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Manteca’s 2014 album, first time on vinyl. Manteca, the London Latin jazz/salsa funk combo, are back with a first-time vinyl release of their brilliant digital album “Oye” from 2014. “Oye” is a collection of heavy-duty Latin music that reaches well beyond the standard salsa or Cuban dance-band style, appealing to anyone and everyone, from mambo dancers to B-boys, jazz brothers to soul sisters! Led by Colombian singer Martha Acosta and bassist Javier Fioramonti, who have played with everyone from Roberto Pla and Candela, to Alex Wilson’s groups and Salsa Celtica, as well as backing Latin legends such as Joe Bataan, Jack Costanzo, Henry Fiol and Azuquita, this band really cooks! “Que Pasa” is smoking Latin funk, this will get your head nodding and foot tapping for sure.“Oye”, a lovely mid-tempo Afrobeat/Latin jazz fusion number with punching brass and super-funky kit playing. There are three cover versions on the album: Horace Silver’s “The Jody Grind”, a 1960s Blue Note Records soul jazz classic. Manteca does it justice, taking the original and turning it into a heavy Mongo Santamaria style funky Latin soul belter. Sergio Mendes’s “Groovy Samba” is also given the 1960s Mongo “Watermelon Man” style Latin soul jazz treatment. Very hip arrangement, and some fantastic brass soloing in there too. The last one is a brave choice. It’s the timeless bolero standard “Como Fue”, which the band plays beautifully. “Para Pello” (“For Pello”), a conga-style big percussive beat that evolved from Afro-Cuban street carnivals. Secondly, “Bomba Chevere”, a blend of Puerto Rican bomba and Colombian cumbia. The big Afro-Cuban track of the album is “Descarga China”, which has two different mixes. One is a descarga funk mix with some heavyweight kit playing and smoking trumpet soloing, while the other is a more straight-ahead Latin jam with Javier’s upright bass playing underpinning the whole number in a very Cachao way. Big shouts to the whole band, which features some of the best musicians from the London Latin music scene of the last three decades. These cats are as good as you’ll get in Latin music from anywhere across the world.This London Latin music gem has been crying out for a vinyl release for over a decade. At last, it's here. Slap it on the turntable, drop the needle on track one, turn the volume up, press play and be ready to dance. Standing still is NOT an option! DJ Lubi (One Jazz / Totally Wired Radio)

Grim days call for fierce love. And Mavis Staples, one of the most enduring figures in American music, is laying it down. Sad And Beautiful World is the latest solo album from a national treasure and multigenerational talent. Produced by Brad Cook, Sad And Beautiful World spans seven decades of the American songbook - a range nearly as vast as Mavis" career - and includes reinventions of timeless songs by Tom Waits, Sparklehorse, Gillian Welch, Frank Ocean and more. Cook imagined an album in the tradition of Nitty Gritty Dirt Band"s Will the Circle Be Unbroken, a group of artists coming together to celebrate community - in this case, one centered on Mavis. Collaborators include Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman, and Justin Vernon. Inducted into several halls of fame (Blues, Rock, and Gospel), a Kennedy Center Honoree, a winner of multiple GRAMMYs (including a Lifetime Achievement Award), Mavis is musical history. She"s collaborated with nearly every major figure of her era(s), from Bob Dylan to Prince, Aretha Franklin, and Willie Nelson - not to mention countless stars from subsequent generations.

Grim days call for fierce love. And Mavis Staples, one of the most enduring figures in American music, is laying it down. Sad And Beautiful World is the latest solo album from a national treasure and multigenerational talent. Produced by Brad Cook, Sad And Beautiful World spans seven decades of the American songbook - a range nearly as vast as Mavis" career - and includes reinventions of timeless songs by Tom Waits, Sparklehorse, Gillian Welch, Frank Ocean and more. Cook imagined an album in the tradition of Nitty Gritty Dirt Band"s Will the Circle Be Unbroken, a group of artists coming together to celebrate community - in this case, one centered on Mavis. Collaborators include Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman, and Justin Vernon. Inducted into several halls of fame (Blues, Rock, and Gospel), a Kennedy Center Honoree, a winner of multiple GRAMMYs (including a Lifetime Achievement Award), Mavis is musical history. She"s collaborated with nearly every major figure of her era(s), from Bob Dylan to Prince, Aretha Franklin, and Willie Nelson - not to mention countless stars from subsequent generations.

The perfect accompaniment to that deep fall feeling, Frank Maston's beloved 2025 single finally gets its long overdue vinyl release! As our friends New Commute articulated beautifully, "Foreign Affairs" drifts through London fog and Paris shimmer, its avant-lounge glow wrapping each melody in a wistful ache. On B-side "Liaison," ghostly strings and a solitary piano paint a deserted twilight shoreline, Pacôme Henry's distinct 16mm cinematography hovering nearby." We've pressed just 500 of these gorgeous records so, be quick, Maston always flies.

Originally written for a film Maston was scoring in 2024, he decided to keep it aside for himself. And, well, us all. The song has a vibe Maston has previously flirted with; he wanted to dive in...all the way: "The arrangement is huge, definitely the biggest I've written, and it merited live musicians playing together. Also another experiment, to do it with all live musicians playing my arrangements. I wanted to make something that you'd want to put on when you bring a date back to your place. It's on the edge of sappy but that's sort of the point. I decided to give myself an unlimited budget - just spend whatever was necessary to get the right musicians and record it the best way possible."

It's this dedication to sonic perfection which Maston is rightly lauded for. We couldn't not put this on a cute wee 7" when we heard it.

The A side, "Foreign Affairs", is a brilliant, Bacharach-esque romp with a bit of that unapologetically romantic Morricone angle. Says Frank: "I was trying to synthesize that sort of jazzy/sexy/classy/romantic mature sound, where the edginess is in these surprising chord changes and subtle arrangement cues."

A wonderful complement, the flipside "Liaison", evokes Martin Denny, but Eden's Island was in Frank's head, too. He wanted to take a deep dive into that exotica sound - a genre he'd referenced a bit but never fully committed to - so the piece is lavished with those big sighing strings and a pretty lush arrangement. Happily, it all sounds super rich. Also, "Umiliani is always a reference for this sort of thing (Il Corpo etc.), That almost mechanical arrangement of things moving together and a simple melody over it (something I nicked from Ennio)".

The two songs were recorded in Paris and London in the summer of 2024. Aside from the rhythm section and piano, there's vibraphone, a full string section, trombones and alto and concert flutes. "Liaison" boasts strings, vibraphone, a female choir and tenor sax. Maston played piano and acoustic guitar but that's it (as opposed to playing basically everything on Tulips). His friend Oscar Sholto Robertson played drums and percussion whilst Maston mainstay Elie Ghersinu (formerly of L'Eclair) played bass.

The theme for a lot of Maston's titles is that they have two meanings. So "Foreign Affairs" is both a reference to him living abroad and the idea of constant cultural diplomacy and then there's this sexy/cheeky interpretation of foreign affairs in a literal way - "an affair abroad, ooh la la!". The artwork for this 7" single has Roman campaign flags, referencing the foreign affairs in sort of a sassy way. There's a violence implied. But then if you look from a bit of a distance it looks like a bouquet of flowers. So Frank thought it went with the spirit of the title. Also, he's used a lot of roman motifs now so he kept that theme going, even with the terracotta cover.

This is a vitally important project for our Frank. He explains why, here: "For whatever reason, these songs really resonated with me. I feel like they are either the end of a stylistic era for me or the beginning of a new one. They're sonically the culmination of what I'd been working towards and trying to get better at since I started. If I heard this when I was making Tulips I would have said "YES! *This* is what I want to be doing!". So that's the essence of it. It's a statement and the intended reaction is "This is really good, but why now?". Like the edge to it is the context of someone making this sort of thing in 2025, which I think is a huge strength. The real heads will get it. My music always has like a 2-3 year latency until people really catch onto it, and these ones will have a nice payoff I think."

We couldn't put it better ourselves. So we haven't.

First chapter of a futuristic dub experiment series by The 18th Parallel. Geneva based collective invites engineer extraordinaire Roberto Sánchez to revisit 10 scorcher riddims from the Fruits Records vault to craft this inventive modern classic. Reminiscent of the greatest dub albums by King Tubby, Scientist, Prince Jammy, or Lee ‘Scratch’ Perry.

Fruits Records presents the first volume of a series of dub albums by Swiss collective The 18th Parallel. Following in the tradition of Jamaican producers who revisited their catalogues in dub versions, such as Bunny Lee and his Aggrovators with King Tubby, Junjo Lawes or Linval Thompson teaming up with Roots Radics and Scientist, or Joe Gibbs and his Professionals with Errol Thompson, Fruits Records is launching a series of dub albums produced by the label's studio band, The 18th Parallel, which will invite different sound engineers to (re)mix the tracks throughout the albums: DUB AVALANCHE. This first volume offers a deep dive into the label's catalogue through ten classic or unreleased riddims revisited by Fruits Records' long-time partner, Spanish sound engineer extraordinaire Roberto Sánchez. The instrumentals are brilliantly performed by The 18th Parallel and punctuated by the voices of legendary artists such as The Viceroys, Lone Ranger, Cornell Campbell, and Dennis Walks, who appear fleetingly before disappearing into clouds of echo. Roberto Sánchez performs ten explosive, creative sound deconstructions, playing with stylistic codes to stimulate our memory and offer a timeless sensory experience.
Like the classics of the genre, the cover art evokes a quirky retro-futuristic imaginary space where, breaking with convention, the talent of Mexican artist Melissa Santamaría is expressed through a striking metaphor of a sonic avalanche.

DUB AVALANCHE VOL. 1 is already establishing itself as a future must-have for fans of uncompromising reggae and dub!

Erleben Sie den zeitlosen Charme und die samtweiche Stimme einer Musiklegende: Perry Como. Diese exklusive LP vereint seine schönsten und bekanntesten Lieder – sorgfältig remastert für höchsten Hörgenuss. Perfekt für Fans klassischer Unterhaltungsmusik und für alle, die die goldene
Ära des Easy Listening neu entdecken möchten.

Darunter sind Klassiker wie:
Papa Loves Mambo
Magic Moments
Catch A Falling Star
Moon River
u.v.m.

Originally released in 1973 and pressed in very small quantities, Emerge is the second album by the McCrary family and their non-gospel debut. Long sought after by collectors and modern-soul and funk connoisseurs, it's an exemplar of what was considered "progressive soul" in the early 70s as well as what emerged a generation later as "neo-soul." This long-overdue reissue was produced with the full cooperation of the McCrary family and gives this remarkable record wide distribution and easy accessibility for the very first time since its initial low-key release over half a century ago. The McCrary family started out as a gospel group in their native Youngstown, Ohio but turned to secular music upon relocating to Los Angeles in 1970 and recording this album for the tiny Cat’s Eye label of Beverly Hills. The music veers between sophisticated, jazzy R&B (Charity McCrary’s beautiful “Matter Of Time”) to occasionally grittier funk (as on “Kung Fu”). “Be A Father To Your Son” and “People Run On Love” bear messages that are still relevant decades later. The McCrarys would later gain wider recognition with their hit “You” featuring Stevie on harmonica and with “Any Old Sunday” which was memorably covered by Chaka Khan.

Based in St Leonards-on-Sea, East Sussex, Dark Circles Recordings has

rediscovered and is reissuing an album originally recorded and released in 2008 by

Dog Soup, a then London-based quartet that played a handful of gigs and recorded

just one exemplary album before, seemingly, disappearing. Fragments, that album, is

a crucial chapter in the British jazz story that can now be told again.

The brainchild of trumpeter and composer Robbie Robson, Dog Soup was briefly part

of the Loop Collective, a group of musicians founded in London in 2005. Dog Soup

cut one mesmerising album of rhythmic shapes and melodic colours that still

sounds fresh, exciting and dynamic 17 years later. An intoxicating mix of composed

and freely improvised playing, Fragments keeps the listener guessing just where the

music is coming from.

Released in 2008, Fragments just preceded the revitalised British jazz scene and slipped

under the radar of even the most ardent aficionados, becoming a lost classic—until Dark

Circles Recordings recognised its brilliance 17 years later and persuaded Robson to reissue

it.


'...prefigures the post-rock into jazz trajectory which Chicago's International Anthem label would later inscribe so joyfully'
* * * * Mojo

'...original, free and dramatic...'

The Guardian

In 1964, Martin Denny looked beyond the Hawaiian and Asian influences of his previous records to find another place to plant his umbrella in the sand, as well as in your drink: the sounds of Latin America. With this new sound to hang his exciting arrangements on, Latin Village has long been considered one of Denny's high-water marks, and Jackpot is thrilled to have this long-cherished LP back in print. This is an album that rips through what was considered "The Now Sound From Overseas," a sophisticated mash-up of sambas, bossa novas, and Latin jazz. From the first track, "Angelito" (the hit song written by Réne y Réne, later to also be covered by Trini Lopez & Herb Albert), all the way through to its closer, "Flying Down To Rio" (a song which Roxy Music later referenced in their 1972 song "Virginia Plain”), the album is a hypnotic listen. Latin Village also drops in some serious jazz numbers, with respected compositions such as "On Green Dolphin Street" by Kaper & Washington (which has been covered by Miles Davis, Bill Evans & Sarah Vaughn), "Malagueña" the sixth movement in Ernesto Lecona's Suite Andalucía & "Corcovado" by Antônio Carlos Jobim (who merged samba with jazz to create bossa nova). Latin Village is comforting in its familiarity within Denny's sonic world, but steps refreshingly out of the smoke-filled Tiki bars of his previous records and straight into the sunlight where this music still strolls around in a listener's heart, soul, and mind. “Latin Village is a triumph of Martin Denny’s search for a new style, post-exotica.” – ALLMUSIC, 4 stars.

NYC electronic music collective P.E. return with their third and final album Oh!, due October 3 on Wharf Cat Records. Oh! Is the sound of a startled exclamation punctuating an exit, and the embodiment of the music within: fun and fluorescent, fluid and flirty, dirty and a little dangerous. From their conception in 2017 through the NOPE Tape series, P.E. existed as an experiment in co-conspirited collaboration. Oh! continues to cast a wide net, featuring an expanded lineup from their original formation, including Eleanor Friedberger of The Fiery Furnaces on the lead single "Color Coordinator". The resulting music ranges wide as ever, from the jubilant grooves of the title track and "Color Coordinator" to "The Fiction Writer" - a tender duet between Veronica Torres and Jonny Campolo - through the city pop sounds of "(Do You Like) So So?" and "Purple On Time", and into the abstracted beyond. This isn't a goodbye, but a "see you around". A tear falls down the cheek of a stranger, dancing as they catch your smile in the reflection of a glass building. Ceremoniously, serendipitously, they sidewalk surf away, stepping on something sharp - "Oh!" - leaving a teardrop on the city pavement. Following the last P.E. show, Jonny Campolo fully embraced his persona of The Grayscale Clown. You can hear him crooning in pets (along with Nick Campolo and Chase Ceglie) and droning in Microfibers (featuring Keegan & Eugene of Decor). His brother Nick Campolo successfully uploaded his consciousness to the cloud. He & his simulacrum perform in the aforementioned pets and solo as Nick Nun Ca. Ben Jaffe was in a freak nuclear waste accident when his DNA merged with a puma - he is now known as The Puma Man. You can catch him prowling around NYC with Sleaze Generator and as a sax beast for hire. Bob Jones went on a silent meditation and forgot how to speak. He now quietly releases music under the name R.A. Jones (as on his recently released Whispered to A Child), and as Scythe with David West (on A Colourful Storm). Jonathan Schenke disappeared for six months without a trace; when he returned he had developed a nervous tic anytime he heard a 909 rimshot or a saxophone. His recent solo album Passages (on No Gold) features neither of the above, nor does his project Gift Horse with Matthew Hord. Veronica Torres headed west to pursue her studies, developing a ceramic polymer whose beauty has caused madness in certain individuals. Her band Cha Cha 9 is a darling of the Minneapolis scene. P.E. would like to say thank you from the bottom of our hearts to everyone who listened to our records and danced at our shows - your love is felt. Thank you so much to Wharf Cat Records for all of the support over the years. Thank you to the fans. Thank you Pill and Eaters. Mitwirkende

Hüsker Dü. Live. 1985. Das transzendente Punk-Trio aus Minneapolis in seinem explosivsten Jahr, live aufgenommen auf der Bühne im First Avenue, in der vielleicht am besten klingenden Aufnahme der gefeierten SST-Ära der Band. Diese 4xLP/2xCD-Edition enthält Beau Sorensons Restaurierung der 21 Songs des gesamten Sets vom 30. Januar 1985, dazu 20 zusätzliche Live-Tracks aus dem weiteren Tourneeverlauf des Jahres und ein Deluxe-Booklet mit detaillierten Informationen zu den zwölf geschichtsträchtigen Monaten von Hüsker Dü. Wie klingt eine Legende, in dem Moment, wenn sie geschrieben wird? Betrachtet man das Jahr 1985 durch die dynamische Linse der Independent/DIY-Musik, so gab es Mitte des Jahrzehnts für Hüsker Dü einen kraftvollen und unbestreitbaren Sprint von der rauen Punk-Institution bei SST zur künstlerischen Empathie bei Warner Bros. Die New York Times bezeichnete die Band als "die beste, die aus der Hardcore-Szene hervorgegangen ist". Im Einklang mit diesem Lob zeigte Hüsker Dü ein kreatives Tempo, das in keiner anderen Musikära zuvor oder seitdem jemals erreicht wurde. Nachdem sie im Juli des Vorjahres mit dem Doppelalbum "Zen Arcade" die aufkeimende Alternative-Rock-Bewegung sprengte, veröffentlichte die Band nur sechs Monate später, am 14. Januar 1985, das epochale "New Day Rising" und hörte nie auf, dem Sonnenaufgang über dem Hidden Beach nachzujagen, der das Cover des Albums zierte. Am 30. Januar 1985 erreichte Minneapolis am Abend zum Zeitpunkt des Konzerts -11 °C, was einem gnadenlosen Temperatursturz von 19 Grad gegenüber dem Tageshöchstwert von 8 °C bedeutete. Die 1500 Besucher im First Avenue brauchten jedoch kein T-Shirt, geschweige denn eine Daunenjacke: Von den ersten blendenden Momenten von "New Day Rising" an war klar, dass Bob Mould, Grant Hart und Greg Norton fest entschlossen waren, jedes Molekül im Raum in Brand zu setzen. Ihre Setlist bot eine nächtliche Kaskade von Feuerbällen aus den Alben "Everything Falls Apart", "Metal Circus", "Zen Arcade" und "New Day Rising" sowie fünf neue Songs, die später auf "Flip Your Wig" wieder auftauchen sollten. Außerdem würdigten sie ihre rockigen Vorfahren: mit einer rasanten Version von "Eight Miles High" von The Byrds, einer turbulenten Interpretation von "Helter Skelter" von den Beatles mit Dave Pirner von Soul Asylum, einem Pop-Punk-Remake von "Ticket To Ride" ebenfalls von den Beatles und ihrem charakteristischen Cover von Sonny Curtis' Mary-Tyler-Moore-Titelsong "Love Is All Around" zum Abschluss. Die First-Avenue-Bänder von 1985 zeigen Hüsker Dü in Höchstform mit bereits beliebten Songs, ein paar Jahre bevor sie ihren Status als Blaupause für den kommenden Alternative-Rock-Boom endgültig gefestigt hatten. Dieses Box-Set feiert diese Aufnahmen, die vielleicht die besten Hüsker-Dü-Aufnahmen sind, die während der legendenhaften SST-Jahre der Band produziert wurden. "Wenn ich an diese Zeit zurückdenke", kommentiert Greg Norton, "waren das drei Jungs, die das taten, was sie liebten, Spaß hatten und im Grunde anderen Menschen zeigten, dass man sich selbst treu bleiben kann, seiner Musik treu bleiben kann und sich nicht der Mode oder den Erwartungen beugen muss, um etwas wirklich Großartiges zu schaffen."

Limitiertes "26 Highlighter Yellow" Vinyl. Hayley Williams ist eine dreifache GRAMMY-Gewinnerin, Sängerin, Songwriterin und Musikerin, die vor allem als Frontfrau der legendären Rockband Paramore bekannt ist. Nachdem Paramore mehr als 20 Jahre lang ihren Vertrag mit Atlantic Records erfüllt hatten - einen Vertrag, den Williams als Teenager unterzeichnet hatte -, gaben sie im Dezember 2023 bekannt, dass sie nun endlich eine unabhängige Band seien. Diese Überraschungssammlung wird von Hayley Williams auf ihrem neuen Label Post Atlantic selbst veröffentlicht und zeigt sie in ihrer ganzen Bandbreite. Williams hat eine Reihe von verschiedenen Instrumental-Parts geschrieben, gespielt und aufgenommen, wobei langjährige Kollaborateure wie Brian Robert Jones und Joey Howard projektübergreifend mitgewirkt haben und Jim-E Stack bei "True Believer" mitgewirkt hat. "Mirtazapine" ist eine Liebeserklärung an Antidepressiva im Stile des Alternative Rock der späten 90er Jahre, während sie in "Glum" ihre eigene Stimme mit beeindruckenden Effekten durch Vocal-Presets untergräbt, während der Track über Einsamkeit meditiert. Weitere Höhepunkte sind "Whim", ein eingängiger Americana-Ohrwurm, dessen Songwriting an ihre Wurzeln in Nashville anknüpft, und "Ice in My OJ", ein durch und durch moderner Track, der eine scharfe Produktion mit einigen der bis heute bissigsten und humorvollsten Texte von Williams verbindet. Langjährige Paramore-Fans werden den Refrain von "Ice In My OJ" möglicherweise schnell wiedererkennen, da Williams diesen erstmals 2004 auf "Jumping Inside" von den Mammoth City Messengers gesungen hatte. Die Sammlung fängt die ganze Dynamik ein, die Williams bereits im Laufe ihrer Karriere und ihrer Kollaborationen gezeigt hat. Im Kern sind diese Songs das Werk einer äußerst begabten Künstlerin mit einem unersättlichen, genreübergreifenden Appetit auf Musik und kreative Entdeckungen. Diese Songs sind die dritte Veröffentlichung von Williams als Solokünstlerin. In der COVID-Ära veröffentlichte sie zwei außergewöhnliche Alben - ,Petals For Armor" (2020) und ,Flowers for Vases" (2021). Beide Alben waren wunderschöne und eindringliche Meditationen über den Verlust und standen im Kontrast zu der energiegeladenen und temporeichen Kraft, die sie bei Paramore zeigt. ,Das Album - das Verletzlichkeit und transformatives Wachstum verkörpert - offenbart eine reifere und introspektive Seite von Williams", schrieb Pitchfork über ,Petals" und fuhr fort: ,Ihre Stimme ist zweifellos das herausragende Merkmal ... rau und sanft, gefährlich und doch warm", und erklärte, dass die minimalistische Produktion ,dies zu einem bewussten Neuanfang macht".

Das Cover von ,Liquorice", dem dritten Album der australischen Indie-Pop-Künstlerin Hatchie, zeigt ein Nahporträt von Harriette Pilbeam, die lächelt, wobei ihr verschmierter roter Lippenstift auf die glorreiche Folge eines Kusses hindeutet. Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer einfachen Digitalkamera aufgenommen und fängt eine Erinnerung ein, die etwas unvollkommen ist und von Sehnsucht, Begierde und Bedauern geprägt ist Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer kleinen Digitalkamera aufgenommen und verkörpert ein Album, das rau und voller Freude ist und sich mit Themen wie Sehnsucht, Begierde und Reue befasst. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich Mitte 2024 fertigstellte. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hat, bemühte sich Pilbeam, von Grund auf neu zu schreiben, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich , und stellte die Demos schließlich Mitte 2024 fertig. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hatte, bemühte sich Pilbeam, ganz von vorne anzufangen, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben, und ließ den Songs wochenlang Zeit zum Atmen, anstatt Ideen zu überstürzen. Sie fühlte sich von der melodischen Einfachheit ihrer frühen Songs angezogen und akzeptierte ihre musikalischen Unsicherheiten: ,Ich wollte meine Grenzen als Stärken betrachten, die meinen Stil prägen." Nachdem sie mit den Produzenten Jorge Elbrecht (Caroline Polachek, Japanese Breakfast, Sky Ferreira) und Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) an ,Giving the World Away" gearbeitet hatte, wollte Pilbeam ,Liquorice" mit einem einzigen Kollaborateur fertigstellen, idealerweise einem nicht-männlichen Produzenten, der auch sein eigenes Musikprojekt vorantreibt. Im September 2024 kehrten Pilbeam und Agius nach Los Angeles zurück, um mit Melina Duterte zusammenzuarbeiten, die unter dem Namen Jay Som Indie-Rock aufnimmt und an einer Reihe von Projekten mitgewirkt hat, darunter das mit einem Grammy ausgezeichnete Album ,The Record" von boygenius. ,Mein letztes Album ist sehr düster und introspektiv geworden, und das ist zwar ein Teil von mir, aber es gab noch eine ganz andere Seite, die ich nicht zum Ausdruck gebracht habe", sagt Pilbeam. ,Ich bin eine hoffnungslose Romantikerin und eine sehr alberne Person, manchmal sogar bis zum Äußersten." Die heute 32-jährige, verheiratete Pilbeam stellte fest, dass ,ewige Gefühle" der Sehnsucht und des Herzschmerzes schnell zurückkehrten, als sie über ihre Erfahrungen als jüngere Frau nachdachte. Gleichzeitig ließ sie ihre Vorliebe für tragische Liebesfilme einfließen, in denen die Figuren nicht unbedingt ein gemeinsames Happy End finden. Liquorice beschäftigt sich mit der Endlichkeit des Ewigen. Diese Songs fangen die überwältigenden, berauschenden und transformierenden Nebenwirkungen der Verliebtheit ein, auch wenn die gesamte Liebesgeschichte nur eine einzige magische Nacht dauert. Wie die reichhaltigen Aromen der gewundenen, titelgebenden Süßigkeit - süß, salzig und bitter in einem Bissen - bestätigt Liquorice, wie Sehnsucht und Besessenheit in der Selbstfindung einer jungen Frau miteinander verflochten sind.

Steve Gunn ist seit über einem Jahrzehnt einer der Vorreiter der amerikanischen experimentellen / gitarrenorientierten Rockmusik. Nach drei gefeierten Alben, die er für Matador aufgenommen hat, erscheint sein siebtes Studioalbum - und erstes seit vier Jahren - bei No Quarter. Mit "Daylight Daylight" wollte Gunn etwas von der Intimität des Solospiels einfangen, das Gefühl der Möglichkeiten und Entdeckungen, das entsteht, wenn er sich hinsetzt, um zu schreiben, und gleichzeitig eine reichhaltige Klangwelt schaffen, in die der Hörer eintauchen kann. Anstatt wie bei früheren Alben eine Band zusammenzustellen, um die Songs auszuarbeiten, holte er sich einen einzigen Hauptmitarbeiter an Bord: den Produzenten James Elkington, einen alten Freund und langjährigen Mitarbeiter, der auch Gunns Album "The Unseen In Between" aus dem Jahr 2019 produziert hat. Elkington ist als Gitarrist bekannt, aber Gunn bat ihn, Arrangements für Streicher und Holzblasinstrumente beizusteuern, inspiriert zum Teil von der Musik, über die sie im Laufe der Jahre gesprochen hatten (z. B. Mark Hollis, Ennio Morricone, The Fall, Basil Kirchin), und von der Entwicklung ihrer eigenen Beziehung beim Aufnehmen von Platten - sowohl zusammen als auch mit anderen. Sie fanden schnell einen fruchtbaren Arbeitsprozess für "Daylight Daylight": Gunn nahm Solo-Demos auf und schickte sie an Elkington, der freie Hand hatte, die Arrangements selbst zu entwickeln. Sie arbeiteten hauptsächlich in Elkingtons Nada Studios in Chicago und fügten von dort aus weitere Elemente hinzu - einen Hauch von Synthesizer, eine Gitarren-Overdub, eine gedämpfte Percussion-Linie -, blieben aber ihrem ursprünglichen Ansatz der relativen Sparsamkeit treu. Macie Stewart (Violinen und Viola), Ben Whiteley (Celli), Nick Macri (Kontrabass) und Hunter Diamond (Holzblasinstrumente) leisteten ebenfalls Beiträge.

Emile Sornin has a robot in his life. It's not love, but it's not friendship either, and Forever Pavot is releasing an album documenting the affair on Born Bad. After a bunch of bold pop studio albums and a small stack of soundtracks, Emile needed a break. To put an end to it, he embarked with handyman extraordinaire Jonas Euvremer on the manufacture of an automaton destined to make his musician’s life easier. Melchior, who gave his name to the record, has the face of a ventriloquist's dummy, two plastic left hands, preppy clothes and a primitive logic circuit. This goodie two-shoes cousin of Bender’s is supposed to be doing the interviews and deal with socials for Emile. The plan worked admirably : Melchior is a perfect cover-boy, and his very existence has put our man back to work.



They set a path for phat electronic ventures (and by the way, mostly english-speaking). Sub- continental bass & massive drums, heavy-footed and unabashed : as much appreciated as unexpected. The half-android shares songwriting credits and vocal parts vocoded to perfection. Not a jealous lad, Melchior makes way for a guest of choice on “UFO” and “Waiting for the sign” : Lispector. Julie Margat sings and collaborated on the lyrics for these two bangers that provide a lot of context (robot angst is real). Kumisolo, our favorite Japanese « it » girl in Paris, also sent her “Postcard”, more vapour than song, unreal musical cotton candy of arrangements.


Domotic, who mixes and co-produces, gives a nice spin to “Count to 10”, a hip-hop/kraut crossover with a BEAK> flavour. The Forever Pavot, once a big-band, will be touring as a bass/ drums/keys & vocals trio, with Melchior as guest.



Record after record, Emile Sornin has become an increasingly literate musical illiterate. When needed, his music can still become a thicket of ancient and modern finds. « Le robot gentilhomme », a skillful pastiche of baroque composer Jean-Baptiste Lully, would stand a few rounds against Wendy Carlos. His love for oldies also shines through “Skyway”, a nod to the late Pierre Arvay, France’s Colonel Sanders of library music nuggets.



Forever Pavot may have gone wild, but remains indebted vis-à-vis the golden age of film music. Forebears deluxe Ennio Morricone & François de Roubaix make Hitchcock-style cameos: discreet appearances that you’ll watch out for (those syncopated cascades of syllables at the end of « UFO », and I guess we can indulge with some clavichord/ondioline Victoria sponge). His new flirt is all but a toxic relationship. « Melchior, Vol. 1 »: the robo-bromance is not over yet.

Wiederveröffentlichung des Debutalbums 'Shadows Of The Dying Light' der schwedischen Cineastic Melodic Hard Rock Band Sarayasign. Mit Wurzeln im Gitarren Rock der späten 70er Jahren und dem Kinoerlebnis des 21. Jahrhunderts. Klingt wie Queensrÿche, Dio, Avantasia oder Allen/Lande. Jetzt erhältlich als Ltd. Col. 2LP!

Accomplished musical documenters Analog Africa shine a long-overdue spotlight on the trailblazers of Zimbabwe's Chigiyo sound with this lovingly curated new collection. Emerging from Kwekwe in the 1980s, the group fused reggae grooves with Shona chants, mbira-inspired guitars and bold brass to create a style uniquely their own. Anchored by legendary guitarist Gilbert Zvamaida, Zig-Zag's music carried spiritual weight and infectious energy with classics like 'Gomo Ramasare' and 'Mudzimu Mukuru' shaping the country's cultural landscape. This lovingly curated compilation revives their groundbreaking catalogue and celebrates their fearless creativity while introducing a new generation to one of Zimbabwe's most distinctive and visionary bands.

Soft Centre is the new album by Iko Chérie, the solo project of French-born, London-based multiinstrumentalist Marie Merlet. She blends dub-inflected textures, pop tinged vocals, reverbdrenched guitars, Casio drones, and warm experimental noises - creating her own intimate, fragile sound. Self-produced and largely performed by Merlet, the album grew from an introspective process, with many sketches recorded in transit between tours. The result is a deeply personal work, balancing light and dark in a Lynchian dream-pop haze. Songs such as We Smoke That Peace Pipe and Bilbao shimmer between vulnerability and resilience, while the single Ghosted Ghosters of the Holy G captures the immediacy of a one-take dub bass. Some pieces retain the quality of improvised snapshots (Intelligent Women, Half a Metaphor) while others reveal her meticulous production process and songwriting craft (Tears in the Sea, Luciférine). Merlet defines Soft Centre as alive in radical tenderness, unguarded, open, and vivid. Influenced by Clarice Lispector"s prose, Diane di Prima"s poetry and Rachel Carson"s environmentalist writing, as well as Marie"s fascination with a vintage Roland Space Echo, the album is an invitation to connection that she describes as "... hopefully a meditation into healing." A versatile musician trained in classical piano, jazz, and electroacoustic composition, Merlet has long moved between different worlds of sound. She has worked with Laetitia Sadier in Monade, performs with Gina Birch (The Raincoats), Malphino, Yama Warashi, and several other groups. She recently appeared as guest singer on the latest Stereolab album. Her debut solo LP, Dreaming On (Elefant Records, 2015), revealed her singular melodic instincts; with Soft Centre she ventures further inward, shaping her own distinctive voice in experimental pop.

With his third album Ouin Ouin, Miel de Montagne further establishes himself as a key figure in today’s global indie scene, resonating worldwide, especially in Latin America and Germany. Like a tightrope walker balancing between melancholy and carefree joy, he evolves alongside French talents (Lewis Ofman, L’Impératrice, Au Pinard) and international names (Parcels, Benny Sings, Men I Trust).



After a tour across Europe (England, Germany, Spain, the Netherlands, Belgium, Switzerland, Denmark) and France with a sold-out show at l'Olympia to close off his tour, he returns with “Ouin Ouin Ouin”. In this deluxe version, he collaborates with artists he met over the past few months, such as Blasé, Kazy Lambist, and Girl Ultra, a leading figure of the Mexican indie scene. To accompany these features, you’ll find two new exclusive tracks to make the Ouin Ouin journey last a little longer.

Merge Records wiederveröffentlicht das Debütalbum von The Clientele ,The Violet Hour" auf Vinyl. Seit seiner Erstveröffentlichung 2003 in Großbritannien bei Pointy ist es längst vergriffen und sehr begehrt. Nach dem Durchbruchserfolg von ,Suburban Light", der 2001 erschienenen Sammlung der ersten Singles und EPs von The Clientele, waren Trendsetter und Liebhaber gespannt darauf zu hören, was das Trio aus Alasdair MacLean (Gitarre, Gesang), Mark Keen (Schlagzeug, Klavier) und James Hornsey (Bass) leisten würde, wenn man es in einem Studio loslegen ließe, um ein Album in voller Länge aufzunehmen. Was sie im Herbst 2002 aus den Londoner Medina Road Studios mitbrachten, war verlockend: Ihr bereits scharf ausgearbeitetes Motiv aus 60er-Jahre-Psychedelia und modernem Fuzz-Pop nahm Jazz-Einflüsse auf, insbesondere dadurch, dass das LP-Format mehr Raum bot, um die Atmosphäre besser zur Geltung zu bringen. The Clientele dehnen den frühen Abend von ,The Violet Hour" unendlich aus und manipulieren die strukturierte Zeit des Popsongs so, wie Dichter die Struktur der Sprache manipulieren - um Orte, Stimmungen, verstreute Gedanken, Enttäuschungen, Potenziale und vor allem Sehnsüchte einzufangen. Es ist ein schimmerndes Juwel von einem Album, dessen träge Melodien und hallgetränkte Refrains zugleich erhaben und tragisch sind, dessen verschwommene, traumhafte Abschweifungen zugleich an die Wärme einer Lieblingsplatte erinnern, die während eines Sommergewitter gespielt wird, während man sich nach der nebelverhangenen Zukunft einer noch ungeschriebenen Nacht sehnt. ,The Violet Hour" hat sich Jahrzehnte später als charakteristisches Album im Katalog von The Clientele behauptet, das nicht nur den Sound perfektioniert hat, der die Band zu einem Phänomen in den Message Boards gemacht hat, sondern ihm auch eine völlig neue Tiefe verliehen hat. In der Folge war es nicht mehr möglich, sie als eines der bestgehüteten Geheimnisse des Indie-Pop zu bezeichnen. The Clientele waren und sind nach wie vor eine der wichtigsten Figuren des Genres, und ,The Violet Hour" war und ist nach wie vor eines ihrer wichtigsten Statements: eine üppige Einladung in ihren Underground.