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Obwohl ANTROPOMORPHIA für "Devoid of Light" insgesamt zweieinhalb Jahre im Studio verbrachten haben, verloren sie dabei nie ihre Vision aus den Augen: Nämlich eine Vielzahl von harten musikalischen Texturen, einschließlich fanatischer Aggression, misanthropischer und nihilistischer Texte mit dunklen Emotionen wie Wut, Verzweiflung und Schmerz zu dunklen und bedrückenden Klanglandschaften zu kombinieren. ANTROPOMORPHIA wurden 1990 im niederländischen Tilburg aus der Gruft gehoben. Als Pioniere ihres Genres wurden sie schnell zu einem Fundament der Death Metal Szene in den Niederlanden. Trotz gelegentlicher Unterbrechungen konnten ANTROPOMORPHIA ihren Status als Underground-Ikonen mit einer Reihe gefeierter Veröffentlichungen kontinuierlich festigen. Ihre kompromisslose Herangehensweise und der sich ständig erweiternde Malstrom musikalischer Texturen brachte einen stetig wachsenden Einfluss von Black Metal Elementen in die musikalische und visuelle DNA der Niederländer. Jetzt kehren ANTROPOMORPHIA mit "Devoid of Light" zurück und zeigen der Welt, dass sie immer noch danach dürsten, die Grenzen der Death Metal Szene zu überschreiten. Dreht die Regler auf 10 und lasst dieses monströse Album von der Leine!

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

Im März 2015 veröffentlichte Sufjan Stevens Carrie & Lowell - sein bisher persönlichstes Album. Das mit einer unerwartet klaren Vision präsentierte Album war eine Rückkehr zu Sufjans Folk-Wurzeln und zeichnete sich durch eine bewusste, sparsame Instrumentierung aus. Das Album war ein sofortiger Erfolg bei den Kritikern, und in den folgenden Jahren sollte sich die Musik unaufhaltsam in unsere Kultur einweben. Diese Deluxe-Edition enthält ein erweitertes Doppel-LP-Album mit sieben bisher unveröffentlichten Bonustracks, einem 40-seitigen Kunstbuch und einem neuen Essay von Sufjan. Diese Ausgabe bietet außerdem ein alternatives Cover: eine gerahmte Version des Original-Polaroids, das herausgezoomt wurde, um die in Kinderhandschrift geschriebene Bildunterschrift "Carrie & Lowell" zu zeigen, die den Ursprung des Albumtitels verrät (sie wurde von Sufjans Schwester Djamilah geschrieben). Das von Sufjan gestaltete 40-seitige Booklet enthält verschiedene Collagen alter Familienfotos aus vier Generationen, die mit Kunstwerken und Zeichnungen (zu den Themen Tod, Sterben, Trauer und dem Bundesstaat Oregon) sowie mit Landschaftsaufnahmen kombiniert wurden, die Sufjan vor über zehn Jahren auf einer Reise durch den Westen der USA gemacht hat. Das Originalalbum ist auf der ersten Disc, während die zweite Disc 40 Minuten an Extras enthält, darunter Demo-Versionen von "Death With Dignity", "Should Have Known Better", "The Only Thing" und "Eugene". Ausgedehnte Outtakes von 'Fourth of July' und 'Wallowa Lake Monster' sind ebenfalls enthalten, beide mit einer eher filmischen Stimmung. Das letzte Juwel ist das Original-Demo von "Mystery of Love", das von den ursprünglichen Carrie & Lowell-Albumsessions stammt, aber später für Luca Guadagninos Film "Call Me By Your Name" überarbeitet und neu aufgenommen wurde. Die vorliegende Demoversion enthält Sologitarre und Gesang mit leicht verändertem Text. "Carrie & Lowell" war das Ergebnis eines immens schwierigen Prozesses, in dem Sufjans Songwriting ihn nach dem Tod seiner Mutter im Stich ließ. Die seltene Übergabe der Produktionsaufgaben an Thomas Bartlett führte ihn schließlich aus einem Kreislauf kreativer Zweifel heraus. Im Ringen mit Dunkelheit und Verwüstung, Leben und Tod konnte Sufjan schließlich beginnen, der Schönheit und Hässlichkeit der Liebe einen Sinn zu geben. Sufjan ging mit dem Album auf Tournee und brachte seine Erkenntnisse persönlich mit seinen Zuhörern in Verbindung, so dass es zu einer Art Übergabe kam - die Songs wurden zu denen der Zuhörer und deren Leben, Verluste und Komplexität. Nach der Veröffentlichung des Albums wurde die Live-Tournee in ein Live-Album umgewandelt, das so überraschend feierlich und kathartisch ist, dass es zu etwas ganz anderem wird. Outtakes, Remixe und iPhone-Notizen wurden auf Sufjans "The Greatest Gift"-Mixtape veröffentlicht, ebenso wie eine Sammlung von "Fourth of July"-Versionen, die einen Moment des Albums aufgriffen und jede seiner Ecken und Kanten ausloteten. Zehn Jahre später geht diese Jubiläumsausgabe anders vor als diese anderen Schätze. Anstatt das Album zu dekonstruieren oder darauf aufzubauen und sein Vermächtnis fortzuführen, führt diese Ausgabe den Hörer zurück zu den Momenten, die zur Veröffentlichung des Albums führten und diese einschlossen. "Carrie & Lowell" wird noch einmal in seiner vollen Form präsentiert, zusammen mit einem Blick auf die verschiedenen Wege, die es hätte einschlagen können. Es gibt neue Ecken zu erforschen, fotografische Umsetzungen von Momenten, die zuvor nur lyrisch gemalt wurden, direkte Reflexionen des Schöpfers des Albums, eine subtil andere Gewichtung bestimmter Silben, die aus Sufjans Gedanken sprechen, kurz bevor er sie mit der Welt teilte.

Im März 2015 veröffentlichte Sufjan Stevens Carrie & Lowell - sein bisher persönlichstes Album. Das mit einer unerwartet klaren Vision präsentierte Album war eine Rückkehr zu Sufjans Folk-Wurzeln und zeichnete sich durch eine bewusste, sparsame Instrumentierung aus. Das Album war ein sofortiger Erfolg bei den Kritikern, und in den folgenden Jahren sollte sich die Musik unaufhaltsam in unsere Kultur einweben. Diese Deluxe-Edition enthält ein erweitertes Doppel-LP-Album mit sieben bisher unveröffentlichten Bonustracks, einem 40-seitigen Kunstbuch und einem neuen Essay von Sufjan. Diese Ausgabe bietet außerdem ein alternatives Cover: eine gerahmte Version des Original-Polaroids, das herausgezoomt wurde, um die in Kinderhandschrift geschriebene Bildunterschrift "Carrie & Lowell" zu zeigen, die den Ursprung des Albumtitels verrät (sie wurde von Sufjans Schwester Djamilah geschrieben). Das von Sufjan gestaltete 40-seitige Booklet enthält verschiedene Collagen alter Familienfotos aus vier Generationen, die mit Kunstwerken und Zeichnungen (zu den Themen Tod, Sterben, Trauer und dem Bundesstaat Oregon) sowie mit Landschaftsaufnahmen kombiniert wurden, die Sufjan vor über zehn Jahren auf einer Reise durch den Westen der USA gemacht hat. Das Originalalbum ist auf der ersten Disc, während die zweite Disc 40 Minuten an Extras enthält, darunter Demo-Versionen von "Death With Dignity", "Should Have Known Better", "The Only Thing" und "Eugene". Ausgedehnte Outtakes von 'Fourth of July' und 'Wallowa Lake Monster' sind ebenfalls enthalten, beide mit einer eher filmischen Stimmung. Das letzte Juwel ist das Original-Demo von "Mystery of Love", das von den ursprünglichen Carrie & Lowell-Albumsessions stammt, aber später für Luca Guadagninos Film "Call Me By Your Name" überarbeitet und neu aufgenommen wurde. Die vorliegende Demoversion enthält Sologitarre und Gesang mit leicht verändertem Text. "Carrie & Lowell" war das Ergebnis eines immens schwierigen Prozesses, in dem Sufjans Songwriting ihn nach dem Tod seiner Mutter im Stich ließ. Die seltene Übergabe der Produktionsaufgaben an Thomas Bartlett führte ihn schließlich aus einem Kreislauf kreativer Zweifel heraus. Im Ringen mit Dunkelheit und Verwüstung, Leben und Tod konnte Sufjan schließlich beginnen, der Schönheit und Hässlichkeit der Liebe einen Sinn zu geben. Sufjan ging mit dem Album auf Tournee und brachte seine Erkenntnisse persönlich mit seinen Zuhörern in Verbindung, so dass es zu einer Art Übergabe kam - die Songs wurden zu denen der Zuhörer und deren Leben, Verluste und Komplexität. Nach der Veröffentlichung des Albums wurde die Live-Tournee in ein Live-Album umgewandelt, das so überraschend feierlich und kathartisch ist, dass es zu etwas ganz anderem wird. Outtakes, Remixe und iPhone-Notizen wurden auf Sufjans "The Greatest Gift"-Mixtape veröffentlicht, ebenso wie eine Sammlung von "Fourth of July"-Versionen, die einen Moment des Albums aufgriffen und jede seiner Ecken und Kanten ausloteten. Zehn Jahre später geht diese Jubiläumsausgabe anders vor als diese anderen Schätze. Anstatt das Album zu dekonstruieren oder darauf aufzubauen und sein Vermächtnis fortzuführen, führt diese Ausgabe den Hörer zurück zu den Momenten, die zur Veröffentlichung des Albums führten und diese einschlossen. "Carrie & Lowell" wird noch einmal in seiner vollen Form präsentiert, zusammen mit einem Blick auf die verschiedenen Wege, die es hätte einschlagen können. Es gibt neue Ecken zu erforschen, fotografische Umsetzungen von Momenten, die zuvor nur lyrisch gemalt wurden, direkte Reflexionen des Schöpfers des Albums, eine subtil andere Gewichtung bestimmter Silben, die aus Sufjans Gedanken sprechen, kurz bevor er sie mit der Welt teilte.

SoiSong ist das helle, atemberaubende und kurzlebige Projekt, das 2007 von Ivan Pavlov (CoH) und Peter ,Sleazy" Christopherson (von Coil) gegründet wurde. Das Duo kombinierte Pavlovs kompromisslos visuelle digitale Ästhetik mit Sleazys dekadenter, düsterer und skurriler Herangehensweise an die Kreation. Die beiden benannten das Projekt nach dem thailändischen Wort für `zwei' (Song) sowie nach den schäbigen Rotlichtvierteln ("düstere Soi / Gasse") von Bangkok. Gemeinsam entwickelten sie eine einzigartige, elegante, aber eher kryptische Musiksprache. Das Debütalbum "xAj3z" von SoiSong ist eine digitale Referenz an den Jazz: scheinbar akustische, überschäumende, Grenzen sprengende, digitale Unterhaltung, in der Lichtstrahlen und tropische Hitze mit Nullen und Einsen unterlegt sind. Das Album ist ein definierendes Statement und ein Wegweiser für die Möglichkeiten in der (damals) entstehenden Musiklandschaft der späten 2000er. Ohne den Wunsch, kommerziell zu sein, war SoiSong nicht an die Konventionen einer einfach zu definierenden Verschlagwortung verpflichtet, und in ihrem eigenen, ,neuen, noch nicht kategorisierbaren Genre", wobei "xAj3z" ein Meisterwerk ist. "xAj3z" mischt frei Musikstile und kombiniert verschiedene Ansätze des Musizierens: Künstliche Vokalisten werden von echten Drums begleitet, Jazz-Noir-Arrangements treffen auf die zarte Melodik der Südsee, und Computer werden warm und organisch zum Klingen gebracht. Das Album zeigt keine offensichtliche Genre-Definition und zielt darauf ab, mit dem Hörer auf höchster emotionaler Intensität zu kommunizieren, oft lyrisch, manchmal dunkel, manchmal amüsant und sogar erhebend.

SoiSong ist das helle, atemberaubende und kurzlebige Projekt, das 2007 von Ivan Pavlov (CoH) und Peter ,Sleazy" Christopherson (von Coil) gegründet wurde. Das Duo kombinierte Pavlovs kompromisslos visuelle digitale Ästhetik mit Sleazys dekadenter, düsterer und skurriler Herangehensweise an die Kreation. Die beiden benannten das Projekt nach dem thailändischen Wort für `zwei' (Song) sowie nach den schäbigen Rotlichtvierteln ("düstere Soi / Gasse") von Bangkok. Gemeinsam entwickelten sie eine einzigartige, elegante, aber eher kryptische Musiksprache. Das Debütalbum "xAj3z" von SoiSong ist eine digitale Referenz an den Jazz: scheinbar akustische, überschäumende, Grenzen sprengende, digitale Unterhaltung, in der Lichtstrahlen und tropische Hitze mit Nullen und Einsen unterlegt sind. Das Album ist ein definierendes Statement und ein Wegweiser für die Möglichkeiten in der (damals) entstehenden Musiklandschaft der späten 2000er. Ohne den Wunsch, kommerziell zu sein, war SoiSong nicht an die Konventionen einer einfach zu definierenden Verschlagwortung verpflichtet, und in ihrem eigenen, ,neuen, noch nicht kategorisierbaren Genre", wobei "xAj3z" ein Meisterwerk ist. "xAj3z" mischt frei Musikstile und kombiniert verschiedene Ansätze des Musizierens: Künstliche Vokalisten werden von echten Drums begleitet, Jazz-Noir-Arrangements treffen auf die zarte Melodik der Südsee, und Computer werden warm und organisch zum Klingen gebracht. Das Album zeigt keine offensichtliche Genre-Definition und zielt darauf ab, mit dem Hörer auf höchster emotionaler Intensität zu kommunizieren, oft lyrisch, manchmal dunkel, manchmal amüsant und sogar erhebend.

Ihr neuestes Werk "The Regeneration Itinerary" ist eine transzendente Entdeckungsreise in die Dualität von Licht und Dunkelheit. Aufgenommen in den Hallen von SoundSpiral Audio und perfekt abgemischt im Necromorbus Studio, webt dieses Album eine Geschichte, die so alt ist wie die Zeit und doch erfrischend modern. Mit Tracks wie dem ätherischen, technolastigen "Inertiae" und dem eindringlichen "Förnyelse i Tre Akter" entfaltet sich Mathias Lillmåns' lyrisches Können über Timo Kontios und Antti Simonens meisterhaften Kompositionen, wobei jede Note vor existenziellen Überlegungen und messerscharfen Riffs trieft. Stell dir vor, du wirst von einem sibirischen Sturm umarmt, während du über den Kosmos nachdenkst - das ist die elektrisierende Wirkung, die diese Songs haben. Das herausragende "Prophetical Mercury Implement" bietet einen inbrünstigen Einblick in die Musikalität der Band und verspricht eine ebenso tiefgründige wie raue akustische Reise. Vom melodischen "I am Coin, I am Two" bis zum unerbittlich treibenden "The Fire in Which We Burn" navigiert diese Reise durch das empfindliche Gleichgewicht, in dem Schatten die Morgendämmerung küssen!

Ihr neuestes Werk "The Regeneration Itinerary" ist eine transzendente Entdeckungsreise in die Dualität von Licht und Dunkelheit. Aufgenommen in den Hallen von SoundSpiral Audio und perfekt abgemischt im Necromorbus Studio, webt dieses Album eine Geschichte, die so alt ist wie die Zeit und doch erfrischend modern. Mit Tracks wie dem ätherischen, technolastigen "Inertiae" und dem eindringlichen "Förnyelse i Tre Akter" entfaltet sich Mathias Lillmåns' lyrisches Können über Timo Kontios und Antti Simonens meisterhaften Kompositionen, wobei jede Note vor existenziellen Überlegungen und messerscharfen Riffs trieft. Stell dir vor, du wirst von einem sibirischen Sturm umarmt, während du über den Kosmos nachdenkst - das ist die elektrisierende Wirkung, die diese Songs haben. Das herausragende "Prophetical Mercury Implement" bietet einen inbrünstigen Einblick in die Musikalität der Band und verspricht eine ebenso tiefgründige wie raue akustische Reise. Vom melodischen "I am Coin, I am Two" bis zum unerbittlich treibenden "The Fire in Which We Burn" navigiert diese Reise durch das empfindliche Gleichgewicht, in dem Schatten die Morgendämmerung küssen!

Vier ehemalige Mitglieder der heiß geliebten, aber leider aufgelösten finnischen Band GHOST BRIGADE kamen Ende 2020 in ihrer Heimatstadt Jyväskylä zu einem Gespräch zusammen. Das Gespräch entwickelte sich bald in eine unerwartete Richtung, die am Ende zur Geburt von CERESIAN VALOT führte. Mit mehreren Songwritern und zwei Sängern, die auf Finnisch singen, war Gitarrist und Hauptsongwriter Wille Naukkarinen voller Zuversicht, dass sich der Musikstil der neuen Band von ganz allein in eine neue Richtung entwickeln würde. Die Zeit gab ihm Recht. Der Sound des Debütalbums "Uumen" ("Tiefen") entpuppt sich als sehr dynamisch, vielschichtig und mit einer breiten Palette von Klängen und Ideen. Stilistisch verschmilzt das Album unter anderem Alternative, Rock, Progressive und verschiedene Metal-Genres. Die in finnischer Sprache geschriebenen Texte auf "Uumen" kreisen um das Thema "Unsicherheit". Obwohl das Album oft düster und melancholisch wirkt, sind die Texte keineswegs apokalyptisch, sondern sie bieten auch Hoffnung und ein Licht am Ende des Tunnels an - auch wenn das nicht unbedingt hell erstrahlt. Da die Finnen in ihren Reihen Songwriter, Grafiker, Produzenten, Mixing & Recording Engineers und sogar einen Mastering Engineer haben, ist es kaum verwunderlich, dass die Band einen ausgeprägten DIY-Ethos pflegt. Mit "Uumen" brechen CERESIAN VALOT zu einer aufregend neuen musikalischen Reise auf, die etwas Altes, etwas Neues, etwas Geborgtes, etwas Dunkles und ein goldenes Talent für Songwriting mit sich führt: Wer "Uumen" mit offenen Ohren hört, wird mit subtiler Schönheit belohnt.

Limited edition test pressing, featuring Reggae legends...

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

Charlie Megira's self-reflexive final album found him far from his Beth She'an Valley home and surrounded by a new cast of Hillbillies. After spending 15 years toying with goth, sound collage, grunge, and dark wave, Boom Chaka Boom Boom is a sprawling mix of plunking country blues, Black Lodge terror, ambient montages, 17th century Lutheran hymns, and noodling spaghetti western kitsch. Deck his soul with gladness.

Dunkirk is a 2017 English-language war film written, co-produced and directed by Christopher Nolan (Interstellar, Memento, Insomnia, The Dark Knight Trilogy, Inception). The score is composed by multiple award winner Hans Zimmer (Interstellar, Batman V Superman, The Crown). On 5 April 2017, Zimmer revealed that he was nearly finished with the score, and that it would be complete by the start of his Hans Zimmer Live on Tour shows in May.

For the purpose of intensity, the script was written to accommodate the auditory illusion of a Shepard tone, which had previously been explored in Nolan's 2006 film The Prestige. This was coupled with the sound of a ticking clock, that of Nolan's own pocket watch, which he recorded and sent to Zimmer to be synthesized. The first pressing is individually numbered and pressed on transparent blue vinyl.

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.