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Hypnotize Minds is proud to present Kingpin Skinny Pimp's King Of Da Playaz Ball on a limited edition orange crush double vinyl! Featuring classic Memphis rap such as "Lookin' for Da Chewin'" and "One Life 2 Live (feat. DJ Paul & Juicy J)"

Strictly limited to 150 copies. DJ use only.

By popular demand, almost two years after its original release, we're finally pressing one of MM Discos' most iconic records to vinyl. A record that, in many ways, captures the label's vibe, spirituality, and sonic identity.
Daichi landed in 2024 with standout versatility, effortlessly pulling almost any genre into a balearic universe, bending it to his own language.
From the proto-tropical trance of "See of Cosmic" to the loose, hard-to-pin-down house of "Dampness," somewhere between Madchester moods and an Arthur Russell-esque swing. Late-night energy runs through "You Got Me" and "Aja Aja" - the former riding a garage swing, the latter drifting further into that signature cosmic space. To close it out and ease the tempo down, Daichi moves into more disco-leaning territory with a pair of understated but heavyweight edits.

Volume 16: The Original Masters is classic Triple Six Mafia down South
Hip Hop
DJ Paul has been a highly influential writer, producer, and artist since 1994. His
dark production, often referred to as Gangsta, Crunk, Horrorcore and sometimes
Hardcore Hip Hop, really stands apart from the corny rap of the current era. Paul
has created a truly unique sound that continues to resonate after all these years.
Featuring Koopsta Knicca, Gangsta Blac, Kingpin Skinny Pimp, Lord Infamous,
and the late great Gangsta Boo.

Crash is a debut EP of Abel Dalum, aka KennyKrazyWorld. Often appearing on tracklists of many, now breaking through with his highly anticipated 4 piece solo, no-remix EP. Across four movements, KennyKrazyWorld sketches a system in flux: fragments of noise, texture, and space dissolving into one another. As he likes to say himself, "its all about the percussions".

Petrichor opens with the residue of a storm — metallic air, wet circuitry, the pulse of machines breathing beneath the rain and a broken up kick. Like a scene from Blade Runner or a concert hall opening somewhere deep in the megalopolis. The 10-minute track is there to pull in and not let go. Dust follows, bone-dry and disintegrating, rhythm shedding its structure until only motion remains, hooking the listener to lose himself in its enchanting wormhole of evolving percussions and atmospheres.

At its core, the 3rd "backbone" track of the same-named EP, Crash, is already breaking apart: percussive tension folding in on itself, and a memorable voice over to seal the deal. Divergent closes the loop — but doesn't leave the listener with breadcrumbs, rather with a feeling like a party in full effect being closed at 3AM due to some scumbag cops…
Crash is techno as erosion, but also a study of groove and flow — repetition worn into form, emotion distilled through pressure.

For The Bobby Lees, their fourth album and Epitaph debut New Self marks a thrilling new chapter for the band while doubling down on what"s always made them so magnetic. The Bobby Lees don"t need much in the way of introduction. Within a few seconds of exposure to their furnace-blast live shows or their bottled-lightning studio records, it"s easy to hear why they"ve earned fans in legendary musicians like Iggy Pop, Debbie Harry, and Henry Rollins. They"re as uncompromising in their sound and generous with their energy as any of their punk ancestors who first rewrote the rules of engagement back in the 1970s. Led by singer and guitarist Sam Quartin, drummer Macky Bowman, and bassist Kendall Wind, The Bobby Lees bring wildness and danger back into punk rock. You can hear the band easing into a new confidence -- one that"s both looser and more towering -- all throughout New Self, from the seething, fiery "Napoleon" to the rambunctious, offbeat take on PJ Harvey"s "50ft Queenie." This is the sound of a band who"s scrambled over shaky ground only to come back stronger than ever: more confident, more connected, louder and fiercer and secure in their own skin.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

“So Help Me God is the long-awaited second album from Kelsey Lu, arriving June 12 2026 via Dirty Hit. Moving between shadow and release, the 10-track record follows her groundbreaking 2019 debut Blood and is co-produced by Lu, Jack Antonoff and Yves Rothman, mixed by Oli Jacobs, with contributions from Sampha, Kamasi Washington and Kim Gordon. Across the record, Lu blends distorted guitars, choral swells and dark electronic pulses into a sonic landscape that moves between devotional intensity and cinematic scale. So Help Me God expands Lu’s singular creative universe - where music, visual art and performance converge into one multidisciplinary project, marking the return of one of contemporary music’s most singular voices.”

The Byrds were one of the earliest groups who could combine the best of two worlds. They caught on to the energy of the British Invasion and combined it with the lyricism & musical elements of the contemporary folk movement. Along the way they pioneered Psychedelic and Country Rock, always keeping things recognizable with their vocal harmonies accompanied by their jangly guitars.

On their third album Fifth Dimension from 1966 they started showing a more LSD-tinged side of themselves with the Psychedelic Rock of songs such as "Eight Miles High" and "I See You" and a preference for the Indian raga. One of their most pioneering albums!

Fifth Dimension is available as a 60th anniversary edition of 1500 individually numbered copies on orange vinyl.

,Pneuma" ist ein Zyklus von acht Kompositionen des Kontrabassisten und Komponisten Henry Fraser, erschienen bei Kou Records, der sich mit Atem, Resonanz und der sich wandelnden Beziehung zwischen Form und Improvisation auseinandersetzt. Fraser betrachtet seine Solopraktik als eine Zusammenarbeit mit dem Instrument selbst und arbeitet direkt mit der Materialität und den akustischen Eigenschaften des Kontrabasses, sodass Klang, Raum und Struktur durch tiefes Zuhören gemeinsam entstehen können. Aufgenommen, abgemischt und koproduziert von Randall Dunn (Sunn O))), Thurston Moore) und Ben Greenberg (Uniform, Marc Ribot), erweitert das Album Frasers bisherige Solosprache durch ein erweitertes melodisches Register, vielschichtige Texturen und sorgfältig gestaltete Studioeingriffe. Ausgehend von sowohl vorgefertigten Motiven als auch neu improvisiertem Material entfaltet sich ,Pneuma" in einer Reihe prägnanter Sätze, von denen jeder einer eigenständigen rhythmischen oder harmonischen Idee Gestalt verleiht und gleichzeitig zu einer größeren, zusammenhängenden Form beiträgt. Die Aufnahme, bei der der Schwerpunkt auf natürlicher Dynamik und räumlichen Details liegt, bewahrt die volle physische Präsenz des Instruments und rückt die Resonanz, die Obertöne und die leisen Mikrogesten des Basses in den Vordergrund. Bestimmte Stücke bestehen aus mehreren übereinandergelegten Darbietungen, was den Umfang und den Ausdrucksbereich der Musik dramatisch erweitert. Das Ergebnis ist ein intimes und zugleich immersives Hörerlebnis - akustische Musik, die sich gleichzeitig greifbar und weitreichend anfühlt. ,Pneuma" dokumentiert Fraser in einem Moment künstlerischer Klarheit und bekräftigt sein Bekenntnis zu prozessorientierter Komposition und aufmerksamer Klangpraxis.

BASIC - das Trio aus Chris Forsyth (Gitarre), Mikel Patrick Avery (Percussion, Drumcomputer, Elektronik) und Douglas McCombs (Fender Bass VI) - hat sein neues Album mit sieben Titeln innerhalb von zwei Tagen in den Electrical Audio Studios in Chicago aufgenommen und die Overdubs sowie den Mix zusammen mit Je Zeigler in Philadelphia fertiggestellt. Die Aufnahmen sind groovig, aber leicht und locker, wobei die Songs viel größer klingen, als man es von einem Trio erwarten würde. Für reichlich Detail sorgen die ineinandergreifenden Gitarren und Averys einzigartige Kombination aus elektronischen Beats und akustischer Percussion, die er live mit verschiedenen selbstgebauten elektronischen Prozessoren bearbeitet und manipuliert. Kurz nach der Veröffentlichung ihres Debüts (This Is BASIC, 2024) stieß Bassist McCombs (Tortoise, Brokeback) zu der Gruppe, und zusammen mit den in Philly ansässigen Kernmitgliedern Forsyth (Solar Motel Band) und Avery (Natural Information Society) tourte die Band mit dem Album die Westküste rauf und runter sowie durch den Nordosten und Mittleren Westen der USA und machte Halt bei einflussreichen Festivals wie Sound & Gravity und Big Ears. Die Chemie zwischen den dreien führte fast sofort zur Entwicklung von neuem Material, und die ,Dream City"-EP erschien im Frühjahr 2025.

In Lande’s words: “It’s a daydreaming song about wanting a life of excitement and adventure rather than a dull and ordinary life - one where people underestimate you and belittle you. And where you’re forced to buy into capitalism and become a pathetic, losing player in a game that you hate. I’d rather escape and live in a queer space fantasy and be brave.”

Available on limited turquoise vinyl and digipack CD

It is with both pride and excitement that we announce the reissue of ‘House Without A View’, the out-of-print second album by singer-songwriter Lande Hekt – the first of a three-part reissue series on Circuitry, with ‘Going To Hell’ and ‘Gigantic Disappointment’ (first time physically) to follow in the coming months.

With a new album ‘Lucky Now’ released on Tapete in January, supported by an extensive spring UK tour (dates below), Lande’s contemporary twist on the classic C86 indie sound - with a queer feminist punk identity lyrically explicit throughout – is drawing in an ever-growing audience of devotees, such is the consistent quality of her songwriting, and the personality within.

The opening track of the album is ‘Half With You’ which “is about growing into yourself as a queer person, and enjoying who you are after not enjoying it for so long,” says Lande. ‘Cut My Hair’ is about how her relationship with her gender has changed over the last few years, becoming more comfortable in herself and understanding more about what makes her happy. “It’s also about how easy it is to not talk to people when you’re struggling, which is something I did for a long time,” admits Lande.

The title track of ‘House Without a View’ deals with childhood trauma and how events of our formative years “affect us so much into our adult lives and are intrinsic to our personalities and the way we cope (or don’t) with life and relationships,” says Lande. Although there’s darkness and sadness within the record, there’s also some shining beacons of positivity and a light-hearted side, albeit with a side of frustration. ‘Lola’ was written about Lande’s cat shortly after she came to live with her and her girlfriend. “She’s the first pet I’ve ever had and I wasn’t quite ready for how hard it would be to not be able to verbally communicate with her. I worried constantly that she was depressed because all she did was sleep, but my girlfriend assured me that that was regular cat behaviour.”


APRIL 2026 DATES: 4th Cardiff/5th Trowbridge/6th Penryn/7th Portsmouth/9th Ramsgate/10th Cambridge/11th Norwich/12th Nottingham/13th York/19th London/20th Brighton/21st Bristol/22nd Exeter/23rd Manchester/24th Sheffield/25th Oxford

Pluralone, das Soloprojekt des Songwriters und Multi-Instrumentalisten Josh Klinghoffer, kehrt mit ,A Drop In The Ocean" zurück - seinem vierten Album unter dem Namen Pluralone und dem ersten seit ,This Is The Show" aus dem Jahr 2022. Bekannt unter anderem für seine Arbeit mit den Red Hot Chili Peppers und Pearl Jam, bringt Klinghoffer dieselbe melodische Sensibilität und emotionale Direktheit, die seine Karriere geprägt haben, in ein eher akustisches, songwriterorientiertes Werk ein, bei dem Stimme, Texte und intime Arrangements im Mittelpunkt stehen. ,A Drop In The Ocean" setzt auf Wärme und Unmittelbarkeit statt auf dichte Produktion und unterstreicht seine Stärken als Komponist und Arrangeur - das Ergebnis ist eine fokussierte und persönliche Sammlung von Tracks.

Erstpressung des Soundtracks zum Netflix-Originalfilm mit Cillian Murphy, Tracey Ullman und Jay Lycurgo. Die Originalmusik wurde von Ben Salisbury und Geoff Barrow komponiert und enthält außerdem ,Don't Leave Too Soon" von Little Simz (die auch in dem Film mitspielt), den sie exklusiv für die Figur Shy geschrieben hat. Der Soundtrack enthält auch Beiträge des renommierten Elektro-Produzenten und DJs Slipmatt. Ben Salisbury und Geoff Barrow haben unter anderem die Soundtracks und Filmmusik für Annihilation, Ex-Machina, Civil War, Black Mirror und Devs geschrieben und produziert.

2026 Repress

Tresor Records is fortunate enough to be sitting on a catalogue of past releases that no other label in electronic music would turn down. Three of the finest in this collection were contributed by Surgeon;
“Basictonalvocabulary”, “Balance” and “Force + Form”, which all came out between 1997 and 1999.
Surgeon’s inimitable combination of Detroit techno and post-industrial sounds emanating from his British homeland found its fullest expression in these masterful trio of releases.
Following the release of Surgeon's first album in 5 years "Crash Recoil" earlier in 2023, Tresor Records have decided that its high time to give these seminal albums another airing.

2026 Repress

In March 2023, Tresor Records will release "Crash Recoil", a new album by Surgeon. It marks Anthony Child's first techno LP in five years, following a period in which he felt uncertainty in his role as a techno producer and found it tough to locate inspiration. This new album encounters him drawing on spontaneous techniques to arrive at unchartered topographies.
"Crash Recoil" originates from Surgeon's recent live sets, where he experimented with constraints in performing and embracing the twists, turns and paradoxes that arrive from this. Each fresh iteration on consistent MIDI sequences and hardware reconfigured tracks into dierent constellations, creating an inspiring vortex of unpredicted events where ideas could flourish. This new approach allowed him to capture the spontaneous energy of his live shows in a way he had never done before. "This is not a live album, since it has not been recorded in one go during a live performance. In the same way that bands tour songs before going into the studio to record an album, I was able to explore these songs and hone their eectiveness during my live performances before creating a studio version."
The result is eight tracks that emphasise a new techno sound for Surgeon, drawing in references from across the musical spectrum. "I can hear Coil, King Tubby, Detroit Techno and The Cure all wrapped up with 30 years of DJing," Surgeon says of the album. Melancholic hum-like ambiences smudge around unadorned, near-droning basslines, crunching rhythm and percolating arpeggiations. The tracks carry unique and potent locomotion, with a low-slung grind through toughened terrains, breathing with a free spirit, untethered by a studio-based perspective. We hear manifestations of the same raw material across the album, like a textural motif, carving new variants and creating a cohesive work full of recollection.

Golden Earring were together between 1961 and 2021, and their last and best known line-up included two founding members George Kooymans (vocals and guitar) and Rinus Gerritsen (bass, keyboard) along with Barry Hay (vocals, guitar, flute and saxophone) a member since 1968 and Cesar Zuiderwijk (drums) a member since 1970.

They had over 40 hits and released 30 albums, many achieving either gold or platinum status in their home country, The Netherlands. They are best known for their 1973 hit single "Radar Love" and their 1982 single "Twilight Zone".

Around 1992, the unplugged sessions on MTV were a trend; almost every rock band or artist was doing them. Bass player Rinus Gerritsen suggested to record an acoustic album themselves. The record company wasn't very enthusiastic at first so with a small budget the band recorded the album live in an intimate cafe in Amsterdam. The Naked Truth turned out to be the Golden Earring's best selling album.

The Naked Truth is available as a limited edition of 2000 individually numbered copies on purple vinyl. The 2LP is packaged in a deluxe sleeve with linen laminate finish and includes an insert.

Furniture is British new wave band active between 1979 and 1991, but were far more eclectic than you'd think, incorporating jazz, blues and post-punk sounds as well. They are noted both for their poetic storytelling and high-quality productions as for the numerous setbacks they experienced. These setbacks ultimately prevented them from making their big break, making them a big what-if of the burgeoning English new wave scene.

Although active since the late 70s, their 1986 debut album The Wrong People gave them their commercial breakthrough. It was supported by the single Brilliant Mind which eventually reached #21 on the UK Singles Chart and remains their only entry on it. They followed it up with a re-recording of their 1984 single Love Your Shoes. Although a radio hit, it ultimately failed to chart as not enough copies were pressed to match demand.

The album ultimately suffered from the same fate which means there are not a lot of copies floating around. In recent years it became a cult classic so we thought it would be fitting to reissue it on vinyl for the first time since its initial release in 1986.

The Wrong People is available as a 40th anniversary edition on orange vinyl, and includes an insert with lyrics.

Art Blakey is one of the inventors of the modern bebop style of drumming. Known as a powerful musician and a vital groover his brand of bluesy, funky hard bop was and continues to be profoundly influential on mainstream jazz. For more than 30 years, his band Art Blakey & The Jazz Messengers included many young musicians who went on to become prominent names in jazz.

Released in the late fifties, A Night In Tunisia is a jazz milestone and prime example of Blakey's exceptional rhythmic prowess. This album is not all about drumming though; it leaves much space for great melodical interplay by fellow musicians Sam Dockery on piano, John Griffin and Ferris Benda on saxophone, Bill Hardman on trumpet and Jimmy De Brest on double bass.

A Night In Tunisia is available as a limited edition of 1500 individually numbered copies on orange vinyl, and is packaged in a deluxe sleeve with linen laminate finish.

The small print:
• Due to rights restrictions, this item is only available in the MOV store to European customers.

Nach zwei gefeierten Studioalben kündigt die britische Band BIG SPECIAL ihre neue EP mit folgenden Worten an: "Diese neue Platte besteht aus den verworfenen Teilen unserer ersten beiden Alben. Wir haben sie wieder hervorgeholt und mit ins Studio genommen, um sie zu überarbeiten und zu verfeinern. So entstand ein eigenständiges Werk, das unser bisheriges Schaffen reflektiert. Die Songs, die nicht zur richtigen Zeit an den richtigen Ort passten. Darunter auch Songs, die die Alben damals vielleicht zu lang gemacht und zu düster geraten lassen hätten, obwohl wir eigentlich die Balance einer emotionalen Reise bewahren wollten, als ob man einen Film mit geschlossenen Augen schaut. Also haben wir O'JOY! gemacht."

Der New Yorker Jazzmusiker Bill Buchen verbrachte zwei Jahre seines Lebens in Indien, spricht fließend Hindi und hat eine tiefe Verbindung zur dortigen Musikszene. Die Dichotomie dieser beiden Welten manifestiert sich auf beiden Seiten des Debütalbums seines Electric Village-Projekts. Aufgebaut auf unerbittlichen rhythmischen Mustern und sinnlichen Höhenflügen und getragen vom Flötenspiel des bemerkenswert vielseitigen Jose James, präsentiert sich die gleichnamige LP auf der A-Seite als pulsierende Energie, die auf der B-Seite in einen kathartischen, vom Latin-Jazz inspirierten Tanz mündet. Deluxe Edition auf schwarzem 180g Vinyl mit Glanzlaminierung in PVC-Außenhülle samt 30×60 cm Einleger inkl. Interview mit Tony Higgins und exklusiven Bildern, gedruckt auf 300g Soporset "EU Ecolabel" Premium-Papier.

In celebration of the Persianate new year usually taking place on March 21st Afghan-German producer artist Farhot announces his follow up project "Nowroz 1401" which translates into "New Year 1401" - the number marking the year according to the solar calendar which is used in countries like Afghanistan and Iran. While Nowroz is being celebrated in several additional regions like Azerbaijan, Kazakhstan or Kirgizstan and partly also in Pakistan, Syria, Tajikistan, Georgia and Turkey - this 4-Track EP pays tribute to Afghan contemporary artists like singer-songwriter Calid, London based Elaha Saroor and rapper Khan all while referencing the golden era of Afghan psychedelic pop most prominently represented by Ahmad Zahir samples - and with that marking this special release as a contribution to preserving Afghan culture and tradition while Afghanistan"s recent brutal occupation by the Taliban continue to threaten and erase Afghan artistic tradition. Further "Nowroz 1401" was born out of the urgent feeling to uphold and celebrate an essential tradition of Persianate cultures so that the following generations of diaspora children don"t lose access to their cultural heritage while not being able to live or visit their countries of origin, where such holidays are institutionalized and therefore experienced as a community festivity.

Like a thief in the night, and almost 4 for years after his critically acclaimed full-length album Kabul Fire Vol 2, beat virtuoso Farhot has returned to the (crime) scene with his latest all-instrumental record "stealing from cats". While on his last LP, he took listeners on a journey to the dusty streets of his birthplace Kabul, he is now taking them along as he goes out stealing sounds from dusty Jazz archives. Reminiscent of that time when Blue Note invited Madlib into their catacombs to create the seminal "Shades of Blue" LP, this slow-paced record sees Farhot eclectically fusing Jazz samples with downtempo, instrumental hip-hop art. From the hazy, chopped vocal samples of the intro tune "selfish" to the dreamy closer "they need me", this 12-song masterpiece is as much an homage to the virtuosity of Jazz cats as it is to the fine art of sampling that Farhot cheekily calls stealing.

Debut EP from producer Farhot as his alter-ego Fuchy. It is this professionalism and versatility that makes the 420 EP so damn good. Whether on the grandiose single "Don"t You Hold Me" that features unique flute tones or whether a female voice sample on "In Love" finally rising completely to the beat of the drums: Fuchy never disappoints. With 420 Fuchy aka Farhot delivers yet another strong piece of music without losing touch to the zeitgeist.

After two EP releases and a few millions streams later, Hamburg based songwriter, producer and visual artist KUOKO is about to drop her debut self-titled album. Released via Kabul Fire Records this album is brimming with energy and purpose, the singles such as Perfect Girl and Strong Girls Don"t Cry see KUOKO channeling her frustrations with society"s demands of women, and the impact that it can have on them. As a Vietnamese-German woman KUOKO is claiming her own place in an industry that often doesn"t represent women in the complex and fluid ways in which they actually exist and create music - self-taught, conceptual, ambitious.

Mit "Off Grid" liefert wacho den perfekten Soundtrack zur Entschleunigung. Der Track bricht mit dem digitalen Überfluss und setzt auf warme, atmosphärische Texturen, die ihre volle Wirkung erst auf dem Plattenteller entfalten. Musikalisch bewegt sich die Veröffentlichung zwischen organischem Downtempo und minimalistischen Lo-Fi-Beats. Es ist Musik für die Momente, in denen der Rest der Welt stummgeschaltet wird - analog, tiefgründig und zeitlos. Erhältlich als exklusive Vinyl-Edition für alle, die Klangqualität nicht nur hören, sondern auch fühlen wollen. Ein Must-have für Sammler und Liebhaber kuratierter Electronic-Sounds.

Diles Que No Me Maten sind eine fünfköpfige Band aus Mexiko-Stadt, deren vom Krautrock beeinflusster Art-Rock sich zu etwas wirklich Einzigartigem entwickelt hat - drahtig, poetisch und voller Improvisationslust. Ihr viertes Album ,Escrito en Agua" (Geschrieben im Wasser), ist ihr bisher fokussiertestes und zugänglichstes Werk, aufgenommen in einem provisorischen Studio in Santa María La Ribera mit Produzent Sebastián Rojas. Aufgebaut um zurückhaltendes Schlagzeugspiel, bewusste Pausen und die spirituelle Schwere der Begräbnismusik aus Oaxaca, bewegt sich das Album mit einer gemächlichen Selbstsicherheit, die sich hart erkämpft anfühlt. Thematisch ist ,Escrito en Agua" ein Album über Präsenz, Umherirren und Widerstandskraft - Songs, die mit Mehrdeutigkeit leben, anstatt sie aufzulösen. Die Lead-Single ,Hiriku" gibt den Ton an und verbindet frenetischen Krautrock mit Zeilen aus José Vicente Anayas visionärem Gedicht ,Híkuri", während der herausragende Track ,No me" ein Mantra der Selbstsicherheit in etwas weitaus emotional Komplexeres verwandelt. Gewidmet sowohl dem indigenen Morgenstern Tunuwame als auch dem palästinensischen Dichter Mahmoud Darwish, endet das Album so, wie es beginnt: still und transzendent, mit achtsamer Aufmerksamkeit für die kleinsten Details dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Quartier Celeste is a unique project in today’s landscape: here’s Premier Voyage, an album that goes beyond music to offer a complete universe, almost an autonomous mythology, which unfolds through music, lyrics, videos, and a collection of visual artifacts.

It all began with a revelation: the discovery of NASA’s sound archives, recordings collected during space missions to the outer
reaches of the solar system. What can be heard as we approach the Sun? What sound does a black hole produce when its electromagnetic activity is translated into audible frequencies? What does Jupiter's fifth moon whisper through the instruments of
a probe?

From track to track, we drift through an immense space — sometimes calm, almost meditative, sometimes shaken by cosmic storms. We encounter supernovas, cosmic rays, magnetic fields, stellar winds, and clouds of antimatter. The infinitely large rubs shoulders with the infinitely intimate: the fragile, close voice offers a human counterpoint to these titanic forces. The whole is mystical, contemplative, punctuated by bursts of noise, areas of shadow, and flashes of light amid vast areas of darkness.

Newly signed to Heist or Hit (Westside Cowboy, Her’s, Nature TV), Georgian's forthcoming debut EP 'Crackled Grounds' reads like an anthology in the vein of The Ballad of Buster Scruggs. These aren’t just songs, but scenes, self-contained worlds that glimmer with strange detail before dissolving into mirage. “We recorded on a farm just north of Amsterdam” states James. “It gave us space and focus and helped us channel the Western feel we wanted to impress upon the tracks. Arno gave us lots of pedal board options and guitar choices. Those things in particular helped us fine-tune the sound we were chasing.” The resulting collection chronicles the ups and downs of existence and blooms with natural imagery. ‘Strike a Wound’ seethes with revenge. The slow attack on the guitars has the onomatopoeic effect of enacting each blow. ‘Crackled Grounds’ conjures an apocalyptic wilderness that wouldn’t be out of place on the ‘Kill Bill’ soundtrack. ‘Medusa’ is a parable of strong women overcoming obstacles and jolts with the energy of those early Johnny Cash Sun recordings. ‘Gardens’ lingers on the awkward tenderness of running into a long-lost lover; while ‘Californian Jeans’ pays homage to denim as talisman, armour, and second skin.

The Mamas & The Papas were formed by husband and wife John and Michelle Phillips, formerly of The New Journeymen, and Denny Doherty, formerly of The Mugwumps. The last member to join was Cass Elliot, Doherty's bandmate in The Mugwumps. The group considered calling itself The Magic Cyrcle before switching to The Mamas and the Papas as apparently inspired by the Hells Angels, whose female associates were called "mamas".

They released a total of five studio albums and seventeen singles over a four-year period, six of which made the Billboard top ten, and sold close to 40 million records worldwide. The band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998 for their contributions to the music industry.

The band’s first single, “Go Where You Wanna Go”, was released in 1965. The second single, “California Dreamin’”, was released later in 1965 and quickly peaked in the charts. The band’s album, If You Can Believe Your Eyes And Ears, was released in March 1966 and became the band’s only number 1 album on the Billboard 200. The third and final single from their debut was “Monday, Monday”, which became the band’s only US number 1 hit. The song brought the band international success.

Collected is a perfect overview of the multiple classic hits and tracks throughout the career of The Mamas & The Papas and complimented with several popular tracks by Mama Cass Elliot.

Music On Vinyl proudly presents a special edition of The Mamas & The Papas Collected compilation, which is available as a limited edition of 5.000 individually numbered copies on blue vinyl, and includes a booklet with liner notes.

The second OM album, Conference of the Birds, also features Al Cisneros and Chris Hakius, with production by OM, originally released in 2006 on Holy Mountain. With Billy Anderson (of the Melvins, among others), they deliver an intelligent, hypnotic doom drone album featuring elements of dub and psychedelia, alongside monotonous vocals. Two tracks: minimalist and a logical continuation of Sleep"s sound.

The second OM album, Conference of the Birds, also features Al Cisneros and Chris Hakius, with production by OM, originally released in 2006 on Holy Mountain. With Billy Anderson (of the Melvins, among others), they deliver an intelligent, hypnotic doom drone album featuring elements of dub and psychedelia, alongside monotonous vocals. Two tracks: minimalist and a logical continuation of Sleep"s sound.

Cloud Machines is the extraordinary debut collaboration between M.C. Schmidt of legendary electronic duo Matmos and John Berndt, the Baltimore avant-garde institution and band leader behind High Zero Festival, the Red Room collective, Geodesic Gnome, and radical sonic concepts like Spectral Relay (a bespoke signal processing architecture) and Relabi (a conceptual genre defined by a Rorschach-blot pulse. These two iconoclasts have delivered something genuinely unexpected: an oddly sweet electronic opus that"s as immediately engaging as it is a series of delicious puzzles. When two of experimental music"s most irascible characters spend twelve years crafting an album, you don"t just get another release - it is an anthology of pocket universes. The record is a love letter to two of their strongest mutual influences of the 1980s - the delirious comic books of French auteur Jean Giraud (AKA Moebius) and the beautiful miniatures of the SKY Records Cluster/Eno/Conny Plank collaborations. Cloud Machines honors the spirit of those ineffably "hermetic" creations by reinventing their legacy through the lens of decades of accumulated experimental practice and the duo"s singular creative personalities. The result feels simultaneously like rediscovering a lost classic from 1978 and receiving a transmission from an alternate, somehow better timeline in 2026. Yet unlike so much "difficult" experimental music, Cloud Machines maintains an uncanny and sneaky accessibility - each track a self-contained world, inviting and alien in equal measure.

Cloud Machines is the extraordinary debut collaboration between M.C. Schmidt of legendary electronic duo Matmos and John Berndt, the Baltimore avant-garde institution and band leader behind High Zero Festival, the Red Room collective, Geodesic Gnome, and radical sonic concepts like Spectral Relay (a bespoke signal processing architecture) and Relabi (a conceptual genre defined by a Rorschach-blot pulse. These two iconoclasts have delivered something genuinely unexpected: an oddly sweet electronic opus that"s as immediately engaging as it is a series of delicious puzzles. When two of experimental music"s most irascible characters spend twelve years crafting an album, you don"t just get another release - it is an anthology of pocket universes. The record is a love letter to two of their strongest mutual influences of the 1980s - the delirious comic books of French auteur Jean Giraud (AKA Moebius) and the beautiful miniatures of the SKY Records Cluster/Eno/Conny Plank collaborations. Cloud Machines honors the spirit of those ineffably "hermetic" creations by reinventing their legacy through the lens of decades of accumulated experimental practice and the duo"s singular creative personalities. The result feels simultaneously like rediscovering a lost classic from 1978 and receiving a transmission from an alternate, somehow better timeline in 2026. Yet unlike so much "difficult" experimental music, Cloud Machines maintains an uncanny and sneaky accessibility - each track a self-contained world, inviting and alien in equal measure.

Irgendwann um das Jahr 2024 tauchte Vorhex Angel scheinbar aus dem Nichts auf: keine Social-Media-Präsenz, keine Identitäten, lediglich ihr Name tauchte hier und da auf einem Flyer in Nashville oder New Orleans auf. Wer neugierig genug war, um ihre Live-Show zu besuchen, konnte mit einer Vielzahl unerwarteter Dinge konfrontiert werden, die die Sinne anregten: aufwendige Bühnenbilder, Stroboskoplichter (oder alternativ völlige Dunkelheit), brennende Gegenstände, vor dem Auftritt eingenommene Rauschmittel. Die Musik bei diesen Auftritten passte zu dem Mysterium. Sie war laut, unberechenbar und verdammt viszeral. Wenn die beiden Live-Veröffentlichungen der Gruppe und ihr Debüt ,Heavenly" tatsächlich viszeral sind (Raven Sings the Blues nannte sie ja ,Erben des Strudels von High Rise"), dann ist der Nachfolger ,Drain" sicherlich ihr intellektuelles Werk. Seine sieben Tracks führen den Hörer vom Morgen bis zur Nacht, ein weitläufiges experimentelles Doppelalbum mit überlebensgroßen Gitarrensoli, spacigen Drone-Exkursionen und Momenten von kraftvoller Intensität durch das gesamte Werk. Zum ersten Mal sehen wir, wie Vorhex Angel ihren hämmernden Klangangriff gegen stimmungsvolle und dramatischere Gefilde eintauschen. Die Band - bestehend aus den Brüdern Jake und Jamin Orrall von JEFF the Brotherhood und Kunal Prakash von Silver Synthetic - erweitert die Grenzen des Vorhex-Angel-Konzepts, lädt neue Musiker in ihren Kreis ein, geht mehr Risiken ein und erntet dafür umso mehr. ,Drain ist keine Musik, die man im Hintergrund beim Kochen laufen lässt", warnt Kunal, bevor er zwinkert: ,Vielleicht ist sie etwas für besonders abenteuerlustige Köche." Vorhex Angel verspricht, dass noch mehr kommen wird. Mehr Jams, mehr unerwartete Wendungen - allein in diesem Jahr können wir mindestens eine Tour und mindestens zwei (!) weitere Alben erwarten. Vorerst gibt es ,Drain" zu feiern, sich damit auseinanderzusetzen, damit der Hörer wie die Musik selbst ein- und ausatmen kann, mit reichlich Raum für gedankliche Kontemplation. SPA Sometime around 2024, Vorhex Angel emerged seemingly out of the ether: no social media presence, no identities, simply their name popping up in Nashville or New Orleans on a flyer here and there. Those with enough curiosity to attend their live show could be met with any number of unexpected things to spike the senses: elaborate stage dressing, strobe lights (alternatively, complete darkness), burning things, pre-performance ingestibles. The music at those functions matched the mystery. They were loud, unhinged, and visceral as all hell. If the group's two live releases and debut Heavenly are indeed visceral (Raven Sings the Blues did name them "heirs to the maelstrom of High Rise"), then followup Drain is surely their cerebral offering. Its seven tracks guide the listener from morning to night, a sprawling experimental double album with larger than life guitar solos, spaced-out drone excursions, and moments of potent intensity throughout. For the first time, we see Vorhex Angel trade their pummeling sonic onslaught for moody and more dramatic pastures. The band-revealed to be brothers Jake and Jamin Orrall of JEFF the Brotherhood and Silver Synthetic's Kunal Prakash-push the parameters of the Vorhex Angel concept outward, inviting new players into their circle, adding more risk and generating more reward. "Drain is not in-the-background cooking-type music," warns Kunal, before winking: "Maybe it is for particularly adventurous chefs." Vorhex Angel promises there will be more. More jams, more left turns-just this year, we can expect at least one tour and at least two (!) more albums. For now, there is Drain to celebrate, to sit and chew on, to allow the listener to breathe out and in like the music does, with ample room for cerebral contemplation.

Ghost Funk Orchestra are a mystery. Plain and simple. Dirty, soulful production, verbed and fuzzed out guitars, mysterious vocals that feel like a lost score to a Quentin Tarantino film. The brainchild of one-man producer/musician/arranger Seth Applebaum, GFO is forging new territory and blurring the line between soul and psychedelic.

Für Ihre politischen und gesellschaftlichen Entscheidungen von gestern, heute und morgen gibt es nun einen neuen, verlässlichen Anbieter. Wir kündigen zum nächstmöglichen Zeitpunkt den Wechsel zu der FLINTA-geführten Institution DIE BEHÖRDE aus Bremen an. Als erster amtlicher Schritt wird die Musikproduktion mit dem Titel DER LETZTE ARBEITGEBER erscheinen. Darin enthalten: acht exklusive Stücke mit einer flüchtigen Spielzeit von knapp 20 Minuten. Düster, punkig, relevant und mit dem nötigen Bremer Ernst vorgetragen. Textlich wird der sich erhärtende Verdacht, im falschen Leben zu sein, mit wütender Ehrlichkeit von der Straße gesammelt. Unbewältigt stehen Themen wie Diskriminierung, patriarchale Dominanz und Migrationsfeindlichkeit auf der Tagesordnung. Eiskalte, angriffslustige und hallende Gitarren prallen auf mäandernde Basslinien und pointiert-scharfes Drumming, während der Gesang in aller Dringlichkeit verwüstet, zerstört und wieder heilt. Die Anmut der hier vorgetragenen dienstlichen Beschwerde liegt in der Hoffnung, dass die Lösung nur ein paar Straßenbahnhaltestellen entfernt liegt. Ausführung und Qualität erinnern an Musikgruppen wie Berlin 2.0, Rauchen, Pogendroblem oder Frustwut. Damit ist DIE BEHÖRDE unabdingbarer Bestandteil des derzeit verfügbaren, hochwertigen und notwendigen Bildungsangebots. Ausrufezeichen!