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Macclesfield 3-piece Cassia make their extremely welcome return with the announcement of their most ambitious release yet in new studio album everyone, outside - out April 11th.

The album marks a bold new chapter, and recently served up a tropical-tinged first offering in ‘heat’ - with today serving a superb Round Two with the stomping, insatiable, hook-laden new single ‘friends’.

everyone, outside takes Cassia’s sound to new heights. Written fresh off the back of two years of relentless touring, the band channelled every ounce of their renowned live energy into the album, returning to a studio they built themselves in Macclesfield, after creating their previous album in Berlin. The journey provided an added twist, recording the majority of tracks live on TikTok, giving fans a unique, inclusive experience to be part of the process.

The album’s title is a metaphor for embracing your truest self and reflection of a band who are at their happiest outside. It’s a message that speaks to the idea of reconnecting with nature and Britain’s finest summers. As frontman Rob explains, “That title, ‘everyone, outside’ started as a song about how weird it is that we stay inside all the time when being out in nature always makes us feel better. Over time, it came to mean more than that - like a metaphor for being your truest, most natural self, unburdened, like when no one’s watching.”

Drawing influences from a host of genres and cultures, everyone, outside reveals Cassia’s venn diagram of global sounds and intimate storytelling. A trip to Mexico during the writing process injected the record with a new energy, while their time spent in their new space back home gave the band a freedom to try new instruments, new sounds, acquire new tools to hone their production skills - and to simply have fun and explore. “The time we spent in Berlin taught us so much, but coming back home to Macclesfield allowed us to really focus on making something that felt like it came from us. No distractions, just pure creativity,” says drummer Jacob Leff.

Cassia’s rise has been impressive. From their early days busking the streets of Cornwall to playing major festivals, touring the world and receiving critical acclaim from BBC Radio 1, Radio X, The Independent, Rolling Stone UK, Clash & many more, the band has carved out a unique niche. Their sound, influenced by the African music Rob’s father introduced him to, combined with the indie heritage of nearby Manchester, combines the positivity of bands like Foals and Vampire Weekend, with the jazz-tinged afrobeats of Fela Kuti and Ebo Taylor.

After signing to Distiller Records in 2018, the band gave up their full-time jobs and ventured to Bath to record their debut album, Replica. Tracks such as ‘Right There’, ‘Drifting’ & ‘100 Times Over’ have amassed millions of streams, seeing the band sell out multiple headline Tours both in the UK and Europe. Playing to a homecoming capacity crowd at Manchester’s O2 Ritz, as well as sold out headline shows at London’s KOKO & The Garage, the band have accrued a huge, loyal following and their live shows earned them a nomination for Best Live Act at the AIM Awards alongside Idles and DMA’s, as well as making them the winners of Reeperbahn’s Anchor Award in 2022.

Cassia will tour the UK in May 2025, playing songs from the new album and some of their biggest tracks - headlining Leeds, Bristol, a newly added night in Southampton, a special Manchester homecoming, Glasgow, Birmingham, & a huge show at London’s HERE @ Outernet - dates below & Tickets Here. The band will also take things Stateside this year for their first ever run of headline shows in the US & Mexico.

Finally a repress of one of the most selling club records of the late 90s and early 00s! Timeless 12 minute long Nalin & Kane remix. Number one of the German Dance Charts. Supported by Joris Voorn, M.I.K.E. Push, Paul Oakenfold, John Digweed, Dave Angel, Umek, Mark Knight, Paul Thomas and many more.

A ferocious beat struck out by Takeo Moriyama, a treasure of the Japanese jazz world and one of its most powerful drummers.

This important work, recorded in April 1994 and serving as the catalyst for Takeo Moriyama’s revival, is being released on analog for the first time.

Together with a rock-solid lineup of players including Fumio Itabashi (P), Yoshihiko Inoue (S.Sax & T.Sax), Eiichi Hayashi (A.Sax), and Hiroshi Yoshino (B), Moriyama delivers an overwhelming performance that condenses the entire universe of his fighting spirit into what became “Moriyama’s body.”



The original liner notes by Kazutomi Aoki from the album’s first release in 1994 are also reprinted for this LP edition.

Anderson .Paak returns with K-POPS! (Music from and Inspired by K-POPS! Motion Picture), a bold cross-cultural soundtrack accompanying his Netflix directorial debut. Featuring an all-star lineup including G-DRAGON, aespa, JID, DEAN, NMIXX, and members of SEVENTEEN, ATEEZ, and i-dle, the 17-track project blends K-pop, R&B, hip-hop, and soul into a vibrant celebration of music and storytelling. More than a soundtrack, K-POPS! captures the spirit of collaboration, connection, and global creativity at the heart of the film.

The mysterious Pirka Vinyl Cuts series continues, digging deeper into the crates to reframe the classics. This chapter presents four broken-beat interpretations, blending deep textures with familiar samples. Features sophisticated reconstructions of material by Telepopmusik, Depeche Mode, Chemical Brothers and Limp Bizkit.

Various Artists - Collector IV (FURV4)

Future Romance returns with another V/A EP called „Collector IV“, the next chapter in its vinyl-only series dedicated to the label’s most in-demand releases. This edition brings together four standout tracks that move effortlessly between melodic house and techno, crafted by a handpicked selection of distinctive artists. Each track has already made its mark on dancefloors worldwide, earning strong DJ support and international recognition. Collector IV underlines Future Romance’s ongoing passion for curating timeless club music, pressed with care for true vinyl lovers. Featuring tracks by Solee, Microtrauma, SNYL & Berny, and Cyantist.

Psychedelic dub, Afro-Latin rhythms and cosmic grooves come together on La Chooma’s self-titled debut for Batov Records. Drawing on Moroccan Gnawa, Colombian cumbia, Afrobeat, Jamaica dub & roots, and cosmic jazz, the six-piece ensemble create deep, hypnotic music rooted in global traditions and shaped for contemporary dancefloors.

Having already captivated local audiences with their hypnotic, organic live performances, La Chooma – now a six-piece ensemble – have been steadily building an international following. Initial singles “Magic Plant” and “Huachuma” earned support from tastemakers including BBC Radio 6 Music’s Deb Grant and Tom Ravenscroft.

“Magic Plant” distills the band’s signature blend of hypnotic grooves, lush percussion and woozy synths, like Jimi Tenor lost in the Colombian Amazon. A dreamlike, dub-infused trip driven by organic rhythm and cosmic textures. “Huachuma” picks up the thread, fusing Afrobeat percussion, swirling basslines and psychedelic flourishes into a hallucinogenic jam made for a tropical dancefloor.

Altiin Gün, die türkisch-psychedelische Band aus Amsterdam, veröffentlicht ihr sechstes Studioalbum "Garip", ein ehrgeiziges und vielseitiges Werk, das als Hommage an die türkische Volksmusiklegende Neset Ertas (1938-2012) dient. "Garip" enthält zehn von Ertas" ikonischen Kompositionen, die von Altiin Gün auf einzigartige Weise neu interpretiert und musikalisch erweitert werden. Die Band verbindet dabei eine Vielzahl von Einflüssen, von der klassischen Anatolischen Volksmusik über Arabesque und Bollywood-Soundtracks bis hin zu westlichen Rock- und Synth-Vibes. Das Album ist eine kreative Weiterentwicklung des bereits etablierten Sounds von Altiin Gün, der Elemente aus Funk, Rock, und türkischer Folklore miteinander vereint. Mit hypnotischen Basslinien, kräftigen Schlagzeugrhythmen und filigranen Synthesizer-Arpeggien schafft "Garip" eine Atmosphäre, die die Essenz von Ertas" emotional aufgeladenen Liedern einfängt und gleichzeitig die experimentierfreudige Energie der Band widerspiegelt. Die Band, die für ihre packenden Live-Auftritte bekannt ist, beweist mit "Garip" einmal mehr, dass sie zu den innovativsten Vertretern der modernen türkischen Musikszene gehört.

In den letzten fünf Jahren hat sich Joe Westerlund intensiv mit der Clave beschäftigt, dem metrischen Muster, das zunächst die afro-kubanische und lateinamerikanische Musik geprägt hat und dann in fast alle Bereiche des Jazz und Rock Einzug gehalten hat. Was bedeutete es, dass eine Idee so flexibel war, dass sie so viele Formen annehmen konnte und dabei doch ihre eigene Essenz behielt? Das Ergebnis ist für Westerlund ein Sprung ins Unbekannte: Curiosities from the Shift, ein 12-Track-Spielplatz mit endlos verwobenen Beats und Melodien, auf dem Westerlunds Begeisterung für die Clave auf seinen experimentellen Umgang mit Texturen trifft und seine rhythmische Symphonie mit Freunden Hand in Hand geht, die diesen Raum gemeinsam mit ihm gestalten. Die dreiteilige Suite, die die erste Hälfte von Curiosities ausmacht, beginnt mit den Schrottplatz-Percussions und den entzückenden Bass-Splashes, die ,Tem" umrahmen, und endet mit dem surrealistischen Boom-Bap von Daumenklavieren und Shakers auf ,Can Tangle". Diese Stücke strahlen eine hart erkämpfte Freude aus, als würde Westerlund sich in Echtzeit daran erfreuen, eine potenzielle Sackgasse zu entdecken, aber trotzdem seinen eigenen Weg nach vorne zu finden. Diese Songs wurden zu einer Art Arbeitsplan für das Terrain, das Westerlund auf Curiosities erkundet, vom glorreichen Call-and-Response-Opener ,Nu Male Uno" bis zum unheimlich amorphen Schlussstück ,Felt Like Floating". Alle diese Songs zeichnen sich durch einen erkennbaren Rhythmus aus, wie den galoppierenden Gang in der Mitte von ,Midpoint" und den kopfnickenden Puls, der sich durch ,Persurverance" schlängelt, dessen Name augenzwinkernd falsch geschrieben ist, um seiner Aussprache aus North Carolina via Wisconsin zu entsprechen. Aber das sind nur Sprungbretter für andere Texturen, Stimmungen und Ideen, wie die New-Age-Anklänge - schimmernde Metallophone, zwitschernde Vögel, zurückhaltende Flöten -, die ,Midpoint" durchziehen, oder die Dub-artigen Delays und Gamelan-Hymnen, die ,Persurverance" durchziehen. Dies ist zutiefst vielschichtige Musik, deren treibender Kern durch eine Reihe überraschender Entscheidungen ausgeglichen wird. Bittersüße und Freude, Trauer und Befreiung, Seufzer und Lächeln: All das ist hier vorhanden und verflechten sich bis ins Unendliche. In den Monaten nach den ersten Sessions wandte sich Westerlund an Freunde - darunter Tim Rutilli von Califone, den Saxophonisten Sam Gendel, den Trompeter Trever Hagen und die Violinisten Libby Rodenbough und Chris Jusell. Es waren seine am gründlichsten komponierten und präzisesten Werke, aber er wollte hören, was passierte, wenn seine Freunde in Echtzeit darauf reagierten. Sie lieferten Anmut, Tiefe und Gefühl, wobei ihre Parts den Vorhang zu verborgenen Winkeln rhythmischer Welten öffneten. Westerlund gibt bereitwillig zu, dass er von der Betonung des Grooves und des Metrums des Albums überrascht ist, die sich von abstrakten Klängen abhebt. Nachdem er so lange mit Bands gelebt und gearbeitet hatte, ging er davon aus, dass er mit grundlegenden Metren fertig war. Diese 12 Songs verschmelzen so viele von Westerlunds Leidenschaften zu endlos faszinierenden Stücken, die mit vertrauten Elementen seine Abenteuer ins Unbekannte übertragen. Verspielt, aber zart, wehmütig, aber wundersam, von Beats angetrieben, aber nicht an sie gebunden - dies ist Westerlunds bisheriges Vermächtnis, das Soloalbum, das einen Blick auf eine musikalische und emotionale Landschaft eröffnet, die vielleicht sogar noch reichhaltiger ist, als er es sich jemals hätte vorstellen können.

Originally released in 1990 by Happy Mondays, Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches captured the chaotic, euphoric spirit of the Madchester movement, blending indie rock, acid house rhythms and funk grooves into a sound that helped reshape British alternative music. Featuring era-defining tracks such as “Step On” and “Kinky Afro,” the record became both a commercial breakthrough and a cultural snapshot of a generation fuelled by dance culture and Northern nightlife.

More than three decades later, its grooves, attitude and genre-blurring production still resonate strongly with contemporary audiences, influencing modern indie and electronic artists alike.

1LP Red Edition. All original audio remastered from Factory Records master tapes. Includes original album and brand new liner notes by James Brown.

5 x LP
60-page hardback book
Black vinyl
Printed labels
Printed inners
Slipcase
A2 poster
Slipmat

Originally released in 1990 by Happy Mondays, Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches captured the chaotic, euphoric spirit of the Madchester movement, blending indie rock, acid house rhythms and funk grooves into a sound that helped reshape British alternative music. Featuring era-defining tracks such as “Step On” and “Kinky Afro,” the record became both a commercial breakthrough and a cultural snapshot of a generation fuelled by dance culture and Northern nightlife.

More than three decades later, its grooves, attitude and genre-blurring production still resonate strongly with contemporary audiences, influencing modern indie and electronic artists alike.

5LP Edition. All original audio remastered from Factory Records master tapes. Includes original album, Hallelujah + Madchester Rave On, Baby Big Head Bootleg Album (Live at Elland Road, 1991), classic and new remixes, 60-page hardback book with brand new essays from James Brown and Central Station designers, fold-out A2 tour poster and Madchester slipmat.

*Single/Focus Track
Auf Lambchops siebzehntem Album 'Punching the Clown' kehrt Kurt Wagner zu den Ursprüngen zurück. Angeregt durch eine nächtliche Radiobegegnung mit einer unbekannten Gospel-Aufnahme tauchte Wagner tief in die Welt des „Lined-Out-Singing“ ein – einer jahrhundertealten schottisch-appalachischen Call-and-Response-Tradition, bei der ein einzelner Vorsänger einen Chor Wort für Wort und ohne Schnörkel durch Hymnen führt. Dieser Geist roher, gemeinschaftlicher Stimmen prägt jeden Moment von „Punching the Clown“: Wagner verbrachte Jahre damit, große Songwriter zu studieren und sein Handwerk von Grund auf neu zu erlernen, wobei er Dutzende von Songs auf zwölf reduzierte. Aufgenommen in drei Tagen mit dem Gitarristen Andrew Broder, Justin Vernon (Bon Iver) am Banjo und einem sechstimmigen Chor, zusammengestellt von Blake Morgan und unter der Toningenieurschaft von Lambchop-Veteran Mark Nevers, ist das Album anmutig, ironisch und auf stille Weise erschütternd. Erscheint am 21. August 2026 bei City Slang.

Produziert von Ryan Olson und aufgenommen vom 25. bis 27. August 2025 im April Base, Wisconsin. Die Platte wurde in drei Tagen fertiggestellt und präsentiert Kurt Wagner (Gesang), Andrew Broder (Gitarre), Justin Vernon (Banjo) sowie ein sechststimmiges Vokalensemble, ergänzt durch zusätzliche Choraufnahmen in London und Minneapolis.

Asake’s fourth studio album, M$NEY, marks a major evolution in his career, trading the frantic energy of his early hits for a more polished, cinematic sound. The project explores the intersection of material wealth and divine favor, framing his global success as a spiritual journey. Rather than just celebrating the "soft life," Asake uses this record to reflect on the discipline and faith required to maintain his position at the top of the music world.

Sonically, the album expands his signature Fuji-fusion and Amapiano roots with help from long-time collaborator Magicsticks and international producers like DJ Snake. Tracks like "Worship" bring high-octane electronic energy, while "Badman Gangsta" featuring Tiakola offers a sleek, R&B-influenced collaboration. Throughout the project, Asake balances these high-energy moments with orchestral strings and jazz elements, creating a rich, textured listening experience that feels both global and deeply rooted in Lagos street culture.

At its heart, M$NEY is a balance of celebration and introspection. In tracks like "Forgiveness" and "Gratitude," Asake addresses the pressures of fame and the personal growth he has undergone since his debut. He remains grounded in his Yoruba heritage, blending boastful lyrics with sincere thanks for his trajectory. Ultimately, M$NEY proves that Asake is more than a hit-maker; he is a visionary artist documenting his life and legacy with newfound maturity and style.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Crooked Colours present Dirt Road Gold.

The fourth album from the prolific Australian outfit, the record signifies the next chapter for the acclaimed Crooked Colours; dreamy, poignant and unapologetically emotionally vulnerable.

As a body of work Crooked Colours (Philip Slabber) effortlessly genre-hops, from alternative euphoric builds to upbeat melodies to electronic stabs alongside his instantly recognisable heartbreaking vocals, stacked to perfection.

Key singles ‘Pink Limo’, ‘Come Thru’ and ‘I’m All Yours (feat. Georgi Kay)’ upholding the original elements Crooked Colours have become known for; yet with a modern 2026 approach proving an ever-evolving sonic escape.

Title track ‘Dirt Road Gold’ steps outside the traditional Crooked Colours sound; guitar plucks, raspy vocals and train rhythm snare. Truly highlighting Slabber’s storytelling ability in that space.

Bookended by ‘Oxford’ and ‘Honey Dog’ encapsulating the Crooked Colours aesthetic as a whole, delicate instrumentation and catchy sing-a-long hooks.

Barfuß in Scherben ist ein raues, direktes Zeitdokument der frühen deutschsprachigen Punkbewegung - begleitet vom gleichnamigen Songcomic des Ventil Verlags. Mit 14 Tracks aus den Jahren 1979 bis 1986 zeichnet die Compilation jene Phase nach, in der Punk in Deutschland seine eigene Sprache fand: zwischen No-Future-Attitüde, politischem Protest und DIY-Aufbruch. Bands wie Fehlfarben, Slime, Hans-A-Plast oder S.Y.P.H. zeigen, wie vielseitig und radikal diese Bewegung klang - von kantigem Post-Punk bis zu wütendem Hardcore. Entstanden in einer Zeit gesellschaftlicher Spannungen, steht diese Sammlung für eine Szene, die sich unabhängig organisierte und künstlerisch neue Räume schuf. Ein kompromissloser Blick zurück auf die Jahre, "als die Welt noch unterging".

Barfuß in Scherben ist ein raues, direktes Zeitdokument der frühen deutschsprachigen Punkbewegung - begleitet vom gleichnamigen Songcomic des Ventil Verlags. Mit 14 Tracks aus den Jahren 1979 bis 1986 zeichnet die Compilation jene Phase nach, in der Punk in Deutschland seine eigene Sprache fand: zwischen No-Future-Attitüde, politischem Protest und DIY-Aufbruch. Bands wie Fehlfarben, Slime, Hans-A-Plast oder S.Y.P.H. zeigen, wie vielseitig und radikal diese Bewegung klang - von kantigem Post-Punk bis zu wütendem Hardcore. Entstanden in einer Zeit gesellschaftlicher Spannungen, steht diese Sammlung für eine Szene, die sich unabhängig organisierte und künstlerisch neue Räume schuf. Ein kompromissloser Blick zurück auf die Jahre, "als die Welt noch unterging".

2026 Repress / Blue Vinyl

After releasing five sell out various artists EP’s featuring 25 artists, positivesource is excited to present a new chapter for the label with a diverse and anthemic EP from Berlin based producer Regent.
No stranger to the label, Regent contributed to src005 last year with his smooth techno roller ‘Off Agenda’ alongside music from Neri J, Alpha Tracks, Vil & Cravo. His tracks have featured heavily in DJ sets by label founders Blue Hour and Philippa Pacho over the years, naturally the idea to present the first artist EP on positivesource with Regent comes as no surprise. The record starts on a hypnotic tip with ‘Occult’, grooving along with an infectious bass-line swung beats and blissed out atmospherics before stepping up the energy levels on ‘Khmera’, a relentless chord driven percussive anthem with nostalgic vocals rising to new heights. On the flip the title track ‘Aphid Riot’ is bold and vibrant leaning heavily into UK flavours using sliced up vocals, breakbeats and a classic ‘Reece’ bass-line. Completing the record is a ‘broken’ version of ‘Aphid Riot’ highlighting an ethereal tonal melody with a deeper and more introspective take on the original. It’s a new sound exploration from the producer, emonstrating his versatility and perhaps a rare moment in his discography