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Die Violinistin Esther Abrami wirft auf ihrem Album "WOMEN" neue und erhellende Schlaglichter auf Komponistinnen. "Women" legt den Fokus auf die außergewöhnlichen Talente von 14 Komponistinnen aus unterschiedlichen Epochen und Genres und enthält neue Kompositionen der Oscar-Preisträgerinnen Rachel Portman und Anne Dudley sowie neue Arrangements von Werken historischer Komponistinnen wie Pauline Viardot, Chiquinha Gonzaga, Teresa Carreño und Ethel Smyth. Esther Abrami hat selbst einige dieser Stücke neu arrangiert und mit "Transmission" ein eigenes Orchesterstück für das Album komponiert. Im Mittelpunkt von "Women" steht die Weltersteinspielung von Ina Boyles Violinkonzert, eine poetische, spätromantische Komposition. Esther Abrami hat jedes Stück für das Album aufgrund einer besonderen emotionalen Verbindung zu den unterschiedlichen Frauen hinter der Musik ausgewählt: "Solange ich mich erinnern kann, war die einzige klassische Musik, die ich je gehört habe, von männlichen Komponisten geschrieben. Ich habe über 15 Jahre lang klassische Musik an renommierten Musikschulen studiert, aber in all den Jahren kein einziges Stück von einer Frau gespielt. Es war nicht so, dass ich sie diese Stücke aktiv vermieden hätte - sie waren einfach nicht Teil des Kanons. Ich fragte mich 'haben Frauen jemals klassische Musik komponiert?' und es stellte sich heraus, dass sie es taten, und ich entdeckte einen verborgenen Schatz. Ich verbrachte Monate mit Recherchen und tauchte in eine völlig neue Welt der Musik und faszinierenden Geschichten von Frauen ein, die im Schatten der Geschichte geblieben waren. Dieses Album ist meine Hommage an sie und eine Reise durch Jahrhunderte der Musik, erzählt durch die Stimmen von Frauen, die trotz aller Widrigkeiten komponierten, kämpften, lebten und schufen. Die Geschichten dieser Frauen inspirierten mich für meinen Karriereweg und zeigten mir wie wichtig es ist, dass zukünftige Generationen diese entdecken können. Ich hoffe, 'Women' kann eine neue Generation junger Mädchen dazu inspirieren, zu komponieren." Über ihre gesamte noch junge Karriere als professionelle Musikerin hinweg hat sich Esther Abrami dafür eingesetzt, Komponistinnen eine Stimme zu geben. In ihrem Podcast "Women in Classical" spricht sie mit einflussreichen Musikerinnen über ihre Karriere. Auch mit ihrer EP "Spotlight" mit dem Londoner "Her Ensemble", das ausschließlich aus Frauen und non-binären Musiker*Innen besteht, hat sie bereits wortwörtlich ein Schlaglicht auf Komponistinnen geworfen. "Women" führt diesen Weg konsequent fort und versammelt eine Reihe außergewöhnlicher Mitwirkenden, wie das ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter der Leitung von Dirigentin Irene Delgado-Jiménez, die Pianistin Kim Barbier, die Harfenistin Lavinia Meijer und das Esther Abrami Quintet."Ich bin unglaublich glücklich mit einem so großartigen Orchester und tollen Musikerinnen an einem so persönlichen Projekt zu arbeiten. Diese Kompositionen mit einem Orchester zum Leben zu erwecken, ist eine Erinnerung, die ich nie vergessen werde."

Lunchbox's legendary lost album "Evolver" is lost no more! Sparklingly remastered for the album’s twentieth (and a few!) anniversary and available on CD, cassette and (for the first time) vinyl, this psychedelic masterpiece fills a crucial hole in the band's discography. Recorded in the couple's 1990s Oakland basement between stays in Berlin, tour dates in London, and dreamy sojourns up the rugged Mendocino coastline, "Evolver" fuses jangle and jungle, ambient and dub into a striking pop statement.

Marrying refined songcraft to the serendipitous magic hidden in half-broken reel-to-reel tape decks and vintage synthesizers, the "Evolver" plants its pop flag on the terrain of magic and mystery. Dreamy jangle pop gems emerge seamlessly out of a sea of loops, drones, and dubbed-out horn fanfares, cascades of tape echo feedback and whispers from outer space providing a trance-inducing backdrop to the pop sensibility for which Lunchbox is well-known. Hook-filled and hypnotic, "Evolver" is a sublime slice of post-pop psychedelia that you won't want to miss.

For this special and long-overdue reissue we've raided the bands vaults for three previously unreleased tunes that add extra dimensions to the album's uniquely trippy flow. And for the vinyl heads we're pressing this as a double LP for maximum fidelity and playability, including a vinyl-only fourth side of beats, loops, interludes and puzzling aural ephemera, all taken directly from the original master tapes. Super cool!

KLÄMP ist ein britisch-niderländisches Kollektiv aus Mitgliedern von IDLES, Sex Swing, Tall Ships, Manatees, Do Me Bad Things, Pulled Apart By Horses, Petbrick und Mugstar. Seit ihrer LP "Hate You" (2020) bei God Unknown Records hat die Band eine tiefgreifende Transformation durchgemacht. Ihr neues Album "TOTAAL TECHNIEK" deckt ein breites Genrespektrum ab und verbindet nahtlos Elemente aus Krautrock, Breakcore, Industrial und Postpunk. Jeder Track ist eine neue Reise, geprägt von innovativem Sound und komplexen musikalischen Texturen. Ihre Entwicklung vom Trio zum innovativen siebenköpfigen Ensemble macht sie zu einem der aufregendsten und unberechenbarsten Acts der heutigen Szene. Human Worth veröffentlicht eine limitierte "TOTAAL GOLD" Auflage der LP, von der 10% aller Einnahmen an Compass Collective gespendet werden – eine Wohltätigkeitsorganisation, die die Integration junger Flüchtlinge und Asylsuchender im UK durch die Künste unterstützt.

Für Fans von: Swans / Sonic Youth / Black Sabbath / Godspeed You Black Emperor / Mark Lanegan / Einstürzende Neubauten / The Fall / Sunn O))) / Wire / Aphex Twin / Portishead / Godflesh / Earth / My Bloody Valentine / Gnod / Anna Von Hausswolf / The Bug

"Dances With Wolves is the original soundtrack to the 1990 seven-time Academy Award and three-time Golden Globe Award-winning film of the same name. It is produced and directed by Kevin Costner, who also stars in the film himself. The original score and songs were composed and conducted by John Barry. Barry won the 1991 Academy Award for Best Original Score and the 1992 Grammy Award for ""Best Instrumental Composition Written for a Motion Picture or for Television."" John Barry's fifth Oscar-winning score is a profoundly moving body of music. Dances With Wolves is available as a 35th anniversary edition of 1000 individually numbered copies on translucent yellow coloured vinyl and comes in a deluxe sleeve finished with linen laminate."

Escape Music has the great pleasure to announce the release date for the most anticipated album Sign of The Wolf “s/t”. Featuring Doug Aldrich, Vinny Appice, Tony Carey, Andrew Freeman and Chuck Wright plus more!

50th anniversary reissue of highly sought after Montreal high school jazz/soul album.

Die irische Musikerin Maria Somerville kündigt ihr zweites Album "Luster" für den 25. April an. Es ist zugleich ihr Debüt bei 4AD. Mit dem Announcement erscheint die Single "Garden". Der Track taucht ihre sirenenhaften Vocals in einen Sound aus schwirrendem Feedback, luftiger Percussion und nostalgischen Gitarren, der Erinnerungen an die klassische 4AD-Phase heraufbeschwört. Bereits im letzten Jahr war der hypnotische Shoegaze-Track "Projections" erschienen, mit dem Somerville eine erste Spur in Richtung des Sounds ihres kommenden Albums gelegt hatte. Somerville wuchs im ländlichen County Galway an der bergigen und rauen irischen Westküste auf. Sie zog später nach Dublin, wo sie an ihrem Signature-Sound arbeitete: atmosphärischem Dreampop, der von der Landschaft ihrer Jugend geprägt bleibt. Die ätherischen Gitarrenklänge, spärlichen Rhythmen und elektronischen Ambient-Sounds hielt sie erstmals auf dem 2019 selbst veröffentlichten Album "All My People" fest, einem Werk, das knietief in Nostalgie und Sehnsucht watet. Erst als sie nach Connemara zurückkehrte, in ein Haus nicht weit von dem, in dem sie aufwuchs - und von wo aus man einen der größten Seen des Landes, den Lough Corrib, überblicken konnte - begann Somerville mit der Arbeit an Musik, die schließlich zum neuen Album "Luster" werden sollte. Während ihr DIY-Debüt Erinnerungen und Melancholie in nebligen Slowcore hüllte, zeigen die zwölf neuen Tracks eine Künstlerin, die sich des Weges, den sie eingeschlagen hat, viel sicherer ist. "I can see more clearly than I could before. I know now what"s true for me", singt sie passend in "Trip". Gestärkt durch die neue, alte Umgebung und ermutigt durch ihre Community, entwickelte Somerville wieder kreative Energien. Der Boden erwies sich im wahrsten Sinne als fruchtbar, als sie in lockeren Wohnzimmer-Sessions erste Demos aufnahm, die später u. a. mit J. Colleran und Ian Lynch (Lankum) ausgearbeitet und schließlich vom New Yorker Engineer Gabriel Schuman (Oneohtrix Point Never, Princess Nokia, David Byrne) gemixt wurden. Eine gewisse Popularität erreichte Somerville auch durch ihre "Early Bird Show" auf NTS Radio, wo sie seit 2021 zwei Mal die Woche ein Morgenprogramm hostet, in dem sie Musik zwischen Shoegaze und traditionellem irischen Folk vorstellt. Im selben Jahr unterschrieb sie ihren Vertrag bei 4AD, wo sie bislang zwei Compilation-Beiträge veröffentlichte und mit ihren Labelmates Dry Cleaning auf Tour ging. 2025 wird sie mit Band Shows auf der ganzen Welt spielen, darunter auch Konzerte in Deutschland.

Following nearly 20 years of working together as a trio, and numerous cross-collaborations in different configuration between them, Ideologic Organ presents Placelessness, the debut full-length by Chris Abrahams, Oren Ambarchi, and Robbie Avenaim, comprising two long-form works at juncture of ambient music, minimalism, rigorous experimentalism and improvisation, and machine music. Having carved distinct pathways across a diverse number of musical idioms for decades, Chris Abrahams, Oren Ambarchi, and Robbie Avenaim are each, respectively, among the most noteworthy and groundbreaking figures to have emerged from Australia's thriving experimental music scene. Ambarchi and Avenaim first encountered Abrahams when seeing the Necks - the project that has served as the primary vehicle for his singular approach to the piano since its founding in 1987 - together during the late 1980s, not long after having met in Sydney's underground music community. The pair's collaborations date back more than 35 years, criss-crossing Ambarchi's pioneering solo and ensemble work for guitar and Avenaim's visionary efforts for SARPS (Semi Automated Robotic Percussion System), robotic and kinetic extensions to his drum kit. In 2004, fate brought the three together in a trio performance at the What Is Music? Festival, the annual touring showcase of experimental music founded and run by Ambarchi and Avenaim between 1994-2012. For the nearly two decades since, Abrahams, Ambarchi, and Avenaim have intermittently reformed in exclusively live contexts, in Australia and abroad, cultivating and refining the fertile ground first tilled in that early meeting. Placelessness is the first album to present this remarkable trio's efforts in recorded form. Placelessness is the joining of three highly individualised streams, working in perfect harmony; the point at which friendship, mutual respect, and decades of creative exploration produce a singular spectrum of sound. Featuring Abrahams on piano, Ambarchi on guitar, and Avenaim on drums, the album's two sides draw on each artist's enduring dedication to long-form composition. Its two pieces, Placelessness I and Placelessness II, initially began as a single, 40 minute work, before being divided and reworked into distinct, complimentary gestures for the corresponding sides of the LP. Beginning with restrained clusters of reverberant piano tones, Placelessness I progresses at an almost glacial pace, with Abrahams' interventions increasing met by sparse responses, darting within vast ambiences, on guitar and percussion by Ambarchi and Avenaim. Remarkably conversational within its convergences of tonal, rhythmic, and textural abstraction, over the work's duration a progressive sense of tension unfurls and contracts, refusing release, as each of the ensemble's members contribute to an increasingly tangled sense of density at its resolve.While an entirely autonomous work, Placelessness II rapidly realises a distillation of the energy hinted at across the length of its predecessor. Following a luring passage of harmonious calm, Abrahams' launches into shimmering lines of repeating arpeggios, complimented at each escalation of tempo by Avenaim's machine gun fire percussion work and Ambarchi's masterful delivery of tonality and texture, as the trio collectively generate dense sheets of pointillistic ambience within which individual identity is almost lost, before slowly unspooling into unexpected abstractions and dissonances that deftly intervene with the work's inner logic and calm. What could easily be termed a maximalist take on Minimalism, Placelessness is a masterstroke of contemporary, real time composition, that blurs the boundaries between ambient music, experimentalism, free improvisation, and machine music. Drawing on Chris Abrahams, Oren Ambarchi, and Robbie Avenaim's decades of respective solo and collaborative practice, and the culmination of nearly twenty years of working together as a trio, it's two durational pieces - Placelessness I and Placelessness II - take form with a startling sense of effortlessness and grace, neither shying away from explicit beauty or rigorously tension within their forms

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne um Mitternacht schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne Um Mitternacht Schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Die Violinistin Esther Abrami wirft auf ihrem Album "WOMEN" neue und erhellende Schlaglichter auf Komponistinnen. "Women" legt den Fokus auf die außergewöhnlichen Talente von 14 Komponistinnen aus unterschiedlichen Epochen und Genres und enthält neue Kompositionen der Oscar-Preisträgerinnen Rachel Portman und Anne Dudley sowie neue Arrangements von Werken historischer Komponistinnen wie Pauline Viardot, Chiquinha Gonzaga, Teresa Carreño und Ethel Smyth. Esther Abrami hat selbst einige dieser Stücke neu arrangiert und mit "Transmission" ein eigenes Orchesterstück für das Album komponiert. Im Mittelpunkt von "Women" steht die Weltersteinspielung von Ina Boyles Violinkonzert, eine poetische, spätromantische Komposition. Esther Abrami hat jedes Stück für das Album aufgrund einer besonderen emotionalen Verbindung zu den unterschiedlichen Frauen hinter der Musik ausgewählt: "Solange ich mich erinnern kann, war die einzige klassische Musik, die ich je gehört habe, von männlichen Komponisten geschrieben. Ich habe über 15 Jahre lang klassische Musik an renommierten Musikschulen studiert, aber in all den Jahren kein einziges Stück von einer Frau gespielt. Es war nicht so, dass ich sie diese Stücke aktiv vermieden hätte - sie waren einfach nicht Teil des Kanons. Ich fragte mich 'haben Frauen jemals klassische Musik komponiert?' und es stellte sich heraus, dass sie es taten, und ich entdeckte einen verborgenen Schatz. Ich verbrachte Monate mit Recherchen und tauchte in eine völlig neue Welt der Musik und faszinierenden Geschichten von Frauen ein, die im Schatten der Geschichte geblieben waren. Dieses Album ist meine Hommage an sie und eine Reise durch Jahrhunderte der Musik, erzählt durch die Stimmen von Frauen, die trotz aller Widrigkeiten komponierten, kämpften, lebten und schufen. Die Geschichten dieser Frauen inspirierten mich für meinen Karriereweg und zeigten mir wie wichtig es ist, dass zukünftige Generationen diese entdecken können. Ich hoffe, 'Women' kann eine neue Generation junger Mädchen dazu inspirieren, zu komponieren." Über ihre gesamte noch junge Karriere als professionelle Musikerin hinweg hat sich Esther Abrami dafür eingesetzt, Komponistinnen eine Stimme zu geben. In ihrem Podcast "Women in Classical" spricht sie mit einflussreichen Musikerinnen über ihre Karriere. Auch mit ihrer EP "Spotlight" mit dem Londoner "Her Ensemble", das ausschließlich aus Frauen und non-binären Musiker*Innen besteht, hat sie bereits wortwörtlich ein Schlaglicht auf Komponistinnen geworfen. "Women" führt diesen Weg konsequent fort und versammelt eine Reihe außergewöhnlicher Mitwirkenden, wie das ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter der Leitung von Dirigentin Irene Delgado-Jiménez, die Pianistin Kim Barbier, die Harfenistin Lavinia Meijer und das Esther Abrami Quintet."Ich bin unglaublich glücklich mit einem so großartigen Orchester und tollen Musikerinnen an einem so persönlichen Projekt zu arbeiten. Diese Kompositionen mit einem Orchester zum Leben zu erwecken, ist eine Erinnerung, die ich nie vergessen werde."

CALIFORNIA GIRLS is a six-track collaborative EP between Lil Peep and producer Nedarb Nagrom. Recorded throughout the winter of 2015-16, it was made entirely via email before the two met in person and features one of Peep’s biggest hits, “Beamer Boy”. Nine years since its initial release, CALIFORNIA GIRLS remains a favorite amongst fans for its emotive lyrics and catchy hooks. For the 9 year anniversary, CALIFORNIA GIRLS will be available on vinyl, CD, and cassette.

Belgium’s most ferocious metal band BARK returns to the spotlight with their highly anticipated fifth studio album, The Time Has Come, set to be released on Insert Release Date. This marks the band’s second collaboration with renowned French Metal label Listenable Records, solidifying their presence in the global scene. The Time Has Come encapsulates BARK’s relentless energy and raw power, delivering an unapologetic onslaught of heavy riffs, thunderous drums, and guttural vocals. The album showcases the band’s evolution while staying true to the no-holds-barred sound that has earned them a devoted following. With a mix of blistering anthems and dark, groove-laden tracks, The Time Has Come cements Bark’s reputation as one of Europe’s most formidable forces in modern metal. “This album is a statement,” says singer Ron Bruynseels. “We’ve poured all our passion into these songs. It’s about living the moment, confronting challenges head-on. We are telling stories that resonate with the listener because we have lived them first hand. We’re excited to unleash this beast with Listenable Records by our side again.” Recorded at their own studio Jurassic Recordings, under the guidance of guitarist Martin Furia (producer for Destruction, Nervosa, Toxik, Chemicide…) the album boasts a production that amplifies BARK’s signature sound while pushing their sonic boundaries even more to achieve their most brutal album to date. Standout tracks such as “Negativist”, “Shaman” and “On No One’s Word” offer a glimpse into the diverse yet cohesive journey that awaits listeners. BARK will be hitting the road shortly after the release, bringing their explosive live performances to fans across Europe. Tour dates will be announced soon.

Mit „Hair“ haben Phillip Boa And The Voodooclub im Januar 1989 eines der wohl wichtigsten deutschen
Indie Rock-Alben der ausgehenden 80er/ beginnenden 90er Jahre veröffentlicht. Ein Paradebeispiel an
stilistischer Experimentierfreude, versponnener Erzählkunst und kreativer Eigensinnigkeit, mit dem das
Dortmunder Musikerkollektiv seinen Status als vehemente Antipopstars untermauerte. Im April erscheint
der Longplay-Meilenstein als remasterte und erweiterte Anniversary-Edition, die neben dem Original-Album
weitere Tonträger mit brandneuen Songs, einen bisher noch unveröffentlichten Konzertmitschnitt sowie
exklusive Raritäten, Bonustracks und Session-Outtakes enthält!
Mit der Re-Edition erscheint „Hair“ nun in remasterter und restaurierter Form. In aufwändiger Detailarbeit
wurden alle Stücke des Original-Albums von Boas langjährigem Wegbegleiter Eroc (der auch als Drummer auf „Hair“ vertreten ist) aufgefrischt und wiederhergestellt. Ergänzt wird die erweiterte Neuauflage
durch das exklusive Bonus-Album „The Honeymoon Files“, auf dem elf brandneue Tracks im Spirit von
„Hair“ enthalten sind. Die „Flitterwochen“-Songs entstanden zwischen 2023 und 2024 gemeinsam mit dem
bewährten Co-Producer David Vella in Phillip Boas Studio auf Malta.

We are excited to announce the release of the highly anticipated 7-inch single from the rising singer-songwriter Mei Watanabe, created in collaboration with Shinichi Osawa (MONDO GROSSO). This special release marks the debut of the track on vinyl, and it includes the previously unreleased Shinichi Osawa DJ edit on the B-side, making it a must-have for collectors and music lovers alike.

This new single, which reflects Mei Watanabe's exploration of questions about the uncertain world we live in today, was created through over six months of sessions between Watanabe and Osawa. Inspired by Osawa's artistry and music, the track features lyrics penned by Watanabe herself, showcasing her unique vision and voice.

Since its digital release last October, the song has been featured as a Power Play on FM NORTH WAVE and CROSS FM, among many others, and has been receiving significant airplay, generating excitement and buzz across the airwaves.

10th year anniversary reissue of Iggy Pop's Après cover album with a bonus track, Sacha Distel's La Belle Vie and new artwork, and an exclusive poster. Originally released only in France in 2012, Après is being reissued for the first time and is now finally available outside of France.

Samurai Music returns to the evocative sound world of Ancestral Voices for an album that splits the difference between cinematic sound design and deadly restraint at 170 BPM. Nemeton continues Liam Blackburn's exploration of ancient Celtic mysticism through snaking rhythms and snarling sound design, conjuring a high-definition sonic image of sacred groves and the druids practicing amongst them.

Blackburn's Ancestral Voices project tracks back to 2015, when he debuted on Samurai Horo with the Night Of Visions album. In stark contrast to his celebrated 140 work as Indigo, this project leaned on the inspiration of pagan spirituality to charge his vivid, advanced production style with a rich and mysterious atmosphere. While he's channelled this approach into a variety of tempos and styles, on his 2016 EP Old Earth Voodoo on Samurai Music he applied the concept to a drum & bass framework, which he returns to on Nemeton with rigorous focus.

Far from a straightforward collection of breakbeat tracks, Blackburn uses negative space and pointillist production to carve out an immersive, tense sound world around the 170 grid. He takes a widescreen approach to percussion, running from pin-prick synthesised one-shots to tumbling, organic drums you'd more readily associate with a Hans Zimmer score. Scene-building is the foremost mission across Nemeton, casting otherworldly forces in sweeps of low-end friction and dramatic melodic blooms amidst tangible real-world field recordings of flora and fauna.

Casting the mind back some 2000 years is an exercise in imagination as much as research, and Blackburn ably summons dark fantasy as he delves ever deeper into Welsh mythology with a studious zeal and avid fascination. It's that drive that makes Nemeton burst forth and take shape so powerfully, bristling with kinetic energy and a barely-concealed, strangely seductive menace that leaves a lasting impression long after the last snatch of bass has bared its teeth.

To celebrate the 15th anniversary of DJ Hell's groundbreaking album Teufelswerk, this limited anniversary edition brings back the legendary release in a deluxe 3xLP set, pressed on transparent Neon Yellow, Orange, and Red vinyl. Included is an exclusive poster featuring the original vinyl front cover, along with a special hype sticker for collectors. Originally released in 2009, Teufelswerk remains a milestone in electronic music, seamlessly blending techno, ambient, and experimental elements. The album features collaborations with the likes of Bryan Ferry, exploring the duality of Day and Night-contrasting euphoric club tracks with deep, cinematic soundscapes.

2025 Blue Vinyl Repress

WRWTFWW Records is very honored to announce the official reissue of Grauzone's essential 1981 maxi single with timeless classic "Eisbär", proto-techno beast "FILM 2", and romantic synth ballad "Ich Lieb Sie", just in time for the 40th anniversary of the Swiss band's formation. The three-track vinyl is sourced from the original reels, cut at 45rpm, and comes with its iconic artwork on a 350gsm sleeve.

Ich möchte ein Eisbär sein...Written by Martin Eicher after a nightmare in which he saw talking polar bears on the walls, and with music by the Grauzone crew consisting of Martin and his brother Stephan Eicher, Marco Repetto, Christian "GT" Trüssel, and Claudine Chirac (on saxophone), "Eisbär" is the most recognizable title from the band, a sublime mix of ingredients reflecting the transitional era it comes from - the raw energy of punk music still palpable, combined with the audacity of early electronics, the warm groove of a disco gem, beautifully fragile lyrics, and one of the best basslines ever. It became a mega hit, totally unplanned, but how could you resist such a track

"FILM 2" is the ultimate b-side monster, a menacing all-instrumental pre-techno masterpiece, slowly building to a magnetizing frenzy. An instant underground favorite, it was famously heard played at both speeds depending on the scenes and DJs you were frequenting, 45rpm as it was first intended, and 33rpm for the cosmic experience (search Daniele Baldelli's Cosmic C75 1982 mixtape online for a great example of this).

The maxi single ends with "Ich Lieb Sie", a synth-pop meets doo-wop ballad, a true love song oozing with innocence. Simple, stylish, and just right.

At the crossroads of post-punk, new wave, pop, and electronic experimentation, the Eisbär maxi offers three songs that are technically different but hold the same spirit, the perfect embodiment of Grauzone's music - wild, unpredictable, and youthful, yet sophisticated, catchy, and ingenious. The magic recipe for the good stuff.

Stephan Eicher went on to be, arguably, the most successful Swiss musician ever, with an international career extending from pop chanson to experimental escapades and collaborations with Moondog, artists Sophie Calle and John Armleder, and author Martin Suter among many other luminaries. Marco Repetto flourished as a techno and ambient producer, releasing multiple projects including releases on Aphex Twin's Rephlex label.

Grauzone and WRWTFWW will continue to collaborate on the band's 40th anniversary reissue campaign, with numerous projects planned for the year, including a vast selection of music, visuals, and literature never available before.

Looking behind the obvious, forming an orchestra out of everyday surroundings.

Finding the essence in the trivial, clarity in the complex, poetry in simplicity. All of this is part of the goal, meaning and character of Oh No Noh, the project of Leipzig-based guitarist, robot programmer, magnetic tape crumpler and composer Markus Rom. All of this floats and shines through "As Late As Possible", the third Oh No Noh album, which will be released on April 4th, 2025.

The focus of this album, as the title "As Late As Possible" suggests, was patience. A creative lingering, the selfimposed principle of letting ideas mature, consciously leaving them lying and looking at them again in order to discover and refine new things. Always looking for new ways of producing musical sounds, Markus Rom has been blurring the boundaries between LoFi, Indietronica, Postrock, Kraut and Pop with his solo project for several years. His main instruments for this are electric guitar, MIDI robots, tapes and samples. For “As Late As Possible”, Rom expands his setup with a new sound sources (acoustic guitar, banjo, organ) and musical guests: Damian Dalla Torre (Squama) on bass clarinet and Andi Haberl (the Notwist, Sun) on drums.

“As Late As Possible” continues the signature of past releases and adds new facets. Rom's distinctive looping in and over each other is particularly evident in the tracks “Missing the Point”, “Orb” and “Almost Everywhere”. With "Loot", a straightforward and folk-pop piece finds its way onto the album and coexists with math-trained tracks like "Dog Years" or "Dot", which conjure up associations with Weilheim bands like COUCH. The tracks "Bliss of Disconnect" and "Fawn" were created in collaboration with the featured guests Liz Kosack and KMRU. The confidently unplanned is one of the principles around which Oh No Noh itself is also continuously evolving. Part of this development: the radio series "Oh No Noh Radioh", which has so far consisted of over 40 parts, for which Rom invites a guest in each episode to research music together along roughly defined concepts, ideas and inspirations. Together with technology composer Hainbach, free jazz artist Limpe Fuchs and sound artist Elsa M’Bala, for example, encounters were created whose patient search and find and whose controlled coincidences also characterize “As Late As Possible” – but here concentrated, concise, and with all the love of sound and experimentation always committed to the song. With this will to create a song-like narrative, to move, to develop, “As Late As Possible” remains suspended and searching. Its concentration seems light-footed, its happy accidents well-placed, the melancholic beauty of outdated technologies, forgotten musical toys and broken noise sources always forward-looking. Music like the one that comes about when someone programs an entire robot band, which then becomes just a friendly part of the whole.

The artwork for “As Late As Possible” was created by Leipzig comic artist Anna Haifisch. The album was mixed by Adam Lenox and mastered by Frida Claeson Johannsson.