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Erfolg kommt selten über Nacht – so auch nicht bei MilleniumKid. Vor acht Jahren begann er, sich autodidaktisch das Produzieren von Musik beizubringen, verbrachte unzählige Stunden damit, sich als Singer-Songwriter und Produzent weiterzuentwickeln und veröffentlichte 2022 seine erste eigene Musik. Doch erst 2023 sollte sich für ihn alles ändern: Seine Single „Unendlichkeit" wird zum viralen Hit, steigt bis auf Platz 34 der Offiziellen Deutschen Singlecharts und ist der Beginn eines steilen Aufstiegs: Die folgenden Singles werden millionenfach gestreamt (allein „Vielleicht Vielleicht" hat über 60 Millionen Streams), seine erste Tour, bei der MilleniumKid zum ersten Mal überhaupt live auf der Bühne steht, ist sofort ausverkauft und im Sommer 2024 spielt er auf großen Festivals wie dem Deichbrand.

Den eigenen Schmerz herausschreien – die Songs von MilleniumKid haben etwas unglaublich Befreiendes. Die Stimmung ist oft düster, die Melancholie förmlich mit Händen zu greifen. Doch indem MilleniumKid seine Emotionen rauslässt, sie in gleißende Synthieflächen, treibende Produktionen und große Melodien kleidet, entfalten seine Songs eine befreiende Wirkung. Räume öffnen sich, und wo eben noch Schmerz war, kehrt so etwas wie Seelenfrieden ein. „Schmerz, Trauer und Sehnsucht sind drei Begriffe, die sich durch meine Lieder ziehen“, sagt MilleniumKid dazu, „Sehnsucht sollte man vielleicht etwas größer schreiben. Vielleicht ist die Sehnsucht sogar das Ergebnis oder die Voraussetzung für diesen Schmerz und die Traurigkeit, vielleicht ist es ein Pingpong-Spiel der Emotionen, die man in meiner Musik spürt.“


[a] Fiebertraum [Intro]












[n] Wer ich bin [Outro]

Sven Åke Johansson & Rüdiger Carl – Villa Hügel (JUBG 04)

For over half a century, Sven Åke Johansson and Rüdiger Carl have explored the boundaries of music together. Villa Hügel captures a rare moment: a concert with no audience, recorded in 2020 in the library of Villa Hügel during the 2 x Kippenberger exhibition. The few present could only experience it in-house via TV transmission. Carl on accordion, Johansson on percussion, cardboard, and crackle box—an interplay of structure and openness, sound and silence. This release follows Johansson’s exhibition Osram at JUBG in 2025.

A document of two musicians, bound by time and sound, in a moment like no other.

Sven Åke Johansson & Rüdiger Carl – Villa Hügel (JUBG 04)

Seit über 50 Jahren erkunden Sven Åke Johansson und Rüdiger Carl gemeinsam die Grenzen der Musik. Villa Hügel dokumentiert ein Konzert ohne Publikum, gespielt 2020 in der Bibliothek der Villa Hügel während der Ausstellung 2 x Kippenberger. Die wenigen Anwesenden konnten es nur hausintern über eine TV-Übertragung erleben. Carl am Akkordeon und Johansson an Percussion, Karton und Crackle-Box schaffen ein Spiel zwischen Struktur und Offenheit, Klang und Stille. Das Album erscheint im Kontext von Johanssons Ausstellung Osram in der Galerie JUBG, 2025.

Ein Stück gemeinsame Musikgeschichte – festgehalten in einem besonderen Moment.

Die Geschichte von Foreigner wird seit fast 50 Jahren geschrieben und umfasst unzählige, unvergessliche Live-Auftritte. "Live in Chicago" ist vollgepackt mit Hits wie "Urgent", "I Want to Know What Love Is" und "Juke Box Hero". Ursprünglich 2012 auf Blu-ray und DVD veröffentlicht, wird "Live in Chicago" nun zum ersten Mal in einem CD Jewelcase zusammen mit einer 2 LP-Vinyl-Version sowie als digitales Streaming-Album und Download erhältlich sein. Alle Formate wurden im Jahr 2025 frisch gemastert.

Als neuen Stern am modernen Rock-Himmel kann man Those Damn Crows nach fast zehn Jahren Band-Geschichte sicher nicht mehr bezeichnen. Den frischen Wind, den die Waliser in die härteren Gefi lde bringen, sollte man jedoch hervorheben. Denn insbesondere ihr 5. Album "God Shaped Hole" ist vor allem eines: Berstend voll mit Ohrwürmern! Bereits der Opener will laut gespielt werden, und zu allen folgenden Titeln wippt man mindestens mit dem Fuß, wenn man sie nicht direkt mitsummt. Stimmlich zwischen Creed und STP gelegen, reißt Sänger Shane Greenhall mit, und die Band schafft genug Abwechslung, um jedem Song eine ganz eigene, aber leicht wiederzuerkennende Note zu verleihen.

Als neuen Stern am modernen Rock-Himmel kann man Those Damn Crows nach fast zehn Jahren Band-Geschichte sicher nicht mehr bezeichnen. Den frischen Wind, den die Waliser in die härteren Gefi lde bringen, sollte man jedoch hervorheben. Denn insbesondere ihr 5. Album "God Shaped Hole" ist vor allem eines: Berstend voll mit Ohrwürmern! Bereits der Opener will laut gespielt werden, und zu allen folgenden Titeln wippt man mindestens mit dem Fuß, wenn man sie nicht direkt mitsummt. Stimmlich zwischen Creed und STP gelegen, reißt Sänger Shane Greenhall mit, und die Band schafft genug Abwechslung, um jedem Song eine ganz eigene, aber leicht wiederzuerkennende Note zu verleihen.

Wieder ein gesuchter Kult-Soundtrack aus den Archiven von CAM Sugar - remastered und mit bislang
unveröffentlichten Bonustracks!
Der Gangsterfilm „La Scoumoune“ (1972) lief in Deutschland unter dem Titel „Der Mann aus Marseille“
und zog nicht zuletzt durch seinen Star Jean-Paul Belmondo die Leute ins Kino. Die Filmmusik von
François de Roubaix ist ungewöhnlich eingängig, auf Basis eines ins Ohr gehenden Titelthemas ist der
Sound mal nostalgisch (der Film spielt 1944), mal krimimäßig groovy, mal elektronisch angehaucht. Das
Thema wurde mehrfach als Werbejingle eingesetzt und von DJs gesampelt.
140g-Doppel-LP im Gatefold mit Beiblatt/Linernotes, digital remastered, mit neun bisher unveröffentlichten
Tracks und vier Coverversionen/Remixen von Alessandro Baldessari, Jean-Michel Bernard und Benjamin
de Roubaix

LL COOL J veröffentlicht zwei neue Vinyleditionen. Zum einen „All World: Greatest Hits“, ein Kompilationsalbum von LL COOL J, das seine gesamte Karriere seit der Veröffentlichung seines Debütalbums
einfängt und zum anderen sein Album „Phenomenom“, das auf Platz 1 der Billboard 200 debütierte. Auf
der Platte „Phenomenon“ sind Hits, wie „Candy“ und „Phenomenom“ zu finden und auf dem „All World:
Greatest Hits“ Album findet man Hits, wie „Rock The Bells“, „Around The Way Girl“, „Mama Said Knock
You Out“. Beide Alben sind als 2LP erhältlich.

LL COOL J veröffentlicht zwei neue Vinyleditionen. Zum einen „All World: Greatest Hits“, ein Kompilationsalbum von LL COOL J, das seine gesamte Karriere seit der Veröffentlichung seines Debütalbums
einfängt und zum anderen sein Album „Phenomenom“, das auf Platz 1 der Billboard 200 debütierte. Auf
der Platte „Phenomenon“ sind Hits, wie „Candy“ und „Phenomenom“ zu finden und auf dem „All World:
Greatest Hits“ Album findet man Hits, wie „Rock The Bells“, „Around The Way Girl“, „Mama Said Knock
You Out“. Beide Alben sind als 2LP erhältlich.

Derya Yildirim ist so vieles: Begnadete Sängerin, Baglama-Virtuosin, Underground-Star, Botschafterin des reichen musikalischen Erbes in der Türkei, Erneuerin und Bewahrerin dieser Musiktradition und einfach eine verdammt gute Interpretin. Sie hat Groove, sie ist mit der Anadolu-Soul-Band Grup Simsek genauso großartig wie mit dem Kammermusik-Orchester Ensemble Resonanz. Sie bringt den Saal zum Toben, egal ob es die Elbphilharmonie oder ein kleiner Club ist. Gemeinsam mit dem französischen Keyboarder und Produzenten Graham Mushnik hat sie ein Kinderalbum gemacht: Hey Dostum, Çak! übersetzt: "Give me five!" Was für eine tolle Idee! Viele der Lieder kennt die Hamburgerin Derya Yildirim aus ihrer Kindheit: Es sind Wiegenlieder, Volkslieder, die ihr Vater auf der Baglama gespielt, oder die sie im Türkischunterricht gesungen hat, die auf Kassetten ihrer Großeltern zu hören waren, oder die der Baglama Lehrer ihr beigebracht, der sie und andere türkischsprachige Kids im Stadtteilladen in Hamburg-Veddel unterrichtet hat.

The album’s title, New World, Lonely Ride, gestures toward its meditative orientation. The duo offers a series of reflections on the zeitgeist of our present moment, the spirit of our age: the isolation and loneliness that continues to echo in the wake of the pandemic; the fractures that mar our political discourse; the uncertainty that has stamped itself on the future of democracy. The vast geography of America and the absence of a common ground, a shared political vision, have contributed to the affective landscape of contemporary American life—of what it feels like to live in the United States today.

Using instrumental voices and textures drawn from the traditional American forms of folk, country, bluegrass and blues, and informed with a modern sense of ambience and space, the sound is both contemporary and deeply rooted. With New World, Lonely Ride, Grigoni and Pan American join countless American artists who have drawn upon this landscape—physical and affective— giving it a voice and shape, listening to its character. And in starting there, with listening, offer a response for the future.

a1. Do One Feat. Donots
b1. All Night Crew

Frank Turner kündigt mit "Undefeated" das zehnte Album seiner Solo-Karriere an. Der britische Punkrock-Singer/Songwriter hat immer noch viel zusagen, und tut dies auch.
Zu seiner ersten Single erzählt er: "Do One" ist der letzte Song, den ich für das neue Album geschrieben habe, und der erste Song auf dem Album,sowie die erste Single. Es ist also eine Zusammenfassung dessen, was ich mit diesem Album sagen will, ein Album über das Überleben und den Trotz,aber auch ein Album mit einem Sinn für Spaß und Selbstironie. Nach 19 Jahren Solokarriere stehe ich immer noch auf und bringe einige meinerbesten Arbeiten heraus. Das fühlt sich gut an."
Für deutsche Fans gibt es ein spezielles Feature: Die Single "Do One" erscheint als Version mit den Donots.

Wie Hip-Hop nach Hamburg kam
Die Compilation ist als Zeitreise zu den Anfängen der Hamburger Hip-Hop-Kultur konzipiert und umfasst über 100 weitgehend unveröffentlichte Songs und Skits. Begleitet wird das Triple-Vinyl von einem 96-seitigen Booklet, das von den frühen Jahren von Hip-Hop, Rap und DJing in Hamburg erzählt. Präsentiert wird das Werk von den Herausgebern des Buchs und den Kuratoren der Museumsausstellung EINE STADT WIRD BUNT.

Kennt eigentlich noch jemand Easy Business? Was wie ein Ratgeber Video auf YouTube klingt, ist der Name einer der ersten Hamburger Rap-Gruppen. Die vierköpfige Formation aus Steilshoop gründete sich schon in den späten 1980er Jahren und begann bald erste englischsprachige Texte zu schreiben. 1989 nahmen sie gemeinsam mit Mario von Hacht den Song „Money“ in einem Jenfelder Jugendzentrum auf.
Als House-Produzent verfügte Von Hacht über ein vergleichsweise schon recht ansehnliches Produktions-Equipment. Selbst die legendäre Roland TR-808, analoger Drumcomputer und Allzweckwaffe von Hip-Hop-Produzenten, war bereits 1989 Teil seines Maschinenparks. Nur hatte er sie eben nicht für Rap genutzt – bis Easy Business anklopften. Und so öffnete ein Musik-Nerd und Technik-Freak dem Hip-Hop eine Tür in Hamburg. Von Hachts Offenheit für den neuen Musikstil sollte sich auszahlen: 1995 produzierte er mit „Nordisch by Nature“ den ersten Chartstürmer von Fettes Brot.

Es sind Geschichten wie diese aus der Gründerzeit des Rap in Hamburg, um die sich die 3-Vinyl-Compilation EINE STADT WIRD BUNT dreht. Unter den über 100 Songs und Skits aus den frühen Jahren des Rap in Hamburg finden sich neben dem Song „Money“ von Easy Business auch ein Mitschnitt eines Auftritts der Gruppe in der Fabrik im Mai 1991.
Von frühen Aufnahmen von MC Africa True, der später unter dem Namen Nana einige Hits landen würde, bis zu den Britcore-Veteranen von Readykill, von 2 Ruff, deren Mitglied Simple Simon zu den ersten Hip-Hop-Produzenten der Stadt gehörte, bis zu den Reim Banditen, die als eine der ersten hiesigen Bands mit einem Majorlabel-Vertrag als Hamburger Antwort auf die Fantastischen Vier positioniert werden sollten, vereint das Triple-Vinyl eine einzigartige Sammlung musikhistorischer Zeitdokumente. In Kombination mit dem begleitenden Booklet vermitteln sie ein authentisches – und überaus unterhaltsames – Bild von den Anfängen des Rap in Hamburg.

Nach dem preisgekrönten, 2021 erschienenen Buch „EINE STADT WIRD BUNT. Hamburg Graffiti History 1980-1999“ und der gleichnamigen Ausstellung, die bis Anfang Januar 2024, als eine der erfolgreichsten aller Zeiten, im Museum für Hamburgische Geschichte gezeigt wurde, folgt mit der Compilation nun also eine weitere Dokumentation Hamburger Subkultur Geschichte der 1980er und 1990er Jahre. Im Fokus diesmal: die Pioniere des Rap in der Hansestadt.
Zum Team hinter dem Triple-Vinyl gehören neben den vier Herausgebern von EINE STADT WIRD BUNT. Oliver Nebel, Frank Petering, Mirko Reisser und Andreas Timm drei ausgewiesene Kenner der deutschen Hip-Hop-Szene. Oliver Herbst, einst DJ der Hip-Hop-Band City Nord, betreibt heute ein Musiklabel, auf dem die Platte erscheint, und konnte im Zuge der Recherche an viele alte Kontakte anknüpfen. Ebenfalls mit an Bord: der langjährige Chefredakteur des Hip-Hop-Magazins Backspin Dennis Kraus und der Musikjournalist und Moderator Falk Schacht.
Über einen Zeitraum von über zwei Jahren hinweg hat sich das Team auf Recherche begeben. Sie nahmen Kontakt zu Bands, Rapper*innen, DJs und Produzenten auf, die in den 1980er und 1990er Jahren in und um Hamburg aktiv waren. Sie sichteten und archivierten unzählige Stunden von Radio-Shows, Tapes, Demo-DATs und Live-Mitschnitten und führten Interviews mit Hip-Hop-Pionieren aus der Hansestadt. „Unser Ziel war es, ein kaum beleuchtetes Kapitel Hamburger Subkulturgeschichte zu erzählen“, sagt Mirko Reisser.
Begleitet werden die Platten deshalb von einem rund 80-seitigen, reich bebilderten Booklet im Vinyl-Format, das in aufwändig recherchierten Texten nachzeichnet, wie der neue Musikstil ab Mitte der 1980er Jahre in Hamburg langsam heimisch wurde. Zu den zentralen Themen dieser Erzählung gehört die Abwesenheit von technischem Equipment – und der Umgang der jungen Szene mit diesem Mangel.
Ein Vierspur Kassettenrekorder musste für die ersten Aufnahmen im Kinderzimmer reichen. Und wer DJ werden wollte, übte Scratchen mit dem Plattenspieler der Eltern. Anders als heute, wo man mit einem Smartphone in der Hand theoretisch ein Millionenpublikum erreichen kann, stellte die Aufnahmetechnik damals eine große Hürde dar. Wer jedoch über die technischen Voraussetzungen verfügte, Songs aufzunehmen, wurde schnell zur Anlaufstelle für die junge Rap-Szene.
Parallel zu dieser Ära der Technik-Autodidakten, öffneten die Rapper*innen der frühen 1990er Jahre ebenfalls ein Fenster in eine neue Welt: Indem sie anfingen, auf Deutsch zu rappen, grenzten sie sich bewusst von den amerikanischen Vorbildern ab und schufen ein ganz neues Selbstbewusstsein der jungen Subkultur. Und ganz nebenbei auch ein ganz neues Bewusstsein für die Möglichkeiten der deutschen Sprache. „Hier wurde etwas gänzlich Neues erschaffen“, sagt Oliver Herbst.

Viele Künstler, die auf der Compilation vertreten sind, dürften heute nur noch echten Hip-Hop-Nerds bekannt sein. Doch es finden sich auch bekannte Namen auf der Tracklist. Jan Eißfeldt etwa, der heute solo als Jan Delay oder als Teil der Beginner Konzerthallen füllt. Oder Fettes Brot, die von einem Hip-Hop-Trio aus dem Hamburger Umland zu einer der erfolgreichsten deutschen Popbands der Gegenwart heranwuchsen. Oder Deichkind, die zu einem massentauglichen Universal Kunstprojekt avanciert sind.

Wie schon das gleichnamige Buch und die Museumsausstellung, so blickt auch die Compilation EINE STADT WIRD BUNT. hinter die Kulissen einer jungen Subkultur – und erzählt parallel spannende Kapitel Musik-, Technik- und Stadtgeschichte aus der Hip-Hop-Hochburg an der Elbe.

INTERPRETEN
Fettes Brot, Absolute Beginner, Deichkind, Das Bo, Ferris MC, Mr. Schnabel, Sleepwalker, Kastrierte Philosophen, Mellow Mark, David Fascher, Easy Business, Reim Banditen, Readykill, TobiTob, I.L.L. Will, City Nord, MK Cram (Poets of Peeze), Dialektik, 2 Ruff, Nina, Flashmaster Ray, Dennis Deutschland, 2BIAS, MC Africa True alias Nana, Vers Chaoten, Die Erstausgabe, THC (Ter Hartchor), R.A.F. (Reimende Antifaschisten), Direkt Aktion, Fogmoor, Syren, Mental Disorda (Crime Code Barets), Dennis the Menace, Selma, 08/15, Hamburg Royal, Skunk Funk, B-Low, Gizmo, AJ, SMG, Phantom Black, Leon Le Pro alias EL’OMC, Paolo 77, Monti, Hanseknaller, Schlechta Umgang u.v.a.

ZITATE VON
André Luth, Jan Eißfeldt, Mathias Arfmann, Ale Dumbsky, David Fascher, Fatih Akin, Carsten Bohn, Schiffmeister (Björn Beton), Pasha Kamber (DJ MPK), Boris Ekambi, Sleepwalker, Mr. Schnabel, Nana Abrokwa, Simon Vegas u.a.

PRODUCER
Mario von Hacht (Super Mario), Sleepwalker, B-Base, Bubblez, TobiTob, X-Ray, Simple Simon

Entering its 26th year of activity, the morphing, Los Angeles based experimental outfit, Sissy Spacek, joins Shelter Press with Entrance, among the project's most captivating outings to date. Encountering the duo of John Wiese and Charlie Mumma joined in various configurations by an incredible cast of collaborators - Tim Barnes, Marco Fusinato, Aaron Hemphill, Brad Laner, Katsura Mouri, Ralf Wehowsky, and C Spencer Yeh - collectively transformed into a series a deeply intimate and delicate gestures of musique concrète, Entrance radically repositions the possibilities presented by group improvisation outside of time and place. Founded at the end of the last millennium, the Los Angeles based project, Sissy Spacek, initially emerged from the knotted, fiery context 1990s American noise and grindcore, producing sheets of visceral sonority that quickly set the scene on its head. Going through numerous evolutions, before eventually settling as a duo of John Wiese and Charlie Mumma - joined by a rotating and often recurring cast collaborators - over the last 25 years the band has continuously entered states of evolution that have defied the expectations of its own context, seeding the sonic extremes noise with subtle and sophisticated approaches to free improvisation and musique concrète. Fiercely positioning its efforts within the outer reaches of contemporary experimental music, while resisting the constraints of a singular sound or proximity, Wiese regards Sissy Spacek as being primarily centred around the practice of musique concrète and the pursuit of extremes. From its earliest releases - collage treatments of material gathered from the band's full throttle practice sessions - the project's conceptual framework has continuously evolved within a deeply engaged process of experimentation, not only reworking tactical approaches, but also definitions and perception regarding the location and action of their work. In recent years, this has led to an increasingly varied and diverse output. Percolating within, is a thread marked by a striking sense of delicacy and intimacy, driving forward while doubling as an unexpected challenge, in real time, to perceptions connected to the band's past. Entrance is the most recent of these. Embarking upon the four compositions that comprise the finalized four sides of Entrance, Wiese and Mumma enlisted longstanding collaborators, Tim Barnes, Marco Fusinato, Aaron Hemphill, Brad Laner, Katsura Mouri, and C Spencer Yeh, as well as new initiate, Ralf Wehowsky (of the seminal German electronic noise collective P16.D4), requesting a contribution of sounds from each, determined by a general set guidelines that dictated certain qualities the given sonorities, while allowing for the expression of each player's distinct creative voice. The sets of resulting recordings were then chopped, harvested, manipulated, and reassembled as the four tape compositions that make up the album - Web Of Unfolding Appearance, Figure Of Reflected Light, Trancher And The Inheritors, True Dimension (From The Opaque - Spike) - each blurring the lines of authorship and clear creative proximity in remarkable ways. Where historical gestures of musique concrète tend to draw upon non-instrumental sound sources - regarding its sonorous material as raw elements, unburdened by inherent meaning or association, to be transformed and imbued with musicality - Sissy Spacek turns this position on its head. Entrance comprises works of musique concrète that not only draw upon instrumental sound sources, with all their possible meanings or associations, but also individual characters and personalities of their players, crediting each resulting piece to its respective configuration of contributors. As such, Entrance is an effort of sound collage defined by a rare sense of intimacy and humanity: four pieces that often take on the resemblance of group improvisation, but have, in fact, been assembled outside of time and place. Bent under the ever-present hand of Wiese's tape treatments and manipulation, each of the album's four compositions unfurl startling states of sonic abstraction and percolating texture, marked by a striking sense of hard-shifting structure, that culminate as tense, driven manifestations of ambient music: scrapes, squeals, rattles feedback, rolling drums, bouncing tones, whispers, bent electronics, electric artefacts, and seemingly everything else under the sun, configured into immersive, sublime mediations in sound from the most improbable events.

Refreshing Modern Metal meets Alternative und Nu-metal! Luna Kills sind zweifellos der erfrischendste modern Metal Newcomer der Szene, der Alternative- und Nu-Metal-Vibes mit von Game-Soundtracks inspirierter Elektronik kombiniert. Ihre Frontfrau Lotta zwingt das Publikum mit ihrem Jazz-Gesang im Hintergrund und ihrem unglaublichen Fry-Scream-Gesang in die Knie – es sei denn, es rast in Moshpits umher, wie man es bei ihren feurigen Live-Shows desöfteren sieht. Nachdem Luna Kills bereits die Tür zu ihrem geliebten Gaming-Team geöffnet hatten gab es ihre Musik auch auf der erfolgreichen mobilen App Beatstar zu hören.Die 2019 gegründete Band hat bereits ihre ersten Shows auf europäischen Bühnen bravorös absolviert und die Aufmerksamkeit mehrerer Rockradiosender in ihrer Heimat Finnland auf sich gezogen. Nun ist die Zeit reif, um ihr erstes Album in voller Länge bei SharpTone Records als Debüt zu veröffentlichen.

*180g virgin leaded vinyl in a deluxe textured heavy gatefold cover, with paste-on artwork and special anti-static innersleeve.* Note: The pressing is absolute on point!!!!

Vincent Gallo and Harper Simon with a beautifully recorded suite of songs and instrumentals.

" More than two decades since he blew minds with a suite of brilliant releases on Warp, Vincent Gallo returns to the world of music at long last in Butterfly, his duo with Harper Simon, with the project’s full-length debut, “The Music of Butterfly”. A gesture of gentle, DIY / bedroom left-field pop, falling within the rough territory for which Gallo became renowned during the late '90s and early 2000s, while interweaving fascinating flirtations with minimalism and experimentalism, it’s a truly captivating piece of work that’s hard to get off the turntable after the first needle drop.

In the arts, the lines between genius and madness, as well as fact and fiction, often blur. Such, it seems, has always been the life of the artist, filmmaker, actor, musician, and composer Vincent Gallo. A cult figure and a member of various creative undergrounds for the better part of half a century, Gallo has courted controversy, ruffled feathers, and made some of the most singular statements to flirt at the outer edges of popular culture that can be called to mind. Arguably most well known for his work in film, during the late '90s and early 2000s - notably with his soundtrack for “Buffalo 66” and a suite of releases on Warp - Gallo became something of a sensation in the world of independent music for a visionary, incredibly unique and sensitive approach to sonority. For a time, the world was abuzz, waiting on bated breath for more, and yet time passed. Bar a few fragments, appearing here and there, almost nothing has been heard from Gallo, within the world of music, for more than 20 years. That is, until now, with the release of “The Music of Butterfly”, the debut full-length of Butterfly, his duo with Harper Simon: beautifully produced and issued by Family Friend Records - Gallo’s own label, founded in 1981 - in a deluxe edition that simply left us speechless: 180g vinyl in textured heavy gatefold cover with paste-on artwork and thick anti-static innersleeve. More or less picking up from where we last encountered him, spinning captivating melodies and gentle song-craft within the quieter temperaments of DIY, left-field pop, once again, and at long last, Vincent Gallo, encountered in an incredibly successful collaboration with Harper Simon as Butterfly, reminds us that he’s as much a force within the realm of music as he is within film. Not to be missed. This one isn’t going to sit around for long.

Vincent Gallo’s biography reads like the stuff of blaring beauty: a figure of moderate fame in his own right, who has remained at the centre of cultural ferment as the decades have rolled by. Born in 1961, in Buffalo, New York, as the story goes he ran away to New York City at the age of 16 and fell into the brewing counterculture of the Downtown scene, William Burroughs and John Giorno, in addition to the cream of his own peers, and began making paintings, music, and experimenting with film. In addition to being a member of the now legendary band Gray, with the artist, Jean-Michel Basquiat, and the filmmaker, Michael Holman, Gallo appeared in the cult 1981 film “Downtown 81”, before slowly beginning a career as an actor and catching the eye of Claire Denis, who brought his talents into the broader cultural gaze. Catapulted into the public by his own subsequent career as a filmmaker with “Buffalo '66” (1998) and “The Brown Bunny” (2003), both of which were marked by controversy and praise, Gallo further captivated the public with a partially brilliant, if not relatively brief, flurry of activity in the realms of music.

While Gallo had already been making music for roughly two decades at the time of his release of the “Brown Bunny” soundtrack, and the four release issued by Warp in rapid succession between 2001 and 2002 - “When”, “Honey Bunny”, “So Sad”, and “Recordings of Music for Film” - the almost fanatical fandom reached a fever pitch at the moment, allowing him, for some, to be regarded as much, if not more, as a musical artist than an actor and filmmaker. Anyway you cut it, in a few short years, he proved himself to be a polymath of rare talent. Somewhere along the way, while both were working as members of Yoko Ono's Plastic One Band, Gallo met the New York based, highly regarded singer-songwriter, guitarist, and producer, Harper Simon, who also happens to be the son of Paul Simon. The pair fell into an incredibly fruitful duo collaboration, which came to be called Butterfly, and “The Music of Butterfly” being their debut full-length release.

Written, performed, and recorded by Vincent Gallo and Harper Simon in New York City between the winter of 2018 and the spring of 2019, the ten tracks comprising “The Music of Butterfly” are cumulatively a gesture of gentle, DIY / bedroom left-field pop, falling within the rough territory for which Gallo became renowned during the late '90s and early 2000s, making one feel like barely a moment had passed since we’d encountered his graceful hand at song-craft. Stripped back and raw, while retaining a sense of warmth and intimacy, across the length of “The Music of Butterfly” the duo of Gallo and Simon weave something completely captivating at the juncture of minimalism, experimentalism, and pop: meandering moments of texture and tone, slowly forming toward flirtations of melody that flower into song and back again. Somehow playful and light, while also remarkably emotive and personal, it’s almost as though each of these tracks crystallised out the air, unlabored and exactly as they should be without a note or beat more.

An engrossing immersion into both Gallo and Simon’s remarkably accomplished minds, having followed the path toward one another after radically different experiences and careers, “The Music of Butterfly” is one of those records that’ll be hard to get off the turntable after that first needle drop, and rarely leave the listening pile for some time to come. Issued by Family Friend Records in a beautiful deluxe edition that is unmatched even among the most stunning recent productions we can call to mind - 180g vinyl in textured heavy gatefold cover with paste-on artwork and thick anti-static innersleeve - it’s lovely to have Gallo back in the musical mix after so many years. "

Kaum hatte Stella Chronopoulou mit dem Schreiben von Adagio, ihrem fünften Album als Σtella, begonnen, wusste sie, dass die Zeit endlich gekommen war, um in ihrer Muttersprache Griechisch zu singen. Es wäre eine Premiere. Sie begann mit dem Album fast zufällig im Jahr 2019, während einer 11-stündigen Bootsfahrt zur Insel Anafi. Σtella hatte kürzlich eine persönliche Krise durchgemacht und brauchte eine Pause von zu Hause. Auf der Fähre zückte sie ihr Handy, während das Boot durch das Mittelmeer glitt, und begann mit einer einfachen Melodie, aus der sie nach und nach ein grobes Instrumentalstück zusammensetzte.

Als psychedelische Keyboards über stakkatohaften Drums flimmerten und schwankten, suggerierte der Track ein tiefes Ausatmen, als ob Σtella lange überflüssigen Ballast loslassen würde. Für eine Weile legte sie das Instrumentalstück beiseite. Sie war noch nicht so weit und hatte es auch nicht eilig. ?tella ist schließlich in einer langsamen Umgebung aufgewachsen. In ihrer Jugend in einem relativ ländlichen Vorort von Athen, Griechenland, spielten sie und ihre Freunde ungehindert auf leeren Straßen, machten sich keine Gedanken über Autos oder Genehmigungen, und das Leben fühlte sich einfach an. Doch in den letzten zehn Jahren ist das Leben von Σtella, die jetzt im Herzen von Athen lebt, immer geschäftiger geworden. Mit drei anspruchsvollen, verspielten und mit internationalem Elan vorgetragenen Pop-Alben ist sie zu einem der beliebtesten Musikexporte des modernen Griechenlands geworden.

Nach ihrem Sub Pop-Debüt Up and Away im Jahr 2022 überschritt sie die Marke von drei Millionen monatlichen Spotify-Hörern. Dieser Erfolg war ein Segen, aber Σtella sehnte sich manchmal nach dem langsameren Tempo ihrer Jugend. Diese Sehnsucht ist der rote Faden, der ihr fünftes Album, das bezaubernde Adagio, locker zusammenhält. Der Name leitet sich von dem Begriff für Musik ab, die langsam gespielt werden soll, Adagio ist dabei ein Pop-Album, das sich wie eine warme Decke anfühlt; es umhüllt seine Hörer mit nylonbesaiteten Gitarren, federleichter Percussion, psychedelischen Keyboards und Stakkato-Schlagzeug.

Geschrieben und aufgenommen über einen Zeitraum von fünf Jahren mit einem Konsortium von internationalen Kollaborateuren, darunter Rafael Cohen von !!! und der britische Songwriter Gabriel Stebbing, ist Adagio eine 27-minütige Meditation über Liebe und Sehnsucht, Ruhe und Zeit. Obwohl der Großteil des Albums auf Englisch gesungen ist, wie alle ihre Alben, wartet Σtella auch mit ihren ersten beiden Songs auf Griechisch auf: „Omorfo Mou“ und eine Coverversion eines griechischen Kultklassikers von 1969, „Ta Vimata“ von Litsa Sakellariou. Es ist ein Zeichen des Selbstbewusstseins, das diese zarten und verliebten kleinen Stücke ausstrahlen. Von Anfang bis Ende klingt Σtella auf Adagio entspannter und wohler als je zuvor. Diese bezaubernden Songs werden ihre Karriere nicht bremsen oder ihr den Wunsch des Titeltracks erfüllen, aber für eine halbe Stunde lockert die Zeit ihren Griff, auch auch wenn sie nicht langsamer wird.

Die mehrfach preisgekrönte norwegische Jazzsängerin und Songwriterin Silje Nergaard präsentiert ihr neues Album "Tomorrow We'll Figure Out the Rest". Dies ist eine zutiefst persönliche Hommage an ihre Eltern und eine musikalische Reise, inspiriert von Erinnerungen, Momenten mit ihrer Familie und Szenen aus ihrem Leben."'Tomorrow We'll Figure Out the Rest' ist nicht nur der Titel eines Albums, sondern auch das, was das Leben im Moment ausmacht - die Erlaubnis, nicht alles perfekt durchdacht haben zu müssen", erklärt Silje Nergaard. "Diese Inspiration stammt aus einer Quelle, die mir sehr nahesteht: meinen Eltern. Sie haben mir gezeigt, wieviel Freude die Musik in ein Zuhause bringen kann - die Freude und auch die Traurigkeit, die sie in unsere Herzen bringt. Sie haben mir beigebracht, dass das Leben nicht immer bis ins letzte Detail geplant sein muss."Mit ihrer besonderen Fähigkeit, bewegende Geschichten mit Musik zu erzählen, vereint Silje auf "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" intime Jazzklänge mit orchestralen Arrangements. Dabei wird sie von führenden europäischen Jazzmusikern begleitet, darunter Helge Lien (Piano), Jarle Vespestad (Schlagzeug), Finn Guttormsen (Bass), George (Jojje) Wadenius (Gitarre) und Håkon Kornstad (Saxophon). Ergänzt wird das Ensemble durch das renommierte Stavanger Symphony Orchestra, dirigiert von Vince Mendoza, der die emotional-farbigen, bisweilen geradezu cineastischen Orchesterarrangements für das Album komponiert hat. Mendoza und Nergaard arbeiteten bereits bei dem Grammy-nominierten Album "A Thousand True Stories" zusammen.Besonders bewegend sind die persönlichen Einblicke, die Silje Nergaard in dieses Album eingebaut hat: "Es hat ein paar kleine Momente, die zeigen, wie mein Leben als Kind aussah. Ich habe eine alte Kassette gefunden, auf der ich mit meinem Vater spreche - da war ich gerade mal fünf Jahre alt. Darauf singen meine Schwester, meine Eltern und ich zusammen. Diese Aufnahmen haben mich tief berührt, und ich freue mich, sie mit euch teilen zu können."Das Album vereint die intime Atmosphäre eines Kammer-Jazzensembles mit dem majestätischen Klang eines großen Orchesters. Silje Nergaard beschreibt es als eine Sammlung von Erinnerungen, die die Vergangenheit feierlich nachvollziehbar machen, aber auch einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft werfen. "Das Cover des Albums zeigt ein altes Foto meiner Eltern, als sie jung und frisch verliebt waren - ein Moment purer musikalischer Freude, ohne Gedanken an den nächsten Tag. Dieses Bild und diese Stimmung haben mich inspiriert."Mit "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" zeigt Silje Nergaard einmal mehr, warum sie zu den herausragendsten Künstlerinnen der Jazzszene gehört: persönlich, authentisch und musikalisch brillant.

Produziert von Will Yip (Turnstile, Title Fight, Mannequin Pussy, etc.), der auch schon an der 2023er "Psychic Dance Routine" EP der Hardcore-Band Scowl aus Santa Cruz mitgewirkt hat, findet man auf "Are We All Angels" die giftige und antagonistische Band, die ihre Aggression durch eine expansivere Version ihrer selbst leitet. Das Album wurde von Rich Costey (Fiona Apple, My Chemical Romance, Vampire Weekend, etc.) gemischt. "Are We All Angels" ist geprägt von Entfremdung, Trauer und Kontrollverlust, und setzt sich größtenteils mit ihrem neu gefundenen Platz in der Hardcore-Szene auseinander, einer Gemeinschaft, die die Band in den letzten Jahren sowohl umarmt als auch zu einer Art Blitzableiter gemacht hat. Auf "Are We All Angels" erkunden Scowl auf Schritt und Tritt ehrgeizige neue Richtungen und verbiegen Genre-Normen. Sängerin Kat Moss macht die am unmittelbarsten erkennbare Entwicklung, indem sie einen strukturierteren und manchmal zarten Ansatz wählt. Sie spielt mit Harmonien und melodischem Feingefühl, das selbst die eingefleischtesten Scowl-Fans überraschen dürfte. Moss nennt eine breite Palette von Einflüssen außerhalb des harten Rock - alles von Billie Eilish bis Radiohead, Car Seat Headrest bis Julien Baker. "Die meisten von uns waren wirklich keine geübten Musiker, als die Band begann", gibt sie zu. "Es war in dieser Hinsicht sehr Germs-esque, wie die erste Hardcore-Band eines Babys, was großartig ist. Jetzt wissen wir vielleicht immer noch nicht, was wir tun, aber wir haben eine bessere Vorstellung davon, was wir tun wollen." Instrumental gibt die Band Einflüsse von Negative Approach, Bad Brains, Hole, Mudhoney, Garbage, Ramones, Pixies, Sonic Youth, Rocket From The Crypt und anderen an. Bassist Bailey Lupo merkt an: "Das Songwriting für die neue Platte war das bisher kollaborativste in der Geschichte von Scowl. Jeder hat so viele Ideen eingebracht, und wir konnten sie alle in Ruhe analysieren und uns Zeit nehmen. Wir haben alle so unterschiedliche Geschmäcker, Einflüsse und Persönlichkeiten, und das kann man auf diesem Album wirklich in jeder Ecke hören." Selbst durch diesen eklektischen Ansatz verlieren Scowl nichts von ihrer Schärfe und schaffen es immer noch, die Wut und Frustration zu vermitteln, die dahinter steckt. Sie sind zutiefst dem Ethos des Punk und seinem Gemeinschaftssinn verpflichtet. "Hardcore und Punk haben uns geprägt, wie wir arbeiten, was wir als Band tun wollen und wie wir uns beteiligen", sagt Greene. "Im Kern sind wir eine Punk- und Hardcore-Band, unabhängig davon, wie sich der Song verändert." Das Album wird von dem bereits veröffentlichten "Special" eröffnet, einen Song mit großer, hymnischer Energie, der die rohe Intensität von Scowl beibehält. Scowl haben sich schnell als einer der dynamischsten und fleißigsten Acts in der Rockszene etabliert und ausgiebig in den USA und international mit Bands wie Limp Bizkit, Destroy Boys, The Bronx, Militarie Gun, Show Me The Body, Zulu, Touche Amore, A Day To Remember, Speed, Sunami und vielen anderen getourt, sowie Festivalauftritte beim Coachella, Reading & Leeds, No Values, Outbreak, Primavera und Sick New World, um nur einige zu nennen, absolviert. Die Band - Malachi Greene (Gitarre), Bailey Lupo (Bass), Cole Gilbert (Schlagzeug), Mikey Bifolco (Gitarre) und Kat Moss (Gesang) - gründete sich 2019 und feierte 2021 mit ihrem Debütalbum "How Flowers Grow" ihren Durchbruch. Seitdem sind sie unaufhaltsam auf dem Vormarsch.

Inspiriert vom Leben und Mythos des Schauspielers Dennis Hopper haben Mike Scott und The Waterboys - die schottische Rockband bekannt für ihre Hits 'The Whole Of The Moon' und 'The Big Music' - dieses umfangreiche Album als Hommage an eine der faszinierendsten Persönlichkeiten der amerikanischen Popkultur geschaffen. Das Album mit ausschließlich eigenen Songs ist sehr konzeptionell angelegt und bringt hochkarätige Künstler wie Bruce Springsteen, Fiona Apple und Steve Earle zusammen, um Hoppers Leben musikalisch zu durchdringen, einschließlich eines Songs für jede seiner Ehefrauen.

- Die Verpackung enthält Fotos aus dem Archiv von Dennis Hopper

- Col. 2LP: (Burnt Colored Vinyl in Gatefold-Hülle mit bedruckten Innentaschen)

Inspiriert vom Leben und Mythos des Schauspielers Dennis Hopper haben Mike Scott und The Waterboys - die schottische Rockband bekannt für ihre Hits 'The Whole Of The Moon' und 'The Big Music' - dieses umfangreiche Album als Hommage an eine der faszinierendsten Persönlichkeiten der amerikanischen Popkultur geschaffen. Das Album mit ausschließlich eigenen Songs ist sehr konzeptionell angelegt und bringt hochkarätige Künstler wie Bruce Springsteen, Fiona Apple und Steve Earle zusammen, um Hoppers Leben musikalisch zu durchdringen, einschließlich eines Songs für jede seiner Ehefrauen.

- Die Verpackung enthält Fotos aus dem Archiv von Dennis Hopper

- Ltd. Col. 2LP: (Psychedelic Waves Colored Vinyl in Gatefold-Hülle mit bedruckten Innentaschen)