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Repress!

200 COPIES ONLY

Nils Frahm has unexpectedly confirmed details of a new collection of solo piano music, his first album since 2022’s three-hour Music For Animals. Day will be released by LEITER on March 1st, 2024, and it will be available on limited edition vinyl as well as via all digital platforms. Recorded in the summer of 2022 in complete solitude and away from his studio at Berlin’s famed Funkhaus complex, it is preceded by a single, ‘Butter Notes’, out on January 19. Day may come as a surprise to those who, over the last decade, have watched Frahm shift slowly away from the piano compositions with which he first made his name in favour of a nonetheless still-distinctive approach that’s considerably more instrumentally complex and intricately arranged. In addition, in 2021, having spent the early part of the pandemic arranging his archives, he released the 80 minute, 23-track Old Friends New Friends, a compilation of previously unreleased piano music intended to enable him to ”start over” with a clean slate. Judging from the extended, ambient nature of Music For Animals, it proved a successful gambit, but Frahm has never been able to resist returning to his first love, and those who enjoyed earlier acclaimed albums like The Bells, Felt and Screws will once again revel in Day’s familiar, personal style. Day, which contains six tracks, three over the six-minute mark, is the first in a pair of albums Frahm has lined up for 2024. In keeping with their nature, however, he won’t be making a song and dance about the release. Instead, he’ll resume his ongoing world tour, which has already included fifteen sold-out dates at Berlin’s Funkhaus as well as a show at Athen’s Acropolis. It will continue with shows all over the world, among them several sold-out dates at London’s Barbican in July 2024, where he previously curated a weekend of music, film and art, Possibly Colliding, in 2016. The album is best enjoyed in the manner in which it was recorded, in the intimacy of a peaceful, cosy room. There are muffled pedal creaks on the cyclical, quietly jazzy ‘You Name It’ and, during the palliative ripples of ‘Butter Notes’’ arpeggios, the sound of dogs barking in the streets outside. The compassionate, hesitant ‘Tuesdays’ and emotionally ambiguous ‘Towards Zero’ linger with the poignant persistence of Harold Budd’s earliest work, while ‘Hands On’ is a sometimes brighter, airier tune that sets its own, deliberate pace, and, as he has on occasions before, ‘Changes’ sees Frahm employing elements of his instrument’s construction in a ‘prepared piano’ fashion. Characterised by its confidential mood, Day confirms that, while Frahm is arguably now best known for elaborate, celebratory concerts calling upon an arsenal of pianos, organs, keyboards, synths, even a glass harmonica, he’s still a prolific master of affecting simplicity, tenderness and romance.

funcionário delights in the freedom of creating freeform music for the first time in his career. On “horizonte”, he loosens the reins, his sound follows a wavy, organic structure rather than a rigid, formal one. If it feels freer and more colourful, that’s because it truly is.

Eight years ago, when we first encountered his work, he was composing soundtracks for imaginary video games and crafting sonic landscapes that felt like destinations for sci-fi anime characters. With “Cavalcante” (2022), he broke away from that past. It marked a turning point, he was ready to explore a “fourth world” in both sound and concept. The feedback was overwhelming.

Three years later, “horizonte” marks another evolution. He sends us music regularly, but this album stood out immediately. It felt right: more synth-driven, more open to improvisation. As he put it: “It’s like using oil pastels for the first time and discovering new possibilities. In a way, I’ve found new ways of creating using the same colours.”

Listening to horizonte is like waking up from a dream. Again and again. The opening track, “nascer”, suggests a new dawn, but it’s in “pássaros” that the vision fully takes flight: less processed, more raw, yet still detailed and expansive.

Finding new ways with the same colours has been his quiet mission all along. What’s new here aren't the tools, but the feeling. The movement. The invitation to travel with him. You can hear - and feel - his sense of wonder. Every sound radiates joy. Every moment sparks a new thought. The music moves quickly, but breathes slowly.

Tracks like “renascer” and “o caminho do regresso” echo the spirit of late-70s/early-80s Vangelis, in deep reverence. And just as you approach the end, “fantasma” arrives - a stunning closer, reminiscent of Eno’s “An Ending”. By then, it’s clear: the “fourth world” is behind him. funcionário has moved on. To where? We’re about to discover.

Anushka Chkheidze + Robert Lippok’s »Uncontrollable Thoughts« on Morr Music is the duo’s debut joint release. The Netherlands-based Georgian composer and the German sound artist from Berlin first met in 2019 in the context of a workshop programme that took place in Tbilisi, and later worked with Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, and Lillevan on the massive »Glacier Music II« music and book project, released in 2021. This led them to engage in a less conceptually driven form of musicking and real-time composition that corresponds with their respective environments. They draw on traditions such as minimal music or late 1990s and early 2000s electronica to integrate subtle beats with elegiac organ drones, playful melodies with lush textures. The first document of an ever-shifting intergenerational dialogue, »Uncontrollable Thoughts« is a product of mutual listening outside time.

Though Chkheidze and Lippok had access to professional studios, they chose to rent a simple rehearsal space, equipped with only the bare essentials—bass and guitar amps as well as a small PA—to maintain immediacy in their working process. The music they made together corresponded to and drew on the respective possibilities and shortcomings of this studio, much like their collaboration in general is characterised by the care with which they approach each other's talents and ideas. While both had loosely defined roles—Chkheidze was responsible for the free-flowing beat programming and the evocative distortion came courtesy of Lippok, for example—they individually contributed in different ways to their joint process, which is as free of hierarchies as it is limitless. Hence, the duo’s focus on spontaneity and out-of-the-moment emergence makes them organically move beyond tried and tested conventions, resulting in music that seems to suspend time altogether.

When the first chimes on »Bird Song« announce a piece that sets rattling kickdrums against a backdrop of layered drones and rhizomatically entangled melodic elements, it becomes clear why »Uncontrollable Thoughts« carries this title: The album follows the constant detours of the subconscious of its makers, letting them explore moments of ecstasy such as on »Rainbow,« melancholy with »Field,« and the interplay of suspense and release through the ten-minute-long title track. But the different pieces also tie into one aother in various ways. The dirge-like organ drones on which »Rainbow Road« ends reappear in the beginning of »Uncontrollable Thoughts,« much like Chkheidze’s gentle yet emphatic piano chords on »Field« seem to provide the starting point from which the artist develops the striking motifs of the final piece »Opening«, whose title itself suggests that the record as a whole can and should be enjoyed as a loop. All this creates a unique, idiosyncratic temporal logic.

While there is much that sets Chkheidze and Lippok apart as solo artists, the major shared leitmotif in their respective bodies of work is the sonic engagement with space. »Uncontrollable Thoughts« is hence best understood as an extension of this practice; as an album that maps the geographies of their minds in motion, tracing musical movements as they melt into each other.

Zum 50. Jubiläum von Bad Company und anlässlich ihrer Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame 2025 erscheint am 24. Oktober das erste von der Band autorisierte Tribute-Album:
„Can’t Get Enough: A Tribute to Bad Company“

Diese besondere Veröffentlichung vereint namhafte Künstler*innen aus Rock, Country und Americana – darunter The Pretty Reckless, Charlie Crockett, Slash, HARDY und Def Leppard – die Bad Companys Klassiker auf persönliche, frische Weise interpretieren.

Ein echtes Highlight: Frontmann Paul Rodgers und Drummer Simon Kirke wirken selbst an mehreren Songs mit – in Kollaboration mit den teilnehmenden Künstlern.

Ein Must-Have für Fans von Classic Rock und eine ehrwürdige Hommage an eine der einflussreichsten Rockbands der Musikgeschichte.

"Deeply tied to the composer’s own life, the narrative of Lacrimosa invites reflection in the face of loss. This sonic work draws inspiration from Alice Coltrane’s spiritual Eternity (1976) as well as the traditional structure of the Requiem, a mass for the dead. One of its sections, the Dies Irae, evokes Judgment Day and concludes with the Lacrimosa (literally, “full of tears”), depicting the weeping of souls in search of salvation.

In Lacrimosa, Low Jack transforms autobiographical elements into a messianic, polyglot form, unfolding across eight movements that chart the storms and serenity of grief. The piece unfolds from dawn to dusk, as the eyes open and then close. An initiatory solar cycle, from which one returns like Dante in his Divine Comedy, transcendent yet grief-stricken by the loss of a guiding presence.

Low Jack crafts one of his most intimate compositions, weaving together musical archetypes and universal narrative structures, drawing from both classical lyrical music and pop standards."

Trystero returns with their new album Humming Fuzz on Knekelhuis — a kaleidoscopic voyage deeper into the band’s expanding cosmos.

Built on plunging basslines, acid-drenched loops, and spiraling kraut-inspired guitar textures, the record drifts between hypnotic repetition and free-flowing, hallucinatory songwriting. It echoes the visionary spirit of Psychic TV and the genre-blurring universe of Weatherall, while carving out a raw, magnetic space of its own.

Recorded once again on a canal barge in the North of France, Humming Fuzz feels like a natural evolution from their debut Sfumare e Vedere — denser, more alive, and charged with electricity. Now expanded with Nelly on bass and Alexia on vocals, Trystero channels this expanded energy into their wild, expressive live performances, soon to ignite audiences on their upcoming tours.

Tremor erscheint zu einem Zeitpunkt, an dem Averys Arbeitspensum für Außenstehende kolossal erscheint. Als Produzent, DJ, Musiker und Remixer, der ständig mit anderen zusammenarbeitet, hat er kürzlich DRONE:NODRONE von The Cure neu interpretiert, wofür er allgemeine Anerkennung erhielt. Seine Arbeit als eines von drei Mitgliedern von Demise of Love (eine Gruppe, die gemeinsam mit Ghost Culture und Working Men’s Club gegründet wurde) liefert derzeit den Soundtrack für die verschwommenen, undurchsichtigen Ränder der Tanzflächen auf der ganzen Welt. Das Album ist Averys erste Veröffentlichung bei Domino.

Die Platte ist voller unerwarteter Kollaborationen, darunter: Yeule, Art School Girlfriend, Ryan von bdrmm, Yune Pinku, Cécile Believe, Walter Schreifels von Rival Schools, Julie von New Dad und Alison Mosshart. „Tremor” wurde teilweise von David Wrench und teilweise vom legendären Alan Moulder gemischt. Es ist ein Breitwand-Album, auf dem sich Daniel mehr denn je auf Instrumentierung stützt und diese Klänge mit seiner charakteristischen, dunklen, techno-ähnlichen Produktion ergänzt. Es gibt wunderschöne melodische Parts, große elektronische Hits, härtere Grunge-Parts und wunderschöne Ambient-Momente, die einen wieder zur Ruhe kommen lassen.

Ein unverzichtbares Album von Roy Ayers, das soulige Jazz-Wurzeln mit knackigem 1970er-Jahre-Funk verbindet. Mit Ayers' charakteristischen Vibes, präzisen Arrangements und herausragenden Tracks wie "The Boogie Back" (gesampelt von NWA, 2Pac, De La Soul_) und "Change Up the Groove" ist diese LP ein Muss für jeden Fan von Jazz-Funk und Vintage-Grooves, ein etwas verstecktes Juwel aus Roy Ayers Ubiquitys frühen Polygram-Jahren. Dieses soulige Album, das oft zugunsten von Ayers' größeren Hits übersehen wird, ist eine Meisterklasse in Jazz-Funk-Fusion und fängt die Essenz von Ayers' sich entwickelndem Stil ein, als er die Lücke zwischen seinen Jazz-Wurzeln und dem rhythmischen Snap der Funk-Revolution der 70er Jahre überbrückte. Vom ersten Track an steht Ayers' charakteristischer Vibraphon-Sound im Mittelpunkt, der vor Emotionen und Groove nur so sprüht. Das Album besticht durch seine instrumentale Vielfalt, zu der Jazzgrößen wie der legendäre Bernard Purdie am Schlagzeug einen herausragenden Beitrag leisten. Streicher verweben sich subtil und unterstreichen Ayers' ohnehin schon tiefgründige und strukturierte Arrangements. Zu den Höhepunkten gehören der unverkennbare Funk von "The Boogie Back", ein Breakbeat-Favorit für Crate-Digger und DJs (der oft gesampelt wird, um andere Tracks zu garnieren), und eine üppige, elektrifizierte Interpretation von "Feel Like Makin' Love", die vor sanfter Soul-Musik nur so glüht. Der Titeltrack "Change Up the Groove" liefert den typischen, emotional aufgeladenen Funk, der diese Ära geprägt hat. "Change Up the Groove" ist nicht nur ein Album - es ist eine Momentaufnahme von Roy Ayers' künstlerischer Entwicklung, voller Rhythmus, Herz und zeitlosem Groove. Egal, ob Sie ein langjähriger Fan sind oder nun neun entdecken. Essential listening!

Charlie Overman ist für Fans von Tyler Childers, Sturgill Simpson und John Prine. Charlie Overman ist durch und durch Kentucky, und die Songs und Geschichten auf dieser LP strahlen alles aus, was Kentucky ausmacht. Diese Authentizität dringt bis in die Rillen dieser LP vor. Charlies Detailtreue beim Songwriting ist stark von John Prine beeinflusst und zeugt von einer Fähigkeit, die Charlies Alter weit übertrifft. Charlie wird von einigen der besten Musiker des Bundesstaates Kentucky begleitet, die den Sound ergänzen. Sie hören traditionelle Country- und Folk-Klänge, die für ein breites Publikum zugänglich sind. Kommen Sie herein und begeben Sie sich auf eine Reise von Pikeville nach Paducah, während Sie sich in Charlies neue und aufstrebende Stimme in der Americana Musikszene verlieben.

‘Icon’ is an overused word when it comes to describing singers and musicians, but when it comes to Nina Simone there are few artists that the word describes more accurately. The ‘High Priestess Of Soul’ is surely one of the most iconic singers of the 20th century, and one whose fame and acclaim stretches far beyond conventional black American music circles. 

Nina Simone has featured on Ace and Kent CDs before but this is the first time she’s had one all to herself. “Let It All Out” is the first and only Nina Simone collection to draw repertoire from every label she recorded for between the late 1950s to the late 1970s. 

Not a traditional ‘Best Of’ or ‘Greatest Hits’ package (although the performances included here ARE among her very best, and do include most of her Greatest Hits!) it is a singles collection that presents Nina Simone’s soul and R&B-slanted 45s in chronological order. Invariably they are the definitive versions of the songs, whether she recorded the original versions or not. 

As well as almost all of her American pop and R&B chart hits from 1960 onwards, “Let It All Out” also contains all of Simone’s UK chart hits from the same period – several of which were more successful here than they were back home, including both versions of her biggest British hit ‘Ain’t Got No; I Got Life’, a UK #2 that did not chart at all in the US as was the case with the belated UK Top 5 hit ‘My Baby Just Cares For Me’ which also made no chart impression on its home turf…

Carefully curated and concisely annotated, “Let It All Out” lets the listener in to two dozen of Nina Simone’s most celebrated singles. There have been many compilations of her works since she passed away 20+ years ago, but none that gets to the heart – and soul – of her catalogue in quite so direct a manner as this one does. 

Die Charlatans sind zurück mit ihrem mit Spannung erwarteten neuen Album „We Are Love“. Ihr erstes
Studioalbum seit 2017, diese elf Songs umfassende Sammlung, markiert ein bedeutendes Comeback der
Band. Mit „We Are Love“ erweitern die Charlatans ihre klanglichen Grenzen und bieten spannende Kollaborationen mit dem gefeierten Dev Hynes und dem renommierten Produzenten Steven Street. Das Ergebnis
ist ein frischer und dennoch unverkennbarer Charlatans-Sound.

Charmaine Lee ist eine in New York lebende Sängerin, Komponistin und Elektronik-Künstlerin, die für ihre furchtlosen Erkundungen von Stimme, Geräuschen und Improvisation bekannt ist. Zu ihren Kollaborationen zählen Ikue Mori, Conrad Tao, JACK Quartet, Spektral Quartet und Wet Ink Ensemble, mit Auftritten im Lincoln Center, MoMA und Storm King Art Center. Nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt KNVF (Erratum Musical , 2021) kehrt Charmaine Lee mit Tulpaa zurück, einem kühnen neuen Statement, das das Ausdruckspotenzial der menschlichen Stimme und der Elektronik bis an die Grenzen treibt. Während ihre früheren Arbeiten ruhige Texturen und gestische Nuancen erforschten, ist Tulpa viszeral und unmittelbar und verbindet rohe Stimmkraft mit dichten Schichten analoger und digitaler Bearbeitung. Inspiriert von der Körperlichkeit des Rock der 70er Jahre und den esoterischen Eigenschaften von Hochspannungs-Röhrengeräten, schafft Lee eine Klangwelt, die sowohl wild als auch futuristisch ist. Tulpa pulsiert mit gesättigten Obertönen, mikroskopischen Details und dynamischen Verschiebungen in der Skala, die zwischen Intimität und Unermesslichkeit hin- und herpendeln. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SUNNO))), Kali Malone, Anna von Hausswolff), wurde Tulpa mit einer einzigartigen räumlichen Technik erstellt: Lees Stimme wurde in ein direktes Signal und mehrere Vintage-Röhrenverstärker aufgeteilt, die als Lautsprecher dienten, wodurch eine feedbackreiche, dimensionale Umgebung entstand. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die sich taktil und immersiv anfühlt - gleichzeitig geerdet und spektral. ,Ich war fasziniert von diesem Sound der 70er Jahre - wie lebendig und unvorhersehbar er sich anfühlte und doch so tief verkörpert war", sagt Lee. ,In Tulpa geht es darum, Grenzen aufzulösen: zwischen Körper und Maschine, Raum und Wahrnehmung, Klang und Illusion." Der Titel bezieht sich auf ein Konzept aus der tibetischen Mystik: Ein Tulpa ist ein Wesen, das durch konzentriertes Denken heraufbeschworen wird. Lee verwendet diese Idee als Metapher für ihre Praxis, in der Klang zu einem materiellen Akt der Vorstellungskraft wird, der zwischen Präsenz und Erscheinung wechselt. Das Album endet mit einem meditativen Duett mit dem weltberühmten Reed-Spieler Ned Rothenberg an der Bassklarinette , einem spärlichen und weitläufigen Track, der vom Noh-Theater inspiriert ist. Es bietet einen Moment der Stille, der noch lange nach dem Ende des Albums nachhallt.

Die ,CURSE"-EP von UMO spiegelt die verfluchten Zeiten wider, in denen wir uns befinden. Inspiriert von italienischen Horrorfilmen der 1970er- und 1980er-Jahre sind die sechs Songs dieser Veröffentlichung so kathartisch wie kaum eine andere Aufnahme der Band. Sie vereint sowohl schroffe, von Black Sabbath inspirierte Riffs in ,BOYS WITH THE CHARACTERISTICS OF WOLVES" als auch das entspannte, filigrane Gitarrenspiel, für das UMO vielleicht am bekanntesten ist, in ,DEATH COMES FROM THE SKY".Die CURSE-EP ist der perfekte Soundtrack für deine nächste Konfrontation mit dem Nichts.

In the late 1970s and early 1980s, South Shields, England's politically motivated punk band, The Angelic Upstarts, saw considerable chart success. Jimmy Pursey of Sham 69 produced their debut album, Teenage Warning (1979), which peaked at No. 29 on the UK Albums Chart and featured singles like "I'm An Upstart" (No. 31) and Teenage Warning (No. 29).
Their third album, 2,000,000 Voices (1981), reached No. 32, while their second, We Gotta Get Out of This Place (1980), peaked at No. 54. Angelic Upstarts Live (1981), a live album, did well as well, peaking at number 27.
Two of the Angelic Upstarts' singles made it into the Top 40, and seven of their singles made it into the UK Top 75. Their early work was marked by sociopolitical critique and unadulterated intensity.
‘Live at The Basins Nightclub’ recorded in 1987 represents a unique summary of that undertaking as well as capturing a rare snapshot of the Upstarts during one of the less well-documented periods of their history. Incl. Sleeve notes from Dick Porter.

Chris Menist pares his sound right back for A book of imaginary beings, his fourth Awkward Corners outing with a project of electronic and abstracted global grooves. Experimenting with simple melodies and uncluttered arrangements, as well as taking inspiration from the Borges' short stories alluded to in the title, the project took shape in the early part of 2025, in the shorter days and dark evenings of January.

The initial challenge was to knock a basic track into shape each evening after work, then refine it later. There's a melancholy in the air in late winter, compounded by the creeping threat of national and geopolitical instability. Ulla, Natural Information Society, Jabu, Torso and Dawuna formed some of the background soundtrack as each tune took shape.

The track titles came after sitting with the sounds for a while, giving shape to images of people, creatures and their stories for a book that is yet to be written.

Two former friends sets the tone for the album perfectly as a minimal electronic piece with a slowly simmering synth bassline underpinning the groove whilst the trademark Awkward sound of the Shahi Baaja enters drenched in effects. It's the first demonstration of Chris' unique ability to create a world from apparently very little.

Dance of the silver beetles is completely unique in that we can hear chopped up Illimba samples seemingly playing backwards and forewords sometimes alone, sometimes together in duet with Chris' conga rhythms. Add to that a more conventional Illimba melody and added shaker percussion and you have one of A book of imaginary beings most curious chapters.

Anxious shadow puppets is closer to the Awkward Corners sound from previous albums as electronic pulses move around the arrangement with the urgency that the track title suggests. Chris' percussive roots move to the fore with the congas that tie down the Paradise Bangkok Molam International Band's sound. Here, the bassline is more playful and works together with one of Chris' many African Illimbas.

Fans of Chris' adventures on his Roland 808 will dig A leopard with no spots, although the minimal mood continues to flow through on this track. The lolloping, but hard-hitting rhythm track provides the grounding for strange and twisting feedback-sounding tones to work the soundscape.

Abandoned boy (left in charge of the family business) is Awkward Corners at his atmospheric best. Drift off to the sublime sounds of Chris exploring the Shahi Baaja, whilst a soft, repetitive synth line and abstracted pads give the listener that feeling of meditation and peace.

Flamingo with bandaged neck is A book of imaginary beings' perfect coda and is exclusively Shahi Baaja draped in reverbs and delays. It feels like the resolution and the closing of a book that – as of yet – remains unwritten.

Awkward Corners is Chris Menist, a musician, DJ and writer. It started life as a small project in Islamabad, where Chris was living at the time. Initial recordings were made with local musicians in Pakistan and then subsequently in Thailand. This culminated in the Sweet Decay LP that came out on Finders Keepers' Disposable Music in 2014, and in turn led to a limited tape release on Boomkat/Reel Torque of original compositions and re-edits of Thai 45s the same year. Chris released – Dislocation Songs – his second LP proper with Shapes of Rhythm in May 2020, collaborating on many of the tracks with award-winning performer Sarathy Korwar. The LP was picked up by many radio stations including NTS, Resonance FM, BBC 6 Music, Balamii and many more. It made Tom Ravenscroft's LPs of 2020. Amateur Dramatics, Chris' second LP arrived just a year later in 2021 and was a more ambitious project featuring more jazz-focussed compositions and featuring Tamar Osborn and Kitty Whitelaw. Shortly after that came another pivot with the heavier, dancefloor-friendly EP Somebody Somewhere. Somebody Somewhere is Dancing in a Field brought the House (yes House!) vibes, whilst Hector Plimmer turned in a remix of No Words in the same club mood.

As one of NTS Radio's longest-standing presenters, Chris continues to hold down the Paradise Bangkok show. Playing drums and percussion since he was a kid, Chris is the percussionist for The Paradise Bangkok Molam International Band as well as co-founding the record label of the same name. Chris has curated compilations for labels such as Finders Keepers, Soundway and Dust-To-Digital. He has been featured on the Boiler Room, Vinyl Factory Collections, played at the Four Tet curated Nuits Sonores festival, and has put together an edition of Volumes which featured unreleased Awkward Corners compositions.






[d] 04: All the Goodbyes (You Tried to Defer) [Original]





[j] 10: Abandoned Boy (Left in Charge of the Family Business) [Original]

Turbostaat - Role Model für eine ganze Generation deutschsprachiger Post-Punk-Bands - feiert das 25-jährige Bandbestehen mit der Wiederveröffentlichung ihres Katalogs über das bandeigene Label 18Null9. 'Schwan', ursprünglich 2003 veröffentlicht, erscheint auf 180g schwerem Vinyl mit großem Textheft im Orginal-Artwork.

- Ltd LP: (180g, inkl. Textheft im 7" Format)

Tauchen Sie ein in die goldene Ära des deutschen Schlagers mit der exklusiven Vinyl-Compilation „Deutsche Schlager Charts der 70er Jahre“. Diese Sammlung präsentiert die größten Hits und beliebtesten Interpreten einer unvergesslichen Zeit – authentisch, emotional und voller Nostalgie. Originalinterpreten, Originaltitel: Freuen Sie sich auf zeitlose Klassiker und unvergessliche Melodien von den Stars der 70er Jahre: Howard Carpendale – Der Gentleman des Schlagers mit seinen gefühlvollen Hits.

Bata Illic – Der Meister des romantischen Schlagers. Jürgen Marcus – Seine unbeschwerte Musik brachte Generationen zum Mitsingen. Karel Gott – Die goldene Stimme aus Prag, die Millionen begeisterte. Nina & Mike – Das Duo mit Herz und Harmonie. Für Vinylliebhaber und Klangenthusiasten: Diese Compilation erscheint auf hochwertigem Vinyl und bringt die Wärme und die charakteristische Klangqualität zurück, die nur Schallplatten bieten können. Ein Muss für alle, die die Atmosphäre der 70er Jahre hautnah erleben möchten – vom ersten Ton bis zur letzten Rille. „Deutsche Schlager Charts der 70er Jahre“ – ein Stück Musikgeschichte für Ihre Plattensammlung!

Shad hat sich eine Karriere als einer der beständigsten und vielseitigsten Hip-Hop-Künstler Kanadas aufgebaut. Seit 2005 erntet er kritischen und kommerziellen Erfolg, gewann den Juno Award für die beste Rap-Aufnahme für sein 2010 erschienenes Album TSOL und wurde fünf Mal für den Polaris Prize nominiert. Aber er ist noch lange nicht am Ziel. Mit seinem siebten Album Start Anew thematisiert Shad unsere kollektive Zurückhaltung, unsere Komfortzone zu verlassen, und greift dabei auf seinen typischen Witz und seine zum Nachdenken anregenden Texte zurück. ,Der Neuanfang, dieses positive, frische neue Leben, ist zum Greifen nah", sagt er. ,Aber oft liegt es auf der anderen Seite eines Risikos oder sogar eines Verlustes." In seiner bewegten Karriere hat sich Shad als Radiomoderator (CBCs ,q"), Fernsehmoderator (die mit dem Peabody- und Emmy-Award ausgezeichnete Netflix-Dokumentarserie ,Hip Hop Evolution"), New-Wave-Sänger-Alter-Ego (Your Boy Tony Braxton) und nun als akademischer Professor an der University of Toronto und Laurier einen Namen gemacht. ist die zentrale Prämisse von Start Anew eine, die Shad selbst von ganzem Herzen angenommen hat und die eine sozialbewusste Trilogie vervollständigt, die 2018 mit A Story About A War und 2021 mit TAO begann. Mit Kollaborationen mit Jon Kabongo, Raz Fresco und Phoenix Pagliacci aus Toronto sowie Chantae Cann aus Atlanta und dem Underground-Urgestein Homeboy Sandman aus Queens, NY, thematisiert Start Anew soziale Ungleichheit und die innere Stärke, um erfolgreich zu sein, sowie Shads charakteristische witzige und perspektivische Lyrik in wichtigen Tracks wie ,Happiness", ,K.I.S.S." und ,Bars and BBQs". " ,Musikalisch hatte ich diesmal das Bedürfnis, etwas zu schaffen, das einfach und angenehm für die Ohren ist und sich gut anhören lässt", sagt Shad. Mit einem musikalischen Ansatz, der an die verspielte Soulfulness seiner frühen Veröffentlichungen erinnert, ist Start Anew erfrischend und unapologetisch direkt und steht im Einklang mit Shads fortwährender Mission, Liebe, Weisheit und Hoffnung zu verbreiten, um persönliche und gesellschaftliche Veränderungen anzuregen.