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Elliott Smith's 'Division Day' is not only one of the late artist's most beloved fan favorite songs, it's also one of Smith's first departures away from the soft-spoken melancholy of his first two albums and into the more sophisticated pop that led to his breakout success. B-side 'No Name #6' is a classic in its own right, encapsulating the humble brilliance of one of our generation's greatest singer-songwriters.

'Pretty (Ugly Before)' b/w 'A Distorted Reality Is Now A Necessity To Be Free' holds the distinction of being the last recording by Elliott Smith to be released while he was still alive. Originally released as a single in August 2003, the songs were a part of the recording sessions that would ultimately yield the acclaimed posthumous album From A Basement On The Hill. The two songs serve as a powerful reminder of why Smith became the voice for a dejected generation.

„Twio“ hieß das fünfte Studioalbum des US-amerikanischen Tenorsaxofonisten Walter Smith III, das im
Februar 2018 bei Whirlwind Recordings veröffentlicht wurde. Der Titel war eine spielerische Wortschöpfung
aus „Trio“ und „Two“. Downbeat schrieb damals: „‘Twio‘ präsentiert den großartigen Tenorsaxophonisten in einem kompakten Trio-Setting. Sein Ton und seine Melodik sind umwerfend, gepaart mit reichem,
packendem Ideenreichtum“.
Für sein drittes Blue-Note-Album greift der Musiker jetzt das Konzept wieder auf und präsentiert mit
„Twio Vol. 2“ ein äußerst gelungenes Album mit klassischen Jazzstücken voll swingender Spielfreude. Das
Album besticht durch eine neue, wechselnde Besetzung mit Bassist Joe Sanders und Schlagzeuger Kendrick
Scott sowie Gastauftritten der Jazzlegenden Ron Carter am Bass und Branford Marsalis am Tenorsaxofon.

Ohne Frage zählen Kerrigan zu den vielversprechendsten deutschen Newcomern im Bereich des traditionellen Heavy Metal. Im Jahre 2019 in Freiburg von Bruno Schotten (Gitarre, Bass) und Jonas Weber (Gitarre, Gesang) gegründet, spielte man ein Jahr später ein Demo mit den eigenen Stücken „Intruders“, „Force And Will“ und „Heavy Metal 2020“ sowie eine Coverversion von „Rest In Peace“ des NWOBHM-Geheimtipps Wolf ein. Als »Heavy Metal 2020« wurden die Aufnahmen über Fucking Kill Records als Tape und Vinyl veröffentlicht (später noch einmal von High Roller Records). Für ihr Debütalbum »Bloodmoon« (2023) holte man sich als Session-Schlagzeuger den befreundeten Jonathan Döring ins Line-up (der mittlerweile neben dem neu hinzugestoßenen Jakob am Bass zur festen Besetzung gehört). Die Scheibe erhielt in der Fachpresse nahezu überall außergewöhnlich gute Reaktionen. Jetzt, drei Jahre später, ist es Zeit für mehr… Als kleinen Vorgeschmack auf das neue Album hat sich die Band dazu entschieden, eine limitierte 7“-Single zu veröffentlichen. Die A-Seite „The Ice Witch“ ist eine der eingängigsten Nummern des Albums während die exklusive B-Seite „You Just Haven’t Earned It Yet Baby“, eine atemberaubende Coverversion der britischen Indie-Band The Smiths um den charismatischen Sänger Morrissey, den ikonischen 80s Sound mit melodischem Heavy Metal verschmelzt.

Dr. John Chowning (b. 1934) is a pioneering computer musician, composer and professor who, in 1967, discovered the FM synthesis algorithm. This breakthrough in electronic music allowed for simple, yet rich timbres described as sounding "real." With this discovery, Chowning composed singular, dramatic electronic music and changed the timbre of music forever.

Chowning utilized the potential of computers to synthesize sounds according to programmed instructions. The composer's use of his own FM algorithms, digital synthesis with computers and the new compositional concepts offered by a programmable musical structure combine to create some of the most original and unique electronic music ever created.

The compositions on this LP were realized between 1966 and 1981 and the music on this LP, with the exception of Stria, was originally released on CD in Germany (Wergo, 1988). The version of Stria included here contains a section not included on the Wergo CD. Thus, this version of Stria is complete. This is the first time these purely digital recordings have been released on an analog medium. The original dynamics of these groundbreaking compositions have been preserved on this LP. As a result, listeners are advised to increase volume with caution.

In 1975, John Chowning founded the CCRMA - Center For Computer Research In Music and Acoustics at Stanford University. Through Stanford, Chowning licensed his groundbreaking algorithms to Yamaha resulting in numerous new instruments including the iconic DX series of keyboards. In 1972, his composition Tureens which is included on this LP, was the first to create the illusion of continuous 360-degree space using four speakers.

Technical Notes:

All pieces on this LP are originally quadrophonic. The illusion of moving sound sources is thus projected from the surrounding environment given by four loud-speakers on the stereo-basis.

STRIA was composed using Chowning’s own program to compile the musical structure into note-lists and MUSIC 10 (by D. Poole/Tovar) to generate the sounds in software-synthesis. The original quadrophonic version utilized 12 bits, two different sampling rates being used to accommodate the enormous amount of data on the magnetic disc-packs available at that time. The original sound-data was processed by sampling-rate conversion and digital mixes to achieve the stereo version presented on this LP.

SABELITH and TURENAS were synthesized originally using Smiths’ SCORE and MUSIC 10. However, their format was changed from direct sound-samples to a command stream for a special purpose computer, the System Concepts Digital Synthesizer, designed by Peter Samson, one of the first large-scale digital synthesizers for real-time sound processing - one was designed for CCRMA in the late seventies. For this recording the sounds were recorded directly from the synthesizer computing the samples in real-time.

PHONÈ was realized with the System Concepts Digital Synthesizer using again Chowning’s own program to create the note list.

The master tape of this LP was made directly from the computer system at CCRMA which generated and stored the sound data in digital format. No analog recording was involved at any stage of the production and editing process.

Here we have two luminaries of contemporary music, vocalist Audrey Chen and iconoclast guitar player Tashi Dorji, who both have proven themselves as key representatives of idiosyncratic music for the past 20 plus years.

Audrey, born into a family of material scientists, doctors and engineers, channeled those family genes through un-processed hyperextended voice, consequently transmutating her family's DNA into her very own sonic language of equal precision, discipline and creative power as her kins' professions.

Tashi, on the other hand, carries the mountains in his spirit: born in Bhutan, Southeast Asia, now residing in Ashville, North Carolina, close to the Appalachians. That earthly power is unmistakably present in his energetic guitar playing, which also incorporates folkloric elements of both his native country, and his homeland since 2000.

Those two strong musical personalities met on stage in the late summer of 2023 at Morphine Raum, Berlin. The fact that it took place in one of the birthplaces of techno music, seems to have pushed their performance towards an industrial, repetitive aesthetic of, at times, almost dancelike quality. However, as the track titles suggest, that classic forward pulsating rhythm, associated with electronic dance music, is bent at their heart's content, as are its appertaining clean melodies gnashed to smithereens.

Der postklassische Komponist, Klangkünstler und Kurator Matthew Patton ist mit seinem zweiten Album als Those Who Walk Away zurück. "Afterlife Requiem" ist eine Elegie für seinen Freund und Kollegen Jóhann Jóhannsson. Drones, Elektroakustik und fast vollständige Stille, extrahiert aus unvollendeten Aufnahmen auf Jóhannssons Festplatten, bilden die Grundlage für zwei Streichquintette - Ghost Orchestra (Reykjavík) und Possible Orchestra (Winnipeg) -, die in einem traurigen, langatmigen Werk verarbeitet und ausgelöscht werden. Patton hat auch wieder mit Andy Rudolph (Guy Maddin) und Paul Corley (Sigur Rós, Ben Frost) an der Koproduktion und dem Sounddesign gearbeitet, um eine brodelnde Körperlichkeit zu schaffen, die brodelnde Tiefen mit eindringlichen Bewegungen gespenstischer Streicher kontrastiert. ,Alles, was ich je geschrieben habe, ist ein Requiem. Alles ist ein Ende. Der Tod ist überall in dieser Musik präsent. In meinen Werken geht es um das Verschwinden - der Gegenwart, der Vergangenheit, von allem. Afterlife Requiem wird im Laufe seiner Dauer immer langsamer, es ist ein einziges großes Ritardando, die Zeit verlangsamt sich nicht nur, sie verschwindet. Ohne dass ich darüber nachgedacht hätte, ereigneten sich zwei miteinander verbundene Tragödien, die während des Schreibens, Aufnehmens und Arbeitens organisch an die Oberfläche kamen: der Tod meiner Mutter und der Tod des Komponisten und Freundes Jóhann Jóhannsson. Wenn ich mit dem Schreiben anfange, denke ich an nichts Bestimmtes, ich schreibe einfach, komponiere, nehme auf und höre zu ... aber irgendwas macht sich immer auf unvorhergesehene Weise bemerkbar oder drängt sich in den Vordergrund. Nach dem medizinisch assistierten Tod meiner Mutter wurde mir beim Ausräumen ihrer Wohnung klar, dass ich auch die physische Manifestation ihrer Welt auslöschte - und dass ich genau dasselbe mit der Musik tat, die ich schrieb und aufnahm. Während dieser Zeit wurde mir auch Jóhanns Tod immer wieder bewusst. Für Afterlife Requiem habe ich kurze, verlassene Fragmente aus Jóhann Jóhannssons Festplatten genommen und diese körperlosen Audio-Geister abwechselnd in meine eigene Musik eingebaut, wobei ich sie unrein gelassen habe - und dabei die Grenze zwischen Schaffen und Zerstören verwischt habe. Nach seinem Tod hatte ich diese Festplatten aus Jóhannssons Berliner Studio zum Anhören bekommen. Diese Musik war aufgegeben worden, in verschiedenen Stadien der Entstehung und Auflösung: ein Verzeichnis zerfallener und toter Erinnerungen, vergessen und jetzt nur noch in einer Reihe ineinandergreifender mechanischer Teile vorhanden, die mit der Zeit selbst versagen und verschwinden werden, wie alles andere auch. Monatelang hörte ich mir diese Überreste von Jóhanns Musik obsessiv an und versuchte, Hinweise auf Jóhann vor seinem Tod zu finden. Oft stellte ich fest, dass er das Aufnahmegerät noch lange nach Ende der aufgenommenen Musik laufen gelassen hatte. Er schien nicht zu bemerken, dass die Musik aufgehört hatte, oder registrierte nicht, dass dies das Ende der Musik war, oder vielleicht war er durch etwas anderes abgelenkt. Aber ich fand diese langen Stillephasen zutiefst emotional und berührend. Die verschwindenden Elegien von Afterlife Requiem sind weniger Musik als vielmehr Überreste von Musik. Auf diese Weise arbeite ich immer auf die Subtraktion von Bedeutung hin. Die Musik ist fern und verschwommen, beschädigt, geisterhaft und gespenstisch und deutet nur wie eine halb vergessene Erinnerung an das, was einmal existierte, eine verdichtete Darstellung von Verfall und Auslöschung. Ich habe dieses neue Stück von Anfang bis Ende mit diesen körperlosen Stillephasen aus Jóhanns eigenem Werk, Raum und Zeit unterlegt. Jetzt für immer verschwunden, bleibt seine aufgezeichnete Stille zurück; eine monumentale Leere, die der Welt verloren gegangen ist. Im gesamten Stück, insbesondere in den Abschnitten ,Memorial Environment", habe ich auch unzählige Geräusche aus der Natur integriert, von vulkanischer Lava über Lastenaufzüge bis hin zum menschlichen Blutfluss, dem Zischen von Turbinen und Selbstmordinjektionen. Der Künstler Robert Smithson sagte vor Jahrzehnten: ,Es ist die Dimension der Abwesenheit, die es noch zu finden gilt." Für mich misst diese Musik auch, wie die Zeit abläuft. Tatsächlich ist die Zeit bereits abgelaufen. Die Ewigkeit hat bereits begonnen." - Matthew Patton (Those Who Walk Away)

Vom Wall Street Journal als "eine der faszinierendsten Sängerinnen der modernen Musik" beschrieben, hat die in New York geborene und in Tamil Nadu aufgewachsene Sängerin und Multi-Instrumentalistin GANAVYA Details zu ihrem neuen Album "Daughter of a Temple" veröffentlicht, das am 15. November 2024 erscheinen soll. Das Album folgt auf ihren Auftritt bei SAULTs umjubeltem Live-Debüt 2023 in London, bei dem, laut The Guardian, ihre "Stimme eine zarte emotionale Kraft hatte, die selbst Stoiker zu weinenden Wracks machen konnte." Für "Daughter of a Temple" lud ganavya über 30 Künstler*innen verschiedener Disziplinen zu einer rituellen Zusammenkunft nach Houston ein. Dementsprechend sind auf dem entstandenen Album zahlreiche Mitwirkende zu hören, darunter renommierte Musiker*innen wie esperanza spalding, Vijay Iyer, Shabaka Hutchings, Immanuel Wilkins und Peter Sellars. Die Ergebnisse, eine innovative und zutiefst bewegende Mischung aus spirituellem Jazz und südasiatischer geistlicher Musik, wurden zunächst von Ryan Renteria aufgenommen und dann 2024 von Nils Frahm im LEITER Studio in Berlin weiter bearbeitet und abgemischt. ganavya ist die Autorin und Sängerin des ersten tamilischen Textes, der mit einem Latin Grammy ausgezeichnet wurde, sie war Sängerin in Vijay Iyers Ritual Quartet und Solosängerin auf dem von Quincy Jones produzierten "Tocororo", das Platz 1 der Jazz-Charts erreichte. Ihr letztes Album, "like the sky I"ve been too quiet", hat sie mit Shabaka Hutchings aufgenommen und versammelt Gäste wie Floating Points, Tom Herbert, Carlos Niño und Leafcutter John.

Formed in Southend in the late 90’s, Beatglider’s tale is a familiar one taking in early acclaim only for momentum and promise to be dashed by major label statis and indifference.

After the release of the debut long-player, ‘40 Days Of Summer’, in 1999 the band signed to Sony subsidiary Lakota and decamped to LA to record its follow-up, ‘Dreaming Of Roads’, an album that was never to see the light of day.

And now, over 20 years later, ‘Dreaming Of Roads’ eventually gets a deserved release on 28th February via the Arlen label. A beautiful 11-track understated delight which musically falls somewhere between the likes of Elliott Smith, Grandaddy, Yo La Tengo and Sparklehorse, the album has not only stood the test of time, but arguably sounds as fresh as ever in 2026.
The tracklisting of the album - recorded in Los Angeles at the famed Sound City studios - is as follows:

With `The devil's door' And Also The Trees, one true original Post-Punk/New Wave band, presents a quiet storm of an album. At times filmic, poetic and intense with an undercurrent of dark psychedelia. It completes a trilogy of works `The Bone Carver', `Mother-of-pearl Moon' and now `The devil's door' created by the current line-up. Here there are signature `And also the trees' poetic lyrics, orchestral guitar and soundtrack influenced songs inspired by newsreel, oil paintings and folklore. But with this work we have the addition of some surprising instruments that skew the album towards a world where John Barry meets Bela Bartok. And also the trees (AATT) formed during the original post-punk era in rural Worcestershire, an environment that has provided a constant inspiration to a group whose music has often explored the dark underbelly as well as the beauty of the British countryside. They are renowned for their captivating live performances, a unique style of mandolin-like electric guitar, evocative lyrics and dark jazz rhythms - not to mention a creative independence fiercely preserved for over four decades. Back then AATT immediately caught the attention of Robert Smith of The Cure, who invited them to tour with his group on several occasions. Smith was also involved with their early recordings alongside his bandmate Lol Tolhurst, who produced their first records. This longterm friendship and mutual respect was further solidified when AATT were invited to perform at the Robert Smith curated 2018 Meltdown festival in London. This July AATT appear as The Cure's special guests at the Nimes festival. Founded by singer Simon Jones and his guitarist brother Justin, AATT have maintained a continuous presence on the post-punk, and alternative rock scenes worldwide, with a solid fanbase e.g. in Germany.

Clear Vinyl in limitierter Auflage von 1500 Stück. Die renommierte US-niederländische Gospel-Soul-Künstlerin Michelle David & The True-tones läuten mit ihrem neuen Album ,Soul Woman", das am 27. Februar 2026 bei Record Kicks erscheint, ein neues Kapitel ein. Aufbauend auf dem von Kritikern gefeierten Album ,Brothers & Sisters" aus dem Jahr 2024, das die Komplexität der Welt widerspiegelte, wendet sich die neue LP ,Soul Woman" nach innen - eine zutiefst persönliche Auseinandersetzung mit Identität, Heilung und spiritueller Widerstandsfähigkeit. ,Wie kann ich andere bitten, sich Zeit zu nehmen, um über ihr Leben nachzudenken, wenn ich das selbst nicht tue?", fragt Michelle David. Dieser Geist der Selbstreflexion und Erneuerung steht im Mittelpunkt von ,Soul Woman" - einem Album, das Verletzlichkeit zulässt und gleichzeitig Stärke ausstrahlt. Musikalisch verfeinert ,Soul Woman" die charakteristische Mischung der Band aus Gospel, Soul und Vintage-Rhythm & Blues und schöpft dabei aus einer breiteren Palette von Einflüssen. Anklänge an Curtis Mayfield, Bobby Womack und The Four Seasons pulsieren durch die Grooves, während das Gospel-Feuer der Blind Boys of Alabama und die fröhliche Ausstrahlung von Diana Ross & The Supremes dem Album sowohl Schwere als auch Glanz verleihen. Im Mittelpunkt steht Michelle Davids unverwechselbare Stimme - rau, warm und voller Entschlossenheit -, umhüllt von reichhaltigen, analog geprägten Arrangements ihrer langjährigen Mitstreiter Paul Willemsen (Gitarre, Bassgitarre), Onno Smit (Gitarre, Bassgitarre) und Bas Bouma (Schlagzeug). Gemeinsam stehen Michelle David & The True-tones an der Spitze der Retro-Soul-Szene - sie verbinden zeitlose Grooves mit moderner Dringlichkeit, unerschütterlicher Authentizität und herzlicher Leidenschaft. Eine Stimme, geboren in der Kirche, geschliffen auf der Straße. Michelle David wurde in New York geboren und wuchs in der Kirche auf. Mit nur vier Jahren begann sie zu singen und trat mit fünf Jahren ihrer ersten Gruppe, The Mission of Love, bei. Ihre kraftvolle Stimme führte sie um die ganze Welt, wo sie in gefeierten Broadway-Produktionen wie Mama, The Sound of Motown, Glory of Gospel und Mahalia mitwirkte und mit Legenden wie Diana Ross und Michael Bolton Aufnahmen machte - alles bevor sie ihre gefeierte Reise mit The True-tones begann. Gemeinsam haben Michelle David & The True-tones sieben von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht und die Bühnen Europas erobert, von Pinkpop über North Sea Jazz bis hin zum London Jazz Festival. Die Band ist bekannt für ihre mitreißenden Live-Auftritte, hat von Spanien bis Skandinavien Standing Ovations erhalten, ist in großen Fernseh- und Radiosendungen aufgetreten und hat sogar bei den Olympischen Winterspielen 2022 gespielt. Ihre Aufnahmen wurden ebenso gelobt: The Gospel Sessions wurde für einen Edison Award (das niederländische Pendant zum Grammy) nominiert, während Truth & Soul aus dem Jahr 2020 von Craig Charles' BBC Radio 6 Music zum Album des Jahres und von FIP (Radio France) zum Album des Monats gekürt wurde. Ihr jüngstes Album, Brothers & Sisters (2024), markierte ihr Debüt bei Record Kicks und wurde zu einem Durchbruch - gefeiert von Rolling Stone France, KEXP, Jazzthing Magazine (Deutschland), De Volkskrant (Niederlande) und BBC 6 Music. Ein Zeugnis der zeitlosen Kraft des Soul: Mit ,Soul Woman" bieten Michelle David & The True-tones mehr als nur eine neue Platte - es ist ein musikalisches Zeugnis der Widerstandsfähigkeit, eine Feier des spirituellen Wachstums und eine Bekräftigung der Fähigkeit der Soulmusik, zu heilen, zu verbinden und zu inspirieren. Gleichzeitig in klassischen Traditionen verwurzelt und neue Wege beschreitend, ist dies zeitgenössischer Soul vom Feinsten. Für Fans von Durand Jones & The Indications, Thee Sacred Souls, Jalen Ngonda, Sharon Jones & The Dap-Kings, Lee Fields, Mavis Staples.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Grace Inspace Garner hat schon immer ein nomadisches Leben geführt. Geboren in LA und aufgewachsen in London, wuchs sie mit ihren umherziehenden Künstlereltern an verschiedenen Orten auf. Getreu ihrem Wanderlust-Geist entsteht ein Großteil ihrer Texte in einem Airstream-Wohnwagen am Ufer des Jedediah Smith Redwoods in Nordkalifornien, wo sie einst Jahre unter Marihuana-Bauern, Förstern und Schwarzbären verbrachte. Der Titelsong von Graces letzter EP „Sunshine Kid” wurde in einer weltweiten Kampagne von Celine verwendet, und ihre Musik wurde von führenden Medien wie Clash, The Fader und Coup De Main vorgestellt.


Ihre neue EP „Heavy Hair“ ist ihr bisher persönlichstes Werk. Der Titel stammt von einem Selbstporträt aus ihrer Kindheit, auf dem sie ein Mädchen zeichnete, das unter dem Gewicht ihrer eigenen Haare zusammengebrochen war. „Ich sagte meiner Mutter, ich hätte es gezeichnet, weil sich meine Haare mit all meinen Gedanken und Gefühlen zu schwer anfühlten“, erinnert sich Grace. Jeder Song auf dem Album deckt eine Seite von ihr auf, die vergraben oder vergessen war, und bildet eine introspektive Reise, die sowohl von Schmerz als auch von Freude geprägt ist. Jeder Song auf dem Album bringt eine Seite von ihr zum Vorschein, die vergraben oder vergessen war, und bildet eine introspektive Reise, die sowohl von Schmerz als auch von Freude geprägt ist.

Mia Zapata was the greatest rock singer of her time. She may have likely been the greatest blues singer in punk rock history, the woman who married the 78 and the '78. Tragedy did not make this true. Mia Zapata made this true, and the ferocious, spring-loaded shrapnel frame that was built around her by Andy Kessler (guitar: metronomic and furious), Matt Dresdner (bass: fluid, punching, beat-addicted and melodic), and Steve Moriarty (drums: martial and explosive) - who, with Mia, combined to form The Gits - made it true. The Gits were formed at Antioch College in Yellow Springs, Ohio in mid-1986, grabbing and swapping pieces of art, thrash, noise, punk rock, classic rock, and all the sorts of magical silly and bookish jingle bells that an old-school liberal arts education handed you; for the next few years they worked on turning it all into something tough, sensitive, both brutal and kind. Andy, Matt, Mia, and Steve moved to Seattle in middish 1989, landing in a house on Capitol Hill where they (and fellow travelers) wood-shedded and rehearsed for the next few years. The Gits put out three EPs in 1990 and '91 before signing with C/Z Records and releasing their first full-length album, Frenching the Bully. Seattle quickly claimed the quartet as their own and embraced the Gits blend of ferocious fangs and soft heart, the slug/slap of the guitars, and the gorgeous, soft underbelly of the poetic emotions. These qualities not only fit in with the doe-eyed/sharp-clawed grunge ethos but earned the Gits the respect of their peers, including Nirvana, who tapped them to open a major local show in 1990. Then other stuff happened, and their frantic, confessional barbed-heart snowball began rolling up hill very, very fast; the Gits "quickly" (hah! After half a decade learning to implode and explode hearts and stomping their boots on manifold beer-softened, Marlboro-weeded wood stages!) inspired rapture, awe, and the levitation that happened when peak emotion meets peak grindage in front of amps spitting out something that sounded like the mad marriage of Bolan swagger and Dischord tension_ all fronted by a genuinely incomparable woman who held her heart in her mouth and shared it, in all its celebration and fear, without hesitation. The Gits were an angry, inflamed slinky fully in tune with and tuned by the Bessie Patti Smith of her time, truly the only singer who could summon Joplin, Poly Styrene, Sam Cooke, Iggy Pop and Ian MacKaye all in the same goddamn song. In 1993, less than four weeks after accepting an offer from Atlantic Records, Mia died. I leave it at that, because this is not about death; it's about an extraordinary life. I do not say, "You should have been there," I say, "We are lucky so many of us were, and I am so glad we have this extraordinary evidence of the power and gifts of Mia and the Gits that you now can hold in your hands." And I note that Frenching the Bully, this extraordinary testament to the soul, shock, fury and feeling of the Gits, has been long out of print on vinyl and CD, and this new edition - remastered by legendary Seattle engineer Jack Endino - joyfully rectifies that. -Tim Sommer

Nachdem Ásgeir jahrelang mit Übersetzern wie John Grant zusammengearbeitet und die Poesie seines Vaters, Einar Georg Einarsson, vertont hat, betritt er nun neues Terrain: Zum ersten Mal in seiner langen und gefeierten Karriere hat er die Texte komplett selbst verfasst.

Ásgeir wird seit Langem für seinen detailreichen Folk-Pop, die opulente Produktion und sein sehnsüchtiges, gefühlvolles Falsett gefeiert. „Julia“ markiert eine Wende – nicht nur hin zu lyrischer Eigenständigkeit, sondern auch zu kathartischer Direktheit, mit Songs, die nicht nur meisterhaft vorgetragen, sondern auch durchlebt wirken. „Das war irgendwie das erste Mal, dass ich die Texte völlig allein geschrieben habe“, erzählt er. „Es war beängstigend. Ich versuche immer noch, mich darin zu finden. Aber ich habe versucht, mich zu öffnen, und habe in diesem Prozess viel gelernt. Es war auf jeden Fall therapeutisch für mich.“

Dieses neue Gefühl der Verletzlichkeit zieht sich durch die zehn Stücke des Albums, die über einen Zeitraum von fast zwei Jahren geschrieben und aufgenommen wurden. Viele der Songs entstanden zunächst auf der Gitarre, wobei Ásgeir auf Schlichtheit setzte und Melodie, Klarheit und Bedeutung in den Vordergrund stellte. Die Produktion, gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten Guðm. „Kiddi“ Kristinn Jónsson entwickelt, bleibt organisch und zurückhaltend – und gibt so Ásgeirs Stimme, und vor allem seiner Stimme als Songwriter, den nötigen Raum.

Der aus Nashville stammende Cellist Nathaniel Smith, den Ásgeir als „Zauberer“ beschreibt, steuert hier und im gesamten Album atmosphärische Klangteppiche bei. Mit improvisierten Melodien verleiht er den Stücken Leben und Tiefe – auf eine Weise, die Ásgeir sich zuvor nicht vorgestellt hatte.

Nanook of the North is back with their second album, following the enthusiastically received 2018 debut "Nanook of the North," (Denovali) The duo of a composer and violinist Stefan Wesołowski and electronic producer Piotr Kaliński were acclaimed by Boiler Room, The Wire or NPR. Bob Boilen of Tiny Desk Concerts called Nanook of the North's performance "one of the wow moments of SXSW". Their new material is a raw and minimalist sonic landscape, practically devoid of percussive elements but featuring vocals by an acclaimed mezzo-soprano Margarita Slepakova. As with the debut, the music on "Heide" is rooted in nature and its primordiality. The title of the album alludes to wildness and untamedness, and the material was recorded last winter in a village located in the middle of forests in the northern Poland, which is clearly felt in the atmosphere of the 9 new tracks on "Heide".

Stefan Wesołowski is a Polish composer and violinist, author of critically acclaimed original albums and film music scores. Associated with publisher Mute Song and record labels like Important Records, Lakeshore Records, Ici D'ailleurs and Back Lot Music. He is an author of original soundtrack to „Listen to me Marlon” (Universal) - Oscar-shortlisted and BAFTA-nominated documentary on Marlon Brando directed by Stevan Riley and original soundtrack to Irish feature film by Nathalie Biancheri entitled „Wolf” (Focus Features), starring Lily-Rose Deep and George MacKay, premiered 2021 at Toronto Interational Film Festival.

Piotr Kaliński is na electronic music producer and guitarist. Based in Gdańsk, Poland. Associated with record labels like R&S Records and Instant Classic. Member of Hinode Tapes, Hatti Vatti and JANKA bands. One of the most active figures in Polish alternative scene - in last few years he performed live in many countries across Europe, Japan, Korea and United States. Kaliński is an author of original music for short films, fashion brands campaigns like Calvin Klein or Paul Smith and games (i.e. „Cyberpunk 2077”).

Margarita Slepakova is a coloratura mezzo-soprano specialized in the field of historical practices of early music. Based in Switzerland, she is a renowned opera, concert, and recital singer, collaborating with ensembles and orchestras all over Europe. Slepakova is a founder of Le Sommeil project, specializing in French music of the 17th century. She sang in many concert halls and opera houses including Carnegie Hall and Royal Albert Hall during BBC Proms. Margarita also performs contemporary music and has premiered pieces written especially for her voic

“Tubby did three original dub albums, ‘Dub From The Roots’. ‘The Roots of Dub’ and the third is ‘Brass Rockers’ with Tommy McCook ‘pon the flying cymbals. Where he mixed it with the horn going in and out in a dub way and one named ‘Shalom Dub’ you can call Tubby’s too because he mixed the versions as they were off forty fives’’

Bunny ‘Striker’ Lee

King Tubby and Producer Bunny ‘Striker’ Lee are intertwined in the birth of Dub Music. After discovering a mistake that made a ‘serious joke’ (more of which later...) they went on to release the first pressings of this new musical genre namely ‘Dub Music’. Tubby’s vast knowledge of electronics and Bunny’s vast catalogue of rhythms would lay the foundations of what today is taken as a standard... the Remix / Version cuts to an existing vocal tune.

Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock was born in Kingston, Jamaica on 28th January 1941 and grew up in the High Holborn Street area of downtown Kingston. He studied electronics at Kingston’s National Technical College and also on two correspondence courses from the U.S.A... When he had qualified Tubby began repairing radios and other electrical appliances in a shack in the back yard of his mother’s home. His work in the early days included winding transformers and building amplifiers for Kingston’s Sound Systems. Tubby built his first Sound System in 1957 playing jazz and Rhythm & Blues at local weddings and birthday parties. His reputation as a man who knew and understood both electronics and music grew steadily and as the sixties drew to a close. Tubby
purchased his own basic two track equipment. He installed this alongside his dub cutting machine, a home-made mixing console, and his impressive collection of jazz albums in the back bedroom of his home at 18 Dromilly Avenue which he christened his music room.

Tubby and Striker were at Treasure Isle Studio’s one day while Ruddy from Spanish Town was working with the engineer Byron Smith....

“Tubby and myself was talking when Ruddy was cutting some dub but Smithy (engineer) made a mistake through we were talking and forgot to put in the voice. It was two track recording in those days. Ruddy said ‘No Man! Make it stay! and so they cut the rhythm. When I went over to Ruddy’s that Saturday night a dance was in progress and when they played the vocal to the tune... then he said we’re going to play ‘Part Two’. They never called it ‘Version’..and then he played the rhythm track. The song was a catchy song and everybody started to sing along and the deejay started to toast so everything went down well. On Monday morning I went up and I said ‘Tubbs the mistake we made was a serious joke.It mash up Spanish Town! The people went wild. So you have to start to do that now ‘cause when the man put on the ‘Part Two’ everyone start singing this song. It played about twenty times. I said you try Tubbs!’...Well the next Saturday night now when Tubby strung up down the farm U Roy said he’s going to play ‘Part Two’ but Tubby did it different now. He started with the voice then dropped it out and let the rhythm run and then he brought in the voice in the middle and from there Tubby started to get really popular.’’
Bunny ‘Striker’ Lee

Dynamic Sounds upgraded to sixteen track recording in 1972 and Tubby purchased, again with the help of a deal brokered by Bunny Lee. The old four track equipment and the MCI console from their Studio B. The four tracks now gave him far wider scope to work with and he began to create a new musical form where the bass and drum parts were brought up while the faders allowed Tubby to ease the vocal and rhythm in and out of the mix. It was only a matter of time before Tubby’s dub plate experiments began to make it on to vinyl and the first ever long-playing King Tubby releases would feature a collection of his mixes to a selection of Strikers rhythms. So please sit back and enjoy this historic set of sounds. Lovingly restored and with a few extra gems added to the CD Editions. These releases were the first to carry the name of King Tubby and the first to credit the great musicians that contributed so much to the rhythms that made these albums possible.

Reggae music in many ways reminds us of America’s Motown records. The music comes out of its stable fast and furious we tend to know the songs, the artists, the
studio but who? are the players. The unsung heroes that in many cases, cut most of our favourite tracks One such band this applies to in the Reggae field is the Soul Syndicate Band.

Each Jamaican record producer would have their favourite set of musicians they would use, availability permitting. Although several musicians crossed over into different named bands. For example, a set of players working with Producer Bunny 'Striker' Lee would go under the guise of The Aggrovators. The same group working with Producer Joe Gibbs would work under the name The Professionals. Soul Syndicate were the band of choice for Producer Niney the Observer, who used them for his own recordings and when you put that aside the other artists Niney produced, Dennis Brown, Max Romeo, Michael Rose, I Roy, The Ethiopians, Barry Brown, Gregory Issacs and Freddie McGregor.  To name a few and not necessary all, you begin to see the amount of material this set of musicians played on.

Built around the rhythm section of Calton 'Santa' Davis and George 'Fully' Fullwood, drums and bass respectfully. They were usually accompanied by Earl 'Chinna' Smith, Tony Chin on guitars, Keith Sterling, Gladstone 'Gladdy' Anderstone, Bernard 'Touter' Harvey, organ/keyboards and Noel 'Skully' Simms, percussion. Niney's tracks tended to be rhythm heavy and thus Sound System favourites.But when brass was needed/called for ,this was provided by the likes of Tommy McCook, Bobby Ellis, Felix ' Deadley Headley' Bennett. Niney not having a studio of his own at the time used most of Kingston's studios, again availability and money providing. But most of these cuts
selected for this release were cut at Channel 1 and a few exceptions at Randy's Studio 17 and at Joe Gibbs studio at Burns Avenue.

Niney also worked closely with King Tubby on his dub plates, so tracks after the recording sessions were taken to King Tubbys for reconstruction and sometimes
re-voicing over an existing rhythm. These were then used as version sides to the vocal cuts, but most importantly used to nice up the dances, being played out on King Tubbys Hometown Hi-Fi Sound System. We have pulled together a selection of such dub plate specials cut by the Soul Syndicate band for this release. Dub sides that emphasise how well the band worked together, and with Niney at the reigns and the added bonus of some Tubby magic sprinkled on top. Please see our Niney the Observer at King Tubbys 1973-1975 (JRO11) for further examples of this work.

We at Jamaican Recordings hope we are not alone in saluting the musicians, that played such a big part in producing many of our favourite Reggae Sounds. Having released titles by The Revolutionaries (JR003), The Aggrovators (JR005), Sly and Robbie (JR006), we are now pleased to release a selection of rare Dub cuts by another one of Jamaica's finest, the Soul Syndicate band to our catalogue...

Respect Jah Floyd.

Malena Zavala is an Argentinian-born, London-based artist, producer, and filmmaker, known for crafting ethereal, genre-blending music that navigates the space between her Latin heritage and her British upbringing. With the forthcoming album If This Life Could Start Again set for release on 30 January 2026 on Paraná Records, Zavala presents her most intimate, cohesive, and accomplished work to date, marking a significant evolution in her artistic journey.
With her new album, Malena creates an atmospheric dream pop world, weaving singer-songwriter intimacy with synth pop, Argentine folk, indiepop, rock and experimental music, threaded together by her blissful vocals and dreamy guitar work. Gorgeously warm and vivid, If This Life Could Start Again charts the journey from pain to acceptance, mapping out the non-linear nature of healing through a sonic landscape. Each song embodies a distinct emotion within that journey, from grief and chaos to feeling lost, seeking refuge, finding confidence, and finally acceptance and letting go. Drawing on her Argentinian roots, Malena uses the Andes mountains as both a visual and thematic anchor – the difficult climb towards higher ground becomes a metaphor for healing, whilst being lost at rock bottom reflects the darkest moments of the journey. 
Completely composed and performed by Malena herself, the album was recorded in Girona’s L’Empordà countryside in Spain with producer Luke Smith. As a professional producer and audio engineer, this was Malena’s first time relinquishing production control – an intimate creative shift that allowed their shared vision to shape the album’s rich, enveloping sound. 
However, Zavala’s career to date has been a testament to self-sufficient artistry. Her critically acclaimed debut, Aliso (2018), was written, recorded, and produced alone in her parents’ garage, which honed her dreamy bedroom pop sound. The album, praised by The Guardian for its “gently warped and beguilingly melancholy guitar pop,” ****, immediately catapulted her from DIY beginnings to prestigious stages, supporting acts like Lord Huron at London’s Roundhouse and Men I Trust at Village Underground and subsequently continuing on their UK/EU tours. Later with standout performances at Latitude, Green Man, and All Points East. Her consistent radio support from key influencers including BBC Radio 6 Music, BBC Radio 1's Huw Stephens, and Steve Lamacq has solidified her presence on the airwaves.
Her second album, La Yarará (2020), saw Zavala delve deeper into her roots, exploring Latin traditions like Cumbia and Bolero. This exploration of identity continues powerfully on the new album, but with a newfound lyrical depth and sonic confidence. The new album, If This Life Could Start Again, is a raw and transformative eight-track journey that maps the emotional landscape of healing. Written after a period of personal upheaval, the album traverses themes of grief, hereditary trauma, and self-discovery. The record’s narrative is structured like a mountain ascent. A challenging climb through varied emotional terrain, posing the central question: “Will you join the journey?” Sonically, this journey mirrors the non-linear path to acceptance, evolving from acoustic folk and synth-pop to funk-infused rhythms and rock anthems.
As a formidable live performer, Zavala has built a robust touring profile across the UK and Europe. She will embark on an extensive tour in February and March 2026 to support the album, with dates spanning major cities from London and Glasgow to Berlin, Paris, and Barcelona.
With If This Life Could Start Again, Malena Zavala fully realizes her artistic vision as a self-taught producer to an autonomous artist commanding her career through Paraná Records whilst reflecting the vast landscapes of her heritage and affirming her place as a compelling and evolving voice in contemporary music.

Nachdem Ásgeir jahrelang mit Übersetzern wie John Grant zusammengearbeitet und die Poesie seines Vaters, Einar Georg Einarsson, vertont hat, betritt er nun neues Terrain: Zum ersten Mal in seiner langen und gefeierten Karriere hat er die Texte komplett selbst verfasst.

Ásgeir wird seit Langem für seinen detailreichen Folk-Pop, die opulente Produktion und sein sehnsüchtiges, gefühlvolles Falsett gefeiert. „Julia“ markiert eine Wende – nicht nur hin zu lyrischer Eigenständigkeit, sondern auch zu kathartischer Direktheit, mit Songs, die nicht nur meisterhaft vorgetragen, sondern auch durchlebt wirken. „Das war irgendwie das erste Mal, dass ich die Texte völlig allein geschrieben habe“, erzählt er. „Es war beängstigend. Ich versuche immer noch, mich darin zu finden. Aber ich habe versucht, mich zu öffnen, und habe in diesem Prozess viel gelernt. Es war auf jeden Fall therapeutisch für mich.“

Dieses neue Gefühl der Verletzlichkeit zieht sich durch die zehn Stücke des Albums, die über einen Zeitraum von fast zwei Jahren geschrieben und aufgenommen wurden. Viele der Songs entstanden zunächst auf der Gitarre, wobei Ásgeir auf Schlichtheit setzte und Melodie, Klarheit und Bedeutung in den Vordergrund stellte. Die Produktion, gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten Guðm. „Kiddi“ Kristinn Jónsson entwickelt, bleibt organisch und zurückhaltend – und gibt so Ásgeirs Stimme, und vor allem seiner Stimme als Songwriter, den nötigen Raum.

Der aus Nashville stammende Cellist Nathaniel Smith, den Ásgeir als „Zauberer“ beschreibt, steuert hier und im gesamten Album atmosphärische Klangteppiche bei. Mit improvisierten Melodien verleiht er den Stücken Leben und Tiefe – auf eine Weise, die Ásgeir sich zuvor nicht vorgestellt hatte.

Nach ihrem ARIA-nominierten Debütalbum "The Stranger In The Mirror" meldet sich das australische Jake Mason Trio mit seinem zweiten Album zurück. Auf "The Modern Ark" schöpft das Trio aus der goldenen Ära des Orgel-Jazz (Jimmy Smith, McDuff, McGriff) und entwickelt dabei einen unverwechselbaren, modernen Sound. Aufgenommen in Melbourne mit Vintage-Equipment, fängt die LP die Leidenschaft und Finesse einer Band mit über 30 Jahren gemeinsamer Geschichte ein. Zu den Highlights zählen der Grammy-prämierte Sänger Kurt Elling auf dem cineastischen Titeltrack sowie die australische Ikone Kate Ceberano auf der Soul-Jazz-Ballade "Stop Searching For Love". Mit bereits gesicherter internationaler Presseunterstützung und Touren in Australien und Europa ist "The Modern Ark" für 2026 bestens aufgestellt.

2LP-Erstauflage auf farbigem Loser-Vinyl: "BIO PETROL" Disk 1 und "MAGENTA" Disk 2. "¡Simpatico! (Remastered and Expanded)" bringt das lange vergriffene zweite Album von Velocity Girl aus dem Jahr 1994, "¡Simpatico!", mit einem superfrischen Mastering und einer Menge Bonus-Tracks aus der "¡Simpatico!"-Zeit endlich wieder raus. Das Originalalbum klingt besser als je zuvor und wird durch ein komplettes Album mit B-Seiten und Raritäten ergänzt. Velocity Girl wurde um 1989 an der University of Maryland außerhalb von Washington DC gegründet, mit dem Gitarristen Archie Moore (Black Tambourine), dem Gitarristen Brian Nelson (Black Tambourine), dem Schlagzeuger Jim Spellman (Starry Eyes, Foxhall Stacks, High Back Chairs, Julie Ocean, Piper Club), dem Bassisten Kelly Riles (Starry Eyes) und der Sängerin Sarah Shannon (Starry Eyes, The Not Its). Die Band kombinierte englisch inspirierten, lauten Shoegaze-Fuzz mit rauem US-Indie-Rock und klassischem Pop-Songwriting im Stil der 60er Jahre. Eine Killer-Single auf Slumberland und ununterbrochene Tourneen erregten die Aufmerksamkeit der Indie-Rock-Kenner, und bald darauf unterschrieb Velocity Girl einen Vertrag mit Sub Pop auf einer Motorhaube in Hoboken, New Jersey. Nach der Tournee zur Unterstützung ihres Debüts ,Copacetic" verbrachte die Band den größten Teil des Jahres damit, eine Reihe von Songs für ein zweites Album zu schreiben. So hatten sie noch nie gearbeitet - es war eine neue Erfahrung, Zeit und Budget (vom Label!) darauf zu verwenden, ein Album zu produzieren, das kein selbst produziertes Punkrock-Studioalbum war. Nachdem sie ihr neues Material monatelang im lauten Stil von ,Copacetic" gespielt hatten, waren die Bandmitglieder von den Songs begeistert, wollten sich aber von der rauen, amateurhaften Atmosphäre ihrer früheren Alben lösen. Und ihre Einflüsse waren diesmal etwas anders: weniger My Bloody Valentine und Wedding Present, mehr New Order. Jemand bei Sub Pop brachte die Band mit John Porter zusammen, dem ehemaligen Mitglied von Roxy Music, der The Smiths, Billy Bragg, The Alarm und eine Reihe anderer Acts der 80er Jahre produziert hatte. Sie trafen sich während einer Tournee in Los Angeles. Er erklärte sich bereit, das Album in einer dreiwöchigen Session in den Cue Studios in Falls Church, Virginia, zu produzieren. Er war genau das, was die Band brauchte: ein Redakteur, Arrangeur und Zuchtmeister. Als er gnadenlos jeden unnötig wiederholten Takt herausschnitt, merkte die Band, dass sie sich zu einem klareren Sound hingezogen fühlte und fast komplett auf die laute Gitarre verzichtete, zweifellos beeinflusst durch Porters Präsenz. Velocity Girl waren super zufrieden mit dem Ergebnis, und ,¡Simpatico!" kam im Juni 1994 raus. Diese erweiterte Neuauflage enthält eine Reihe von Songs, die einige Monate nach den Albumaufnahmen in den Inner Ear Studios in Arlington, Virginia, aufgenommen wurden. Die Sessions lieferten spielerisch-experimentelle B-Seiten für die Singles des Albums, zwei Cover-Songs (das New-Order-Cover ,Your Silent Face" und ein Beach-Boys-Cover) für eine Single auf Merge Records und einen Compilation-Track.

(make of that what you will). FIG DISH were four high school friends: guitarists/ vocalists Rick Ness and Blake Smith, bassist/ vocalist Mike Willison, and drummer Andy Hamilton. In their day (a day that began in the late Winter of 1991 and ended in the early summer of 1998), they were known for catchy songs, memorable (often booze-fueled) live shows, and self-sabotage. In July 1995, FIG DISH's debut That's What Love Songs Often Do was released. And just like that, the band was catapulted from regional obscurity into national obscurity. MTV played the video for the band's first single, "Seeds" and FIG DISH toured the U.S. and Canada relentlessly with bands like Veruca Salt, The Muffs, Letters to Cleo, Juliana Hatfield, Local H, and The Rentals. In 1997, their sophomore album When Shove Goes Back To Push , was sunk by a risque music video for the single "When Shirts Get Tight" Featuring adult film stars that MTV refused to play and the band was dropped by an indifferent Polygram Records in the summer of 1998. FIG DISH returned from hibernation in 2024 with two sold out shows in Chicago and the release of Feels Like The Very First Two Times, the band's first "new" release in 27 years, collecting unreleased tracks recorded in the late 90s. On August 1, 2025, Forge Again Records reissued That's What Love Songs Often Do on vinyl for the first time, 30 years after the original CD release. The officially licensed 2xLP features white vinyl, reworked gatefold jacket art by Wall of Youth and vinyl mastering by Carl Saff. FIG DISH celebrated the 2025 re-release with live shows in Chicago and Milwaukee with old tour-mates Letters to Cleo and capped off the year with shows in Kenosha and Chicago with Local H and Fountains of Wayne.

Mit Laughter In Summer präsentiert die legendäre Singer-Songwriter-Ikone Beverly Glenn-Copeland (bekannt durch das Kultalbum Keyboard Fantasies) ein zutiefst berührendes neues Werk – entstanden in Zusammenarbeit mit seiner Partnerin, der Künstlerin und Produzentin Elizabeth Copeland. Das Album ist ein musikalischer Liebesbrief, der Erinnerung, Hingabe, Verlust und Freude miteinander vereint.
In neun emotionalen Songs – allesamt in One-Takes aufgenommen – entfaltet sich eine außergewöhnliche Intimität, getragen von Glenns charakteristischer Stimme, warmen Chorarrangements und einem unverwechselbaren Gefühl spiritueller Verbundenheit. Der Sound reicht von kontemplativen Balladen wie „Children’s Anthem“ bis zu leuchtenden, hoffnungsvollen Momenten wie „Let Us Dance (Movement One)“.
Produziert wurde das Album von Elizabeth Copeland und Alex Samaras (Hotel2Tango / Howard Bilerman). Es folgt auf Glenns gefeiertes Album The Ones Ahead (2023) und seine Zusammenarbeit mit Sam Smith für Ever New (2024).
Laughter In Summer erscheint auf rosefarbenem Vinyl, als limitierte Dinked Edition auf milchklarem Vinyl inklusive Bonus-7" mit Coverversionen von Marvin Gaye – „What’s Going On“ / „Save The Children“ – sowie digital und auf CD.
Für Fans von Alice Coltrane, Terry Callier, Joanna Newsom, Sam Amidon und spiritueller Folk-Avantgarde.

Konfiguration: 140g Pink 12" vinyl, 3mm spined sleeve, Gloss machine varnish, 12" printed insert, Gloss machine varnish

Barry Walker Jr. is a pedal steel player and guitarist whose roots in Americana, Country and Folk traditions influence his melding of minimalism, ambient and spiritual music. The Portland-based instrumentalist is also a member of the Rose City Band, known for his gorgeous phrasing and deft interplay with guitarist Ripley Johnson. On Paleo Sol, Walker demonstrates his singular voice as a pedal steel player and composer. Evoking the American western ranges and basins, the album embodies a longer, geologic view of time that patiently marvels at the ripples of change throughout lifetimes and ages. Walker is joined on Paleo Sol by drummer Rob Smith (Rhytion, Pigeons) and bassist and Mouth Painter bandmate Jason Willmon (Fruited Planes). Paleo Sol"s tranquil landscapes glide, built on warm finger-picked guitar figures and pedal steel swells coupled with deft percussion and bass touches by Smith and Willmon respectively. The trio plays with exceptional fluidity either completing each others phrasing or working together to build momentum. Smith notes: "The drums are not keeping time as much as evidencing its elasticity, mixing into the other instruments, changing phase states." Every gesture on the album is rich with intention, moving with grace and playing with timbre and time.

Only The Poets melden sich mit „And I’d Do It Again“ zurück, einem mitreißenden Album, das uns daran
erinnert, warum sie eine der vielversprechendsten neuen Popbands Großbritanniens sind. In 14 brillant
produzierten Songs beschäftigen sich die Bandmitglieder Tommy Longhurst, Andrew Burge, Clem Cherry
und Marcus Yates mit Themen wie Liebeskummer, Eifersucht, Reue und Hoffnung.
„Wir sind einfach so stolz auf dieses Album“, sagt Longhurst. „Es ist die bisher beste Darstellung unserer
Band – es steckt viel Selbstreflexion, Wachstum und Entdeckungen darin.“ Das Album enthält alle herausragenden Singles – „I Keep On Messing It Up“, „You Hate
That I’m In Love“, „Emotionally Hungover“ und „Saké“. Produziert wurde es von den Bandmitgliedern
Cherry und Yates zusammen mit DanDlion, gemischt von Lee Smith und gemastert von der Branchenlegende Chris Gehringer.

Una interpretación de Soinuarenbidea II debería partir de esta premisa: todo es posible, nada es aleatorio, y en sí mismo es un imposible de aleatoriedades. El escenario planteado explora la idea de realidad aumentada desde una percepción sonora, ambiental y colectiva. La obra transita hacia adelante y hacia atrás recreando experiencias extintas de porvenir incierto, tratando de facilitar un fin pacificador. Cada pieza sonora se crea, se despliega, se repliega y se destruye, en una torsión permanente de toda la realidad que hace posible cada fragmento musical, cada identidad acústica, cada espacio sonoro. Lo onírico, la ficción, y el viaje están continuamente presentes, y es en el transitar de cada fragmento donde se produce el diálogo de la exposición musical. Los elementos de esta ficción se recrean continuamente, en un continuum donde se entrelazan y se van contorsionando a medida que crecen o decrecen con cada fragmento de síntesis concreta. Los temas explícitamente musicales son el magma que conduce a dar voluptuosidad al disco, siendo la piel un contexto o límite que en sí mismo fluctúa indefinidamente en texturas y configuraciones posibles. Y la urdimbre del silencio es la síntesis que está continuamente presente y que trata de cohesionar los fragmentos en continua colisión expresiva. Las grabaciones de campo proporcionan el material sonoro concreto, y como un fractal sonoro cada una de ellas ofrece diferentes grados de interpretación que a su vez conduce a nuevos fragmentos y nuevas creaciones. Así que se puede pensar que esta es una síntesis de una posible realidad, pero interpretable en infinidad de maneras. Un movimiento y una estaticidad implícitas que generan estructuras y dinámicas acústicas. Lo que se escucha no es real, pero en sí mismo forma parte de la realidad, creando un escenario expectante. Lo cinematográfico, plástico y teatral, danzante y dinámico cobra importancia en este juego, porque se trata de contar una historia, una experiencia recreada desde los puntos de vista del arte visual. Es a su vez hilo conductor y entretenimiento, discurso político y puro divertimento. Es desde este espacio de convivencia artística que tiene sentido la totalidad y justifica el formato sonoro planteado. La contradicción de la obra es patente en el formato, y es a su vez el planteamiento de una accidentalidad en el devenir vital. Contenedor de Ruido recoge todas estas contradicciones y las manifiesta en la obra Soinuarenbidea II. Es una historia sonora, es un cuento acústico. Es un fragmento de vitalidad en imágenes audibles. Es una invitación a la reflexión, a la crítica, al disfrute, a la meditación, a la celebración. Y sobre todo es esperanzadora apreciación de la realidad como algo maleable que confeccionamos colectivamente, que requiere de una paciente observación y la participación colectiva global, en un mundo finito pleno de diversidades y del que ignoramos prácticamente todo, al que deberíamos volver con respeto y devoción.

Soinuarenbidea II-ren interpretazio batek premisa honetatik abiatu beharko luke: dena da posible, ezer ez da ausazkoa, eta, berez, ausazkotasun ezinezko bat da. Planteatutako agertokiak errealitate areagotuaren ideia aztertzen du, soinu-, ingurumen- eta talde-pertzepzio batetik abiatuta. Lanak aurrera eta atzera egiten du, etorkizun zalantzagarriko esperientzia desagertuak birsortuz eta helburu baketsua lortzen saiatuz. Soinu-pieza bakoitza sortu, hedatu, tolestu eta suntsitu egiten da, musika-zati bakoitza, identitate akustiko bakoitza eta soinu-espazio bakoitza ahalbidetzen dituen errealitate osoaren etengabeko bihurdura batean. Onirikoa, fikzioa eta bidaia etengabe daude presente, eta pasarte bakoitzaren joan-etorrian gertatzen da musika-erakusketaren elkarrizketa. Fikzio honen elementuak etengabe birsortzen dira, continuum batean, non sintesi zati zehatz bakoitzarekin hazi edo txikitu ahala elkar lotzen eta bihurritzen diren. Esplizituki musikalak diren gaiak diskoari atsegintasuna ematera eramaten duen magma dira, azala testuingurua edo muga izanik, testura eta konfigurazio posibleetan mugarik gabe aldatzen dena. Eta isiltasunaren irazkia etengabe presente dagoen sintesia da, zatiak etengabeko adierazpen-talkan kohesionatzen saiatzen dena. Landa-grabazioek soinu-material zehatza ematen dute, eta soinu-fraktal batek bezala, horietako bakoitzak interpretazio-maila desberdinak eskaintzen ditu, eta horrek, aldi berean, zati eta sorkuntza berrietara eramaten du. Beraz, pentsa daiteke errealitate posible baten sintesia dela, baina hamaika modutan interpreta daitekeena. Egitura eta dinamika akustikoak sortzen dituzten mugimendu eta estatikotasun inplizitu bat. Entzuten dena ez da erreala, baina, berez, errealitatearen parte da, eta agertoki espektakularra sortzen du. Zinematografikoak, plastikoak eta antzerkikoak, dantzariak eta dinamikoak garrantzia hartzen dute joko honetan, ikusizko artearen ikuspegitik birsortutako istorio bat, esperientzia bat, kontatzea baita helburua. Aldi berean, hari gidaria eta entretenimendua da, diskurtso politikoa eta dibertimendu hutsa. Elkarbizitzarako espazio artistiko honetatik osotasunak zentzua du eta planteatutako soinu-formatua justifikatzen du. Obraren kontraesana nabarmena da formatuan, eta, aldi berean, bizi-bilakaeran istripu-tasa bat planteatzea da. Zarata-edukiontziak kontraesan horiek guztiak jasotzen ditu eta Soinuarenbidea II obran adierazten ditu. Soinu istorio bat da, ipuin akustiko bat. Bizitasun zati bat da, irudi entzungarrietan. Hausnarketarako, kritikarako, gozamenerako, meditaziorako eta ospakizunerako gonbidapena da. Eta, batez ere, itxaropentsua da errealitatea modu kolektiboan egiten dugun gauza xaflakor gisa hautematea, behaketa pazientea eta partaidetza kolektibo globala eskatzen dituena, dibertsitatez betetako mundu mugatu batean, ia guztia kontuan hartzen ez duguna, eta errespetuz eta debozioz itzuli beharko genukeena.

An interpretation of Soinuarenbidea II should start from this premise: everything is possible, nothing is random, and in itself is an impossible randomness. The proposed scenario explores the idea of ​​augmented reality from a sonic, environmental, and collective perception. The work moves back and forth, recreating extinct experiences of an uncertain future, seeking to facilitate a peaceful end. Each sound piece is created, unfolds, retreats, and is destroyed, in a permanent twisting of all reality that makes each musical fragment, each acoustic identity, each sonic space possible. The dreamlike, the fictional, and the journey are continually present, and it is in the transit of each fragment that the dialogue of the musical exposition takes place. The elements of this fiction are continually recreated, in a continuum where they intertwine and contort as they grow or diminish with each fragment of concrete synthesis. The explicitly musical themes are the magma that leads to the work's voluptuousness, the skin being a context or boundary that in itself fluctuates indefinitely in possible textures and configurations. And the warp of silence is the synthesis that is continually present and seeks to unite the fragments in a continuous expressive collision. The field recordings provide the concrete sound material, and like a sonic fractal, each one offers different degrees of interpretation that in turn lead to new fragments and new creations. So one can think of this as a synthesis of a possible reality, but interpretable in an infinite number of ways. An implicit movement and staticity that generate acoustic structures and dynamics. What is heard is not real, but in itself is part of reality, creating an expectant scenario. The cinematic, plastic and theatrical, dance and dynamic aspects take on importance in this game, because it is about telling a story, an experience recreated from the perspective of visual art. It is at once a common thread and entertainment, political discourse and pure entertainment. It is from this space of artistic coexistence that the whole makes sense and justifies the proposed sound format. The contradiction of the work is evident in its format, and it is, in turn, the presentation of an accidentality in the course of life. Noise Container gathers all these contradictions and manifests them in the work Soinuarenbidea II. It is a sound story, an acoustic tale. It is a fragment of vitality in audible images. It is an invitation to reflection, to critique, to enjoyment, to meditation, to celebration. And above all, it is a hopeful appreciation of reality as something malleable that we collectively craft, requiring patient observation and global collective participation, in a finite world full of diversity and of which we know practically nothing, to which we should return with respect and devotion.

Paisajes sonoros, diseño sonoro, drones y música grabada, realizada y arreglada para Contenedor de Ruido por David Aranaz. Coro: Basandere Ahotsak. Producido y mezclado por David Aranaz. Mástering: Estanis Elorza. Fotografía: David Aranaz. Texto: David Aranaz. Traducción: Saioa Aranaz Oreja. Trabajo y Diseño artístico: Cristina Martinez. Edición: Contenedor de Ruido Producciones y Sarbide Music. Distribución: Contenedor de Ruido.

Contenedor de Ruido agradece el apoyo en la realización de Soinuarenbidea II al coro Basandere Ahotsak y en especial a Eva Orbara Goicoa.

Soinuarenbidea II está dedicado al pueblo palestino.

Paisajes y objetos Sonoros, samplers y otras músicas transformadas para Soinuarenbidea II
Burlada: Paseos sonoros matinales por Merindad de Sangüesa, Calle Mayor, Capuchinas, Parque Uranga y varias iglesias y plazas. Pasajes del cotidiano: basura de papel, cristal y plástico.
Pamplona: Cementerio de San José. CEIP Sanduzelai /// Quinto Real: Fábrica de Armas, Puerto de Urkiaga y alrededores. Suite del silencio, bosques en movimiento /// Fábrica de armas de Orbaiceta: regatas, biosques, paseo sonoro hasta regata /// Belate: Puerto de Belate y alrededores. Vacas en pradera junto a las turberas /// Bardenas Reales: Suite de guitarra y Suite del silencio, estepa desértica /// Austria: Tranvías de Graz y Viena. Muchedumbre del metro de Viena.
Voces cinematográficas de: Matanza en Texas, Robocop, Espíritu Sagrado, Solo los Amantes Sobreviven, Voces de Gaza, Yojimbo, Terciopelo Azul, Los 7 Magníficos.
La pista A2 está dedicada a la memoria de David Lynch.
La pista B4 está dedicada a Eva Orbara Goicoa.
Pista A4: Contiene interpretaciones de piano de Three Piano Pieces Op.11 de Arnold Schoenberg.
Pista A5: Es una interpretación expandida con síntesis FM del Concerto Op. 24 - Etwas lebhaft - de Anton Webern.
Pista A7: Contiene la canción Besarkatu ninduzun (Letra de Josune López y música de Josu Elberdin) en interpretación de Basandere Ahotsak en la iglesia de Burutain bajo la tormenta.
Pista B2: Contiene la canción Recuerdos de la Alhambra (Fernando Tárrega) en interpretación torsionada de David Aranaz Sarasa.
Pista B14: Contiene la canción Agur María (Letra y Música de Estíbaliz Robles “Estitxu” y arreglo exclusivo de Alfonso Ortiz para Basandere Ahotsak) en interpretación de Basandere Ahotsak.

Equipamiento para Soinuarenbidea II.
Micros de condensador SE7, configuración XY y ORTF; Micros de cinta ORTIZ LUTHIER configuración XY y Blumlein; Grabadoras MARANTZ y ZOOM; Sintetizadores y samplers Elektron MONOMACHINE SPS-1, MACHINEDRUM SFX6 y MODEL:SAMPLES. Dave Smith MOPHO. Torso Electronics S-4. Sintetizador Modular 333 DIY; Guitarra clásica ALHAMBRA 6P; Esculturas Sonoras tipo Baschet, cristal y metales; Mesa Soundcraft FX16ii; Interface de Audio RME Babyface Pro FS; DAW Logic Pro; Procesamiento de modelado analógico con Acústica Audio, Waves, Softube, Brainworx, Sonible, Analog Obsesion, Tokio Dawn. Metering de Logic y RME DigiCheck . Amplificación Hafler PRO2400. Monitorización BW DM602 S3. Mezcla digital; Mastering híbrido.

With a GRAMMY nomination and years of touring experience, this female- forward string band releases a career- defining album with Magic Accident . Longtime supporters of women in roots music, Della Mae teamed up with producer Alison Brown for this new release, their first on Nashville-based Compass Records. Magic Accident showcases the band's range of talents, from Americana songs that evoke early Chicks to energetic bluegrass and dreamy indie folk-inspired tunes.

The band's vocal power and instrumental skill shine throughout this mostly original collection, with standout tracks including "Out Run 'Em," written by guitarist Avril Smith and featuring champion fiddler and band founder Kimber Ludiker, "Lifeline," sung by bassist Vickie Vaughn, and the title track, written and sung by Celia Woodsmith. Guest artists on the project include Mary Bragg (vocals) and Jen Gunderman (accordion), with Brown playing banjo and guitar throughout. Since forming in Boston in 2010, Della Mae has proved to the roots music world that an all-women band is no novelty. Their 2013 Rounder Records release, This World Oft Can Be, earned them their first GRAMMY nomination for Best Bluegrass Album. That same year, the International Bluegrass Music Association named them Emerging Artist of the Year. Della Mae has performed in over 30 countries on behalf of the U.S. State Department. They are favorites on the roots music circuit, where their highenergy performances always get audiences on their feet, inspired by the power of their music and message. Available on turquoise coloured vinyl with 4-page folder and digipak CD editions

Auf seinem ersten Album für Verve Records präsentierte sich der Hammond-Organist Jimmy Smith 1962
mit zwei sehr unterschiedlichen Besetzungen: Während er die ersten vier Stücke mit einer von Oliver Nelson
arrangierten groovigen Big Band aufnahm, spielte er die übrigen Stücke mit seinem regulären Trio ein, mit
dem er zuvor schon Alben für Blue Note gemacht hatte. Die von Creed Taylor produzierten Sessions waren
ein Wendepunkt für Smiths Karriere: mit dem Titel “Walk On The Wild Side”, der Platz 21 der Billboard
Hot 100 Charts erreichte, landete er seinen bis dahin größten Hit.

**2010 Grammy Award Winner: Best Traditional Folk Album **

‘Marvelous…exuberant’ - Rolling Stone

Nonesuch Records releases a fifteenth anniversary edition of Carolina Chocolate Drop’s 2010 Grammy Award-winning album Genuine Negro Jig, featuring founding band members Dom Flemons, Rhiannon Giddens, and Justin Robinson. The reissue includes the original album and nine bonus tracks: seven previously unreleased tracks plus a 2025 remaster of ‘City of Refuge’ and a 2025 mix of ‘Memphis Shakedown’. This release marks the album’s first time on vinyl since its original pressing in 2010.

Genuine Negro Jig was released on February 16, 2010, reaching the top ten on the Billboard Folk chart and the top of the Bluegrass chart. It won the 2011 Grammy Award for Best Traditional Folk Album. Produced by Joe Henry, it was the first of three releases on Nonesuch followed by The Carolina Chocolate Drops/ Luminescent Orchestrii EP (2011) and the Grammy nominated album Leaving Eden (2012), produced by Buddy Miller. Widely acclaimed as one of 2010’s best, Genuine Negro Jig appeared in year-end lists of NPR, Paste, and more, and was featured in Rolling Stone’s 25 Best Country-Soul Albums in 2024.

“Genuine Negro Jig remains fresh fifteen years later not only because of the Carolina Chocolate Drops’ influence on American popular culture but also because it’s an excellent record in itself,” says Dr. Dwandalyn Reece and Dr. Steven Lewis of the Smithsonian National Museum of African American History and Culture in the album’s liner notes.

Carolina Chocolate Drops formed after band members Dom Flemons, Rhiannon Giddens, and Justin Robinson met at the Black Banjo Gathering in Boone, NC in 2005. All three trained in the Piedmont banjo and fiddle musical tradition under the tutelage of Joe Thompson, who was one of the last musicians of his era and his community to carry on the southern Black string band tradition. While old-time Southern string music is often associated with Caucasian musicians from Appalachia, Giddens pointed out in an NPR interview that “it seems that two things get left out of the history books. One, that there was string band music in the Piedmont, period. And that Black folk was such a huge part of string tradition.” Carolina Chocolate Drops sought to not only correct this misunderstanding but also to keep the centuries-old string music tradition alive and developing.

The members of Carolina Chocolate Drops, who came from diverse musical backgrounds, shared singing duties and swapped instruments throughout their sets. The band recently reunited for a single show at Rhiannon Giddens’ Biscuits and Banjos festival in Durham, North Carolina in April 2025. In celebration of the 20th Anniversary of the Black Banjo Gathering, the documentary Don’t Get Trouble In Your Mind: The Carolina Chocolate Drops’ Story by Filmmaker John Whitehead was released on Amazon Prime, Apple TV, and YouTube Free4all streaming platforms.

“Diesmal bin ich mit dem Wunsch an meine Musik herangegangen, sie als etwas Gleichberechtigtes zu
verstehen, nicht als etwas nach dem Motto ’Ich bin der Chef’”, sagt Julian Lage über sein fünftes BlueNote-Album und Nachfolger des GRAMMY-nominierten ”Speak To Me”, erneut produziert von Joe Henry.
Diesmal wird der Gitarrenvirtuose mit einer neuen Band feat. John Medeski (Hammond B3, Piano), Jorge
Roeder (Double Bass) und Kenny Wollesen (Drums, Percussion) zu hören sein.
Während „Speak To Me“ Lages großes Statement als improvisierender Bandleader war, geht es ihm auf
seinem neuen Album darum, sich selbst mehr als Bandmitglied zu verstehen und die von ihm geschriebenen Stücke gemeinsam mit seinem neuen Ensemble zu erkunden. Ein prominenter Teil des neuen Sounds
ist dabei Organist John Medeski. Julian Lages moderner Gitarren-Sound trifft in dieser Kombination auf
Anklänge klassischer Gitarre/Orgel-Sessions der Jazzgeschichte, wie z.B. von Grant Green & Larry Young,
Wes Montgomery & Jimmy Smith oder Kenny Burrell & Jack McDuff.

The Just Joans' new album Romantic Visions of Scotland finds the Glasgow band in characteristically melancholic form, pairing shambling indie pop with sharp observations on romantic pratfalls and everyday dis-appointments, all delivered with sardonic Scottish wit, fronted by siblings David and Katie Pope, whose wry lyrics and heartfelt vocals remain at the heart of the band’s distinctive sound.
Originally inspired by a grandiose exhibition title spotted on Glasgow buses in 2019 for a show at the Nation-al Museum of Scotland called Wild and Majestic: Romantic Visions of Scotland, the new album arrives six years later as a collection of semi-autobiographical snapshots from the Central Belt of Scotland. Whilst some of the details have been exaggerated for comic (or tragic) effect, the songs are based on personal experience of mundane failings, bitter regrets and missed opportunities that make up an unremarkable life.
Recurring themes of nostalgia for a bygone era and the fear of being left behind by lovers, friends and peers run throughout the album. Musically and lyrically, the band channels Village Green-era Kinks, with nods to The Television Personalities, The Smiths and Dolly Mixture.
In the past they have always recorded by themselves in a variety of bedrooms, living rooms – and the occasional toilet. For the first time they have abandoned their DIY recording practices to create what songwriter David Pope calls, “a corporate behemoth in an actual studio.” The album was recorded at Chem19 in Blan-tyre with Paul Savage, who is best known as a founding member of local legends The Delgados. He has also produced and recorded the likes of Teenage Fanclub, Arab Strap and Camera Obscura, and has captured a slightly more muscular version of the band while retaining their ramshackle charm.
The album artwork by vocalist and painter Katie Pope depicts Motherwell Train Station – an ordinary, boring place that speaks to the subject matter of the songs, but with a hint of potential escape. As David Pope ex-plains, “For me, the painting reminds me of the ending of Billy Liar in which Billy tries and fails to leave his hometown for the bright lights of London. Half the band also live in Motherwell, so it seemed appropriate.”
Funded by Creative Scotland, the recording allowed the band to bring in bass and cello arrangements, adding depth and a sheen of musical proficiency to their signature sound.
About The Just Joans - The Just Joans were formed in Glasgow in 2005 by songwriter David Pope. Early demos were collected together and released as a loose concept album, Last Tango in Motherwell, in 2006. Chris Elkin joined on guitar and was followed shortly after by David’s younger sister, Katie, on vocals and Fraser Ford on bass. Over the years they have released EPs and albums on WeePOP! and Fika Records and have gained a cult following as Scottish pop miserabilists.
The current line-up consists of Katie Pope (vocals), David Pope (vocals, guitar), Chris Elkin (lead guitar), Fraser Ford (bass), Arion Xenos (keyboards) and Jason Sweeney (drums).
Press Quotes:
“They fit snugly into the scratchy, low budget Scottish indie tradition of The Delgados and Arab Strap… There’s mischief in this miserabilism.” - Mojo 4*s
“Glasgow’s The Just Joans have documented the romantic pratfalls of a generation of indie kids with sardonic wit and a shambling musical style where Stephin Merrit lies down with The Vaselines.” - Uncut
“Funny and sad, it’s the kind of song that made Red House Painters, The Magnetic Fields and The Wedding Present’s early albums so easy to embrace; an unpretentious sharing of relatable gloom.” - Record Collector

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle, Gatefold Sleeve.

Ein einzigartiges Blues-Album, auf dem eines der dynamischsten Duos des Chicago Blues - Buddy Guy (Gitarre, Gesang) und Junior Wells (Mundharmonika, Gesang) - 1969 in einer entspannten Session auf den Jazzpianisten Junior Mance traf. Mit “Buddy And The Juniors” erfüllte sich Buddy Guy, der in Louisiana mit Swamp-Blues aufgewachsen war, den lange gehegten Traum, einmal ein rein akustisches Album aufzunehmen.

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

Elegante Popmusik. Gewaltige Hooks. Voller Streichersound. Das L.A. Musikerkollektiv Storefront Church um den Phoebe Bridgers-Schlagzeuger Lukas Frank nahm sein 2024er Album ""Ink & Oil"", das erstmals flächendeckend erhältlich wird, mit einem kompletten Live-Orchester auf. Textlich bewegt sich Lukas auf der Schattenseite der Straße. Musikalisch ist er der Hammer. Erinnerungen an Scott Walker, Nick Cave, Brian Wilson und den frühen John Grant werden wach. Die Mitglieder treten - ähnlich Broken Social Scene oder Black Country, New Road - in wechselnder Besetzung auf, darunter Laetitia Sadier, Phoebe Bridgers, Zachary Cole Smith (DIIV), George Clarke (Deafheaven), Circuit Des Yeux, Lauren Auder, Cassidy Turbin (Beck), Sam Wilkes und ein Dutzend weitere. Storefront Church steuerten den Song ""The Gift"" zur Netflix-Serie ""The Queen’s Gambit"" bei und nahmen den Roxy Music-Klassiker ""More Than This"" als melancholische Gothic-Version auf.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von
den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.
Ein absoluter Nina-Simone-Klassiker feiert seine audiophile Vinylpremiere in der VERVE ACOUSTIC SOUNDS
SERIE: ”In Concert“ war ihr erstes Album für das Philips-Label und wurde 1964 in der Carnegie Hall in
New York City mitgeschnitten. Es markiert den Beginn von Simones explizit auf Bürgerrechte ausgerichtete
Musik mit eindeutig politischen Songs wie „Mississippi Goddamn“, aber auch Liedern wie „Old Jim Crow“,
„Go Limp“ und „Pirate Jenny“, die auf metaphorische Weise politische Botschaften beinhalteten.