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Repress!

OUTTA SIGHT, in association with Sony Music Entertainment UK Ltd., present two Modern Soul Monsters back-to-back.
JEFF PERRY (aka Jeffree) was born into rare soul royalty, the nephew of Robert Bateman, a pioneer of the Detroit sound, and brother of Greg Perry with whom he would co-write and produce for Holland/Dozier/Holland scoring hits for the Honey Cone, Chairman of the Board, Freda Payne and Jeff’s own group 100 Proof Aged In Soul.
“”Love Don’t Come No Stronger…” has transcended its Modern Soul status to become a mainstay of the 21st Century Northern Soul Weekender scene, an essential 45 for any discerning DJ wanting a guaranteed floor-filler.
MANDRILL were formed in New York in the late Sixties by the Wilson brothers, originally from Panama. They were joined over the years by a succession of accomplished musicians who honed their unique Latin-tinged sound that attracted, first Polydor, then United Artists and Arista, who signed them in 1977. “Too Late” was released in ’78 and helped define the “crossover” sound of the Northern Soul scene. It remains an anthemic and sought after 45 guaranteed to pack the floor.

Nico Gomez, a Belgian orchestra leader of Dutch roots, has long been a favourite with Latin fans, record diggers, DJs, and collectors alike. His blend of bossanova, latin jazz, and easy listening always turns up a few choice nuggets and surprises; what is perhaps most remarkable is that it was recorded in Europe.


Back in 2013, Mr Bongo re-issued Nico Gomez's sought-after 'Ritual' album from 1971, and now we follow it up with another jewel from his catalogue his 1972 album 'Soul Of Samba'. For this re-issue, we have opted to present it with the cover art originally used on the Trio Records version released in Japan. In the Netherlands and Belgium, the album was released with different cover art under the title 'Bossa Nova’, on Omega International and International Bestseller Company records, respectively. We loved the beautiful psychedelic design of the Japanese version and wanted to use it for this re-issue.

'Soul Of Samba' features several euro-bossa-jazz favourites such as the catchy 'Rio'; which was a firm DJ choice cut at jazz dance nights, including Brighton's 'Jazz Rooms' in the 90s. It also featured in Rainer Trüby's classic ‘Glücklich' compilation series which explored European-Brazilian-inspired music. The beguiling ‘Aquarela', with its engaging latin shuffle, entices feet to the dancefloor and is not one to miss. 'Agua’ has a lazy-quirky latin-funk feel with breathy-stoned vocals floating in the background. The album additionally features numerous breezy latin, Brazilian, and easy listening joints, some of which are ripe for sampling.

Die Reise von MUNA war schon immer davon geprägt, Raum für die komplexen, chaotischen und ekstatischen Realitäten des Lebens zu schaffen, und mit ihrem vierten Album "Dancing On The Wall" sind sie so prägnant, düster und mitreißend wie nie zuvor. Ausgehend von den funkelnden, mit Konfetti übersäten Höhen ihres selbstbetitelten Albums aus dem Jahr 2022 kanalisieren sie nun die ängstliche, unsichere Energie des Lebens in einem Los Angeles, das von politischen Spannungen, Umweltzerstörung und dem stillen Druck der Prekarität der Millennials geprägt ist. Das Ergebnis ist ein Album, das sich sowohl intim als auch spektakulär anfühlt, eine Popwelt, die mit Biss, Witz und emotionaler Resonanz aufgebaut ist, ein Soundtrack für Herzen, die gleichzeitig in Flammen stehen und das Chaos um sie herum beobachten. Auf dem gesamten Album erkundet MUNA Sehnsucht, Intimität und Verbundenheit vor dem Hintergrund einer Welt im Wandel. Es gibt eine stille Auseinandersetzung damit, wie man weiterleben, lieben und sich gegenseitig erreichen kann, während man Zeuge politischer Brutalität und systemischer Gewalt wird, und wie Freude ohne Verleugnung überleben kann. Tracks wie "Wannabeher" fangen den schwindelerregenden Nervenkitzel ein, sich vollständig in die Fantasie eines anderen zu begeben, während "Why Do I Get A Good Feeling" noch lange nach dem Ende des Beats nachhallt, eine Meditation über flüchtige Freude und ausgesetzte Möglichkeiten. Das Album schließt mit "Buzzkiller", einer schonungslosen Auseinandersetzung mit Sehnsüchten und ihren Folgen, dem Schmerz, etwas erreicht zu haben, nur um festzustellen, dass neue Fragen, Zweifel und Sehnsüchte zurückbleiben. "Dancing On The Wall" wurde von Naomi McPherson produziert, wobei ihre charakteristische Liebe zum Detail mühelos mit der ausgefeilten Pop-Technik ihrer Bandkollegin Josette Maskin hinter den Kulissen verschmilzt, um lebendige, atmende Welten für die prägnanten Texte und die unverwechselbare Stimme der Leadsängerin Katie Gavin zu schaffen. "Dancing On The Wall" verbindet euphorische Klanglandschaften mit prägnanten, menschlichen Geschichten. Das Album spiegelt einen intensiven, selbstgesteuerten kreativen Prozess wider, der von Instinkt, Vertrauen und vollständiger künstlerischer Kontrolle geprägt ist. Es wirkt lebendig, eindringlich und filmisch und spiegelt eine Generation wider, die sich durch Unsicherheit navigiert und sich dennoch nicht von ihrer Freude abbringen lässt. Mit diesem Album beweisen MUNA erneut, dass Pop gewagt, intim und sozialbewusst zugleich sein kann: ein Album, das nicht nur den Moment einfängt, sondern ihn zu einer Welt destilliert, in der man leben möchte.

Die Reise von MUNA war schon immer davon geprägt, Raum für die komplexen, chaotischen und ekstatischen Realitäten des Lebens zu schaffen, und mit ihrem vierten Album "Dancing On The Wall" sind sie so prägnant, düster und mitreißend wie nie zuvor. Ausgehend von den funkelnden, mit Konfetti übersäten Höhen ihres selbstbetitelten Albums aus dem Jahr 2022 kanalisieren sie nun die ängstliche, unsichere Energie des Lebens in einem Los Angeles, das von politischen Spannungen, Umweltzerstörung und dem stillen Druck der Prekarität der Millennials geprägt ist. Das Ergebnis ist ein Album, das sich sowohl intim als auch spektakulär anfühlt, eine Popwelt, die mit Biss, Witz und emotionaler Resonanz aufgebaut ist, ein Soundtrack für Herzen, die gleichzeitig in Flammen stehen und das Chaos um sie herum beobachten. Auf dem gesamten Album erkundet MUNA Sehnsucht, Intimität und Verbundenheit vor dem Hintergrund einer Welt im Wandel. Es gibt eine stille Auseinandersetzung damit, wie man weiterleben, lieben und sich gegenseitig erreichen kann, während man Zeuge politischer Brutalität und systemischer Gewalt wird, und wie Freude ohne Verleugnung überleben kann. Tracks wie "Wannabeher" fangen den schwindelerregenden Nervenkitzel ein, sich vollständig in die Fantasie eines anderen zu begeben, während "Why Do I Get A Good Feeling" noch lange nach dem Ende des Beats nachhallt, eine Meditation über flüchtige Freude und ausgesetzte Möglichkeiten. Das Album schließt mit "Buzzkiller", einer schonungslosen Auseinandersetzung mit Sehnsüchten und ihren Folgen, dem Schmerz, etwas erreicht zu haben, nur um festzustellen, dass neue Fragen, Zweifel und Sehnsüchte zurückbleiben. "Dancing On The Wall" wurde von Naomi McPherson produziert, wobei ihre charakteristische Liebe zum Detail mühelos mit der ausgefeilten Pop-Technik ihrer Bandkollegin Josette Maskin hinter den Kulissen verschmilzt, um lebendige, atmende Welten für die prägnanten Texte und die unverwechselbare Stimme der Leadsängerin Katie Gavin zu schaffen. "Dancing On The Wall" verbindet euphorische Klanglandschaften mit prägnanten, menschlichen Geschichten. Das Album spiegelt einen intensiven, selbstgesteuerten kreativen Prozess wider, der von Instinkt, Vertrauen und vollständiger künstlerischer Kontrolle geprägt ist. Es wirkt lebendig, eindringlich und filmisch und spiegelt eine Generation wider, die sich durch Unsicherheit navigiert und sich dennoch nicht von ihrer Freude abbringen lässt. Mit diesem Album beweisen MUNA erneut, dass Pop gewagt, intim und sozialbewusst zugleich sein kann: ein Album, das nicht nur den Moment einfängt, sondern ihn zu einer Welt destilliert, in der man leben möchte.

After standout collaborations with Christophe Honoré and Bertrand Mandico, Calypso has signed with Pop Noire for the original soundtrack of Caroline Deruas’ film Les Immortelles. She unveils her new single, L’Homme Poisson, a gem of magnetic pop. With this ultra-catchy track, she reinvents 70s synth-pop with her signature poetry—both modern and timeless.


With Les Immortelles, Calypso Valois does more than accompany the film: she becomes its sonic soul. Each track—from enchanting choruses to rich instrumentation (piano, synths, strings, brass)—immerses the listener in a dreamlike universe, where music weaves the emotional thread. A singular cinematic experience, infused with mystery and magic. Whether you’re a fan of sophisticated pop, evocative soundtracks, or simply seeking an enchanting musical journey, this album transcends the boundaries of genre and era.
The film opened the Venice Film Festival and continues to make waves at festivals before its release a on Wednesday, February 11, 2026.

Blanche Biau, the enigmatic solo project blending 80s wave, post-punk, and shoegaze into a dreamy yet melancholic soundscape, is set to release a remix album of her sophomore record ‘Heartcore’. The new album, titled ‘Heartcore (Remixes)’, will be released via the Zurich based label Subject To Restrictions Discs.

Following the success of ‘Heartcore’, released in July 2025, the remix album brings together a group of artists to reimagine Blanche Biau’s hauntingly beautiful tracks. The remixers include Danzinger99, Donna Haringwey, Lumpex, Lust For Youth, Spear Flower and Milan STHC.

Blanche Biau on the remix album: «Heartcore is deeply personal to me, but I also imagined it as a living, breathing entity that could evolve. Collaborating with these incredible artists has been a dream – they’ve taken my songs to places I never thought possible. This remix album is a celebration of reinterpretation and connection.»

Blanche Biau is a solo project hailing from Zurich, Switzerland. Known for her DIY approach and ability to channel influences from 80s wave, post-punk, and shoegaze into a sound that is both nostalgic and forward-thinking, Blanche Biau has quickly established herself as a rising star in the alternative music scene. Her music combines raw emotion with dreamy atmospheres, resonating deeply with audiences worldwide.

PISS in collaboration with The state51 Conspiracy is excited to release a limited 7” pressing of “three demos”.
In the span of two years, PISS has gone from a complete unknown in the Vancouver underground scene to an international touring act. The noise punk quartet has never released a full-length record; their reputation grew from their frenetic, intimate live show and three self-produced demos.
These demos were recorded in Paterson’s basement apartment. For the vocal tracks, Paterson and Zantingh drove an old camper van to an industrial neighborhood of Vancouver to avoid disturbing their neighbors. They were mixed by Paterson, with drums for two of three tracks engineered and tracked by Chris Bede.

2026 Repress

Un-American Activities is the 11th Studio album by Molly Nilsson. Written and recorded entirely on location in California at the former home of writer, poet and early opponent of the National Socialist regime in 1930s Germany, Lion Feuchtwanger and his wife Marta. An album of experimentation, genre-mashing and, above it all, Nilsson’s instantly recognisable melodic skill and empathy, it continues the songwriter’s explorations of power, freedom, oppression and its opposing force, a love unbound.
After accepting an artist residency as part of the Villa Aurora program, Nilsson began work crafting a new album from scratch in a new environment, afforded the freedom, space and time to challenge her practice and take her music into new territory. The resulting work, Un American Activities, is a love note not only to the artist who was among the very first to be declared an “enemy of the state” by the Nazi regime but also to both the eternal struggle he fought and the human spirit that pervades all of Nilsson’s best work. It is also a double-pointed poison pen letter: a critique of the new forms of oppression wielded by her temporary adopted country of the USA but also an acknowledgement of the promise it always offers but never fulfils.
Along with the novel use of colour and photography in the artwork for Un-American Activities, there are swathes of new techniques, genres and timbres new to Molly Nilsson’s music in evidence, 16 years into her music career. On Jackboots Return is an icicle-cold New Beat track that deals directly with the current situation in Germany and the resurgent Nazi-affiliated AfD. The question the song asks is, what’s the timeframe we’re talking about? Is this the 30s, or somewhere a lot closer to home? The beat is picked up on The Communist Party, Nilsson’s deepest bow to House music, evoking the early 90s Rave pioneers, Belgian 80s music and Vogue-era Madonna. Here the lyrics are direct quotes from the McCarthy-era, anti-Communist pamphlet 100 Things You Should Know About Communism in the U.S.A. The Beauty Of The Duty does to pounding Electro what Nilsson’s last album Extreme did to Metal: subsume it into the Molly Nilsson aesthetic. It goes hard.
While Un-American Activities finds Nilsson experimenting, creating instinctive music on a first-thought-bestthought basis there are still “classic” Molly moments liberally spread throughout. Excalibur feels like the Molly of old, an absolute star of a chorus refrain smudged with the vaseline of fuzz and hope, Red Telephone is wide-eyed, slathered in reverb and chorus effects, distorted with soaring melody, a heart-tugger that tugs the body upwards to the heavens with each evolving wave. Glistening digital tones wash through the album, providing a Y2K etherealness to Nilsson’s audacious Stars and Stripes reference to Wetcheeks. Perhaps the album’s standout, however, is Palestine (Somewhere Over The Rainbow), which is suffuse with empathy, solidarity and, in referencing the classic socialist-penned canon song from The Wizard Of Oz, speaks directly to the tradition of fighting oppression with full hearts of hope.

"Wired" ist ein harter Neustart für Basement. Es markiert das erste Album der britischen Band seit acht Jahren, eine Wiedervereinigung mit ihrem ursprünglichen Label Run For Cover Records und eine Rückkehr zu jener ungebändigten Leidenschaft und kreativen Intuition, die schon immer ihr bestes Material ausgezeichnet hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2009 besteht Basement aus denselben fünf Freunden - Sänger Andrew Fisher, den Gitarristen Alex Henery und Ronan Crix, Bassist Duncan Stewart und Schlagzeuger James Fisher - und derselben alchemischen Verbundenheit. Das Einzige, was sich in den letzten Jahren verändert hat, ist ihr erneuertes Gefühl von Zielstrebigkeit. Und das macht ihr neues Album deutlich hörbar. "Wired" ist das dynamischste, mutigste und inspirierteste Werk, das Basement je geschaffen haben, und bewahrt zugleich die zeitlosen Grundlagen ihres einzigartigen Sounds: grollende Gitarren, mitreißende Refrains und eindringliche emotionale Sprache. Basement sind zurück und laufen auf allen Zylindern, aber sie haben kein Interesse daran, alte Erfolge zu wiederholen. Die gesamte Band war entschlossen, dass "Wired" ihr bisher klarstes künstlerisches Statement werden musste. Der Titelsong ist das drängendste Stück ihrer Karriere - ein sicherer Live-Favorit, getragen von stechenden Gitarren, einem wuchtigen Schlagzeug und einem himmelhohen Hook, bei dem Fishers Stimme in Bestform ist. "Broken By Design" zeigt den gegenteiligen Charakter: düster, zart, bassgeführt, aber dennoch typisch Basement in seiner sofortigen Eingängigkeit und stimmungsvollen Atmosphäre. Nichts auf Wired klingt stagnierend, kein Teil wirkt unausgereift. Die Band ließ sich von einer Vielzahl abenteuerlustiger Vorbilder inspirieren (R.E.M., Interpol, Smashing Pumpkins, um nur einige zu nennen), ohne jemals wie eine dieser Bands zu klingen - und auch nicht wie eine Kopie ihrer selbst. Der Albumtitel fasst all das in einem einzigen Wort zusammen. Die texturalen Konnotationen von "Wired" - metallisch, scharf, zackig - spiegeln die stählernen Klangwelten des Albums wider. Auf konzeptioneller Ebene spricht der Titel für die unerschütterliche Zähigkeit der Band: eine analoge Band, die in einer immer digitaleren Welt erfolgreich bleibt, ohne sich auf nostalgische Bequemlichkeit zu verlassen. Fünf Freunde, die mehrere Trennungen und Neuanfänge überstanden haben und dabei als Menschen und musikalische Einheit gewachsen sind. Basement müssen ihr Schicksal akzeptieren: Sie sind einfach dafür gemacht.

"Wired" ist ein harter Neustart für Basement. Es markiert das erste Album der britischen Band seit acht Jahren, eine Wiedervereinigung mit ihrem ursprünglichen Label Run For Cover Records und eine Rückkehr zu jener ungebändigten Leidenschaft und kreativen Intuition, die schon immer ihr bestes Material ausgezeichnet hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2009 besteht Basement aus denselben fünf Freunden - Sänger Andrew Fisher, den Gitarristen Alex Henery und Ronan Crix, Bassist Duncan Stewart und Schlagzeuger James Fisher - und derselben alchemischen Verbundenheit. Das Einzige, was sich in den letzten Jahren verändert hat, ist ihr erneuertes Gefühl von Zielstrebigkeit. Und das macht ihr neues Album deutlich hörbar. "Wired" ist das dynamischste, mutigste und inspirierteste Werk, das Basement je geschaffen haben, und bewahrt zugleich die zeitlosen Grundlagen ihres einzigartigen Sounds: grollende Gitarren, mitreißende Refrains und eindringliche emotionale Sprache. Basement sind zurück und laufen auf allen Zylindern, aber sie haben kein Interesse daran, alte Erfolge zu wiederholen. Die gesamte Band war entschlossen, dass "Wired" ihr bisher klarstes künstlerisches Statement werden musste. Der Titelsong ist das drängendste Stück ihrer Karriere - ein sicherer Live-Favorit, getragen von stechenden Gitarren, einem wuchtigen Schlagzeug und einem himmelhohen Hook, bei dem Fishers Stimme in Bestform ist. "Broken By Design" zeigt den gegenteiligen Charakter: düster, zart, bassgeführt, aber dennoch typisch Basement in seiner sofortigen Eingängigkeit und stimmungsvollen Atmosphäre. Nichts auf Wired klingt stagnierend, kein Teil wirkt unausgereift. Die Band ließ sich von einer Vielzahl abenteuerlustiger Vorbilder inspirieren (R.E.M., Interpol, Smashing Pumpkins, um nur einige zu nennen), ohne jemals wie eine dieser Bands zu klingen - und auch nicht wie eine Kopie ihrer selbst. Der Albumtitel fasst all das in einem einzigen Wort zusammen. Die texturalen Konnotationen von "Wired" - metallisch, scharf, zackig - spiegeln die stählernen Klangwelten des Albums wider. Auf konzeptioneller Ebene spricht der Titel für die unerschütterliche Zähigkeit der Band: eine analoge Band, die in einer immer digitaleren Welt erfolgreich bleibt, ohne sich auf nostalgische Bequemlichkeit zu verlassen. Fünf Freunde, die mehrere Trennungen und Neuanfänge überstanden haben und dabei als Menschen und musikalische Einheit gewachsen sind. Basement müssen ihr Schicksal akzeptieren: Sie sind einfach dafür gemacht.

With 'Tangkoa II', Belgian producer and multi-instrumentalist Dijf Sanders invites listeners into a vibrant and immersive sonic world shaped by travel, collaboration and instinct. Released via Unday Records, the album grew out of field recordings captured during a journey through Vietnam, later transformed into rhythmic, colourful compositions that feel both intimate and expansive.

Rather than building tracks piece by piece on a screen, Sanders approaches music as something alive and unfolding. Sounds are performed and reshaped in real time, giving the album a spontaneous energy, as if the music is discovering itself while you listen. Together with drummer and producer Simon Segers, he creates a fluid dialogue between electronic sounds and human rhythm, balancing precision with freedom.

Improvisation lies at the heart of 'Tangkoa II'. Contributions from Vitja Pauwels (guitar), Viktor Perdieus (saxophone) and Louise van den Heuvel (bass) bring a subtle jazz sensibility to the music, pushing it toward hypnotic grooves and unexpected turns.

The result is an album that feels warm, physical and constantly in motion. Electronic music that breathes, pulses and draws you fully into its atmosphere.

Munich's machine enthusiasts 9ms return to Squama with their third album 'Lunch'.
More heterogenic than its predecessors, the album incorporates Dub-infused IDM, cinematic slow jams and off-kilter drum workouts giving the daring DJ plenty of material to treat dancefloors and listening rooms alike.
On their previous albums Pleats (2021) and II (2023) Florian König and Simon Popp mapped out the musical symbiosis between man and machine, using motion sensors to translate their bodies' movement while playing drums into sound. On Lunch the conceptual centerpiece is the pendulum. Neither man, nor machine, its steady movement is converted into analog voltage with what's called a gyroscope, allowing it to trigger and control any parameter in the duo's setup.
The album was conceived over the course of a year in weekly morning sessions that had to be wrapped up by lunch due to family obligations. The temporal limits, as paradoxically is often the case, turned out to be quite liberating and resulted in a more playful and fearless process.
"We worked pretty efficiently, but since there was no deadline for the album to be finished, the whole process felt very light". The duo also freed themselves from the limitations of having a recording setup that's reproducible for touring.
"We didn't think about the live aspect at all this time." So for every session they would choose from a wide array of instruments and machines, an abundance that has inspired the record's artwork, overflowing with words from the list of gear used on the record.
Sonically, 9ms keep on forging their own niche with thick, compressed drums set against wide stereo-processed soundscapes and a genuine curiosity that's pleasantly contagious.

In an age that demands hyper acceleration, kinetic flashes and byte voracity, Blak Saagan sticks out like a sore thumb with a sprawling body of work that requires attention and unlocks profound symbols and meaning with every passage. After a 5 year gap, the Venetian composer returns with his most personal and openly political statement yet, ‘Un Sequestro Lungo 10.000 Anni’, a staggering 108 minute triple album soundtracking a dystopian city through flashes of futuristic fourth world visions, warehouse 80s rave-ups, meditative trance and dark rumblings. Following his acclaimed ‘Se Ci Fosse La Luce Sarebbe Bellissimo’ was never going to be an easy feat but Samuele Gottardello (Blak Saagan) approached the fresh canvas with a renewed sense of commitment sparking a dense parallel world inhabited by paranoia, control and repression. A world that is relieved by the figure of a woman with the body of a bird emerging from the asphalt and freeing humanity from the “sequestro” (kidnapping) to which it has long been subjected. Dystopia pushed to the limits and sadly close to our current affairs.

Tudo is an album by world renowned Grammy-nominated singer/songwriter Bebel Gilberto, originally released in 2014.

Gilberto, daughter of bossa nova immortal João Gilberto, is one of the most internationally famous and beloved of Brazilian musicians. Tudo, which means "everything" in English, showcases Bebel's ethereal vocals and wistful, dreamy song writing in each of the 12 tracks.
Bebel reunites with Mario Caldato Jr., who produced her first landmark album Tanto Tempo.

With Bebel singing in French, English, and Portuguese, Tudo is a shimmering, sweet summery collection that includes original songs along with songs by João Gilberto, Antonio Carlos Jobim and Neil Young, as well as soulful duet with Seu Jorge.

The gorgeous melodies are shaped by touches of electronica and Bebel's intimate vocals hint at a fantastical Rio de Janeiro, a style that has earned her a devoted fanbase worldwide.

Tudo is available on black vinyl and includes a 4-page booklet with pictures and lyrics.

Following the two EPs "Epoxy Plains" and "Wipe Clean", which were released in 2024, the debut album from the Glasgow Post Punk/Rock quartet and currently the only British band on DevilDuck is finally here... "Human Poultry" is an observation of the situations, emotions and characters the band encountered during their first two years together in Glasgow. It questions how we spend our time and how that decision is influenced by external factors. Conscious Pilot are Joe Laycock (vocals & guitar), Emmy Leishman (guitar & vocals), Jack Sharp (bass & vocals) and drummer Chris McCrory, who recorded and mixed the album together with Seth Evans (Black Midi, Shame, Geordie Greep) and Adele Phillips (Fontaines DC) at Rak Studios in London - Felix Davis (Geese, The Vaccines) then put his masterful touch on it. The artwork is by Scottish painter Keiti Forbes.

Das 1990 erschienene 4AD-Debütalbum von His Name Is Alive festigte die Stellung der Band innerhalb der bereits etablierten, ätherischen Klangtradition des Labels, indem es dessen Sound neu erfand und durch ein Prisma brach. Ein zartes und leicht entrücktes Dream-Pop-Album, das nahezu zehn Jahre von Defevers Heimaufnahmen bündelt - zusammengeführt zu einem eindringlichen Gesamtklang durch den geisterhaften, femininen Gesang von Karin Oliver. Produziert und gemischt von Ivo Watts-Russell sowie dem This Mortal Coil-Kollaborateur John Fryer, ist das Album ein kraftvolles Eröffnungsstatement, das mit rauschhaften Refrains und texturierten Gitarrenklängen Neugier weckt. Es behandelt die beiden zentralen Themen Liebe und Verlust, die taumelnd und wie in einem Traum vorgetragen werden.

Mouth By Mouth ist das erste Album von His Name Is Alive bei dem die Band alle Prozesse - einschließlich des Mixings - selbst kontrollierte, und markierte einen deutlichen Wandel: Es ist zugleich ihr vielfältigster und zugänglichster Katalogeintrag. Die kontinuierliche künstlerische Weiterentwicklung des Projekts ermöglichte es Defever, einen außergewöhnlich experimentierfreudigen Ansatz für Klang und Vision des Albums zu verfolgen und seiner Liebe zu unterschiedlichsten Musikstilen freien Lauf zu lassen - von loop-basiertem Dub über zuckersüßen Pop der 1960er, verzerrten Dream-Gaze, atmosphärischen Alternative-Noise bis hin zu gitarrenbetontem Folk. Indem die Band das Surreale aufgriff und ihren experimentellen Ansatz noch weiter intensivierte, während Defevers Studiofähigkeiten voll zur Entfaltung kamen, gilt dieses Album für viele als ein Höhepunkt ihres Schaffens.

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Intimacy is manifested in every moment of Radiator, the debut album from Philadelphia's Sadurn. This feeling of closeness, of being able to lend your every sense to one's confessions of internal conflict, is due in large part to the circumstances under which this album was created. Much of the world fell apart in 2020, but Sadurn tucked themselves away in a Pocono's cabin, creating and recording what would become their first full-length. Within the confines of their close quarters, passing animals as the only auditory witness to a makeshift recording studio created by moving furniture, Sadurn created an album that will break your heart and then slowly piece it back together.Sadurn started as the solo project of Genevieve ??DeGroot. Picking up guitar in 2015, DeGroot started writing songs, eventually playing DIY shows throughout the city of Philadelphia. With time, the direction, sound, and members of Sadurn changed. The beginning of 2020 was meant to serve as their debut as a four member band (Jon Cox on guitar/tenor guitar, Tabita Ahnert on bass, and Amelia Swan on drums), but the world had other plans and the group adapted.Taking influence from artists like Gillian Welch, Alex G, and Jason Molina, Sadurn's emotive indie rock explores the struggles and eventual beauty of grappling with multiple emotional realities, particularly when it comes to relationships. That conflict, the idea of being forced to choose, even when terrified, is present on singles like "Radiator" and "Golden Arm." The latter is an unhurried ballad that shows its truest colors with time, eventually blossoming with unexpected admissions of desire and uncertainty. Indecision, heartbreak, and attempting to live out your days against the actual backdrop of a gradually worsening hellscape is a shared commonality among us all, but on Radiator Sadurn breaks down walls that others so often put up. It's a fleeting, impactful glimpse at one's whole heart, and its sweeping, special nature is evident from the moment the album opens.

Formed by vocalist and guitarist Andy Yorke, bassist Jason Moulster and drummer Nigel Powell, the band crafted an album that stood apart from the late-Britpop rush with a sound that was intimate, melodic and emotionally direct.Songs such as "Solved," "Higher Than Reason" and "Angel" showcase Yorke's plaintive vocal delivery and the band's gift for dynamic build-ups, moving from hushed reflection to soaring climaxes without losing their understated core. Critically noted for its cohesion and lyrical sincerity, Almost Here established Unbelievable Truth as a thoughtful counterpoint to the era's louder guitar bands. It remains a focused, atmospheric debut that rewards close listening and highlights a band confident in mood, melody and craft

Zubin Mehtas klanglich spektakuläres Album mit Orchesterwerken von Edgar Varèse aus dem Jahr 1971,
aufgenommen mit dem Los Angeles Philharmonic, wurde von Gramophone für sein „virtuoses Spiel“ und
seine „vorbildliche Aufnahme“ gelobt. Mehta wird dieses Jahr 90 Jahre alt, und diese Aufnahme – mit
ihrem beeindruckenden Artwork – erinnert uns an Mehta in seiner besten Zeit, dynamisch und mit jugendlichem Verve, als er, auch wegen der atemberaubenden Aufnahmen, die Decca in LA produziert hat,
die internationale Bühne eroberte.
Die neue audiophile Vinyl-Reihe DECCA PURE ANALOGUE präsentiert legendäre Aufnahmen aus den
Archiven von Decca und Philips in einer völlig neuen Klangqualität. Die renommierten Emil Berliner Studios haben diese in 100 % analoger Qualität (AAA) mit speziell für diese Reihe entwickelten Technologien
neu gemastert.
Jede Veröffentlichung der Serie wird auf 180 g schweren Virgin-Vinyl-Schallplatten gepresst und in einer
luxuriösen Gatefold-Edition präsentiert, mit Original-Artwork und Liner Notes, zusätzlichen Fotos und
Faksimiles der Bandboxen und Aufnahmedokumentation. Darüber hinaus enthält jede handnummerierte
Limited Edition neue Liner Notes, in denen die Geschichte der Aufnahme sowie der technische Prozess der
Neu-Veröffentlichung detailliert beschrieben werden.

Mighty Theodore and The Custodian Of Records have crafted the quintessential soundtrack for the bleakest of snow days with their new collaborative album, "The Colder It Gets". Bookended by the sound of howling winds, the project offers a hypnotic listening experience where the temperature seems to drop with every track. While the production is immersive, the only warmth to be found radiates from the crackle of Custodian’s vinyl samples. Theodore matches this atmosphere with layered lyricism that explores deep isolation and the struggle to trust that things can improve, though a faint sense of hope remains buried beneath the metaphorical drifts.
Releasing via URBNET this winter, the album invites listeners to bundle up and embrace the chill. The project is bolstered by an impressive lineup of guest features, including Lee Scott, Fat Ray, Thirstin' Howl The 3rd, and Farma G. Additionally, the release includes a thematic bonus track titled "Christmas Missed Us" featuring Von Pea. As the winter solstice arrives, prepare to get lost in a hip-hop experience that proves the music only gets better The Colder It Gets.

Phantastic Ferniture are back with their jubilant garage pop, releasing not one but two singles - their very first recordings since their critically acclaimed 2018 debut album. Recorded at Golden Retriever Studios in Sydney, produced by Phan Fern themselves, and mixed and mastered by previous collaborators Tim Carr and Andrew Edgson respectively, tracks “Change My Mind” and “Dare to Fall in Love” immediately evoke everything about this band we have come to know and love. Julia Jacklin’s ability to write a catchy yet effortlessly cool vocal hook is evident on first listen, but it’s the magic that Phan Fern creates together that really brings the songs home.

Redux, an ambient-folk album from Portland, Oregon musician, poet, and multimedia artist Dao Strom, is a collection of nine resurrected pieces. Reimagining songs she initially composed as a member of the Austin, Texas alt-country and singer-songwriter scenes of the early 2000s, Strom reworks these lost songs into ambient-folk mini-epics—part grounded and earthly, part ethereal and otherworldly. Drawing on an intimate yet spacious palette of folk, ambient, and experimental textures, woven through with a poetics of vulnerability and quiet emotion, Redux explores song as gently reverberant fields of layered vocals over finger-picked guitars with touches of electronics and sampling. Strom’s musical journey initially began in a roots and acoustic vein, simultaneously with her career as a fiction writer. In the years since, she has moved from Austin, Texas to Juneau, Alaska to Portland, Oregon; her work too has expanded across genres into more experimental formats of poetry, music, and multidisciplinary art. In returning to these earlier songs, Strom reclaims and revives them, exploring her relationships to time, voice, and the continuances of emotion and memory. The word redux means “brought back; revived”; a sense of something restored—earlier renditions of some of the Redux songs were recorded with Austin-based collaborators and producers; some songs were written in that time period but never recorded. Produced, performed, and recorded by Strom alone in her home studio, Redux is a return and reemergence of the artist to her own most personal, intuitive structures and atmospheres of voice, sound, and song. Released on cassette by Antiquated Future Records, and reissued on vinyl in 2026 by Disasters By Choice.

Dao Strom is an artist who works with three “voices”—written, sung, visual—to explore hybridity and contemplate the intersection of personal and collective histories. Her music releases move between “song-poem” cycles and ambient-folk albums. She is the author/composer of several hybrid projects that blend poetry, music, and visual art into unique multimodal experiences, including Tender Revolutions/Yellow Songs, a song-cycle with set of four chapbooks, jointly released by Beacon Sound, Antiquated Future Records, and The 3rd Thing Press (2025), and Instrument/Traveler’s Ode, a poetry-art collection and song-cycle released by Fonograf Editions and Antiquated Future Records (2020). Born in Vietnam and based in Portland, Oregon, Strom began her musical journey in the early 2000s, when she first began infusing into the context of “Americana” folk/roots music her own diasporic Vietnamese experience and stories. Her music has since moved in more experimental directions, resisting easy categorization, yet still maintaining tendrils of folk ethos. She also writes songs about the ineffable nuances of emotion, memory, and connection, as captured on the album, Redux, which gathers songs from across her songwriting years into an ambient-folk setting, self-produced and recorded by Strom, released on cassette in 2022 by Antiquated Future Records, and reissued on vinyl in 2026 by Disasters By Choice. As a multidisciplinary artist, Strom has presented performance and installations at venues such as the Time Based Art Festival (Portland Institute for Contemporary Art) and Moving Poets Novilla in Berlin, Germany, and has received awards from the Creative Capital Foundation, Spark Artist Award, and others. Strom is also a founding member of She Who Has No Master(s), a collective of Vietnamese women writers and artists making polyvocal poetry-art works as a means of reaching across borders.

Während wir auf ihr zweites Album ,Di Hotel Malibu" warten, verwöhnen uns Thee Marloes mit einer atemberaubenden Doppel-A-Seite. Die A-Seite, ,Under the Silver Moon", ist ein knallharter Two-Stepper, der sowohl die bitteren als auch die süßen Seiten einer Fernbeziehung einfängt, vor einem luftigen musikalischen Hintergrund. Die musikalische Leistung und die Produktion ziehen dich vom ersten Snare-Schlag an in ihren Bann, während Frontfrau Natassya Sianturis honigsüße Stimme durch Metaphern und Prosa lebhafte Bilder heraufbeschwört. Auf der B-Seite offenbart ,Through the Changes" die zarteste Seite des Sounds der Band. Kraftvoll und zart zugleich reflektiert der Song darüber, wie wir uns vorstellen - und damit ringen -, was nach dem Tod kommt. Natassya sehnt sich nach Gesellschaft und Gesprächen mit einem geliebten Menschen, der verstorben ist, mal erinnert sie sich an gemeinsame Momente, mal hinterfragt sie, ob es Sinn macht, weiterhin mit ihm zu sprechen und an ihn zu denken. Ihr Gesang ist so intim, dass es unmöglich ist, nicht jedes Wort zu spüren, während die Band die perfekte, zurückhaltende Begleitung liefert.

Neue 2026er-Auflage in neuer Farbe! Das neue Album der doom-meets-stoner-meets-metal Legenden! Solace entstand aus den Columbia-Künstlern Godspeed und ist eine der tragenden Säulen des Stoner Metal! Konstante musikalische Integrität und Live-Auftritte über mehr als zwei Jahrzehnte hinweg sorgen für eine treue Anhängerschaft und relvanten Szene-Status. South Jersey's SOLACE halfen mit ihrem zeitlosen Debüt "Further", die erste Welle des US Stoner Metal zu gründen, indem sie alle paar Jahre musikalisch 50 Tonnen-schwere Alben mit Next-Level-Riffage raushauten, bis hin zu ihrem gefeierten "A.D."-Album im Jahr 2010. Eine epische Rückkehr, "The Brink" ist ein glorreiches Doppelalbum - NWOBHM-zweifach-Gitarrenattacken, gewichtige Doom-Power und rifftrunkene Sea Shanties. Luxuriöses farbiges Vinyl plus wunderschönes Gatefold-Sleeve für Fans von Monolord, Haunt, War Cloud, The Obsessed, The Necromancers, The Atomic Bitchwax, Uncle Acid. Das letztes Album 'A.D.' wurde von iTunes (neben High on Fire, Monster Magnet, Unearthly Trance) zu einem der besten Metal-Alben des Jahres 2010 gekürt, "The Brink" auf Blues Funeral wird vielleicht eines der besten des Jahrzehnts.

Marcos Valle is one of those artists you simply can’t overlook if you have even a passing interest in Brazilian music. Whether your taste leans toward bossa jazz, samba, psychedelic folk, or modern soul, Valle has surely recorded a great album for you.

By the late 1960s he had already released enough outstanding records to secure a place among the greatest Brazilian artists of all time, but fortunately his career didn’t stop there. He has continued recording fabulous albums over the following decades, right up to the present day.

This second album by Marcos Valle (1965) is one of the foundational works of bossa nova. In fact, the record includes one of the most widely heard and covered Brazilian songs in history: ‘Samba de Verão.’ In addition to his work as a composer—alongside his brother Paulo Sergio—Marcos Valle also begins to reveal himself here as a great singer, with a soft, almost fragile voice, while his acoustic guitar recreates the same intimacy of the nighttime atmosphere in which he composed most of the songs.

The arrangements were co-written with Eumir Deodato, with the participation of other renowned Brazilian musicians, and they surround Valle’s compositions with elegant string orchestrations, bossa rhythms, and jazzy touches of swing. Highlights include the sophisticated beauty of songs like ‘Preciso Aprender a Ser Só,’ the rhythmic 3/4 feel of tracks such as ‘Seu Encanto,’ and the powerful ‘Deus Brasileiro.’

First vinyl reissue in over 50 years!

USA Hardcore/Punk Geschichte! M.I.A. wurden 1980 in Las Vegas gegründet, zogen 1981 nach Orange County und begannen im berüchtigten Cuckoo's Nest zusammen mit Fear, Shattered Faith, T.S.OL. u.a. Shows zu spieln. Ende '81 gingen sie in ein lokales Tonstudio in Costa Mesa und nahmen an einem Nachmittag neun Songs auf, bis ihnen das Geld ausging - 300 Dollar gut angelegt! Eine Kassette wurde rasch kopiert und herumgereicht. Eine Kopie der Kassette wurde KevinSeconds bei einem Gig mit 7 Seconds in Reno gegeben. Kevin gab sie an Tim Yohannan von Maximum Rocknroll weiter. Schließlich gelangte sie in die Hände von Felix Alanis von Smoke Seven und Greg Shaw von Bomp. Mitte 1982 waren M.I.A. dann auf drei Vinyl-Veröffentlichungen vertreten: "Tell Me Why" auf der Compilation American Youth Report von Bomp, "New Left" auf Maximum Rocknroll Presents: Not So Quiet On the Western Front von Alternative Tentacles und acht der neun Tracks landeten auf der berüchtigten Split-LP mit Last Rites auf Smoke Seven. Alle 9 Tracks des ersten Tapes sind hier versammelt, zum ersten Mal richtig abgemischt. Der Begin von M.I.A. (US) und gleichzeitig das letzte Lapitel der Moder City Records-Reissue-Reihe zur Band. « ...In one corner is M.I.A., a band originally from Las Vegas, the champions of punk's positive side. They've managed to fuse a super tight thrash sound with enlightened attitudes_"I Hate Hippies" is obviously meant as a satire with a moral, and the results are absolutely stunning. » _Jeff Bale's 1982 review of the Last Rites for...-Split-LP in Maximum Rocknroll #2 2.Auflage, Cover Metallic Blue, Vinyl Dirty Turquoise, plus 24seitigem Booklet.

Tomorrows Wish were a group from Atlanta Georgia that consisted of vocalist Lester Carr & backed by Mary Spencer & Kimberlyn Williams.

With the help of Manny & Emandolynn Music Soul Direction bring you these 2 tracks mastered from almost lost tapes and present them to you on 7” vinyl for the very first time.

Radiohop are a four-piece jazz / hip-hop band from Amsterdam, exploring the boundaries between groove, texture and improvisation. Hard to Handle is their second album and the first drop on Melting Pot Music. As the title suggests, Radiohop are going hard on this one.

Radiohop are Joshua Lutz (keys), Euan Jenkins (drums), Johnny Biner (guitar) and Joel Svedberg (bass). All four of them moved to Amsterdam around 2020 to study jazz and quickly plugged into the city’s bubbling scene.

Each band member plays an equal role in shaping the music as a single organism, emphasising feeling and atmosphere rather than ego or individual spotlight.

The compositions arise from experimentation, intuitive collaboration and deep listening, an approach that has as much to do with their backgrounds as improvisers and beat-makers as it does with their roots in jazz.

Radiohop have performed as the rhythm section for artists like Soul Supreme and Juju Rogers. Beat-heads might be familiar with Joshua’s solo project, Halfpastseven, which has collaborated with FloFilz and Jake Milliner

Josiah and the Bonnevilles is the band name for singer-songwriter Josiah Leming, a powerful acoustic performer and prolific singer-songwriter amassing attention from millions across the globe Described as "self-taught," Leming has been traveling across the United States since he was 17 years old, and even had a brief stint on American Idol in 2007. Lemings' Country Covers I & II and Endurance are among his most popular self-released albums. Following the release of these 3 titles, in 2024 he completed his first ever sold out headlining tour. As Is, produced by Konrad Snyder and Josiah Leming features co-writes with Marc Scibilia, Colin Pastore, Jake Finch, Natalie Hemby, Todd Clark and more. As Is is an album full of reflection, resilience, heartbreak and love.

Reissue of South African pianist Abdullah Ibrahim's classic 1986 LP Water From An Ancient Well on magenta coloured vinyl It features the pianist/ composer with a very strong septet, including such superior musicians as tenor saxophonist Ricky Ford , altoist Carlos Ward , baritonist Charles Davis, and trombonist Dick Griffin who are heard at their most creative and emotional on these eight Ibrahim originals. Many of the songs (particularly "Mandela," "Song for Sathima," "Water From an Ancient Well," and the beautiful "The Wedding") are among Abdullah Ibrahim's finest compositions

In recent years, Midge Ure has spent his time playing live and not has time to fully immerse himself in the studios creating music To that end A Man of Two Worlds is his first album of new material in 12 years. Well worth the wait, the album is a formidable collection of outstanding music, divided into two clear parts.

The first half, World One: Music, consists of eight instrumental pieces, while the second half, World Two: Songs, features eight vocal songs. This concept was partly inspired by the time Midge spent during lockdown listening to instrumental music whilst presenting THE SPACE on Scala Radio. Hearing music that rarely finds a home on mainstream radio, he set about making something without lyrics, where the melodies had to speak for themselves. The eight vocal songs which form the second part of the album, came to Midge as the world reopened. A more divided world, in many ways a much harder and less empathetic one. Sharing an atmosphere with the preceding instrumentals, these songs are incredibly sparse and meditative, and whilst they are subtle, with some songs dealing with the frailty of the human condition, underlying many songs reflect Midge's concerns for the discord infecting world today.

As lead singer Steve Harris says "We're a band from the South and we play music that comes from the South". Originally formed in 2011, the band has been steadily building a global fanbase through successful songs at rock radio, backed up by constant touring in the US, Canada, the UK and Europe. Influenced by classic rock legends like Bad Company, Free, and ZZ Top, along with soul and American roots music, A La Mode is their debut album for Quarto Valley Records.

Step inside the shadow-drenched world of The Curse of Frankenstein with this definitive soundtrack release from Hammer Films, celebrating the film that launched Hammer Horror and changed cinema forever.

In early 1957, composer James Bernard wrote, orchestrated and recorded sixteen powerful cues for The Curse of Frankenstein. Created in a remarkably short production window, Bernard’s score became the sonic blueprint for Hammer’s bold new gothic identity.

Although all sixteen tracks were used in the finished film, the original session recordings are now lost. During Hammer’s painstaking 2025 4K feature restoration, approximately 13 minutes of clean music were newly extracted from the film’s original mixed music-and-effects track — a rare archival recovery that brings Bernard’s work back from the grave.

For the first time anywhere in the world, this historic music is released on vinyl, presented as four atmospheric suites across two 45rpm 7" EPs. Carefully curated to preserve the dramatic flow of the score, this release allows listeners to experience the chilling intensity, gothic menace and emotional weight that defined Hammer’s Frankenstein.

Pressed on green vinyl and produced exclusively as a Limited Collector’s Edition, this set is essential for Hammer fans, classic horror collectors and film-music connoisseurs.

This Limited Collector’s Edition includes:

• Four suites of music from the original The Curse of Frankenstein soundtrack
• Two 45rpm 7" EPs pressed on green vinyl
• Liner notes by David Huckvale, biographer of James Bernard
• Liner notes by Hammer music expert John Mansell

Own a landmark piece of horror film history and experience the sound that resurrected Frankenstein. This exclusive vinyl release is available only from Hammer Films — once it’s gone, it’s gone forever.