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Mit der Verve Acoustic Sounds Serie bietet Verve Vinyl-Fans in Zusammenarbeit mit dem bekannten
amerikanischen Acoustic-Sounds-Label seine erste audiophile LP-Serie. Die Fertigung erfolgt mit rein
analogen Produktionsschritten vom Erste-Generation-Masterband bis zur 180g-Pressung bei Quality Record
Pressings in den USA. Den luxuriösen Rahmen bieten laminierte Tip-On-Gatefold-Sleeves und wattierte Innenhüllen.
Multiinstrumentalist Roland Kirk, der 1977 mit nur 42 Jahren starb, war ganz sicher eines der skurrilsten Originale des Jazz. Dass er auch ein außergewöhnliches Händchen für betont groovige Musik hatte,
bewies er 1967 erstmals auf dem Verve-Album ”Now Please Don’t You Cry, Beautiful Edith”.

Mittlerweile im Melodic Death Metal verankert, war diese VÖ im Sommer 2000 noch eine weitesgehend brutal Thrash Metal Antwort für alle hungrigen Slayer & Co. Fans. Eine zugegebenermaßen diskussionswürdige These, obwohl stilistische Ähnlichkeiten durchaus vorhanden sind. Jedenfalls ist das zweite Album von THE HAUNTED der genialste Thrash-Vorschlaghammer seit Ewigkeiten. Mit feinmechanischer Präzision zerlegen die Nordmänner deine heimische Stereoanlage, lassen deine in den letzten Zügen liegenden Lautsprecher ein unbarmherziges Stakkatogewitter nach dem anderen ausspucken. Jetzt endlich als 25th Anniversary Edition wieder auf 'pech-schwarzem' Vinyl erhältlich.

Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.

Ihr vierzehntes Studioalbum, Lake Geneva, markiert einen neuen Meilenstein in Sophie Zelmanis 30-jähriger Karriere und enthält 10 neue Songs, darunter die Singles The Human Heart, Back to the Sea und All I See Is You. Mit Lake Geneva wird sie auch auf eine ausgedehnte Tournee durch Europa gehen. Produziert wurde das Album von ihrem langjährigen Mitstreiter Lars Halapi.

Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.

Sven Åke Johansson & Rüdiger Carl – Villa Hügel (JUBG 04)

For over half a century, Sven Åke Johansson and Rüdiger Carl have explored the boundaries of music together. Villa Hügel captures a rare moment: a concert with no audience, recorded in 2020 in the library of Villa Hügel during the 2 x Kippenberger exhibition. The few present could only experience it in-house via TV transmission. Carl on accordion, Johansson on percussion, cardboard, and crackle box—an interplay of structure and openness, sound and silence. This release follows Johansson’s exhibition Osram at JUBG in 2025.

A document of two musicians, bound by time and sound, in a moment like no other.

Sven Åke Johansson & Rüdiger Carl – Villa Hügel (JUBG 04)

Seit über 50 Jahren erkunden Sven Åke Johansson und Rüdiger Carl gemeinsam die Grenzen der Musik. Villa Hügel dokumentiert ein Konzert ohne Publikum, gespielt 2020 in der Bibliothek der Villa Hügel während der Ausstellung 2 x Kippenberger. Die wenigen Anwesenden konnten es nur hausintern über eine TV-Übertragung erleben. Carl am Akkordeon und Johansson an Percussion, Karton und Crackle-Box schaffen ein Spiel zwischen Struktur und Offenheit, Klang und Stille. Das Album erscheint im Kontext von Johanssons Ausstellung Osram in der Galerie JUBG, 2025.

Ein Stück gemeinsame Musikgeschichte – festgehalten in einem besonderen Moment.

Wieder ein gesuchter Kult-Soundtrack aus den Archiven von CAM Sugar - remastered und mit bislang
unveröffentlichten Bonustracks!
Der Gangsterfilm „La Scoumoune“ (1972) lief in Deutschland unter dem Titel „Der Mann aus Marseille“
und zog nicht zuletzt durch seinen Star Jean-Paul Belmondo die Leute ins Kino. Die Filmmusik von
François de Roubaix ist ungewöhnlich eingängig, auf Basis eines ins Ohr gehenden Titelthemas ist der
Sound mal nostalgisch (der Film spielt 1944), mal krimimäßig groovy, mal elektronisch angehaucht. Das
Thema wurde mehrfach als Werbejingle eingesetzt und von DJs gesampelt.
140g-Doppel-LP im Gatefold mit Beiblatt/Linernotes, digital remastered, mit neun bisher unveröffentlichten
Tracks und vier Coverversionen/Remixen von Alessandro Baldessari, Jean-Michel Bernard und Benjamin
de Roubaix

Die in Kyoto geborene und heute in Berlin lebende Midori Hirano schafft minimalistische, ätherische Musik, in der akustisches Klavier nahtlos mit elektronischen Texturen verschmilzt. In Anlehnung an Ryuichi Sakamotos spätere Werke (Async, 12) erforscht, dekonstruiert und erfindet Hirano den traditionellen Rahmen der klassischen Musik neu und verwandelt jede Klaviernote in eine introspektive und immersive Reise. Unter ihrem Pseudonym Mimicof produziert sie auch elektronischere, Ambient Techno/IDM-orientierte Werke. Es war daher fast unvermeidlich, dass Midori eines Tages mit Ivan Pavlov zusammentreffen würde. Der russische Künstler, der heute in Frankreich lebt, ist eine Schlüsselfigur der experimentellen elektronischen Musik der letzten 30 Jahre. Als ehemaliger Akustikingenieur der russischen Marine ist COH ein Freigeist mit chirurgischer Präzision. In den späten 1990er Jahren trat er mit avantgardistischem, präzisem Post-Techno hervor, bevor er sich mit Glitch beschäftigte und später akustische und Ambient-Sounds in seine Klangskulpturen einbaute. Seine frühere Zusammenarbeit mit Peter Christopherson (COIL), Cosey Fanni Tutti und Abul Mogard (COH Meets Abul Mogard) sowie Veröffentlichungen auf renommierten Labels wie Raster-Noton und Editions Mego unterstreichen sowohl seinen Einfluss auf die elektronische Avantgarde als auch seine bemerkenswerte Fähigkeit zur Kollaboration. Mit Sudden Fruit liefern COH und Midori Hirano ein immersives und chimärisches Werk ab. Vom ersten Track an, ,Wave to Wave", spürt man das empfindliche Gleichgewicht zwischen dem Organischen und dem Digitalen, dem Fließen der Natur und der Poesie, die es verkörpert.

High Roller Records, 180g black vinyl, ltd 250, 425gsm heavy cardboard cover, insert, poster. Remastered by Patrick W. Engel at TEMPLE OF DISHARMONY in August 2024.

Ende der 1980er standen Mekong Delta ohne Gitarrist Frank Fricke (der ein Angebot von U.D.O. annahm) und Sänger Wolfgang Borgmann (der nichts mehr mit dem neuen Material anfangen konnte) da. Beide hatten die Identität der Band auf ihren ersten drei Alben mitgeprägt, doch mit dem amerikanischen Sänger Doug Lee und Uwe Baltrusch als verbliebenem Gitarristen gelang es den Gründungsmitgliedern Ralf Hubert und Jörg Michael, ein Album zu schaffen, das viele Fans für ihr Magnum Opus halten. Allein aufgrund seines achtteiligen, 20-minütigen Titeltracks kann man "Dances Of Death (And Other Walking Shadows)" - ursprünglich 1990 veröffentlicht - sogar zu den besten Progressive-Metal-Alben aller Zeiten zählen.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

a1. Do One Feat. Donots
b1. All Night Crew

Frank Turner kündigt mit "Undefeated" das zehnte Album seiner Solo-Karriere an. Der britische Punkrock-Singer/Songwriter hat immer noch viel zusagen, und tut dies auch.
Zu seiner ersten Single erzählt er: "Do One" ist der letzte Song, den ich für das neue Album geschrieben habe, und der erste Song auf dem Album,sowie die erste Single. Es ist also eine Zusammenfassung dessen, was ich mit diesem Album sagen will, ein Album über das Überleben und den Trotz,aber auch ein Album mit einem Sinn für Spaß und Selbstironie. Nach 19 Jahren Solokarriere stehe ich immer noch auf und bringe einige meinerbesten Arbeiten heraus. Das fühlt sich gut an."
Für deutsche Fans gibt es ein spezielles Feature: Die Single "Do One" erscheint als Version mit den Donots.

Kaum hatte Stella Chronopoulou mit dem Schreiben von Adagio, ihrem fünften Album als Σtella, begonnen, wusste sie, dass die Zeit endlich gekommen war, um in ihrer Muttersprache Griechisch zu singen. Es wäre eine Premiere. Sie begann mit dem Album fast zufällig im Jahr 2019, während einer 11-stündigen Bootsfahrt zur Insel Anafi. Σtella hatte kürzlich eine persönliche Krise durchgemacht und brauchte eine Pause von zu Hause. Auf der Fähre zückte sie ihr Handy, während das Boot durch das Mittelmeer glitt, und begann mit einer einfachen Melodie, aus der sie nach und nach ein grobes Instrumentalstück zusammensetzte.

Als psychedelische Keyboards über stakkatohaften Drums flimmerten und schwankten, suggerierte der Track ein tiefes Ausatmen, als ob Σtella lange überflüssigen Ballast loslassen würde. Für eine Weile legte sie das Instrumentalstück beiseite. Sie war noch nicht so weit und hatte es auch nicht eilig. ?tella ist schließlich in einer langsamen Umgebung aufgewachsen. In ihrer Jugend in einem relativ ländlichen Vorort von Athen, Griechenland, spielten sie und ihre Freunde ungehindert auf leeren Straßen, machten sich keine Gedanken über Autos oder Genehmigungen, und das Leben fühlte sich einfach an. Doch in den letzten zehn Jahren ist das Leben von Σtella, die jetzt im Herzen von Athen lebt, immer geschäftiger geworden. Mit drei anspruchsvollen, verspielten und mit internationalem Elan vorgetragenen Pop-Alben ist sie zu einem der beliebtesten Musikexporte des modernen Griechenlands geworden.

Nach ihrem Sub Pop-Debüt Up and Away im Jahr 2022 überschritt sie die Marke von drei Millionen monatlichen Spotify-Hörern. Dieser Erfolg war ein Segen, aber Σtella sehnte sich manchmal nach dem langsameren Tempo ihrer Jugend. Diese Sehnsucht ist der rote Faden, der ihr fünftes Album, das bezaubernde Adagio, locker zusammenhält. Der Name leitet sich von dem Begriff für Musik ab, die langsam gespielt werden soll, Adagio ist dabei ein Pop-Album, das sich wie eine warme Decke anfühlt; es umhüllt seine Hörer mit nylonbesaiteten Gitarren, federleichter Percussion, psychedelischen Keyboards und Stakkato-Schlagzeug.

Geschrieben und aufgenommen über einen Zeitraum von fünf Jahren mit einem Konsortium von internationalen Kollaborateuren, darunter Rafael Cohen von !!! und der britische Songwriter Gabriel Stebbing, ist Adagio eine 27-minütige Meditation über Liebe und Sehnsucht, Ruhe und Zeit. Obwohl der Großteil des Albums auf Englisch gesungen ist, wie alle ihre Alben, wartet Σtella auch mit ihren ersten beiden Songs auf Griechisch auf: „Omorfo Mou“ und eine Coverversion eines griechischen Kultklassikers von 1969, „Ta Vimata“ von Litsa Sakellariou. Es ist ein Zeichen des Selbstbewusstseins, das diese zarten und verliebten kleinen Stücke ausstrahlen. Von Anfang bis Ende klingt Σtella auf Adagio entspannter und wohler als je zuvor. Diese bezaubernden Songs werden ihre Karriere nicht bremsen oder ihr den Wunsch des Titeltracks erfüllen, aber für eine halbe Stunde lockert die Zeit ihren Griff, auch auch wenn sie nicht langsamer wird.

Die mehrfach preisgekrönte norwegische Jazzsängerin und Songwriterin Silje Nergaard präsentiert ihr neues Album "Tomorrow We'll Figure Out the Rest". Dies ist eine zutiefst persönliche Hommage an ihre Eltern und eine musikalische Reise, inspiriert von Erinnerungen, Momenten mit ihrer Familie und Szenen aus ihrem Leben."'Tomorrow We'll Figure Out the Rest' ist nicht nur der Titel eines Albums, sondern auch das, was das Leben im Moment ausmacht - die Erlaubnis, nicht alles perfekt durchdacht haben zu müssen", erklärt Silje Nergaard. "Diese Inspiration stammt aus einer Quelle, die mir sehr nahesteht: meinen Eltern. Sie haben mir gezeigt, wieviel Freude die Musik in ein Zuhause bringen kann - die Freude und auch die Traurigkeit, die sie in unsere Herzen bringt. Sie haben mir beigebracht, dass das Leben nicht immer bis ins letzte Detail geplant sein muss."Mit ihrer besonderen Fähigkeit, bewegende Geschichten mit Musik zu erzählen, vereint Silje auf "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" intime Jazzklänge mit orchestralen Arrangements. Dabei wird sie von führenden europäischen Jazzmusikern begleitet, darunter Helge Lien (Piano), Jarle Vespestad (Schlagzeug), Finn Guttormsen (Bass), George (Jojje) Wadenius (Gitarre) und Håkon Kornstad (Saxophon). Ergänzt wird das Ensemble durch das renommierte Stavanger Symphony Orchestra, dirigiert von Vince Mendoza, der die emotional-farbigen, bisweilen geradezu cineastischen Orchesterarrangements für das Album komponiert hat. Mendoza und Nergaard arbeiteten bereits bei dem Grammy-nominierten Album "A Thousand True Stories" zusammen.Besonders bewegend sind die persönlichen Einblicke, die Silje Nergaard in dieses Album eingebaut hat: "Es hat ein paar kleine Momente, die zeigen, wie mein Leben als Kind aussah. Ich habe eine alte Kassette gefunden, auf der ich mit meinem Vater spreche - da war ich gerade mal fünf Jahre alt. Darauf singen meine Schwester, meine Eltern und ich zusammen. Diese Aufnahmen haben mich tief berührt, und ich freue mich, sie mit euch teilen zu können."Das Album vereint die intime Atmosphäre eines Kammer-Jazzensembles mit dem majestätischen Klang eines großen Orchesters. Silje Nergaard beschreibt es als eine Sammlung von Erinnerungen, die die Vergangenheit feierlich nachvollziehbar machen, aber auch einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft werfen. "Das Cover des Albums zeigt ein altes Foto meiner Eltern, als sie jung und frisch verliebt waren - ein Moment purer musikalischer Freude, ohne Gedanken an den nächsten Tag. Dieses Bild und diese Stimmung haben mich inspiriert."Mit "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" zeigt Silje Nergaard einmal mehr, warum sie zu den herausragendsten Künstlerinnen der Jazzszene gehört: persönlich, authentisch und musikalisch brillant.

Wie Hip-Hop nach Hamburg kam
Die Compilation ist als Zeitreise zu den Anfängen der Hamburger Hip-Hop-Kultur konzipiert und umfasst über 100 weitgehend unveröffentlichte Songs und Skits. Begleitet wird das Triple-Vinyl von einem 96-seitigen Booklet, das von den frühen Jahren von Hip-Hop, Rap und DJing in Hamburg erzählt. Präsentiert wird das Werk von den Herausgebern des Buchs und den Kuratoren der Museumsausstellung EINE STADT WIRD BUNT.

Kennt eigentlich noch jemand Easy Business? Was wie ein Ratgeber Video auf YouTube klingt, ist der Name einer der ersten Hamburger Rap-Gruppen. Die vierköpfige Formation aus Steilshoop gründete sich schon in den späten 1980er Jahren und begann bald erste englischsprachige Texte zu schreiben. 1989 nahmen sie gemeinsam mit Mario von Hacht den Song „Money“ in einem Jenfelder Jugendzentrum auf.
Als House-Produzent verfügte Von Hacht über ein vergleichsweise schon recht ansehnliches Produktions-Equipment. Selbst die legendäre Roland TR-808, analoger Drumcomputer und Allzweckwaffe von Hip-Hop-Produzenten, war bereits 1989 Teil seines Maschinenparks. Nur hatte er sie eben nicht für Rap genutzt – bis Easy Business anklopften. Und so öffnete ein Musik-Nerd und Technik-Freak dem Hip-Hop eine Tür in Hamburg. Von Hachts Offenheit für den neuen Musikstil sollte sich auszahlen: 1995 produzierte er mit „Nordisch by Nature“ den ersten Chartstürmer von Fettes Brot.

Es sind Geschichten wie diese aus der Gründerzeit des Rap in Hamburg, um die sich die 3-Vinyl-Compilation EINE STADT WIRD BUNT dreht. Unter den über 100 Songs und Skits aus den frühen Jahren des Rap in Hamburg finden sich neben dem Song „Money“ von Easy Business auch ein Mitschnitt eines Auftritts der Gruppe in der Fabrik im Mai 1991.
Von frühen Aufnahmen von MC Africa True, der später unter dem Namen Nana einige Hits landen würde, bis zu den Britcore-Veteranen von Readykill, von 2 Ruff, deren Mitglied Simple Simon zu den ersten Hip-Hop-Produzenten der Stadt gehörte, bis zu den Reim Banditen, die als eine der ersten hiesigen Bands mit einem Majorlabel-Vertrag als Hamburger Antwort auf die Fantastischen Vier positioniert werden sollten, vereint das Triple-Vinyl eine einzigartige Sammlung musikhistorischer Zeitdokumente. In Kombination mit dem begleitenden Booklet vermitteln sie ein authentisches – und überaus unterhaltsames – Bild von den Anfängen des Rap in Hamburg.

Nach dem preisgekrönten, 2021 erschienenen Buch „EINE STADT WIRD BUNT. Hamburg Graffiti History 1980-1999“ und der gleichnamigen Ausstellung, die bis Anfang Januar 2024, als eine der erfolgreichsten aller Zeiten, im Museum für Hamburgische Geschichte gezeigt wurde, folgt mit der Compilation nun also eine weitere Dokumentation Hamburger Subkultur Geschichte der 1980er und 1990er Jahre. Im Fokus diesmal: die Pioniere des Rap in der Hansestadt.
Zum Team hinter dem Triple-Vinyl gehören neben den vier Herausgebern von EINE STADT WIRD BUNT. Oliver Nebel, Frank Petering, Mirko Reisser und Andreas Timm drei ausgewiesene Kenner der deutschen Hip-Hop-Szene. Oliver Herbst, einst DJ der Hip-Hop-Band City Nord, betreibt heute ein Musiklabel, auf dem die Platte erscheint, und konnte im Zuge der Recherche an viele alte Kontakte anknüpfen. Ebenfalls mit an Bord: der langjährige Chefredakteur des Hip-Hop-Magazins Backspin Dennis Kraus und der Musikjournalist und Moderator Falk Schacht.
Über einen Zeitraum von über zwei Jahren hinweg hat sich das Team auf Recherche begeben. Sie nahmen Kontakt zu Bands, Rapper*innen, DJs und Produzenten auf, die in den 1980er und 1990er Jahren in und um Hamburg aktiv waren. Sie sichteten und archivierten unzählige Stunden von Radio-Shows, Tapes, Demo-DATs und Live-Mitschnitten und führten Interviews mit Hip-Hop-Pionieren aus der Hansestadt. „Unser Ziel war es, ein kaum beleuchtetes Kapitel Hamburger Subkulturgeschichte zu erzählen“, sagt Mirko Reisser.
Begleitet werden die Platten deshalb von einem rund 80-seitigen, reich bebilderten Booklet im Vinyl-Format, das in aufwändig recherchierten Texten nachzeichnet, wie der neue Musikstil ab Mitte der 1980er Jahre in Hamburg langsam heimisch wurde. Zu den zentralen Themen dieser Erzählung gehört die Abwesenheit von technischem Equipment – und der Umgang der jungen Szene mit diesem Mangel.
Ein Vierspur Kassettenrekorder musste für die ersten Aufnahmen im Kinderzimmer reichen. Und wer DJ werden wollte, übte Scratchen mit dem Plattenspieler der Eltern. Anders als heute, wo man mit einem Smartphone in der Hand theoretisch ein Millionenpublikum erreichen kann, stellte die Aufnahmetechnik damals eine große Hürde dar. Wer jedoch über die technischen Voraussetzungen verfügte, Songs aufzunehmen, wurde schnell zur Anlaufstelle für die junge Rap-Szene.
Parallel zu dieser Ära der Technik-Autodidakten, öffneten die Rapper*innen der frühen 1990er Jahre ebenfalls ein Fenster in eine neue Welt: Indem sie anfingen, auf Deutsch zu rappen, grenzten sie sich bewusst von den amerikanischen Vorbildern ab und schufen ein ganz neues Selbstbewusstsein der jungen Subkultur. Und ganz nebenbei auch ein ganz neues Bewusstsein für die Möglichkeiten der deutschen Sprache. „Hier wurde etwas gänzlich Neues erschaffen“, sagt Oliver Herbst.

Viele Künstler, die auf der Compilation vertreten sind, dürften heute nur noch echten Hip-Hop-Nerds bekannt sein. Doch es finden sich auch bekannte Namen auf der Tracklist. Jan Eißfeldt etwa, der heute solo als Jan Delay oder als Teil der Beginner Konzerthallen füllt. Oder Fettes Brot, die von einem Hip-Hop-Trio aus dem Hamburger Umland zu einer der erfolgreichsten deutschen Popbands der Gegenwart heranwuchsen. Oder Deichkind, die zu einem massentauglichen Universal Kunstprojekt avanciert sind.

Wie schon das gleichnamige Buch und die Museumsausstellung, so blickt auch die Compilation EINE STADT WIRD BUNT. hinter die Kulissen einer jungen Subkultur – und erzählt parallel spannende Kapitel Musik-, Technik- und Stadtgeschichte aus der Hip-Hop-Hochburg an der Elbe.

INTERPRETEN
Fettes Brot, Absolute Beginner, Deichkind, Das Bo, Ferris MC, Mr. Schnabel, Sleepwalker, Kastrierte Philosophen, Mellow Mark, David Fascher, Easy Business, Reim Banditen, Readykill, TobiTob, I.L.L. Will, City Nord, MK Cram (Poets of Peeze), Dialektik, 2 Ruff, Nina, Flashmaster Ray, Dennis Deutschland, 2BIAS, MC Africa True alias Nana, Vers Chaoten, Die Erstausgabe, THC (Ter Hartchor), R.A.F. (Reimende Antifaschisten), Direkt Aktion, Fogmoor, Syren, Mental Disorda (Crime Code Barets), Dennis the Menace, Selma, 08/15, Hamburg Royal, Skunk Funk, B-Low, Gizmo, AJ, SMG, Phantom Black, Leon Le Pro alias EL’OMC, Paolo 77, Monti, Hanseknaller, Schlechta Umgang u.v.a.

ZITATE VON
André Luth, Jan Eißfeldt, Mathias Arfmann, Ale Dumbsky, David Fascher, Fatih Akin, Carsten Bohn, Schiffmeister (Björn Beton), Pasha Kamber (DJ MPK), Boris Ekambi, Sleepwalker, Mr. Schnabel, Nana Abrokwa, Simon Vegas u.a.

PRODUCER
Mario von Hacht (Super Mario), Sleepwalker, B-Base, Bubblez, TobiTob, X-Ray, Simple Simon