmaligen Björk-Coverversion (,Pagan Poetry") kehrt die Band nun mit einer 6-Song-Remix-EP zurück, die Remixe von TAGABOW, Sword II, Frost Children und anderen. Die physische Version der Veröffentlichung ,Chrome is Lullaby Deluxe" enthält auf Seite A die EP ,Chrome is Lullaby" und auf Seite B die entsprechenden Remixe.

Der düstere Zauber von Ritual Howls sechstem Album ,Ruin" entfaltet sich bereits in den ersten Momenten der ersten Single ,Follow the Sun", wenn der klare Ruf von Paul Bancells hallender Gitarre von Chris Samuels pulsierendem Kick und flirrenden Drum-Programmierung sowie dem knurrenden, verzerrten Bassgroove von Ben Saginaw untermalt wird. Mehr als ein Jahrzehnt nach ihrer Gründung verfeinert das Trio seine nuancierte Mischung aus Industrial, Goth und Post-Punk auf ein neues Niveau vollendeter Fülle, und die Ergebnisse verkörpern mehr denn je die Gegensätze, die sie ausmachen. Mit ,Ruin" kehren Ritual Howls zurück zu ihren düsteren Wurzeln. Mehr als ein Jahrzehnt nach ihrer Gründung verfeinert das Trio weiterhin seine nuancierte Mischung aus Industrial, Goth und Post-Punk zu einer neuen Ebene von alles verzehrender Fülle, und mehr denn je verkörpern die Ergebnisse die Kontraste, für die sie bekannt geworden sind: auf einmal eindringlich düster, aber kinetisch eingängig, intim roh, aber verlockend geheimnisvoll. Seit ihrer Gründung in Detroit hat die Band immer lose Elemente der Old-School-Rave-Kultur in ihre Arbeit einfließen lassen, was zu einer zutiefst physischen Erfahrung ihrer schweren, düsteren, melodischen und akribischen Konstruktionen führt. Nach ihrem letzten Album (Virtue Falters, 2023) zog Bancell nach Los Angeles, und ein Großteil von Ruin entstand über das Internet, gipfelnd in einer Reihe intensiver Aufnahmesessions mit dem langjährigen Toningenieur Adam Cox in Michigan. ,Es begann damit, dass Chris musikalische Ideen präsentierte - Beats, Melodien, Sounds, Riffs - und ein paar fertige Tracks; er und Ben trafen sich zum Jammen, und ich steuerte aus der Ferne einige Gitarrenparts bei ", erzählt er. Von der Entfernung grundlegend unbeeindruckt, funktioniert Ritual Howls als echte kollaborative Einheit, und Ruin ist ein reichhaltiger, unbestreitbarer Beweis dafür, dass sie weiterhin an der Spitze ihrer Kunst stehen.

Limited edition Gatefold LP version on 180g Red/Black Marble Vinyl with 16-page lyrics booklet. El Pez Que Volo (The Fish who Flew) is a musical quest to unearth the divine gem hidden within oneself. A cartoonish collection of desires, phobias, pathologies and virtues which are funnelled to create an ambivalent moral mishmash of East and West traditions. This zoomorphic, naïve & messianic hero's journey is infused with a psychedelic aura that invites us to dream the impossible... Act II - The Cave: After leaving the nest, Teezûck feels he's ready to fly, but in his premature attempt he hits a bump and fails, falling back to the bottom of the sea and plunging into the darkest and most terrifying cavern of all: the subconscious mind. Reality, fiction, memories, myths and legends intertwine in this dark, acidic mirrored circus where Teezûck will have to learn to meditate and master his psyche. The El Pez Que Voló series feature a capricious, free mixture of musical styles, genres, production values and aesthetics, which serve as narrative devices to highlight moments, characters & emotions across this highly unconventional sonic expedition.

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

Retinal Rivalry ist der Soundtrack zu Cyprien Gaillards neuem stereoskopischen Film Retinal Rivalry (2024). ,Es ist eine faszinierende Reise durch die deutsche Stadtlandschaft und ihre vielschichtige historische und soziale Bedeutung. Aufbauend auf seiner früheren Erforschung der skulpturalen Qualitäten dreidimensionaler bewegter Bilder geht das Werk über die Grenzen der Leinwand hinaus. Durch die Ausschöpfung des vollen Potenzials modernster Technologie bietet Gaillard eine erweiterte, geschärfte und tief bewegende neue Sicht auf die Welt um uns herum. Retinal Rivalry ist nach dem Phänomen der visuellen Wahrnehmung benannt, das auftritt, wenn das Gehirn zwei widersprüchliche Bilder gleichzeitig empfängt. Anstatt zu einem 3D-Bild zu verschmelzen, wechselt das neuronale System zwischen der Priorisierung des einen Bildes und der Unterdrückung des anderen, was beim Betrachter Verwirrung und Unbehagen hervorruft. Gaillards Film setzt sich mit diesen Komplexitäten der visuellen Verarbeitung und den Grenzen der Technologie auseinander und sammelt visuelle Informationen durch außergewöhnliche, oft augenzwinkernde Aufnahmen, die das Innere und das Äußere, das Eingeschlossene und das Verstreute sowie das Natürliche und das Gebaute miteinander verflechten. Seine Kamera nimmt ungewöhnliche Blickwinkel ein, wechselt von sanften Luftperspektiven zu einem niedrigen Blickwinkel aus der Perspektive eines Nagetiers, zu schwindelerregenden Ein- und Ausblendungen auf der knolligen Nase einer Skulptur oder zu einer langen Einstellung eines Zuges, der durch eine Landschaft fährt, und zieht uns in eine vielschichtige Erfahrung hinein, die zwischen einem schlechten Trip und unerwarteter Schönheit, die Trost spendet, schwankt. In ,Retinal Rivalry" deuten verschiedene Treppen, Spiralen und Aufzüge auf einen Zustand des ständigen Auf- und Abstiegs hin und betonen das Wechselspiel zwischen Distanz und Nähe, abgrundtiefer Tiefe und lebendiger skulpturaler Darstellung. Der Film pulsiert rhythmisch mit Bildern, die anschwellen und sich zusammenziehen, sich aufblähen und entleeren. Er manipuliert das Gefühl der Zuschauer für Tiefe, Maßstab und Textur und lässt vertraute Materialien und Orte unheimlich erscheinen, wobei er die inhärenten Ungenauigkeiten und Verzerrungen der Darstellung hervorhebt. ,Retinal Rivalry" zeichnet die gewöhnliche Welt in großartigen Details auf und versucht dabei, unter die Oberfläche der Dinge zu blicken. Der Film ist eine Darstellung von Raum und Zeit, die Darstellungsweisen destabilisiert und eine neue Hyper-Vision-Version der Realität bietet. Mit 120 Bildern pro Sekunde aufgenommen und mit derselben Geschwindigkeit projiziert - fünfmal so schnell wie im Kino üblich - fängt Gaillard mehr ein, als das menschliche Auge natürlich wahrnehmen kann. Die Filmmusik greift auf verschiedene klangliche Elemente zurück und unterstreicht so die Erforschung von Dissonanz und Synchronität. Indonesische Instrumentalmusik wird überarbeitet und mit Feldaufnahmen von rumpelnden schweren Maschinen und seltsam melodischem Würgen kombiniert. Der Soundtrack enthält auch die ersten Zeilen aus Werner Herzogs Aguirre, der Zorn Gottes (1972) sowie die dazugehörige Ouvertüre der deutschen Band Popol Vuh. Die Klanglandschaft von Retinal Rivalry steht im Kontrast zu den Bildern - was wir sehen, steht oft im Widerspruch zu dem, was wir hören. Nur in einem Abschnitt verschmelzen Ton und Bild: Ein gebrochenes Bein betätigt das Pedal einer interaktiven Orgel, um ein Stück von Johann Sebastian Bach zu spielen, das immer wieder ins Stocken gerät.

A Bridge Boots / Bacalao split 7”. Caserta’s infectious viral house tune “Hit The Horns” gets the vinyl treatment with a completely flipped 90’s breakbeat / Latin Funk dub version from Bosq on the flip. Breakers, MAW fans and house heads can unite in love for this one.

Eine essentielle Einführung in den Katalog des "King of Kikuyu Benga", Joseph Kamaru! 17 Tracks, die seine ganze Bandbreite abdecken – von schwungvollen Dancefloor-Chants, High-Life-esken Gitarren über Afro-Funk, Drum-Machine- und Keyboard-lastigen Disco-Grooves bis zu folkloristischen Klageliedern. Die Musik ist rau, direkt, tanzbar und voller einprägsamer Hooks. Die prägnanten Texte reichen von Protestliedern bis hin zu Beziehungsratschlägen. Joseph Kamaru war in seiner Heimat Kenia eine unglaublich populäre Persönlichkeit und verband sie alle – von einflussreichen Politikern bis zur ländlichen und städtischen Arbeiterklasse. Seine Musik verdient ein viel größeres internationales Publikum.

Enter the world of Stereocolor, the long-awaited new album from Dutch singer-songwriter Mercy John. On October 31, 2025,
Mercy John invites you to escape the grayness of everyday life and immerse yourself in a spectrum of vibrant emotions,
melodies, and colors. Songs about love, loss, and self-discovery—all wrapped in a captivating musical package that is both
intimate and grand. Expect an unmistakable blend of warm vocals, catchy choruses, and a sound that exudes authenticity. This
is music that will make you see colors—sometimes soft and whispering, sometimes powerful and starkly contrasting.

Friend Of A Phantom is the third studio album by the Danish progressive metal band Vola, released under Mascot Label Group. This highly anticipated album showcases Vola's signature blend of intricate rhythms, soaring melodies, and thought-provoking lyrics.

With tracks like "Straight Lines" and "These Black Claws," Friend Of A Phantom takes listeners on a musical journey that seamlessly combines heavy riffs with electronic elements, creating a dynamic sound that is both captivating and innovative.

Vola's musicianship shines through in every song, from the complex drum patterns to the mesmerizing guitar solos. The band's ability to craft intricate arrangements while maintaining a strong sense of melody sets them apart in the progressive metal scene.

The production quality of Friend Of A Phantom is top-notch, allowing each instrument to shine through while still blending together to create a cohesive and immersive listening experience. The album's rich textures and layers reveal new details with each listen, making it a rewarding choice for fans of progressive music.

Overall, Friend Of A Phantom is a must-have for any music lover looking for an album that pushes boundaries and challenges traditional genre conventions. Vola's unique sound and innovative approach make this album a standout release in their discography.

Klavier, Gesang, Percussion: Bodo Wartke
Musik & Texte: Bodo Wartke
außer „Die Klapperschlangen“: Musik von Matthias Kräutli und „Mondscheinsonate“: Musik von Ludwig van Beethoven Produzenten: Bodo Wartke & Sven Schütze außer „Die Klapperschlangen“: Bodo Wartke, Matthias Kräutli Aufgenommen im Juni 2025 in den Clouds Hill Studios, Hamburg.

Studio-Album zum siebten Klavierkabarettprogramm Wunderpunkt. Abera Kadabera! Feiner Sprachwitz, überraschende Reimkultur und virtuoses Klavierspiel – das siebte Programm von Bodo Wartke bietet unterhaltsames Musikkabarett und wortakrobatischen Zungenbrecher-Slam.
Der Entertainer und Poet setzt das Staunen gegen die Macht der Gewohnheit, stellt Humor den alten Mustern an die Seite. Leichtigkeit! – Warum nicht? Bodo Wartke bringt es auf den Wunderpunkt!

Two titanic forces in reggae history — Roots Radics and The Mighty Revolutionaires — unite for a powerful dubwise journey on Outernational Riddim. This long-anticipated collaboration blends heavyweight rhythms, militant drum patterns, and deep, atmospheric dubs that channel the essence of Jamaican roots music with a forward-thinking production style.
The Roots Radics, known for backing icons like Gregory Isaacs, Barrington Levy, and Israel Vibration, bring their unmistakable heavyweight style to this session. Meanwhile, The Revolutionaires, studio legends behind countless Channel One classics, lace the tracks with their tight arrangements and classic rockers grooves.
Produced and mixed in true dubwise tradition, Outernational Riddim delivers:
Authentic Studio Vibes – Mixed on analog boards with vintage effects and tape echo for that raw, immersive sound.

A cornerstone of soulful reggae, Lover’s Rock by Jamaican legend Delroy Wilson bridges his deep roots in ska and rocksteady with the smooth, romantic vibes of the UK’s lovers rock movement. It's a noteworthy entry in the lovers rock canon and a testament to Wilson's versatility. Originally released in 1978 by Burning Sounds, this album captures Wilson’s velvet-toned voice over laid-back riddims and heartfelt lyrics—a perfect entry point for fans of both classic reggae and tender love songs.
A must-have for collectors of golden-era reggae and lovers rock enthusiasts alike. Original UK pressing is increasingly rare and prized for its warm analogue sound and classic artwork.
Recommended if you like: John Holt, Gregory Isaacs, Dennis Brown, Sugar Minott.
Released on 180-gram vinyl including sleeve notes and 2 bonus tracks.

X-Ray Spex was a British punk rock band that emerged in the late 1970s, known for their distinctive sound, socially conscious lyrics, and the dynamic frontwoman Poly Styrene. The band was active during the first wave of punk rock and played a significant role in the punk movement.
Lead vocalist and songwriter Poly Styrene was known for her unique vocal style and often cited as an influential figure in the punk scene.
Other band members on ‘Germfree Adolescents are Jak Airport: Guitarist / Paul Dean: Bassist / Rudi Thompson: Sax / B P Hurding: Drummer.
X-Ray Spex released their debut album, "Germfree Adolescents," in 1978, featuring the title track, "Germfree Adolescents." The album is considered a classic of the punk era.

Poly Styrene's lyrics often addressed social and consumerist issues, and her unconventional fashion sense and energetic stage presence added to the band's overall identity.

A psych-pop cult classic tracks.
The Orange Bicycle blends Beatles/Beach Boys‑inspired psychedelic-pop style and sun-drenched melodies.
The Orange Bicycle captures the kaleidoscopic charm of late-’60s British psychedelia. Featuring lush arrangements, sitar-laced textures, and soaring vocal harmonies, this LP is a must for fans of The Beatles, The Beach Boys, The Zombies, Tomorrow, or early Pink Floyd.

Eines der größten Talente der britischen Blues-Szene. Er wurde bei den UK Blues Awards in den letzten drei Jahren in Folge (2020, 2021, 2022) zum „Young Artist of the Year” gewählt. 
Als Teenager verschlang er die Musik von Eric Clapton und Ray Charles – „Ray hat mich als Person und meine Einstellung zur Musik völlig verändert.” Von alten Delta-Platten über Soul-Künstler wie Sam Cooke, Bill Withers und den Stax-Sound bis hin zu Jazz-Sängern wie Billie Holiday und Frank Sinatra sowie Singer-Songwritern wie Van Morrison, Townes van Zandt, Bob Dylan, Nick Drake und zeitgenössischen Künstlern wie Ray LaMontagne, Norah Jones und Foy Vance.
Seine Musik hat eine zeitlose melancholische Qualität. Mit seiner Ehrlichkeit und Offenheit, die jeden ansprechen, schöpft er aus Angst und Verletzlichkeit, vermittelt dies jedoch mit einer weltgewandten Eleganz. Für Connor Selby sind keine Grenzen gesetzt. Das ist leicht zu verstehen, wenn man seine gefühlvolle Mischung aus Blues und seinen emotional introspektiven Songtexten betrachtet, die sein beeindruckendes Gitarrenspiel ergänzen. Die Songs auf „Connor Selby“ sind kleine Vignetten der verschiedenen Musikstile, die ihn inspirieren.