Suche:die roh

Dieses Album bringt wieder mehr Schwärze in den Sound der Australier, die damit eine leichte Kursänderung härter am Wind vornehmen; ohne sich der Nostalgie "alter Tage" hinzugeben. AUSTERE bleiben im selbstgesteckten Rahmen der reiferen und definierten Version ihres besonderen depressiven Black Metal Stils, der ihre Erfahrung und künstlerische Entwicklung widerspiegelt. AUSTERE entstanden aus einem Soloprojekt des Multi-Instrumentalisten und Sängers Desolate alias Mitchell Keepin, der sich im Jahr 2005 mit dem Schlagzeuger, Keyboarder und Sänger Sorrow aka Tim Yatras zusammenschloss. Mit frostigen Gitarren, spitzen Schreien und Wehklagen als Markenzeichen offenbarte AUSTEREs Debütalbum "Withering Illusions and Desolation" (2007) noch einen starken nordischen Einfluss. Das Zweitwerk "To Lay like Old Ashes" folgte im Jahr 2009 ebenfalls mit einem rohen Sound, überzeugte aber auch durch eine verfeinerte Produktion. Danach konzentrierten sich beide Musiker auf andere Projekte und AUSTERE ging in den Winterschlaf. Erst im Jahr 2021 fand das Duo erneut zusammen. Die Zahl der Anhänger war in den Jahren ihrer Abwesenheit dennoch rein durch Mundpropaganda stark angewachsen. AUSTERE sind zurück und tragen auf "The Stillness of Dissolution" schwarze Trauer. Doch darunter kleiden sich die Australier auch in all die subtilen Grautöne, die aus der kontinuierlichen Entwicklung ihrer Musik gewebt wurden, und aus dunkler Materie spannende neue Klangräume erschaffen.

Das neue Studioalbum des schwedischen Quartetts GÖSTA BERLINGS SAGA. Furchtlos experimentell, köstlich respektlos und seit 25 Jahren der Kategorisierung trotzend - Gösta Berlings Saga aus Stockholm präsentieren ihr mit Spannung erwartetes siebtes Studioalbum Forever Now. Eine meisterhafte Kollision von komplexem Songwriting, roher Rockspontaneität und der charakteristischen Missachtung aller Genregrenzen - Forever Now ruht sich nicht auf seinen Lorbeeren aus. Vielmehr treibt es die musikalische Reise entschlossen voran und deutet darauf hin, dass das Beste der Band auch nach mehr als zwei Jahrzehnten noch vor uns liegt. Das Werk besteht aus 10 Tracks voller handgemachtem Chaos, die die ganze Brillanz von Gösta Berlings Sagas 25 Jahren respektloser Innovation in sich tragen. Das Album wurde zum ersten Mal komplett von der Band geschrieben, aufgenommen, produziert und abgemischt. Synthesizer und arpeggierte Gitarren schrauben sich immer höher und kollidieren auf dem Weg dorthin mit hektischer Percussion und pulsierendem Schlagzeug, während das angeborene Vertrauen der Band ineinander und in ihre Musik den treibenden Kern eines immerwährenden Energiemotors bildet, an dem fünf Jahre lang gearbeitet wurde. Für Fans von King Crimson, Magma, Yes, Focus, Captain Beefheart, This Heat und The Mars Volta. CD und/oder LP.

Die britische Gitarrenvirtuosin und kraftvolle Singer-Songwriterin Joanne Shaw Taylor meldet sich mit ihrem elektrisierenden zehnten Studioalbum 'Black & Gold' zurück. Wieder vereint mit dem legendären Produzenten Kevin Shirley (Iron Maiden, Journey, Joe Bonamassa), verschiebt Taylor die Grenzen des Blues-Rock und verwebt Fäden aus Americana, Indie-Rock und Retro-Pop der 80er Jahre. Von herzzerreißenden Balladen bis zu knallharten Bluesrock-Krachern ist das Album ein Meisterwerk an emotionaler Tiefe und roher Energie.

- Ltd. Col. LP: (180g Color Vinyl mit Innentasche und Download Card)

Neues Scheibe - Neue Wut: Nach Ihrem erfolgreichen Debutalbum gleich noch diese EP nachgelegt! Maschine Mensch beschreibt den alltäglichen Wahnsinn eines Individuums gesehen von unserer westlichen Welt. Wir werden geboren um ausgebeutet zu werden, alles zum Wohle des Kapitalistischen Systems. Maschine Mensch ist die Antwort auf die Frage: Was machst du aus deinem Leben? Auch wir müssen uns jeden Tag neu hinterfragen was unser Sinn des Lebens ist. Mit ,Maschine Mensch" schlägt die Berliner Punkband Shell Shocked ein neues Kapitel auf - und zwar laut. Die EP ist eine musikalische Abrissbirne gegen die Entmenschlichung unserer Zeit: gegen Algorithmus-Alltag, gegen soziale Kälte und gegen die leise Resignation im Kopf. Mit voller Wucht aus den Kellern Berlins meldet sich Shell Shocked zurück - roher, lauter und kompromissloser denn je. Auf ihrer neuen EP "Maschine Mensch" prallen schneidende Gitarrenriffs auf treibende Drums und Texte, die wie Faustschläge gegen die graue Realität wirken. Zwischen Großstadtbeton, Systemkritik und persönlichem Aufbegehren liefern Shell Shocked 6 Songs, die aufrütteln, antreiben und aufregen. Ein Soundtrack für alle, die nicht stillhalten können, wenn die Welt im Gleichschritt marschiert. ,Maschine Mensch" ist mehr - es ist ein Aufschrei. Punk aus Berlin. Direkt. Unverfälscht. Keine leeren Phrasen sondern Songs die verbinden und bewegen. Für alle die nicht blind mitlaufen wollen.

Das vierte Album von Ellen Arkbro, "Nightclouds", versammelt fünf Improvisationen für Orgel solo, die 2023-24 in Mitteleuropa aufgenommen wurden. "Nightclouds" ist unverhohlener romantisch und introspektiver als ihre früheren Werke, obwohl es fest in der Strenge und Präzision verwurzelt, die Arkbro's Konzept ausmachen. Es ist die Erweiterung ihrer Erkundungen von räumlicher Harmonie, Taktilität und Textur, Arkbro schöpft gleichermaßen aus sakraler Musik, Jazz im ECM-Stil und Minimalismus und beschwört eine kühle Intimität und einen kühlen Ton herauf. Ihre entschleunigten Akkordimprovisationen hüllen den Zuhörer in düsteres verwaschen, während ihre Mikrofonierung die raue haptische Maserung des Rohrblatts offenbart und den Zuhörer sowohl innerhalb als auch außerhalb des Klangs bringt. Sie evoziert Duette von Kjell Johnsen und Jan Garbarek oder La Monte Young und Tony Conrads Bearbeitung von Euringers und Harmer's Cowboy-Song ,Oh Bury Me Not". "Nightclouds" kanalisiert spirituelles Pathos durch eine rigoros zurückhaltende Architektur. Anknüpfend an das letztjährige Album "Sounds While Waiting" (W.25TH, 2024), einer Auswahl von Stereomischungen, die Arkbro's räumliche Orgelinstallationen dokumentieren, ändert Nightclouds die Richtung und konzentriert sich auf unmittelbare Komposition und Improvisation. Elegante, einfache akkordische Gerüste unterstützen reiche, sich ständig verändernde Texturen; genaues Hinhören erfordert die Hingabe an anhaltende Unentschlossenheit. Den Abschluss einer Sammlung von kurzen Stücken bilden zwei Variationen über die titelgebende Komposition ,Nightclouds", eine eine schelmische Anspielung auf den britischen Jazz-Gitarristen Allan Holdsworth: Die erste Aufnahme verlangsamt und dehnt eine kontinuierlich modulierte harmonische Progression, während die kurze Schlussversion einfach drei Akkorde schleift. Zwischen diesen Stücken liegen ,Still Life" und ,Chordalities", zwei kurze Werke, die im Temple de La-Tour-de-Peilz in Vevey, Schweiz, aufgenommen wurden. Die zweite Hälfte des Albums ist folgenden Stücken gewidmet ,Morningclouds", ein weitläufiges Werk, das in der rekonstruierten Gedächtniskirche (Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche) in Berlin aufgenommen wurde. Arkbro's prägnantes musikalisches Vokabular und formale Architektur evozieren ein Gefühl der emotionalen Ambivalenz, gleichzeitig erhebend und schwermütig und führt den Hörer mit kühler und distanzierter Schönheit. "Nightclouds", das als tiefgründiges Statement in Arkbros sich entwickelndem Werk steht, das zugleich introspektiv und expansiv ist, bestätigt ihre einzigartige Fähigkeit, harmonische Einfachheit in tief berührende Klanglandschaften zu verwandeln, die den Hörer in einen Raum der Kontemplation und emotionalen Tiefe führen.

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

Wenn drei visionäre Köpfe der elektronischen Musik aufeinandertreffen, entsteht ein Sound, der Grenzen sprengt. Demise Of Love ist das Projekt von Daniel Avery, James Greenwoods Ghost Culture und Working Men’s Club – eine Kollaboration, die aus gegenseitiger Wertschätzung und dem Streben nach neuen Klängen entstanden ist. Demise Of Love verbindet rohe Energie mit klanglicher Präzision. Das Ergebnis ist eine Fusion aus industriellen Klanglandschaften, pulsierendem Acid-House und melancholischen Melodien. Ihre Musik fordert heraus, fesselt und bleibt haften. Die EP, abgemischt von Alan Moulder, bringt das Beste der drei Musiker zusammen: Synthesizer, die den Raum aufbrechen, intensive Refrains und eine Soundästhetik, die sich nicht einordnen lässt. „Strange Little Consequence“ wechselt spielerisch zwischen Acid-Groove und monumental anmutendem Rock-Refrain. „Carry The Blame“ fängt die Weite des Detroit-Techno ein, „Be A Man“ verbindet Industrial-Punk mit düsterer Melancholie, und „Like I Loved You“ hebt mit hymnischem Gesang in elektronische Höhen ab. Auch inhaltlich geht die EP tief: Texte über Entfremdung, Kontrollverlust und die Suche nach Verbindung verleihen der Musik zusätzliche Schwere. Zeilen wie „Dead peasants excite you / Rewards of the plight fall / Into your hands“ aus „Strange Little

Consequence“ oder „Your ways are antiquated / And I’m bored now“ aus „Be A Man“ spiegeln das Unbehagen unserer Zeit wider. „Demise Of Love“ ist keine bloße Zusammenarbeit, sondern eine Verschmelzung dreier einzigartiger Klangwelten zu etwas völlig Eigenem. Hier trifft Innovation auf Emotion – kompromisslos, intensiv und von zeitloser Eleganz.

Pavilions neue Compilation "Break The Glass, Burn The Cage (The Sound Of Indie Punk Rock)" feiert alles, was Indie und Punk ausmacht. Die Welt der engen, verschwitzten Grassroots-Locations mit elektrisierenden Gitarrenriffs, mitreissenden Basslines und den Stimmen der Bands, die man unbedingt gehört haben muss. Mit herausragenden Tracks von Lime Garden, SPRINTS, Lambrini Girls, Sunflower Bean, English Teacher, Dream Wife, Panic Shack oder, Big Joanie kanalisiert die Compilation die rohe Energie und den rebellischen Geist, die man nur erlangen kann, wenn man sich tief um die Ungerechtigkeiten und den Hass in dieser Welt kümmert. Es ist eine Soundreise durch die Angst, Leidenschaft, den Spass und die Freiheit, die man findet, wenn man "es dem Mann zeigt".

"Break The Glass, Burn The Cage (The Sound Of Indie Punk Rock)" wird am Internationalen Frauentag 2025 als Charity-Album angekündigt, alle Tracks wurden freundlicherweise von den Bands kostenlos gespendet. Somit geht der gesamte Gewinn aus jedem Verkauf an die beiden ausgewählten Wohltätigkeitsorganisationen, die ihr Möglichstes tun, um Frauen und Mädchen aus allen Schichten und Altersgruppen zu helfen, von häuslicher Gewalt über Trauerfälle bis hin zu Obdachlosigkeit und Krieg – Brighton Women's Centre & War Child. Das Album erscheint als recyceltes Vinyl und CD in limitierten Auflagen.

NEKRODEUS wurde 2013 gegründet und begann mit einem Demo irgendwo zwischen Death Metal und Sludgecore. Die Band und ihre Musik haben sich über die Jahre ihrer Bandgeschichte immer weiter entwickelt. Die äußerst kreative Band befindet sich nun auf ihrem aktuellen künstlerischen Höhepunkt und verbindet gekonnt Musikgenres wie Black Metal, HC Punk, Death Metal und Grindcore. Sie blicken auf zwei Alben (,Moloch", ,Asbest"), eine EP (,Putrid Scent of Grave Perversion") und das Demo zurück, mit dem sie gestartet sind. In ihren gesellschaftskritischen Texten wird schnell klar, dass die vierköpfige Band etwas zu sagen hat. Die Band, bestehend aus Sebastian Lackner (Gitarre - auch Live-Mitglied von ELLENDE), Stefan Rindler (Gesang), Paul Färber (Schlagzeug - auch KARG & Live-Mitglied von ELLENDE und HARAKIRI FOR THE SKY) und Lukas Benedicic am Bass kann es kaum erwarten, euch musikalisch den Tag zu versüßen. ,Ruaß" ist ein sich wandelndes Fest des knusprigen Black Metal Punk, eine Kost aus roher Gewalt und stimmungsvoller Atmosphäre, die den Nerv zwischen deinem Reptilienhirn und deiner emotionalen Intelligenz kratzt, während sie mit ihren eigenen grobkantigen Zähnen zurückbeißt.

Das vierte Album der US-Amerikanischen Post-Hardcore-Supergroup aus Gitarrist Mark Engles (Dredg), Drummer Chris Robyn (Far) und Sänger & Gitarrist Ben Flanagan (The Trophy Fire).

Anfang 2024 zogen sich Black Map nach Südkalifornien zurück, um 'Hex' mit Saosin-Gitarrist Beau Burchell als Produzent aufzunehmen. Die Band verfolgte eine klare, kollektive Vision, die sich von der weitläufigen, ätherischen Natur von 'Melodoria' zu einem dringlicheren und direkteren Sound entwickelte.

Sänger/Bassist Ben Flanagan beschreibt 'Hex' als ein Werk mit einem starken „let's f*cking go“-Geist, während Gitarrist Mark Engles die Balance zwischen atmosphärischen Elementen und treibender Intensität hervorhebt. Das Album fängt den unverkennbaren Stil der Band ein, mit Marks markanter Gitarrenarbeit, die stets präsent ist, und einem erneuten Fokus auf Unmittelbarkeit und roher Energie.

Für Ben steht 'Hex' für die tiefgreifende Wirkung von Musik, die Trost und Verbindung bietet. Schlagzeuger Chris Robyn fügt hinzu, dass das Album einen unaufhaltsamen Schwung hat, der mit Kraft und Absicht nach vorne drängt. Verwurzelt in Themen wie persönlicher Kampf, Authentizität und Widerstandsfähigkeit, ist 'Hex' die bisher kraftvollste und eindringlichste Veröffentlichung von Black Map.

Wie so viele Coming-of-Age-Geschichten mit nachhaltigem Eindruck spielt das neue Album der Brooklyner Band Momma in einem bezaubernden und turbulenten Sommer. "Welcome To My Blue Sky" wurde mit der gesamten Band live im Studio aufgenommen und von Bandkollege Aron Kobayashi Ritch produziert. Mit Hilfe des Drummers Preston Fulks gelangen Momma 12 kraftvolle Songs, die die rohe Dringlichkeit des Rock mit den eindringlichen Melodien und straffen Arrangements des Pop kombinieren – eine Dynamik, die aus ihrem Engagement entstand, das direkteste Ventil für ihren emotionalen Ausdruck zu finden. Jeder Track ist zugleich geteilte Erinnerung, gemeinschaftlicher Erguss und fesselnder Reisebericht voller Selbstbewusstsein und Sensibilität. Das Ergebnis ist ein mutiger Sprung nach vorne für eine der kreativsten, kompromisslosesten und einzigartigsten Stimmen im Indie-Rock.

Nach einigen Jahren Stille sind MORAST mit ihrem dritten Album FENTANYL zurück. Getragen von Trauer, Verlust und dem Abgrund des emotionalen Schmerzes, haben sie es geschafft, diese Energie in eine feierliche Auferstehung zu verwandeln. Ihr Drang, eine düstere und unheimliche Atmosphäre zu schaffen, ist immer noch vorhanden, aber dieses Mal scheint ihr Ansatz aggressiver, ekstatischer und roher zu sein. Eine sechs Songs umfassende Reise in die düstersten Ecken der menschlichen Existenz. Ein Monolith aus Abscheu und Dreck.

Kavrila sind zurück - kompromisslos und ungefiltert. "Heretics I", der erste Teil einer neuen EP-Trilogie, entstand spontan und ohne nachträgliche Bearbeitung. Vier Tracks, direkt auf Tascam aufgenommen, roh und ungeschönt, verleiht dieser direkte Sound der EP ihre ungezügelte Intensität. Zudem gibt es in der physischen Version - neben Intro und Outro - als Bonus einen weiteren Track aus den "Mor"-Sessions. Die Band setzt bewusst auf analoge Direktheit und eine rohe, ungeschönte Ästhetik. Während Drums und Bass live eingespielt wurden, fügte Gitarrist Andreas seine Parts später hinzu, ohne den Charakter des Albums zu verwässern. Gemischt und gemastert wurde "Heretics I" von Hauke Albrecht im Studio Altona in Hamburg - ein kompromissloses Statement echter, ungefilterter Intensität.

• Die wilden Death Metal-Crossover-Helden von BARK sind mit ihrem stärksten Album zurück

• »The Time Has Come« bringt BARKs unerbittliche Energie und rohe Kraft auf den Punkt und liefert einen unerbittlichen Ansturm von schweren Riffs, donnernden Drums und glühenden Hymnen

• Für Fans von Entombed, Cro, Mags, Dismember und Motörhead

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.

Auch nach elf Alben wild, relevant und unaufhaltsam wie eh und je! Nur wenige Bands schaffen es bis zu ihrem elften Album. Und noch weniger schaffen es mit dem gleichen Feuer und der gleichen Wut, die ihre Anfangsjahre prägten. Doch Machine Head ist nicht einfach nur eine Band. Über drei Jahrzehnte lang hat Gründer, Sänger und Gitarrist Robb Flynn, die Verkörperung der Entschlossenheit, Machine Head auf einen kompromisslosen Weg geführt – einen Weg, der von Trotz, Neuerfindung und dem unermüdlichen Streben nach Weiterentwicklung geprägt war.Mit „UNATØNED“ haben sie ihren Sound nun erneut geschärft und das in der bisher direktesten und wirkungsvollsten Form erreicht. Dieser Kampfgeist, gepaart mit dem unerschütterlichen Bekenntnis zur Neuerfindung, hat Machine Head an der Spitze der harten Musik gehalten. Mit fünf Millionen verkauften Alben, über einer Milliarde Streams (650 Millionen allein auf Spotify) und einer Grammy-Nominierung ist ihr Erbe unbestreitbar – doch Nostalgie spielte dabei nie eine Rolle.
„UNATØNED“ ist ein Zeugnis von Dynamik, ein Album, das bis ins kleinste Detail ausgereift ist und von kreativer Disziplin und dem Drang nach Fortschritt geprägt ist. Entschlossen, sich selbst herauszufordern, setzte Flynn für „UNATØNED“ strenge Songwriting-Vorgaben: kürzere, fokussiertere Songs mit einem ausgesprochen amerikanischen Touch, unkonventionellen Tonartwechseln und wechselnden Strukturen, die Erwartungen brechen. Diese selbst auferlegte Zurückhaltung resultierte in einem schlanken, unerbittlichen Album, das Machine Head in ihrer kraftvollsten Form einfängt. Geschrieben in ständiger Bewegung – unterwegs, in Hotelzimmern und über Kontinente hinweg – spiegelt es die rohe Energie ihrer Rückkehr in die globale Festivalszene nach einer elfjährigen Pause wider.
Das Album trieft vor melancholischen Melodien und hämmert doch mit knallharten Riffs, erhebt sich mit hymnischen Mitsingliedern von verlorener Liebe und Traurigkeit zu dröhnender Power und unerschütterlichem Selbstvertrauen.

"The Way We Were Vol. 1" ist eine Sammlung bisher unveröffentlichter Demo-Aufnahmen aus Francis Rossis persönlichem Archiv. Das Album vereint frühe Aufnahmen für sein vielbeachtetes zweites Soloalbum "One Step At A Time" (2010) sowie Songs, die später in ihrer endgültigen Version auf einer Reihe von Status Quo-Alben erschienen sind: "Heavy Traffi c" (2002), "XS All Areas" (2004), "The Party Ain't Over Yet" (2005), "In Search Of The Fourth Chord" (2007). Francis Rossi zeigt auf diesem Album eine Vielzahl an Stilen und Ideen. Was die Songs eint, ist, dass sie in der Art und Weise präsentiert werden, in der sie zuerst entstanden sind - roh, aufrichtig und direkt aus dem Herzen vorgetragen, ohne den Einfl uss von Studioveredelung oder kommerziellen Überlegungen. Unter den 17 Songs befi nden sich mit "Scary Mary", "Why I’m Walking", "Load On My Mind", "Can’t Change The World" und "Life Has Changed" zudem fünf Tracks, die nie zuvor außerhalb des Studios zu hören waren.

Ihr neues Album "The Darkest Place I've Ever Been", das Ende April 2025 erscheint, verspricht ihr bisher ehrgeizigstes und persönlichstes Projekt zu werden. Es taucht tiefer in die Selbstbeobachtung ein und behält dabei die rohe Intensität bei, die die Fans lieben gelernt haben.
Mit unermüdlichen Tourneen über Kontinente und Auftritten bei großen Festivals haben sich LANDMVRKS einen Ruf für ihre rasanten LiveShows aufgebaut, die das Publikum atemlos zurücklassen. Während sie sich auf dieses nächste Kapitel vorbereiten, beweisen sie weiterhin, warum sie eine treibende Kraft im modernen Metalcore sind, und führen ihr Genre in mutiges und unerforschtes Terrain.