Bachs Musik wird oft als unzerstörbar beschrieben, in dem Sinne, dass ihr essentieller Geist immer erhalten bleibt, ganz gleich, wie oder in welchem Arrangement sie aufgeführt wird. Daher sind Transkriptionen der Werke des Meisters heute ebenso üblich wie zu Bachs Zeiten – und auch Bach (1685-1750) selbst war ein leidenschaftlicher Transkribent seiner eigenen Musik und der anderer Komponisten. Diese neue Aufnahme präsentiert Instrumentalwerke von Bach, die für die moderne Gitarre transkribiert und auf ihr gespielt werden, darunter viele berühmte und beliebte Kompositionen: „Air" (aus der Orchestersuite Nr. 3), „Chaconne" (für Violine solo), „Jesu", „Meine Freude", „Sicilienne" (Original für Flöte und Cembalo), „Aria" (aus den GoldbergVariationen) und viele weitere.
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- A1: Intro 01:56:00
- A2: Falsified And Hated 05:31:00
- A3: To Daimonion 03:29:00
- A4: Malum 04:18:00
- A5: Bad Blood 05:20:00
- B1: My Death 05:13:00
- B2: Symbols Of Bloodswords 04:59:00
- B3: Voces Ab Alta 08:01:00
- C1: Freezing Moon 07:03:00
- C2: Pagan Fears 07:03:00
- C3: Life Eternal 07:22:00
- D1: Buried By Time And Dust 03:57:00
- D2: Silvester Anfang 01:52:00
- D3: Deathcrush 03:59:00
- D4: Chainsaw Gutsfuck 03:40:00
- D5: Carnage 05:00:00
- D6: Pure Fucking Armageddon 01:09:00
Das neue Live-Album mit dem Titel "Daemonic Rites" ist ein spannendes und intensives Hörerlebnis, das die MAYHEMs Energie und Kraft auf der Bühne einfängt. Das Album enthält Aufnahmen von einer Vielzahl von Städten und Veranstaltungsorten, jeder mit seiner eigenen einzigartigen Atmosphäre und seinem Publikum. MAYHEM haben in den letzten Jahren auf der ganzen Welt gespielt, und "Daemonic Rites" fängt die Essenz ihrer Live-Auftritte auf eine Weise ein, wie es nur wenige andere Alben können.Das Album enthält sowohl klassische MAYHEM -Tracks als auch neueres Material von ihrem 2019 erschienenen Album "Daemon". Fans können sich unter anderem auf mitreißende Interpretationen von Songs wie "Freezing Moon", "De Mysteriis Dom Sathanas" und "Pure Fucking Armageddon" freuen.Insgesamt ist "Daemonic Rites" ein Muss für jeden MAYHEM -Fan und jeden, der intensive, rohe und authentische Live-Musik liebt. Mit seiner globalen Reichweite und seinen kraftvollen Performances ist dieses Album ein Beweis für MAYHEMs bleibendes Vermächtnis als eine der einflussreichsten Bands im extremen Metal.
Eigenartige, schmutzige Geschichten über Unglück. Ohne lange zu überlegen, griff Fushigi nach dem Album, dessen buntes Cover aus der Wand mit den Zeitschriften, Büchern und Schallplatten herausragte. Neben den japanischen Schriftzeichen konnte sie auf der Hülle auch die deutschen Worte Husten und "Aus allen Nähten" erkennen. Fushigi bezahlte und machte sich zuhause daran, die auf Vinyl versammelten Lieder zu erforschen. Obwohl sie nur Bruchstücke der fremden Sprache verstand, träumte sie in der Nacht von der in einem Song beschriebenen Nahtoderfahrung, von dem Mann, der sich in einem anderen Lied in eine Vaterschaft hinein illusioniert, schreckte um Viertel vor drei hoch, weil sie sich sicher war, dass - wie auf Platte - eine Krankenschwester um diese Zeit anrufen würde. Später sah sie im Schlaf das gelbe Haus der Ausgestiegenen und durchlebte die in szenischen Miniaturen geschilderte tragische Lebensliebesgeschichte eines anonymen Paares. Hörte noch im morgendlichen Halbschlaf neben dem deutschen Sänger die Schweizerin Sophie Hunger nachhallen. Sofort nach dem Frühstück recherchierte Fushigi und fand heraus, dass "Aus allen Nähten" nach vier EPs das erste Husten-Album war. Warum es ein unglücklicher Zufall in dieser an Zufällen und glücklichen Unglücken so reichen Band-Geschichte war, dass deren Mitglieder Moses Schneider, Gisbert zu Knyphausen und der dünne Mann sich 2019 entschlossen hatten, ihre Tour 500 Tage im voraus anzukündigen und die Pandemie daraus über 1.200 Tage zwischen Mitteilung und Konzertbeginn machte. Sie erfuhr von der anfänglichen fluxusartigen Liederresteverwertung der Musiker, die inzwischen einer live aufnehmenden Band gewichen war. Doch kreidebleich wurde Fushigi erst, als sie las, dass jemand sie selbst ausschließlich für das Info der Band erfunden hatte.
Ash sind seit 30 Jahren zusammen, aber es waren die zwei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, die sie zu ihrem brillanten neuen Album inspirierten. Wie der Rest der Welt wurden auch Tim Wheeler (Gitarre/Gesang), Mark Hamilton (Bass) und Rick McMurray (Schlagzeug) von der Pandemie überrumpelt. Es war nicht nur die erste längere Auszeit, die die Band in ihrer unglaublichen drei Jahrzehnte währenden Karriere hatte, sondern auch die längste Zeit, in der die drei sich nicht gesehen hatten, seit sie sich in der Schule in Downpatrick, Nordirland, erstmals begegnet waren. Tim Wheeler - wie man es von einem der größten Songschreiber seiner Generation erwarten würde - hatte während Ashs Zwangspause weiter Songs geschrieben. Zum Reboot-Camp der Band erschien er bereit zum Loslegen mit einem Rucksack voller Hard-Rock-Hymnen. Und schwere Zeiten verlangen schließlich nach härterer Musik. Das selbst produzierte "Race The Night" - das achte Studioalbum der Band - ist in jeder Hinsicht herausragend. Aufgenommen im Oh Yeah-Studio in Belfast und mit neuem Fokus, kombiniert die Platte die unwiderstehlichen Rock-Riffs von "Meltdown" (2004) mit der melodischen Meisterschaft von "Free All Angels" (2001) - und das alles verpackt mit einem deutlichen Twist ins Jahr 2023. Und mit den fernen Anzeichen eines oft beschworenen Rock-Revivals am Horizont, könnte es das essentielle gitarrenzentrierte, hymnenreiche Album sein, auf das die Welt gewartet hat. Seit Ash als Teenager mit ihrem Nummer-Eins-Debütalbum "1977" aus Downpatrick auftauchten, ist die Band ein vitales, wachsendes Anliegen. Die meisten ihrer Zeitgenossen sind verschwunden oder haben sich zumindest aufgelöst, bevor sie zurückkehrten, aber Ashs Licht leuchtet so hell wie eh und je. Für dieses Album sind sie sogar zu Fierce Panda Records zurückgekehrt, die eine ihrer ersten Aufnahmen, "Punkboy", auf der 1994 erschienenen Crazed And Confused EP veröffentlicht haben.
Palma Music Studios, Oktober 2022. Die funkigen Vier aus Schweden werden während der sonnigen Tage beim Trinken von Margaritas und Estrella Damms gesichtet, aber nach der Siesta legen sie das laute Fundament für das achte Album der ELECTRIC BOYS."Die Pandemie inspirierte zu einigen ernsteren Themen, so dass "Ups!de Down", das 2021 erschien, ein etwas düstereres Album war, auch wenn die Hoffnung immer präsent war", sagt Conny Bloom, der Hauptsongschreiber der Band."Grand Explosivos", das neue Electric Boys-Album, das am 15. September über Mighty Music erscheint, ist jedoch genau das Gegenteil. Es könnte tatsächlich sein, dass die Jungs die beste Party seit "Groovus Maximus" schmeißen!
Das Album ist ein hart rockendes, melodiöses, funkiges und spaßiges Abenteuer, das zu einem Markenzeichen der Band geworden ist.Die erste Single "I've Got A Feelin'" wies den Weg in die klassischen Rock-Arenen, während die Folgesingle "Domestic Blitz" wie ein Maultier kickt und keine Gefangenen macht. (Oder vielleicht doch?)
Schauen Sie sich das Video an und entscheiden Sie selbst:). Die Jungs haben sichtlich Spaß daran, zusammen zu spielen und wir freuen uns auf ein verdammt gutes Partyalbum am Ende des Sommers.
Palma Music Studios, Oktober 2022. Die funkigen Vier aus Schweden werden während der sonnigen Tage beim Trinken von Margaritas und Estrella Damms gesichtet, aber nach der Siesta legen sie das laute Fundament für das achte Album der ELECTRIC BOYS."Die Pandemie inspirierte zu einigen ernsteren Themen, so dass "Ups!de Down", das 2021 erschien, ein etwas düstereres Album war, auch wenn die Hoffnung immer präsent war", sagt Conny Bloom, der Hauptsongschreiber der Band."Grand Explosivos", das neue Electric Boys-Album, das am 15. September über Mighty Music erscheint, ist jedoch genau das Gegenteil. Es könnte tatsächlich sein, dass die Jungs die beste Party seit "Groovus Maximus" schmeißen!
Das Album ist ein hart rockendes, melodiöses, funkiges und spaßiges Abenteuer, das zu einem Markenzeichen der Band geworden ist.Die erste Single "I've Got A Feelin'" wies den Weg in die klassischen Rock-Arenen, während die Folgesingle "Domestic Blitz" wie ein Maultier kickt und keine Gefangenen macht. (Oder vielleicht doch?)
Schauen Sie sich das Video an und entscheiden Sie selbst:). Die Jungs haben sichtlich Spaß daran, zusammen zu spielen und wir freuen uns auf ein verdammt gutes Partyalbum am Ende des Sommers.
Meister Musik Vinyl! Meister der Tournee 2023! Kaum wartet man ein Vierteljahrhundert, schon gibt's endlich ein Jubiläum im Hause J.B.O.!
Die Erfinder des Comedy-Metals zelebrieren zum 25. Geburtstags ihres Meisterwerks "Meister der Musik" das gesamte Album live, am Stück! Schließlich war diese Platte 1998 das erste Top 10 Album (von insgesamt acht) der "Könige des Spaßmetalls". Außerdem finden sich auf diesem Album - das nicht wenige Fans als das Beste von J.B.O. überhaupt bezeichnen - etliche Kult-Songs, die im Live-Konzert die Hütte wackeln lassen: "Verteidiger des Blödsinns", "Ällabätsch", "Wir ham ne Party" und natürlich darf auch "Ein guter Tag zum Sterben" nicht fehlen!
Nachdem das Album als CD inzwischen nicht mehr lieferbar ist, haben J.B.O. mit ihrer damaligen Plattenfirma eine limitierte Vinyl-Auflage als dreiseitiges Doppelalbum ausgehandelt, die kurz vor der Tour erscheinen wird - und wenn noch welche übrig sind, wird es die auch bei den Live-Konzerten zu kaufen geben!
Da J.B.O.-Konzerte aber deutlich länger dauern, als so eine LP, bleibt auch noch genug Zeit für "Alles nur geklaut", "Bolle", "Der Hofnarr" oder auch neuere Songs wie "Metal Was My First Love". Langjährige J.B.O.-Fans werden sowieso die Hallen stürmen, aber auch wer "früher mal J.B.O. gehört hat", kann hier die gute alte Zeit wieder erleben! Natürlich kann man diese Gelegenheit auch nutzen, um zum ersten Mal die wohl bescheuertste Band der Welt auf der Bühne zu sehen.
Gerade die komplette Live-Aufführung des "Meister der Musik"-Albums mit all seinen wahnsinnigen Zwischenspielen und herrlich blödsinnigen Quatsch-Einlagen, gepaart mit knackigen Metal-Riffs und biergeschwängerter Partystimmung, bietet auch Anfängern im J.B.O.-Universum die perfekte Chance, auch zu einem Meister zu werden. "Meister der Musik" - das 25jährige Jubiläum! Live, in voller Länge und laut!
Gatefold-Plattenhülle und auf Seite 4 ein lustiges Etching!
Will Johnson of Centro Matic's ninth solo album. No Ordinary Crown, hums with palpable motion. Travelers, runners and conductors fill its lyrics, and gesticulating storms and emotional highs and lows seep through the instinctual quality of its rock ’n roll performances. It’s also cabled by ephemeral momentum. The songs were conceived in stolen moments and brief windows of time between the responsibilities of family and a multi-hyphenate career. The singer, songwriter, multi-instrumentalist, painter and novelist describes the demo process as “fairly jagged,” a gathering and stitching of audio snippets recorded via cell phone and dictaphone over a year and half. “I finalized the songs on short tours where I could hear my thoughts a bit more clearly,” he says. “Somewhere along the line someone advised me to never be afraid to hurt my characters, that I will always be able to get them out of it,” he says. “I do want there to be these small victories and small portals of hope.” With No Ordinary Crown, people may behave badly, and the road may get rough, but the reward is in the journey. Released via Austin label Keeled Scales (home to Katy Kirby, Buck Meek of Big Thief, Why Bonnie, Twain, Sun June
Boulderhead makes his debut on Natural Frequencies a new imprint from Handy Records.
Four bouncy bass tech house cuts in true Boulderhead form, driving percussion, soaring synths all embellished with trancy textures. Bridging the gaps between House, Techno and Trance.
If that isn't enough for you already Luca Lozano steps in for remix duties, moulding his signature style into a pacey 140bpm stomper.
Having established his name with releases on Craigie Knowes, Small Hours, Running Out Of Steam, Gestalt and more. Were gassed to have Boulderhead on our first record.
The Blackwhitecolorful sind eine Kölner Alternativ Rockband mit ihrem 2. Longplayer. Ihr Anspruch dabei ist es, ein lebendiges Oxymoron zu sein: Inhaltliche Tiefe schaffen, sich mit komplexen Themen auseinandersetzen, dabei aber zugänglich und einfach bleiben.
Sie sind die Leichten unter den Brachialen, die Leisen der Lauten, die sanftmütigen Stürmer - eine widersprüchliche Rezeptur, die dennoch -oder gerade deswegen - aufgeht. Das Konzept Album Brace For Impact ist das dritte Kapitel der Navigators-Saga. Die Geschichten handeln je von einer Gruppe von Menschen, die aus unterschiedlichen Nöten heraus ihre Heimat verlassen und sich in die Ferne aufmachen. Notgedrungen werden sie jedoch zu Pionieren, denen es gelingt, imaginäre Grenzen zu durchbrechen und Unerschlossenes zu erschließen. Während das erste Album sich noch damit befasst, unbekannte Ozeane zu ergründen, geht es nun darum, den Weltraum zu erobern. Musikalisch manövrieren The Blackwhitecolorful gekonnt zwischen Alternative Rock/Metal, Post-Rock und Post-Hardcore. Neben tiefen, voluminösen Gitarren und glasklaren, eingängigen Vocals finden auch lange Synthesizer-Passagen und Instrumental-Parts ihren Platz. Ein weites Spektrum von sanften Klängen bis hin zu harten Rhythmen. Die erste Single Echoes vereinbart exakt diese Reibungsfläche breiter Gitarren und moderner Synths, sanfte Vocals, ohne auch nur für einen Moment den treibenden Puls zu verlieren. Zahlreiche Kooperationen runden das Ganze ab: Sänger: innen Tobias Brandt (Cera Maven), Emelyn Blanco (Privacy Please) und Eric Stöcker (Illusions Fade), sowie 1LIVE-Moderator Kotaro Dürr für ein Gastspiel am Bass. 2021 spielte die Band auch beim ARD Film Taufalarm-Familie ist ein Fest mit & steuerte 4 Songs zum Soundtrack bei.
Super Furry Animals waren eine der ersten Post-Alternative-Bands, die eine Reihe unterschiedlicher Musikgenres - darunter Power Pop, Punkrock, Techno und Progressive Rock - zu einem schillernden, melodischen und bewusst kunstvollen Rock & Roll verschmolzen.
Das von der Band selbst produzierte Album "Phantom Power", das 2023 sein 20-jähriges Bestehen feiert, ist zurückhaltender als die früheren Werke der Band. Das Album ist größtenteils von Pedal Steel, akustischen Gitarren und Gesangsharmonien durchzogen. Doch wer glaubt, dass die kreativen Kräfte erloschen sind, könnte sich kaum mehr irren. Gruff Rhys' Songwriting macht auf "Phantom Power" einen Schritt nach vorne, mit verspielten, auf Geschichten basierenden Texten über Schildkröten, Mingers, Ninjas und Kohlköpfe, die mit Zeilen über Tod, Strahlung und Krieg kontrastieren.
Diese Deluxe-Wiederveröffentlichung auf schwarzem, 180g 2LP-Vinyl mit Original-Artwork und gestanzter Hülle wurde sorgfältig von den Mixdown-Bändern neu gemastert und enthält Anmerkungen von Kurt Stern, dem ausführenden Produzenten des Albums. Wenn Sie noch
mehr Super Furries brauchen, ist das remasterte Album auch im 3CD-Format erhältlich, mit zwei CDs vollgepackt mit jeder Menge Bonusmaterial, darunter Out-Takes, Demos und Live-Versionen, von denen viele bisher unveröffentlicht waren.
Die Gezeiten schwellen an, während die nächste Welle des britischen Metal weiter an Fahrt aufnimmt, angeführt von den Genre-Pionieren SYLOSIS und ihrem brandneuen Werk "A Sign Of Things To Come".
Vom feurigen Modern Thrash des 2008er Debüts "Conclusion Of An Age" und den epischen Nachfolgern "Edge Of The Earth" (2011) und "Monolith" (2012) bis hin zur direkten, ganzheitlichen Brutalität von "Dormant Heart" (2015) und "Cycle Of Suffering" (2020) haben Sylosis mit Stolz die Fahne für anspruchsvollen, aber kompromisslosen Metal hochgehalten. Jetzt, mit neuer Musik bewaffnet, meldet sich Sylosis in der internationalen Metalwelt mächtig zurück!
A Sign Of Things To Come ist nicht nur das bisher kürzeste Sylosis-Album, sondern auch das beste der Band: Vom Thrash-Krieg des Eröffnungsstücks 'Deadwood' und der knurrenden Groove-Metal-Wut von 'Pariahs' über den taumelnden Sludge und den erhabenen Refrain von 'Eye For An Eye' bis hin zu den schimmernden Gothic-Doom-Vibes von 'Thorns' war die Phrase "all killer, no fucking filler" noch nie so zutreffend. Zehn Songs, zehn Triumphe: Mission erfüllt.
Sylosis sind zurück, um alle daran zu erinnern, wie echter Heavy Metal klingt, wenn er von den Besten der Besten gespielt wird. Nachdem ihnen die Chance verwehrt wurde, als Support für Cycle Of Suffering auf Tour zu gehen, ist das Feuer für einen karrierebestimmenden Albumzyklus nun endgültig entfacht!
- 1: Springtime
- 2: The Returner
- 3: All Without Within
- 4: Demons
- 5: Eve Was Black
- 6: Stay Right Here
- 7: Shadowlands
- 8: Rag Child
- 9: Snake Life
- 10: Requiem
Die 4x GRAMMY-nominierte Sängerin, Songwriterin, Dichterin und Aktivistin Allison Russell hat ihr neues Album ”The Returner” angekündigt. Das Album wird am 8. September 2023 über Fantasy Records veröffentlicht . ”The Returner” wurde von Allison zusammen mit Dim Star (ihrem Partner JT Nero und Drew Lindsay) geschrieben und co-produziert und wurde in der Woche der Sonnenwende im Dezember 2022 in den Henson Recording Studios in Los Angeles, CA aufgenommen. Mit dabei ist Russells ”Rainbow Coalition”-Band, die ausschließlich aus weiblichen Musikern besteht, sowie spezielle Gastauftritte der legendären Wendy & Lisa, Brandi Carlile, Brandy Clark und Hozier.
”Mein Ziel mit The Returner ist - klanglich, poetisch und spirituell - eine radikale Rückgewinnung der Gegenwart, eine Echtzeit-Vereinigung von Körper, Geist und Seele. Dieses Album ist eine viel tiefere Artikulation von Rhythmus, Groove und Synkopierung. Groove, der das Selbst zurück in den Körper bringt, Groove, der sinnliche und sexuelle Handlungsfähigkeit und Entfaltung feiert, Groove als dringender Aufruf zum Handeln und zum politischen Aktivismus.
Mit einem Wort, es ist funkiger. Aber wie in der Geschichte von allem, was funky ist, geht es nie nur um eine Party. Es ist ein Multiversum von Energien, das die Feier und den Kampfschrei miteinander verbindet.
Denn während die Umarmung der Gegenwart eine Feier ist, ist sie gleichzeitig ein bedingungsloser Sprung in die Schlacht - kulturell, politisch, ökologisch.”
You can't get Deeper if you're standing still. That's intentional, says the Chicago quartet's Nic Gohl. "Does it feel good when you're listening to this song? Does your body want to move with it?" These are the questions he asked himself as he and bandmates Shiraz Bhatti, Drew McBride, and Kevin Fairbairn were writing and recording Careful!, their third record and Sub Pop debut. "I wanted these to be interesting songs, but in a way where a two-year-old would vibe out to it," Gohl adds.
"It's pop music, basically." That "basically" qualifier is working pretty hard, as fans of 2020's Auto-Pain might suppose. On Careful!, they're not reimagining their sound so much as testing its limits. If you want to, you can hear echoes of David Bowie's Low in the snapping rhythm and gray-sky synths of "Tele," but you can also hear a bit of Auto-Pain in the nailed-in, stippling lines being spit out by Bhatti's drum programming and McBride's synthesizer.
"Fame" seems to stumble together and nearly fall apart, the dialed-up noise making the beat feel maniacal and a little invincible, the whole thing a series of short, snipped, autonomous gestures that are by now Deeper's trademark. "Build a Bridge" pushes in the opposite direction, using a prickly guitar line to launch into big, smeary art-pop, its emotional palette clear, well-defined, and easy to latch onto.
On "Sub," Gohl sings above and below the melody like Ian McCulloch, bellowing and wondering and ruminating and rounding into swaggering confidence that the band rises to meet. It's festival headliner music that still feels like it was written in a garage. That fraternal interdependence is near the center of Deeper's music. The musical and lyrical devotion to mutuality makes this restlessly curious, stylistically broad album feels like the most coherent portrait of who Deeper is. Or, as McBride ultimately frames it, "Careful! is about looking out for one another."
You can't get Deeper if you're standing still. That's intentional, says the Chicago quartet's Nic Gohl. "Does it feel good when you're listening to this song? Does your body want to move with it?" These are the questions he asked himself as he and bandmates Shiraz Bhatti, Drew McBride, and Kevin Fairbairn were writing and recording Careful!, their third record and Sub Pop debut. "I wanted these to be interesting songs, but in a way where a two-year-old would vibe out to it," Gohl adds.
"It's pop music, basically." That "basically" qualifier is working pretty hard, as fans of 2020's Auto-Pain might suppose. On Careful!, they're not reimagining their sound so much as testing its limits. If you want to, you can hear echoes of David Bowie's Low in the snapping rhythm and gray-sky synths of "Tele," but you can also hear a bit of Auto-Pain in the nailed-in, stippling lines being spit out by Bhatti's drum programming and McBride's synthesizer.
"Fame" seems to stumble together and nearly fall apart, the dialed-up noise making the beat feel maniacal and a little invincible, the whole thing a series of short, snipped, autonomous gestures that are by now Deeper's trademark. "Build a Bridge" pushes in the opposite direction, using a prickly guitar line to launch into big, smeary art-pop, its emotional palette clear, well-defined, and easy to latch onto.
On "Sub," Gohl sings above and below the melody like Ian McCulloch, bellowing and wondering and ruminating and rounding into swaggering confidence that the band rises to meet. It's festival headliner music that still feels like it was written in a garage. That fraternal interdependence is near the center of Deeper's music. The musical and lyrical devotion to mutuality makes this restlessly curious, stylistically broad album feels like the most coherent portrait of who Deeper is. Or, as McBride ultimately frames it, "Careful! is about looking out for one another."
"Mid Air" ist ein Album über das Feiern, die Zuflucht und die Erlösung auf der Tanzfläche. Es ist ein Album, das sich mit Liebe, Trauer, Beziehungen, Identität und Sexualität beschäftigt. Es ist Romys Liebesbrief an die queeren Clubs, in denen sie Gemeinschaft und Anschluss gefunden hat. Die Entstehung des Albums, ihres ersten Soloprojekts, war ein Prozess, bei dem sie sich selbst außerhalb von The xx kennengelernt hat und in dem sie auch noch die Zeit hatte, sich zu verlieben. Es gibt einen Moment, ein Zwischenspiel, ein paar Tracks in "Mid Air", als Romys Stimme leise den Text "it hit me in mid air" singt. Diese Erkenntnis führt uns direkt in den Song "Enjoy Your Life", die zweite Single des Albums, die wie eine Offenbarung klingt. "Meine Mutter sagte zu mir "genieße dein Leben"", singt Musiker Beverly Glenn-Copeland im Refrain - ein Sample aus seiner Platte "La Vita". Als Romy den Satz zum ersten Mal hörte, hat er sie umgehauen - eine Erinnerung in den Tiefen der Trauer, dass das Leben kurz ist und man es in vollen Zügen genießen sollte. Freude, Verbundenheit, Liebe zu suchen. Während die Strophen die härteste Zeit nach dem Verlust ihrer Eltern zum Ausdruck bringen, ist der Refrain eine Art feierliche Ruhe. Schmerz und Freude tanzen zusammen. Die Art von Liedern, die Romy am liebsten mag - das, was sie "emotionale Musik zum Tanzen" nennt - Lieder wie "Smalltown Boy" von Bronski Beat oder "Dancing On My Own" von Robyn. Das ist die Art von Musik, die "Mid Air" inspiriert hat, die Art von Musik, die Menschen in Clubs zusammenbringt, insbesondere in queeren Clubs. Romy begann als Teenager in Londoner Queer-Clubs aufzulegen und sieht "Mid Air" als eine Rückkehr in diese Zeit, ein Pop-Dance-Album, das die Orte beschwört, an denen sie sich zum ersten Mal in das Genre und seine Kraft, Menschen zu bewegen, verliebt hat. Die Tatsache, dass das Album größtenteils unter Ausschluss der Öffentlichkeit entstand, als Romy die Clubs vermisste, machte diesen Impuls, ein Album zu schaffen, das in einem Club ein Zuhause finden könnte, umso wichtiger. Die Zusammenarbeit mit Fred Again.. und Stuart Price (der eines von Romys Lieblingsalben, Madonnas "Confessions on a Dancefloor", produziert hat) sowie mit Jamie xx, einem ganz engen Freund, Mitglied von The xx und Kollaborateur des Tracks "Enjoy Your Life", sorgte für die perfekte Balance zwischen Emotion und Tanzbarkeit. Auch wenn Romy nicht damit gerechnet hätte, dass ein solches Album jemals zustande kommen würde, als sie 2018 begann, mit Fred zu schreiben "Mid Air" führt uns durch die Höhen und Tiefen - einer Nacht, einer Beziehung, von Trauer und Heilung - und endet schließlich an einem Ort des Optimismus. Der letzte Track "She"s on My Mind" ist eine bewusste Anspielung auf den Disco-Song, der am Ende der Nacht in angesagten Queer-Clubs wie der Paradise Garage gespielt wurde und bei dem die getrennt tanzenden Körper zueinander fanden. Es ist das Ende eines Albums, das die besonderen, aber flüchtigen Momente der Ekstase feiert, die man nur in der Tanzmusik finden kann. Oder wie Romy es ausdrückt: "Das Gefühl der Gemeinschaft in den Clubs ermöglicht eine Flucht vor der Realität der Welt. Ich bin vielleicht nicht das Leben und die Seele einer Party, aber in der Atmosphäre eines Clubs zu sein, zu beobachten und sich zu verbinden - dadurch fühle ich mich weniger allein und lebendiger"
"Mid Air" ist ein Album über das Feiern, die Zuflucht und die Erlösung auf der Tanzfläche. Es ist ein Album, das sich mit Liebe, Trauer, Beziehungen, Identität und Sexualität beschäftigt. Es ist Romys Liebesbrief an die queeren Clubs, in denen sie Gemeinschaft und Anschluss gefunden hat. Die Entstehung des Albums, ihres ersten Soloprojekts, war ein Prozess, bei dem sie sich selbst außerhalb von The xx kennengelernt hat und in dem sie auch noch die Zeit hatte, sich zu verlieben. Es gibt einen Moment, ein Zwischenspiel, ein paar Tracks in "Mid Air", als Romys Stimme leise den Text "it hit me in mid air" singt. Diese Erkenntnis führt uns direkt in den Song "Enjoy Your Life", die zweite Single des Albums, die wie eine Offenbarung klingt. "Meine Mutter sagte zu mir "genieße dein Leben"", singt Musiker Beverly Glenn-Copeland im Refrain - ein Sample aus seiner Platte "La Vita". Als Romy den Satz zum ersten Mal hörte, hat er sie umgehauen - eine Erinnerung in den Tiefen der Trauer, dass das Leben kurz ist und man es in vollen Zügen genießen sollte. Freude, Verbundenheit, Liebe zu suchen. Während die Strophen die härteste Zeit nach dem Verlust ihrer Eltern zum Ausdruck bringen, ist der Refrain eine Art feierliche Ruhe. Schmerz und Freude tanzen zusammen. Die Art von Liedern, die Romy am liebsten mag - das, was sie "emotionale Musik zum Tanzen" nennt - Lieder wie "Smalltown Boy" von Bronski Beat oder "Dancing On My Own" von Robyn. Das ist die Art von Musik, die "Mid Air" inspiriert hat, die Art von Musik, die Menschen in Clubs zusammenbringt, insbesondere in queeren Clubs. Romy begann als Teenager in Londoner Queer-Clubs aufzulegen und sieht "Mid Air" als eine Rückkehr in diese Zeit, ein Pop-Dance-Album, das die Orte beschwört, an denen sie sich zum ersten Mal in das Genre und seine Kraft, Menschen zu bewegen, verliebt hat. Die Tatsache, dass das Album größtenteils unter Ausschluss der Öffentlichkeit entstand, als Romy die Clubs vermisste, machte diesen Impuls, ein Album zu schaffen, das in einem Club ein Zuhause finden könnte, umso wichtiger. Die Zusammenarbeit mit Fred Again.. und Stuart Price (der eines von Romys Lieblingsalben, Madonnas "Confessions on a Dancefloor", produziert hat) sowie mit Jamie xx, einem ganz engen Freund, Mitglied von The xx und Kollaborateur des Tracks "Enjoy Your Life", sorgte für die perfekte Balance zwischen Emotion und Tanzbarkeit. Auch wenn Romy nicht damit gerechnet hätte, dass ein solches Album jemals zustande kommen würde, als sie 2018 begann, mit Fred zu schreiben "Mid Air" führt uns durch die Höhen und Tiefen - einer Nacht, einer Beziehung, von Trauer und Heilung - und endet schließlich an einem Ort des Optimismus. Der letzte Track "She"s on My Mind" ist eine bewusste Anspielung auf den Disco-Song, der am Ende der Nacht in angesagten Queer-Clubs wie der Paradise Garage gespielt wurde und bei dem die getrennt tanzenden Körper zueinander fanden. Es ist das Ende eines Albums, das die besonderen, aber flüchtigen Momente der Ekstase feiert, die man nur in der Tanzmusik finden kann. Oder wie Romy es ausdrückt: "Das Gefühl der Gemeinschaft in den Clubs ermöglicht eine Flucht vor der Realität der Welt. Ich bin vielleicht nicht das Leben und die Seele einer Party, aber in der Atmosphäre eines Clubs zu sein, zu beobachten und sich zu verbinden - dadurch fühle ich mich weniger allein und lebendiger"
- 1: Little Boys & Little Girls
- 2: The Hunchback Of San Francisco
- 3: 1971
- 4: Anouska (I Want To Come Home)
- 5: Broken Statue
- 6: Genevieve (The Pilot Of Your Thighs)
- 7: So Long
- 8: Naked Man
- 9: Widows By The Radio
- 10: Weeping Tree
- 11: House In The Clouds
- 12: Killing Time (Bonus Track)
- 13: Ulysses (Bonus Track)
- 14: The Sorrow Of Spring (Bonus Track)
Perry Blakes von der Kritik hochgelobtes, selbstbetiteltes Debütalbum wird zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, inklusive dreier Bonustracks: Killing Time, Ulysses und The Sorrow of Spring.
Perry Blake ist ein tiefgründiges und komplexes Album voller düsterer, melancholischer Meisterwerke, ein Wirbel aus tiefem, emotionalem und eindringlichem Gesang, der ihm eine Fülle von 5-Sterne-Rezensionen in Großbritannien und Europa einbrachte.
Diese limitierte Sonderausgabe erscheint auf 2 x rotem und goldenem Vinyl, mit bisher noch nicht gesehenen Fotos und aktualisierten Sleeve Notes von Perry.
Perry Blake, der in Sligo geborene Sänger und Songwriter, ist eine der großen unerschlossenen musikalischen Quellen. Nachdem seine ersten 3 Singles aus seinem Debütalbum bei Jo Wiley BBC Radio 1 als Singles der Woche ausgezeichnet wurden, zog Blake nach Frankreich, wo er mit seinen nächsten 4 Alben von der Kritik gefeiert wurde. Er tourte mit Carla Bruni durch Europa und schrieb 2 Songs für Francoise Hardys Platin-Album "Tant de belles choses", mit dem er in verschiedenen TV-Shows in Frankreich als ihr Special Guest auftrat...
Zusammengebracht wurden die Musiker 1994 von Thomas M. Lauderdale. 1997 wurde ihr erstes Album auf ihrem eigenen Label Heinz Records veröffentlicht. Über 650.000 Einheiten wurden weltweit verkauft. Diverse Songs wurden ausgekoppelt und fanden ihren Platz auf verschiedenen Compilations wie zum Beispiel der legendären 'Buddha Bar'. Pink-Martini-Stücke sind auch in Filmen und Serien zu hören, darunter 'Die Sopranos' oder 'Sherlock'.
Alle französischen Songs von Pink Martini aus der gesamten Diskografie sind in dieser Compilation zusammengefasst, erhältlich auch als dreifarbiges Deluxe-Vinyl. Das perfekte Geschenk für alle frankophilen, Frankreich-Studierenden oder Paris-Reisende. 'Non Ouais' enthält einige der größten internationalen Hits dieses "kleinen Orchesters", darunter natürlich auch 'Sympathique (Je ne veux pas travailler)', welches in Frankreich für den 'Song des Jahres' nominiert wurde. Inkl. der französischen Stars Georges Moustaki und Philippe Katerine als musikalische Gäste!
SKULL & CROSSBONES haben sich voll und ganz dem traditionellen Heavy Metal verschrieben.
Die 4 ehemaligen Stormwitch-Mitglieder Volker Schmietow, Tobi Kipp, Jürgen "Wanschi" Wannenwetsch und Marc Oppold werden durch ihren Sänger Tobi Hübner komplettiert und machen da weiter, wo sie aufgehört haben.
Mächtige Riffs und schöne Melodien treffen auf klare Vocals und mächtig eingängige Refrains.
Es werden Geschichten erzählt, die sowohl fiktional als auch nah am realen Leben sind.
So sollte moderner, aber dennoch bewährter Heavy Metal klingen - mit kraftvollem Sound, eingängig und mit hohem Wiedererkennungswert.



















