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Following the much-loved Library Music: Volume One (2022), and hot on the heels of this year’s critically acclaimed ‘After The Rain, Strange Seeds’ (9/10 - Uncut) , London group The Leaf Library return with a second journey through the margins of their catalogue. Gathering together rare recordings, compilation tracks, limited edition releases, collaborations and hidden gems from their ever-expanding musical world, Library Music: Volume Two is another vibrant and varied collection of electronic indie pop, in all its guises.

Far from a conventional odds and ends collection, the double LP compilation reveals another side of a band who have always treated the spaces between albums as places to explore. These are the moments where ideas stretch out; there are hypnotic drones, motorik rhythms, glowing analogue textures, pastoral electronics and the warm, melodic melancholy that has become unmistakably The Leaf Library. There is the electro-pop of Flowers At The Border, the psych rock-adjacent Building Better Worlds, and the gentle chamber shuffle of Kendrick Road. Tracks range from the 22 minute folk kosmiche epic Versatile Clouds to the 59 seconds, record skip punctuation mark of Harmonic Runout, with a whole array of trips, ideas and experiments in between.

Since forming in a pre-Ghost Box, Castles in Space and Clay Pipe world, The Leaf Library have carved out a unique place somewhere between dream pop, kosmische repetition and experimental songcraft — drawing comparisons to Stereolab, Broadcast, Yo La Tengo and the outer edges of library music, while creating a sound entirely their own.

“We’ve always loved making things outside the pressure of a ‘proper’ album,” says singer/guitarist Matt Ashton. “Singles, collaborations and compilation tracks give you permission to follow an idea wherever it wants to go. Looking back, those pieces tell their own story.”

Where their studio albums have shown the group carefully building immersive worlds, the Library Music series maps the pathways between them — the sketches, diversions and unexpected discoveries that often reveal the most about a band.

Across a lucky thirteen tracks, Library Music: volume two is a reminder that some of the best discoveries are found on the shelves you forgot to check.

[a] Flowers At The Border [4.21]
[b] The Long Dead King [7.16]
[c] Bowed Clusters [4.00]
[d] I Learned To Swim Under Water [4.32]
[e] Building Better Worlds [11.59]
[f] Harmonic Runout [0.59]
[g] Kendrick Road [3.36]
[h] Sailing Day (Wintergreen Remix) [3.59]
[i] Versatile Clouds [22.00]
[j] Bells and Thread [2.54]
[k] No Memories, No Plans [4.33]
[l] Everyone I Met Today [1.00]
[m] Tired Ghost In Orbit [9.19]

The debut vinyl release from New Jersey–born, Brighton-based alt rock weirdo Lonnie Gunn, a 7-track EP on flesh slice coloured vinyl strictly limited to 300 copies. Hip new music for gingers and children of divorce.

The Montréal psych-ambient synth-droners return with Sequence Three, their first album in five years and the final instalment in the group’s opening trilogy of records that began with Sequence One in 2019. The spectral supergroup co-founded by Stephen Ramsay (Young Galaxy) and Jace Lasek (The Besnard Lakes), usually joined in some capacity by Lasek’s Besnard bandmate Olga Goreas, deliver another dose of its trademark longform slowburn jams, forged from restored vintage synths and analogue electronic gear. Lasek and Ramsay don their seasoned producer hats to apply rockist sound design to minimalist tracks, saturated with tube compression, drenched in pink and brown noise, all queasy modulation, sparse beats, and languorous melodic lines. Evoking a humid dawn on a gas giant, these alien drone anthems meld the numinous transcendentalism of Spiritualized and Cluster with the eroded grit of William Basinski and GAS. Light Conductor has been tagged “heavyweight analogue synth nirvana” by Uncut Magazine and praised for its “fabulous, epic, shimmeringly radiant kosmische” by Electronic Sound, among other accolades. Sequence Three consolidates these strengths, while leaning into the darker disquietude that has always been an undercurrent of Light Conductor’s aesthetic.
Sequence Three rounds out a satisfying trio of full-lengths that Light Conductor has released on Constellation, featuring vibrantly minimal geometric cover art designed by label co-founder Ian Ilavsky that integrates the trilogy as a visual series as well. In keeping with the previous two albums in the set, the Deluxe 180gLP includes a 12”x24” art poster. Thanks for listening.

Montréal-based sound artist Steve Bates expands his strategies and stylistic influences on An Infinite Antenna, his second solo album for Constellation, giving freer reign to melodic components and textural dynamics: leftfield synth work, deconstructed drum machine, pointillist electric guitar, and radiostatic blur are all part of the new brew swirling around his bruitist signal-bending and field-recording sensibility. Arguably a more ambient album than his acclaimed 2022 Constellation debut, An Infinite Antenna is at the same time more densely packed with ideas, dynamics, evocations and earworms. Coming out of the anarcho-punk scene of the Canadian Prairies in the 1990s, Bates founded Winnipeg’s experimental sound festival Send + Receive in 1998 before moving to Montréal to become Sound Coordinator at Hexagram (Concordia University), delving further into sonic research and theory, tape-based composition, and installation work. Alongside the curatorial arc of his own sound art label The Dim Coast, Bates released several solo and collaborative albums on ORAL_records leading up to All The Things That Happen, the 2022 Constellation debut praised by Boomkat for its “grittily iridescent ambient billow rendering maximalist panoramas” and by Backseat Mafia as “extraordinary soundscapes of unstable, destructive cacophony and tender calm, echoes of the threat of power.” Where that album was noisier and single-minded, made with the self-imposed limit of a Casio SK-1, Bates plays more widely with instrumentation and atmospheres on An Infinite Antenna, also drawing on his post-hardcore roots in seeking a sort of track-by-track concision nonetheless driven by the album’s coherence as a seamless work. “I was trying to set durations I associate with punk rather than the longer, sprawling music coming from more ambient styles (that I very much love), and while I wasn’t able to quite pare it down to Minutemen durations, I had that reduction to essential elements as a sort of whisper over my shoulder.” Incorporating source recordings made throughout 2023-2025, including at artist residencies and site-specific sound installation visits in Bosnia and Herzegovina (the album’s cover photo was taken in Sarajevo), Austria, Greece, and Saskatchewan, An Infinite Antenna combines Bates’ “idea of slowly scanning a radio dial” with a soundworld of recurring timbral and textural touchstones that forge an integrated whole.

The album’s 12 tracks work effectively as stand-alone pieces, replete with shifting undercurrents, buried melody, and stuttering kinetics, and as a sequential flow where the brief interstitial silences between them are like short pauses to flip the next page in a sketchbook of perspectival studies of a wide but singular tableau. The glistening atonal synth expressionism of opener “Pink pink pink pink…pink pink” drifts gently toward submerged ambience, darkened by the noised rumble and static interference of “Green as a ghost”, which introduces broken beats and piano chords in its denouement. Tracks like “Battles and sieges and street trees” and “Easier sad than done” work the foundations of low-end field-recording resonance, but dappled with lovely melodic droplets of treated guitar and synth. “Waste, songs of the world” and “Disaster loans” are among the album’s most explicit stylistic references to posthardcore, with distorted ambient bass and gently abrasive drum sampling. Closing track “Swamps and factories”, the album’s longest piece, is perhaps most reminiscent of Bates’ previous record with its sustained dissonant glimmer-drone, but the journey An Infinite Antenna traces to get there is Bates at his most dynamic, diverse, distinctive, and engaging. Thanks for listening.

Montréal-based sound artist Steve Bates expands his strategies and stylistic influences on An Infinite Antenna, his second solo album for Constellation, giving freer reign to melodic components and textural dynamics: leftfield synth work, deconstructed drum machine, pointillist electric guitar, and radiostatic blur are all part of the new brew swirling around his bruitist signal-bending and field-recording sensibility. Arguably a more ambient album than his acclaimed 2022 Constellation debut, An Infinite Antenna is at the same time more densely packed with ideas, dynamics, evocations and earworms. Coming out of the anarcho-punk scene of the Canadian Prairies in the 1990s, Bates founded Winnipeg's experimental sound festival Send + Receive in 1998 before moving to Montréal to become Sound Coordinator at Hexagram (Concordia University), delving further into sonic research and theory, tape-based composition, and installation work. Alongside the curatorial arc of his own sound art label The Dim Coast, Bates released several solo and collaborative albums on ORAL_records leading up to All The Things That Happen, the 2022 Constellation debut praised by Boomkat for its "grittily iridescent ambient billow rendering maximalist panoramas" and by Backseat Mafia as "extraordinary soundscapes of unstable, destructive cacophony and tender calm, echoes of the threat of power." Where that album was noisier and single-minded, made with the self-imposed limit of a Casio SK-1, Bates plays more widely with instrumentation and atmospheres on An Infinite Antenna, also drawing on his post-hardcore roots in seeking a sort of track-by-track concision nonetheless driven by the album's coherence as a seamless work. "I was trying to set durations I associate with punk rather than the longer, sprawling music coming from more ambient styles (that I very much love), and while I wasn't able to quite pare it down to Minutemen durations, I had that reduction to essential elements as a sort of whisper over my shoulder." Incorporating source recordings made throughout 2023-2025, including at artist residencies and site-specific sound installation visits in Bosnia and Herzegovina (the album's cover photo was taken in Sarajevo), Austria, Greece, and Saskatchewan, An Infinite Antenna combines Bates' "idea of slowly scanning a radio dial" with a soundworld of recurring timbral and textural touchstones that forge an integrated whole. The album's 12 tracks work effectively as stand-alone pieces, replete with shifting undercurrents, buried melody, and stuttering kinetics, and as a sequential flow where the brief interstitial silences between them are like short pauses to flip the next page in a sketchbook of perspectival studies of a wide but singular tableau. The glistening atonal synth expressionism of opener 'Pink pink pink pink_pink pink' drifts gently toward submerged ambience, darkened by the noised rumble and static interference of 'Green as a ghost', which introduces broken beats and piano chords in its denouement. Tracks like 'Battles and sieges and street trees' and 'Easier sad than done' work the foundations of low-end field-recording resonance, but dappled with lovely melodic droplets of treated guitar and synth. 'Waste, songs of the world' and 'Disaster loans' are among the album's most explicit stylistic references to posthardcore, with distorted ambient bass and gently abrasive drum sampling. Closing track 'Swamps and factories,' the album's longest piece, is perhaps most reminiscent of Bates' previous record with its sustained dissonant glimmer-drone, but the journey An Infinite Antenna traces to get there is Bates at his most dynamic, diverse, distinctive, and engaging. Thanks for listening

The Montréal psych-ambient synth-droners return with Sequence Three, their first album in five years and the final instalment in the group's opening trilogy of records that began with Sequence One in 2019. The spectral supergroup co-founded by Stephen Ramsay (Young Galaxy) and Jace Lasek (The Besnard Lakes), usually joined in some capacity by Lasek's Besnard bandmate Olga Goreas, deliver another dose of its trademark longform slowburn jams, forged from restored vintage synths and analogue electronic gear. Lasek and Ramsay don their seasoned producer hats to apply rockist sound design to minimalist tracks, saturated with tube compression, drenched in pink and brown noise, all queasy modulation, sparse beats, and languorous melodic lines. Evoking a humid dawn on a gas giant, these alien drone anthems meld the numinous transcendentalism of Spiritualized and Cluster with the eroded grit of William Basinski and GAS. Light Conductor has been tagged "heavyweight analogue synth nirvana" by Uncut Magazine and praised for its "fabulous, epic, shimmeringly radiant kosmische" by Electronic Sound, among other accolades. Sequence Three consolidates these strengths, while leaning into the darker disquietude that has always been an undercurrent of Light Conductor's aesthetic. Opener "She Glitters The Dust" fades up slow with intertwining detuned synth loops, a languorous lullaby beat dropping at the 3-minute mark, accompanied by insectoid shimmers and a tease of melody that's eventually given free reign over the song's second half. Aptly titled, it's as if a transmission captured within a cosmic dust cloud has provided the raw material for the band to jam on, tease out, and terrestrialize. An echo of that beat sets the tranced pulse for "Omenize", the centerpiece of Side One and the fulfilment of Light Conductor's one-vocal-track-per-album directive. With layered harmonies by Goreas and Lasek, this is the group at its ethereally anthemic best, the devotional floating-in-space bliss attenuated by another gently warped denouement. "Ghost City Radio" closes out Side One with the band's most overtly anxious tune to date, deceptively stolid in its simple bass guitar riff and filter-swept hi-hat: groove stripped to its minimum as the foundation for an extended spokenword sample of a doomsaying prepper/preacher, a sort of homage to that early hallmark of their Godspeed compatriots, done up through the lens of Light Conductor's inimitably destabilized celestial ambience. (Lasek mixed the most recent two GY!BE albums.) Side Two offers up "High In The Orange Air", a beatless, squelching, bubbling ostinato drone and the album's most orthodox ambient kosmische track. This provides the set and setting for 15-minute closer "Supercontinent", which starts off in similar territory but gradually yields to a submerged and reversed techno pulse pumping through coruscated chordal drone, gaining in woozy mesmeric psych intensity over its inexorable hypnagogic trajectory. Sequence Three rounds out a satisfying trio of full-lengths that Light Conductor has released on Constellation, featuring vibrantly minimal geometric cover art designed by label co-founder Ian Ilavsky that integrates the trilogy as a visual series as well. In keeping with the previous two albums in the set, the Deluxe 180gLP includes a 12"x24" art poster. Thanks for listening.

Iker is back with "Sinkronia". A gripping takes on Eastern and Western minimalist traditions influenced by the likes of Steve Reich, Suso Saiz or Midori Takada. Transcendental and esoteric rhythmic wonders that take time to unfold. A young percussionist and guitar player with electronic interests displaying a rich sonority and a great sense of structure and arrangements. This record shows the refinement of Iker's attributes, who initially worked in the noise/punk scene and now is part of the local Free Jazz/Improv landscape of San Sebastian, although he currently lives in New York where he has been playing several gigs including a rendition of Glenn Branca's Symphony No.13 at Lincoln center with 100 guitarists. For this new album he uses Xylophone, hand drums, electric guitar, synths and percussion instruments that guide us in an energetic way to territories somewhere between Italian avant-garde, Japanese New Age and American Minimalism. Iker Munduate Thusberg is a Basque multi-instrumentalist born and raised in San Sebastian and with strong ties to Mikkeli in Finland, where half of his family are from. A fine arts student at Bilbao's UPV (Basque university), his interest in sound, art and design has led him to combine all these different disciplines and convey them into his music and his work. "Iker Munduate is an artist and musician who brings a delicate sense of composition and design_ Inspired in part by new age music, Its rippling melodies and frictionless glide recall the futuristic utopias of Detroit Escalator Company and the interior reverie of Nobukazu Takemura (Derek Walmsley, The Wire Dec'24)"

The debut album from Glasgow's Homework is fuzzy, sentimental indie rock for fans of Teenage Fanclub, Pavement, and The Vaselines. Bang Here if Stuck was recorded live at Chime Studios and arrives on vinyl September 25 vía Meritorio Records. Homework is a quintessential Glasgow band - overstimulated and a little rough round the edges, but with a pretty streak and a big, sentimental heart. They make fuzzy 90s-indebted indie rock that's bursting with ideas and sounds like home. Twin songwriters Michael Newton and Santiago Taberna trade off driving lopsided anthems and fuzzy baroque pop experiments, their voices and guitars tangled together in a way that feel less like a band and more like a shared language. Rhythm section Lizzie Quirke and Andrew Gordon provide a loping centre of gravity - steady enough to hold everything together, loose enough to let it breathe. Bang Here if Stuck, their debut album, delivers a kind of enthusiastic chaos where everything fits exactly where it should. Recorded at Chime Studios in Glasgow with Melissa Brisbane, the band tracked the core of the album live to best capture the playful spontaneity of their gigs. Drawing from the likes of Pavement, Teenage Fanclub, The Vaselines and Urusei Yatsura, it offers a familiar sound that's easy to love, punctuated by oddball diversions that lead somewhere unpredictable and unique. For fans of Teenage Fanclub, Pavement, Guided By Voices, Dinosaur Jr, Sebadoh, The Vaselines, Urusei Yatsura.

Repress auf goldenem Vinyl. Limitiert auf 300 Exemplare. Vergesst alles, was ihr dachtet, über Postpunk zu wissen - BERLIN 2.0 zünden die Endstufe in der Punk-Evolution. Nach dem szeneübergreifend gefeierten Debüt "Scherbenhügel" droppt die Stuttgarter Band mit "Kaltental" jetzt ein zweites Mal eine Bombe über Postpunk Germany - und mit diesem Monster eines Longplayers ist klar: Hier wird keine Welle geritten. Hier wird eine Welle ausgelöst werden. "Kaltental" ist der dystopische Soundtrack einer brennenden Welt im Endspiel kapitalistischer Ideologie, zwischen Endzeit und Aufbruch, Resignation und Kampfbereitschaft. Härter, düsterer, dringlicher. Mit einer Mischung aus rasenden Hardcore-Ausbrüchen, klassischen Rock-Elementen, Post-Hardcore-Gitarrenwänden und melodischem Endzeitpop kracht "Kaltental" unverschämt souverän durch Genremauern und zerbombt mit radikal-klarsichtigen Texten von Ausnahmesängerin Elena Wolf Gabionenzäune in Vorgärten und Köpfen "ganz normaler" Deutscher im Aufrüstungswahnsinn. Ferdinand Führer von Fieser Schwan Recordings hat "Kaltental" aufgenommen, gemixt und gemastert und in eine rohe, dröhnende Elegie verwandelt, die aber auch keine Gefangenen auf dem Dancefloor macht. Die antifaschistische Bladerunner-Jeanne d'Arc in mittelalterlicher Rüstung auf dem Cover ist dabei mehr als eine Reminiszenz an revolutionäre Frauenfiguren in Geschichte und Kunst. Das neo-retrofuturistische Artwork der Wiener Fotografin Doris Himmelbauer ist die cineastische Visualisierung eines Albums, das Gewalt, Verletzbarkeit und die Sehnsucht nach einer besseren Welt verhandelt. "Kaltental" ist Krieg. Innerlich wie äußerlich. Aber auch ein Urschrei nach Liebe und Solidarität in der unbeirrbaren Überzeugung, dass alles auch ganz anders sein kann.

Canyon Falls Trailer Band is considered a bookend to this trilogy of albums. It is an expansive double album, centered around Noe's more poignant and compelling assessment of his home and the people from there, yet broadly all people with stories like their own.

Mit der neuen Ausgabe der The Vinyls Collection steht diesmal die goldene Ära von Disco und Funk im Mittelpunkt. Die Compilation vereint 20 zeitlose Klassiker, die den Sound der Tanzflächen der 1970er- und frühen 1980er-Jahre geprägt haben. Von internationalen Disco-Hymnen bis zu wegweisenden Funk-Grooves bietet die Auswahl einen repräsentativen Querschnitt durch eine der einflussreichsten Epochen der Popmusik. Mit Künstlern wie Amii Stewart, Curtis Mayfield, Positive Force, Aaron Neville, Loleatta Holloway, Patrice Rushen und Silver Convention versammelt das Album zahlreiche stilprägende Aufnahmen des Genres. Ob Dancefloor-Klassiker, Soul-infizierte Grooves oder frühe Club-Favoriten - diese Zusammenstellung verbindet musikalische Qualität mit hohem Wiedererkennungswert und spricht sowohl langjährige Sammler als auch neue Liebhaber klassischer Disco- und Funkmusik an.

Mit der neuen Ausgabe der Vintage Sounds Vinyl Collection steht diesmal die traditionsreiche Welt der Country Music im Mittelpunkt. Die sorgfältig zusammengestellte Compilation vereint 18 zeitlose Klassiker und präsentiert einige der bedeutendsten Künstlerinnen und Künstler des Genres in klanglich überarbeiteten Versionen. Von den unverwechselbaren Stimmen von Dolly Parton und Patsy Cline bis zu den legendären Interpretationen von Kenny Rogers und Willie Nelson bietet diese Sammlung einen repräsentativen Querschnitt durch die Geschichte der Country-Musik. Zwischen Nashville-Sound, Honky-Tonk, Country-Pop und klassischen Balladen entsteht ein stimmungsvolles Hörerlebnis, das die Vielfalt und den nachhaltigen Einfluss des Genres eindrucksvoll dokumentiert. Eine hochwertige Zusammenstellung für Vinyl-Liebhaber, Sammler und alle, die die großen Songs des amerikanischen Country neu entdecken oder wieder erleben möchten.

Die Neuauflagen von The Runaway Found (2004), Nux Vomica (2006) und Sun Gangs (2009) geben Fans und Sammlern die seltene Gelegenheit, diese einflussreichen Alben in hochwertiger Vinyl-Qualität neu zu entdecken. Die Re-Releases sind besonders bemerkenswert, da die Originalausgaben auf Schallplatte in den 2000er-Jahren nur in begrenzter Stückzahl erschienen. Zu einer Zeit, als Vinyl kommerziell noch eine untergeordnete Rolle spielte, waren die Veröffentlichungen nur schwer erhältlich. Die neuen Pressungen ermöglichen nun ein Hörerlebnis mit der Klangtiefe, Detailtreue und dem Artwork, die den atmosphärischen Kompositionen von The Veils besonders gerecht werden. Unter der Führung von Sänger und Songwriter Finn Andrews, der die Band bereits als Teenager gründete, entwickelten The Veils mit ihren ersten drei Alben einen unverwechselbaren Stil. Zwischen üppigem Indie-Rock, romantischer Melancholie und filmischer Dramatik schufen sie einen Sound, der von orchestralen Arrangements, eindringlichen Rhythmen und emotionaler Intensität geprägt ist. Mit The Runaway Found, Nux Vomica und Sun Gangs etablierte sich die neuseeländische Band als eine der eigenständigsten Stimmen der internationalen Indie-Szene. Die Alben verbinden weitläufige, cineastische Klanglandschaften mit intimen, persönlichen Momenten und zeigen eine beeindruckende kreative Entwicklung während der frühen Bandjahre. Finn Andrews freut sich über die Wiederveröffentlichungen: "Es ist eine große Freude zu sehen, dass diese Alben, die uns und vielen anderen so viel bedeuten, von dem Label, das uns von Anfang an unterstützt hat, erneut auf Vinyl veröffentlicht werden. Ich bin Rough Trade und den Songs dieser leidenschaftlichen, suchenden und wunderbar jugendlichen ersten Jahre sehr dankbar."

Die zweifache BRIT Award Gewinnerin Becky Hill wird am 25. September ihr mit Spannung erwartetes
drittes Album „REBECCA“ veröffentlichen.
„REBECCA“ wurde während einer Phase intensiver persönlicher und künstlerischer Reflexion geschrieben
und zeigt Becky dabei, wie sie sich mit Ehrgeiz, Identität, Sichtbarkeit und den Widersprüchen ihres Lebens
auseinandersetzt. Dies geschieht aus einer Haltung größerer Offenheit und kreativer Freiheit heraus. Im
Verlauf des Albums untersucht sie mit Klarheit, Humor und schonungsloser Ehrlichkeit die Spannung zwischen Verlangen und Selbstschutz. Das Ergebnis ist ihr bislang mutigstes und emotional aufgeladenstes
Werk.
Von Becky als „kuratiertes Chaos“ beschrieben, markiert „REBECCA“ außerdem eine bedeutende Weiterentwicklung ihres Sounds. Das Album zeigt, wie sie sich wieder mit den vielfältigen Einflüssen verbindet, die
ihre frühe musikalische Identität geprägt haben, und dabei Inspiration aus Gitarrenmusik ebenso aufgreift
wie aus den Dance und Drum & Bass Grundlagen, die ihre Karriere definiert haben. „REBECCA“ verbindet
diesen Zusammenprall unterschiedlicher musikalischer Welten mit kraftvoller Electro Produktion, alternativen Einflüssen und euphorischen elektronischen Sounds zu einem Album, das sich zugleich weitläufig und
unvorhersehbar anfühlt.

Mit Keo steht eine der spannendsten neuen Alternative-Rock-Bands Großbritanniens in den Startlöchern.
Das Londoner Quartett – bestehend aus Finn, Conor, Jimmy und Oli – hat sich innerhalb kürzester Zeit mit
kompromissloser Energie, emotionaler Ehrlichkeit und einer außergewöhnlichen Live-Präsenz einen Namen
gemacht. Rolling Stone bezeichnete die Band bereits als „one of the UK’s most visceral and uncompromising new bands“, während das Dork Magazine Keo in seine „Hype List 2026“ aufnahm.
Nach ihrer gefeierten Debüt-EP Siren (2025) folgt Ende September mit Put A Smile On For Me das mit
Spannung erwartete Debütalbum. Der Longplayer vereint rohe Alternative-Rock-Energie mit intensiven
Songwriting-Momenten und unterstreicht eindrucksvoll, warum Keo derzeit als einer der vielversprechendsten Newcomer der britischen Gitarrenszene gelten.
Vor allem live begeistert die Band mit einer außergewöhnlichen Bühnenpräsenz und einer stetig wachsenden
Fanbase.
Put A Smile On For Me markiert den nächsten großen Schritt einer Band, die 2026 nachhaltig prägen
dürfte

Das 1997 erschienene Album „Romanza“ verhalf Bocelli zum weltweiten Durchbruch: Es verkaufte sich
weltweit fast 20 Millionen Mal und wurde zu einem der meistverkauften Alben der modernen Klassik aller
Zeiten.
„Romanza (30th Anniversary)“ wird sowohl als Standard- als auch als Deluxe-Edition erhältlich sein. Das
Deluxe-Paket enthält zwei goldfarbene Schallplatten, eine von Bocelli signierte Lithografie sowie einen
Bildband mit eigens in Auftrag gegebenen Begleittexten des renommierten Journalisten Craig McLean, der
Bocellis außergewöhnlichen Aufstieg vom aufstrebenden italienischen Tenor zu einem der weltweit gefeiertsten Künstler nachzeichnet. Beide Editionen enthalten zudem bisher unveröffentlichte Fotos von den
Aufnahmen zum Album.
Die Sammlung vereint alle 16 Titel des Originalalbums, darunter die zeitlosen weltweiten Hits „Time
to Say Goodbye“ mit Sarah Brightman und „Vivo per Lei“ mit Giorgia sowie eine bisher unveröffentlichte
Extended Version von Bocellis Hit „Con te Partirò“.

Ein modernes Blue-Note-Werk mit ausgefeilten Beats, Grooves und harmonischer Raffnesse! Keyboarder
und Produzent Kiefer arbeitete unter anderem mit Dr. Dre, Drake, De La Soul, Pete Rock, KAYTRANADA
und Stanley Clarke zusammen. Für seine Arbeit mit Anderson .Paak erhielt er einen Grammy. Gerade erst
sorgte er als Mitglied des neuen Blue-Note Projekts FATHERS gemeinsam mit Nate Smith, CARRTOONS
und Kenny Beats für Aufmerksamkeit. Nun folgt der nächste Schritt: Der Kalifornier veröffentlicht mit
„Memory Bomb“ sein erstes Soloalbum für Blue Note.
Darauf verbindet er Jazz, Hip-Hop, Soul und elektronische Klangwelten zu einer organischen musikalischen
Sprache. Es entfaltet sich eine schwebende, cineastische Atmosphäre, in der improvisatorische Offenheit auf
präzise produzierte Beats trifft. Groove und harmonische Raffnesse stehen gleichberechtigt nebeneinander.
Zu den Album-Gästen zählen unter anderem Nate Smith, Walter Smith III, Erick the Architect, Planet
Giza, Tony Stone, Luke Titus, Amber Navran (Moonchild), Cisco Swank, Rae Khalil, Phil Beaudreau und
Gareth Donkin.

“California Dreaming”, im September 1966 aufgenommen, war das letzte Album, das Wes Montgomery
(1923-1968) bei Verve veröffentlichte. Seit er 1964 von dem Produzenten Creed Taylor bei dem Label
unter Vertrag genommen worden war, hatte sich der Gitarrist vom reinen Jazz immer mehr in Richtung
Pop bewegt - und “California Dreaming” bildete da keine Ausnahme. Obwohl das Album mit einem aktuellen Pop-Hit begann und neben Bobby Hebbs “Sunny” sowie drei Stücken aus dem Repertoire der damals
angesagten Band Herb Alpert & Tijuana Brass präsentierte, fand Montgomery reichlich Gelegenheit, seinen
charakteristischen, von Oktaven geprägten Jazz-Gitarrenstil zur Schau zu stellen. So kam es, dass Montgomery mit “California Dreaming” nicht nur Platz 4 der R&B-Album-Charts erreichte, sondern sich auch
erstmals an die Spitze der Jazz-Album-Charts von Billboard setzte.

Mit “His Majesty King Funk”, seinem einzigen Album für Verve Records, schuf der Gitarrist Grant Green im
Mai 1965 einen absoluten Klassiker des Soul-Jazz. Zugleich war es das fünfte und letzte Album, auf dem
er mit dem aufregenden Hammond-Organisten Larry Young zusammenarbeitete. Einer der Höhepunkte ist
das von Green komponierte Stück “The Selma March”, das ein musikalischer Kommentar zu den Märschen
der US-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung war, die zwei Monate zuvor Schlagzeilen gemacht hatten.
“Greens ‘His Majesty King Funk’ trägt seinen Namen zu Recht”. schrieb John Heidt 2007 im Magazin
Vintage Guitar über das Album. “Bei fünf Stücken voller soulgetränktem Jazz wird schnell klar, warum er
der Liebling der Acid-Jazz-Bewegung ist. Sein Spiel zeichnete sich durch eine Bodenständigkeit aus, die
man bei vielen anderen Jazzgitarristen vermisst, und dieses Album lässt diese besonders gut zur Geltung
kommen.”

Der Blick auf sein erstes LP-Cover zeigt uns einen 24-jährigen Reinhard Mey vor einer Ruinen-Kulisse nur
mit seiner Gitarre in der Hand. Der Barde und sein Lied, sich selbst begleitend, mehr nicht. Mehr braucht
es nicht. Das ist fast 60 Jahre her und so hielt er es auf bald 2000 Konzerten seiner großen Tourneen
immer. Auf dem ersten Album von 1967 stimmte das nicht ganz; da waren schon ein paar Musiker mit im
Studio. Über 28 weitere Alben hat Reinhard Mey all die Jahrzehnte sehr viel gelungen gewagt, mit großen
Orchestern musiziert, moderne Sounds probiert und seine Lieder mit den Klängen anderer Instrumente
bereichert. Doch das Lied ist das Lied, seine Seele braucht keine Garnitur.
Mit Schatzhauser veröffentlicht der Land und Leute prägende Dichter und Liedermacher fast 60 Jahre
nach seiner ersten LP sein nunmehr 30. Studiowerk; zum ersten Mal seit genau 40 Jahren nicht wie üblich
im Mai, sondern im September und zum ersten Mal überhaupt auch im Studio ganz allein aufgenommen!
Schatzhauser lächelt freundlich, ist weisen und guten Herzens, wie die namensgebende literarische Figur
von Wilhelm Hauff. Er spart nichts aus, den Tod nicht, aber auch nicht das Leben, das Weinen nicht, das
Lachen nicht und vor allem das Lieben nicht.
Wir blicken in melancholische Seelenwinkel und werden auf wundersame Weise doch mit Zuversicht beladen
zurückgelassen.
Das Album deutet auf die Schönheit des Sonnenuntergangs, auch wenn er das Ende des Tages markiert.
Doch ein Sonnenuntergang im Sommer im Norden, erstreckt sich sehr lange. Schatzhauser ist das feinsinnige 30. Album von Reinhard Mey. Vom letzten war hier mit keiner Silbe die Rede!

Jim Legxacys Mixtape homeless ngga pop music* erscheint erstmals als LP und CD uber XL Recordings. Der dreifach fur die BRIT Awards nominierte und mit einem MOBO Award ausgezeichnete Kunstler schaffte mit diesem Projekt aus dem Jahr 2023 den Durchbruch und erntete große Anerkennung der Kritiker. Darin setzt sich der aus Sudlondon stammende Musiker mit seinen Beziehungen, seiner Identitat und seiner Erfahrung von Obdachlosigkeit auseinander. Das Mixtape ist eine beeindruckende Verschmelzung von Midwest-Emo-Gitarrensamples, UK-Drill, Afrobeats und Jersey Club. Es definiert nicht nur neu, wie Musik aus Großbritannien klingen kann, sondern auch, wofur sie stehen kann: ein mutiges, vollstandig ausgereiftes Werk, das nur aus dem kreativen Geist dieses einzigartigen Kunstlers hervorgehen konnte.

Vier Frauen, ein Schlagzeuger und ein Haufen richtig guter Songs - das sind THE NAGGS aus Düsseldorf. Die fünf wissen, was sie tun, waren bzw. sind sie doch schon u.a. bei Family 5, The Boonaraaas, Nichts und Beat Martin höchst aktiv. Mit ihrer ersten EP (gigital & Tape) sorgten sie 2023 bereits für Aufsehen und spielen seitdem umtriebig live, jetzt erscheint das erste Album "THE NAGGS GENERATION" auf Vinyl (und digital)! Die Band macht genau das, was gute Musik machen soll: schlechte Laune unmöglich und Stillsitzen ziemlich schwer. Powerpop, Punk und Rock'n'Roll - alles drin. Ihr Sound-Mix: 78 % garagiger Powerpop, 22 % Bubblegum Trash und irgendwo dazwischen ein extra Quäntchen billiger Lippenstift am Kragen. Wer auf dreckige Gitarren, eingängige Melodien, 60s Garage/Beat Flair und jede Menge Energie steht, sollte hier laut aufdrehen. 11 Songs inklusive der Singles "Not Her Fate" und "Tout Les Nuits"

,Cotton Crown" zeigt The Tubs als eine Band, die ihren Indie-Rock-Sound weiter ausbaut und Einflüsse von Jangle Pop, Folk-Rock, Power Pop und Punk miteinander verbindet. Angeführt von Sänger Owen Williams, dessen oft düster-humorvolle Texte persönliche Krisen, Beziehungen und die Herausforderungen des Lebens als Musiker thematisieren, verbindet das Album emotionale Tiefe mit eingängigen Melodien. Im Mittelpunkt stehen Williams' Erfahrungen nach dem Tod seiner Mutter, der Folksängerin Charlotte Greig. Trotz dieser ernsten Themen bleibt die Musik lebendig und melodieverliebt: Gitarrist George Nicholls steuert virtuose Jangle-Gitarren bei, während die Rhythmussektion aus Max Warren und Taylor Stewart mit viel Energie und Dynamik für den unverwechselbaren Bandsound sorgt. Nach dem Erfolg ihres Debüts ,Dead Meat", das von Medien wie Pitchfork, The Guardian und MOJO gefeiert wurde, knüpfen The Tubs mit ,Cotton Crown" an diesen Erfolg an und präsentieren ein ebenso emotionales wie mitreißendes Indie-Rock-Album.

,Our Final Album - Vol. 1" ist das vierte Album von Glenn Morrow's Cry For Help und zeigt die Band aus Hoboken, New Jersey, auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität. Obwohl der Titel einen Abschied suggeriert, präsentiert das Album eine lebendige und vielseitige Sammlung von elf neuen Songs, die von klassischem Gitarrenrock über gefühlvolle Balladen bis hin zu Bossa-Nova- und Soul-Einflüssen reichen. Angeführt wird die Band von Glenn Morrow, einer Schlüsselfigur der unabhängigen US-Musikszene, der als Musiker, Journalist und langjähriger Betreiber des Indie-Labels Bar/None Records bekannt wurde. Gemeinsam mit Bassist Mike Rosenberg, Gitarrist Ric Sherman und Schlagzeuger Ron Metz greift Morrow auf jahrzehntelange Erfahrung in der traditionsreichen Hoboken-Musikszene zurück. Aufgenommen wurde das Album erneut im Magic Door Studio von Produzent Ray Ketchem, der besonders das Gespür der Band für eingängige Melodien und starkes Songwriting hervorhebt. Unterstützung erhält die Band diesmal vom renommierten Keyboarder Andrew Burton, dessen Beiträge den Songs zusätzliche Tiefe und Klangfarben verleihen. Musikalisch verbindet ,Our Final Album - Vol. 1" kraftvolle Rocksongs wie ,That's That", ,Beatle Bones" und ,Into Something New" mit nachdenklicheren Momenten wie ,Stop Your Crying", dem Bossa-Stück ,Boom Boom" oder dem souligen ,Let's Stay In Bed". Dabei ziehen sich Glenn Morrows persönliche Geschichten, Lebenserfahrungen und eine leichte Melancholie durch das gesamte Album. Das Ergebnis ist ein abwechslungsreiches, warmes und zeitloses Rockalbum, das die Stärke einer Band zeigt, die auch nach vielen Jahren nichts von ihrer Leidenschaft verloren hat.

Marking their second release for GULF COAST RECORDS, the collection favours raw performance over polish, capturing the chemistry, spontaneity, and fearless musicianship that have defined the group for more than three decades. Fronted by the unmistakable voice of JERRY LANGER and the soulful guitar work of RANDY JACOBS - formerly of Was (Not Was) - the EP embraces honest, acoustic arrangements where every note and breath remains beautifully exposed. Produced by Jacobs, Langer, and JOHN WOOLER, the project reveals a band confident enough to let the songs speak for themselves. Recorded primarily at Kaleidoscope Studios in Berlin, the sessions continued wherever the road allowed, with additional performances captured in U.S. studios and hotel rooms between shows. This wandering spirit gives the EP a sense of movement and lived experience. A remarkable ensemble of collaborators adds depth throughout, including Holly Montgomery, Arthur Thompson, Joe Sublett, Mark Pender, Jon Gilutin, and Oliver Leiber. Across six tracks - bold reinterpretations and originals - the band blends Detroit soul, New Orleans groove, blues, and rock & roll swagger. Pull Up the Roots celebrates authenticity, proving that great songs and genuine soul need no embellishment.

In collaborating with iconic vocalists Matthew K. Heafy (Trivium), Josh Middleton (Sylosis) and Anthony Lucero (Cult Leader), Burner take a striking step forward to claim new territory while consolidating their extreme and unique sound into the heaviest and bleakest incarnation of their craft yet. Vocalist Harry Nott elaborates on the themes behind the new album: "If It All Returns To Nothing looked outwards to the world's chaos throughout history, No One Is Coming To Save Us instead looks inwards at its proposed cause; humanity's violent, animalistic nature, begging us for change. This is an album about human behaviour: that people create endless cycles of violence by repeating the mistakes of the past, forging a brutal history that we fail to learn from. But, at the same time, the album is about questioning whether we can ever get past those sins and repetitions. This is a record that is mournful as much as it is angry and engaged. It longs to bitterly recall the moments of greatness and sacrifice in our shared history that created the better world we currently destroy. It longs to look back at these moments for inspiration and optimism, at a time where it feels like hope is running thin. The album is also a struggle for hope, not just that humanity can overcome hatred and violence, but that we can look back on our greatest moments and take courage to build a better world. No One Is Coming To Save Us reflects this duality in its title: that no one will come to save us from the violence and tragedy we create as part of our humanity. But it also proposes that it's up to us to change - to overcome a violent human nature and usher in a better tomorrow."

,Dead Meat" ist das Debütalbum der Londoner Band The Tubs, gegründet von den ehemaligen Joanna Gruesome-Mitgliedern Owen Williams und George Nicholls. Musikalisch verbindet die Band Jangle Pop, Post-Punk und britischen Folk-Rock zu einem eigenständigen Sound, der ebenso von Fairport Convention, Richard Thompson und der Canterbury-Folk-Szene geprägt ist wie von modernen Indie-Bands wie The Goon Sax oder Twerps. Charakteristisch sind die hell klingenden, treibenden Gitarren, eingängige Pop-Hooks und die Verbindung von traditioneller britischer Folk-Melodik mit der Energie des Indie-Rock. Über diesen Klangteppich legt Owen Williams seine scharf beobachteten, oft melancholischen Texte, die zwischen Selbstironie, Enttäuschung und emotionaler Verletzlichkeit pendeln. Mit Songs wie ,Round The Bend", ,Duped" und ,I Don't Know How It Works" gelingt The Tubs eine faszinierende Mischung aus Folk-Rock, Jangle-Pop und Post-Punk, die gleichermaßen zeitlos und modern wirkt und ,Dead Meat" zu einem der bemerkenswertesten Gitarrenalben seines Jahrgangs macht.

Blue Vinyl Repress

Die gefeierte schottische Band The Twilight Sad kehrt mit IT’S THE LONG GOODBYE zurück, ihrem lang erwarteten sechsten Studioalbum, das über Rock Action Records erscheinen wird.
Das Album ist eine Erzählung von Verlust und persönlicher Krise, verwurzelt in konkreten Erfahrungen. Mit dringlichen, gitarrenreichen Arrangements von Andy MacFarlane und dem unverwechselbar rohen, leidenschaftlichen Gesang von James Graham markiert IT’S THE LONG GOODBYE einen weiteren Höhepunkt im Werk der Band und unterstreicht ihre Fähigkeit, gelebte Erfahrungen in tief empfundene Musik zu verwandeln.

Mit der furiosen Single „WAITING FOR THE PHONE CALL“ und einem Gastauftritt der legendären Robert Smith von The Cure wurde IT’S THE LONG GOODBYE in den Battery Studios in London mit Andy Savours (My Bloody Valentine) aufgenommen und von Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Slowdive) gemischt.


Beloved Scottish band The Twilight Sad make their long-awaited return with IT’S THE LONG GOODBYE, their sixth studio album released via Rock Action Records. IT’S THE LONG GOODBYE is a cogent story of loss and personal crisis, rooted in specific experience. Set to urgent and guitar-rich arrangements from Andy MacFarlane, with James Graham’s distinct, raw and impassioned vocals, the result is a pinnacle for THE TWILIGHT SAD in a career of tremendous integrity and artistry, and a record that honours the band’s ability to turn lived experience into fully felt music.

Including the blistering single WAITING FOR THE PHONE CALL and featuring the legendary Robert Smith of The Cure, IT’S THE LONG GOODBYE was recorded in London’s Battery Studios with Andy Savours (My Bloody Valentine) and mixed by Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Slowdive).

A powerful new track arrives on 7-inch, marking a collaboration between MAJOR FORCE PRODUCTIONS and DJ KRUSH, featuring the gentle, soothing vocals of guest singer Kyoko Koizumi.

This joint production by MAJOR FORCE PRODUCTIONS-comprised of K.U.D.O and Kan Takagi, two key figures who have helped shape Japan’s music scene-and the internationally acclaimed DJ KRUSH results in a single that vividly captures everyday scenes and the deeper layers of human emotion through diverse beats and floating electronic textures.

Conceived as a sequel to Kan Takagi’s 1997 release “LOVE THEME,” the track unfolds with a memorable melody expressing a sincere longing for love and freedom. Refined yet warm, it stands as a timeless piece of electric folk blues.

For this 7-inch edition, the track has been given a single edit, making it a special and essential release.

New remix series from the Veteran New York City producer / DJ / keyboardist Scott Wozniak.

2 Killer remixes of well-known artists given a new house music twist for the floors, evoking the golden era of The DFA (Darryl James, Fred McFarlane and Allen George) remixes on Fall Out Records in early to mid 00’s.

Limited Stock act fast!

Das 1997 erschienene Album „Romanza“ verhalf Bocelli zum weltweiten Durchbruch: Es verkaufte sich
weltweit fast 20 Millionen Mal und wurde zu einem der meistverkauften Alben der modernen Klassik aller
Zeiten.
„Romanza (30th Anniversary)“ wird sowohl als Standard- als auch als Deluxe-Edition erhältlich sein. Das
Deluxe-Paket enthält zwei goldfarbene Schallplatten, eine von Bocelli signierte Lithografie sowie einen
Bildband mit eigens in Auftrag gegebenen Begleittexten des renommierten Journalisten Craig McLean, der
Bocellis außergewöhnlichen Aufstieg vom aufstrebenden italienischen Tenor zu einem der weltweit gefeiertsten Künstler nachzeichnet. Beide Editionen enthalten zudem bisher unveröffentlichte Fotos von den
Aufnahmen zum Album.
Die Sammlung vereint alle 16 Titel des Originalalbums, darunter die zeitlosen weltweiten Hits „Time
to Say Goodbye“ mit Sarah Brightman und „Vivo per Lei“ mit Giorgia sowie eine bisher unveröffentlichte
Extended Version von Bocellis Hit „Con te Partirò“.

Space Afrika, das in Manchester und Berlin ansässige Duo aus Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang, schafft rohe, detailreiche und eindringliche Musik mit Anklängen an Ambient, Trip-Hop, Techno und moderne Klassik, wobei es aus den Konturen seiner Stadt weitläufige urbane Dub-Landschaften entwirft. ,Quiet Storm" erweitert ihren Klang und ihre Bandbreite zu einer weitläufigen, kollaborativen Vision, die mit tiefer Geduld und Absicht geformt wurde und ihre eigene Coming-of-Age-Geschichte in eine bewegende Suite kathartischer Abstraktion einbettet. Die Songs spielen auf Spiritualität und die conditio humana an, auf die Spannung zwischen Kühnheit und Sanftheit, Ehrgeiz und hartnäckigen inneren Dämonen. ,Quiet Storm" ist eine Antwort auf den Werdegang des Duos seit der Veröffentlichung von ,Honest Labour" im Jahr 2021. ,Wir haben uns selbst und unsere eigenen Vorstellungen von Identität herausgefordert, insbesondere in Bezug auf Klasse und Diaspora, und wie dies in verschiedenen Musikgenres dargestellt wird. Wir wollten die Charakteristika unseres Projekts durch die Menschen zeigen, mit denen wir zusammenarbeiten wollten", sagt Reid. Inyang merkt an: ,Bei der Entstehung dieses Albums haben wir keine Kompromisse gemacht. Die Idee begann als eine Hommage an die Kunst der Schwarzen. Unsere Kooperationen waren sehr bewusst gewählt, als wir die Grundpfeiler der Geschichte entdeckten." Von der multidisziplinären Natur des Projekts zeugt die Beteiligung des gefeierten Künstlers Glenn Ligon, dessen Werk sich mit schwarzer Identität und Queerness befasst. Ligon, der zu Beginn der Aufnahmen eine zentrale Inspirationsquelle darstellte, stellte sein Werk ,Figure #30" (2009) für das Cover-Artwork zur Verfügung und erklärte sich nach Abschluss der Aufnahmen bereit, dem Projekt seinen Namen zu geben - eine beispiellose Geste dieses wegweisenden Künstlers. Beim Anhören der endgültigen Fassung dachte Ligon an ,Quiet Storm", das Radioformat der 1970er Jahre, das für seine sanfte Late-Night-Programmgestaltung mit Themen rund um Leben und Liebe bekannt war. ,Quiet Storm" führt den Hörer durch verschiedene Szenen, Zwischenspiele und Handlungsbögen, geprägt von dem Gefühl, dass seine Bewegung fließend und seine Figuren flüchtig sind. Monologe vor dem Spiegel setzen sich mit dem Existentiellen und dem Unmittelbaren auseinander: Überleben, Autonomie, Sinn. Das Album beginnt mit dem explosiven, von Streichern begleiteten ,Vanity", bei dem die Grammy-Preisträgerin Axelle Fanyo zu hören ist. Zunächst auf die Spalten eines stillen Raumes fixiert, entfaltet sich ,Vanity" unter Fanyos ausdrucksstarkem Sopran und durchläuft ein breites emotionales Spektrum von erhabener Kontemplation bis hin zu ergreifendem, herzzerreißendem Schmerz. Auf dem gesamten Album werden gesprochene und gesungene Worte sparsam eingesetzt, um eine kraftvolle Wirkung zu erzielen. Die Schönheit und Katharsis von ,MLN" ist ein kollektiver, langsamer Marsch, bei dem der britisch-nigerianische Künstler Tony Njoku mitwirkt, begleitet von Gabriel Evans an Gitarre und Lead-Bass, PIKE aus London am Schlagzeug und GB aus Kopenhagen an Keyboards und Streichern. Der letzte Satz verleiht ,Quiet Storm" seinen krönenden Höhepunkt. ,If This Is Hell" ist in einem einzigen Take als Bewusstseinsstrom des New Yorkers Deuén aufgenommen, dessen nachvollziehbare Spirale geistiger Aktivität von jazzigen, frenetischen Percussion-Klängen begleitet wird. Das Druckventil öffnet sich, als die phasenverschobenen Drums und die scharf beobachtenden, dialogartigen Phrasen abrupt nach der Zeile ,I wonder if that's what heaven's like?" abbrechen. Wir bleiben in der Behaglichkeit des Album-Closers ,Regards" zurück. Regentropfen treffen auf Orgel, Drone, Streicher und Keyboards, während das Nachladen von Waffen dem ruhigen Summen gegenübergestellt wird. Schwer und doch hoffnungsvoll erinnern Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang an ihre bisherige Reise. Als passend geheimnisvolles und mitreißendes Outro für ihr offenes Opus ist ,Quiet Storm" ein Meilenstein: selbst produziert, selbst finanziert und aus purer Tatkraft und Überzeugung entstanden. Durch verzerrte Zeit und schummrigen Dunst ist Space Afrika zweifellos angekommen

Space Afrika, das in Manchester und Berlin ansässige Duo aus Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang, schafft rohe, detailreiche und eindringliche Musik mit Anklängen an Ambient, Trip-Hop, Techno und moderne Klassik, wobei es aus den Konturen seiner Stadt weitläufige urbane Dub-Landschaften entwirft. ,Quiet Storm" erweitert ihren Klang und ihre Bandbreite zu einer weitläufigen, kollaborativen Vision, die mit tiefer Geduld und Absicht geformt wurde und ihre eigene Coming-of-Age-Geschichte in eine bewegende Suite kathartischer Abstraktion einbettet. Die Songs spielen auf Spiritualität und die conditio humana an, auf die Spannung zwischen Kühnheit und Sanftheit, Ehrgeiz und hartnäckigen inneren Dämonen. ,Quiet Storm" ist eine Antwort auf den Werdegang des Duos seit der Veröffentlichung von ,Honest Labour" im Jahr 2021. ,Wir haben uns selbst und unsere eigenen Vorstellungen von Identität herausgefordert, insbesondere in Bezug auf Klasse und Diaspora, und wie dies in verschiedenen Musikgenres dargestellt wird. Wir wollten die Charakteristika unseres Projekts durch die Menschen zeigen, mit denen wir zusammenarbeiten wollten", sagt Reid. Inyang merkt an: ,Bei der Entstehung dieses Albums haben wir keine Kompromisse gemacht. Die Idee begann als eine Hommage an die Kunst der Schwarzen. Unsere Kooperationen waren sehr bewusst gewählt, als wir die Grundpfeiler der Geschichte entdeckten." Von der multidisziplinären Natur des Projekts zeugt die Beteiligung des gefeierten Künstlers Glenn Ligon, dessen Werk sich mit schwarzer Identität und Queerness befasst. Ligon, der zu Beginn der Aufnahmen eine zentrale Inspirationsquelle darstellte, stellte sein Werk ,Figure #30" (2009) für das Cover-Artwork zur Verfügung und erklärte sich nach Abschluss der Aufnahmen bereit, dem Projekt seinen Namen zu geben - eine beispiellose Geste dieses wegweisenden Künstlers. Beim Anhören der endgültigen Fassung dachte Ligon an ,Quiet Storm", das Radioformat der 1970er Jahre, das für seine sanfte Late-Night-Programmgestaltung mit Themen rund um Leben und Liebe bekannt war. ,Quiet Storm" führt den Hörer durch verschiedene Szenen, Zwischenspiele und Handlungsbögen, geprägt von dem Gefühl, dass seine Bewegung fließend und seine Figuren flüchtig sind. Monologe vor dem Spiegel setzen sich mit dem Existentiellen und dem Unmittelbaren auseinander: Überleben, Autonomie, Sinn. Das Album beginnt mit dem explosiven, von Streichern begleiteten ,Vanity", bei dem die Grammy-Preisträgerin Axelle Fanyo zu hören ist. Zunächst auf die Spalten eines stillen Raumes fixiert, entfaltet sich ,Vanity" unter Fanyos ausdrucksstarkem Sopran und durchläuft ein breites emotionales Spektrum von erhabener Kontemplation bis hin zu ergreifendem, herzzerreißendem Schmerz. Auf dem gesamten Album werden gesprochene und gesungene Worte sparsam eingesetzt, um eine kraftvolle Wirkung zu erzielen. Die Schönheit und Katharsis von ,MLN" ist ein kollektiver, langsamer Marsch, bei dem der britisch-nigerianische Künstler Tony Njoku mitwirkt, begleitet von Gabriel Evans an Gitarre und Lead-Bass, PIKE aus London am Schlagzeug und GB aus Kopenhagen an Keyboards und Streichern. Der letzte Satz verleiht ,Quiet Storm" seinen krönenden Höhepunkt. ,If This Is Hell" ist in einem einzigen Take als Bewusstseinsstrom des New Yorkers Deuén aufgenommen, dessen nachvollziehbare Spirale geistiger Aktivität von jazzigen, frenetischen Percussion-Klängen begleitet wird. Das Druckventil öffnet sich, als die phasenverschobenen Drums und die scharf beobachtenden, dialogartigen Phrasen abrupt nach der Zeile ,I wonder if that's what heaven's like?" abbrechen. Wir bleiben in der Behaglichkeit des Album-Closers ,Regards" zurück. Regentropfen treffen auf Orgel, Drone, Streicher und Keyboards, während das Nachladen von Waffen dem ruhigen Summen gegenübergestellt wird. Schwer und doch hoffnungsvoll erinnern Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang an ihre bisherige Reise. Als passend geheimnisvolles und mitreißendes Outro für ihr offenes Opus ist ,Quiet Storm" ein Meilenstein: selbst produziert, selbst finanziert und aus purer Tatkraft und Überzeugung entstanden. Durch verzerrte Zeit und schummrigen Dunst ist Space Afrika zweifellos angekommen

Rapidly gaining momentum, Drumcode’s new DC4 series returns to serve up a collaborative feast for its fourth edition.

Since debuting in summer 2025, DC4 has done exactly what it says on the tin: serving up four elite tracks that deserve the spot to shine.

You know you’re going to get A+ quality when you cue up a Victor Ruiz & Alex Stein collaboration. The Brazilians have a long history of studio jaunts and they deliver the goods via ‘Core’, a brilliant brain-scrambling outing with a strong dramatic arc.

Charles D & Weska follow up last year’s ‘The Answer’ on 1001 Recordings with ‘Can’t Get Enough’ feat. Bexxie. With a foot in prog and techno alike, this is driven by low-slung grooves and Bexxie’s sexy vox, packing an exhilarating energy throughout.

Enter two Drumcode debutants – SCRIPT & OKAYVAL. The former is a fast-rising American artist who is coming off collaborating with Brazilian superstar ALOK, while the latter is a Colombian born, US-based artist whose earned gigs at EDC Vegas and Tomorrowland this year. ‘LIKE THAT’ is a high-energy jam marked by tight rolling percussion and a sharp vocal loop designed for peak-time impact.

Another pair of fresh faces land on the comp as Martin Costas & Gabriel Gil drop ‘It’s All Around’. Lock in for a pulsating slice of prog driven by hypnotic rhythms and lush melodic textures. A versatile cut fit for a variety of party situations.