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Re-issued! 1993 nahmen PROPAGANDHI ihr erstes Album "How to Clean Everything" auf und veröffentlichten es über das damals noch junge Label Fat Wreck Chords. Es versteht sich von selbst, dass das Album nicht nur das Label bekannt machte, sondern vor allem PROPAGANDHI als eine der großen Kräfte in der Punkszene etablierte. "How To Clean Everything" war ein Start nach Maß und lehnte sich noch eher an die Skate-Punk-Tradition an als die folgenden Werke der Band. Trotzdem voller aggressiver Metal/HC-Riffs und jungenhafter, bissiger Texte über Menschenrechte, Gleichberechtigung und radikale linke Politik. Sänger/Gitarrist Chris Hannah erklärt seine Gründefür die Neuauflage (mit einem Hauch seines geliebten sarkastischen Humors): ,Vielleicht liegt es an den Badesalzen, aber ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass es wertvoll ist, etwas zu haben, das einen bis zum Tod verfolgt. Ich präsentiere euch "How To Clean Everything". Die 2026 Neuauflage enthält wie die 20th Anniversary Edition das komplette Originalalbum plus die drei Outtakes, die Fat Mike für Fat Wreck seinerzeit für die Vinylveröffentlichung rausgenommen hatte. Natürlich wurde das Album auch von den originalen Analogbändern remastert. Schwarzes und farbiges Vinyl wieder erhältlich.
















[p] SEEMED FUNNY THE FIRST TIME [BONUS TRACK]
[q] NOT TO BE GENDER SPECIFIC, OF COURSE [BONUS TRACK]

„Weihnachten ist wirklich die schönste Zeit des Jahres“! „Im Laufe der Jahre habe ich viele originelle Weihnachtslieder geschrieben und ich hatte das Gefühl, dass es jetzt an der Zeit ist, die besten davon auf einem Album zu bündeln. Und hier ist es: Ein wundervolles Weihnachtsalbum mit einer Vielzahl von Liedern, von denen jedes ein wesentliches Element der Weihnachtsstimmung enthält, jetzt in einer Deluxe-Edition. 15 Songs, die ich sorgfältig ausgewählt habe. Ich habe 9 der 11 Originale mit den Amerikanern Jeff Franzel und Maria Christensen geschrieben und die anderen 2 Originalsongs mit den niederländischen Songwritern Simon Gitsels und Karel Schepers. Die Cover auf diesem Album sind Songs, die ich so sehr liebe, dass ich ihnen meine eigene Note geben und ihnen einen Platz auf dem Album geben wollte.“ Vier erfolgreiche Studioalben, mehreren Theatertourneen in den Niederlanden und erste internationale Shows, die allesamt ausverkauft waren. Es folgten bereits zahlreiche Auszeichnungen, darunter eine Goldene Schallplatte und bereits zweimal der renommierte Edison Jazz Award (der Holländische Grammy). Keine alltägliche Errungenschaft im Jazzbereich oder wie „Crooner“ Dennis es lieber nennt, im Swing, einem Stil, der für ihn unvergleichlich ist.

Gitarrist Harald Barrett über Heaven in Hiding: "Mit jedem neuen Album haben wir das letzte bis auf den Grund gerissen. Wir haben uns eine Vorstellung davon gemacht, wer wir als Band sind, und diese Idee dann durch neue kreative Neugier und Einflüsse herausgefordert. Was wir mit "Heaven In Hiding" entdeckt haben, hat sich nie mehr wie zu Hause angefühlt und nie besser verkörpert, was IMMINENCE ist und immer sein wird."

COLORS OF BACH: Violinistin Eldbjørg Hemsing lässt die Musik von Bach in völlig neuen Klangfarben leuchten Auf ihrem neuen Album COLORS OF BACH lässt Violinistin Eldbjørg Hemsing die ausdrucksstarke Musik von Johann Sebastian Bachs in völlig neuen Arrangements erklingen und eröffnet zeitgenössische Perspektiven auf sein Werk.Vielschichtig, fein nuanciert und mit ungezügelter Spielfreude, schöpft das Album seine Inspiration aus der strukturellen Raffinesse und der expressiven Schönheit von zwanzig ausgewählten Werken. Die renommierten Arrangeure Tim Allhoff, Jan-Peter Klöpfel und Jarkko Riihimäki rücken bekannte Meisterwerke durch buchstäblich neue "Farben", die in Bachs Musik eingeführt werden - durch Klang, Harmonie und Emotion - in neues Licht.Im Zentrum des Projekts steht eine gemeinsame künstlerische Philosophie: Bachs Musik zu erweitern, neu zu denken und zu formen - ohne sie zu verfälschen. Die Arrangeure schöpfen ihre Inspiration aus der positiven und universellen Kraft seiner Themen und Harmonien und bewahren dabei die innere Zuversicht, die Bachs Werk so einzigartig macht.Von der verspielten Brillanz der Partita Variation bis zur tief berührenden Neuinterpretation von Bachs Brandenburgischem Konzert - ikonische Melodien erhalten neue Vitalität, eröffnen emotionale Dimensionen, bewahren aber zugleich größten Respekt vor den originalen Meisterwerken. Die dichte, melodische Gestaltung des Orgelpräludiums in C-Dur geht nahtlos in eine virtuose Fassung für Solovioline und Streichorchester über und schafft ein fesselndes Hörerlebnis. Air nimmt die Eleganz eines italienischen Konzerts an, während das geliebte Erbarme Dich aus der Matthäuspassion als intime instrumentale Ballade neu erstrahlt. Gemeinsam zeigen diese kreativen Arrangements die Wandlungsfähigkeit und Zeitlosigkeit von Bachs Musik - und entfalten ein eindrucksvolles Kaleidoskop musikalischer Farben."Bach ist so ein genialer Komponist", reflektiert Eldbjørg Hemsing, "dass es unendlich viele Möglichkeiten gibt, seine Formen und Strukturen zu betrachten. Jede Melodie, die er geschrieben hat, vereint auf faszinierende Weise technische Präzision und tiefes Gefühl - und genau darin liegt die unerschöpfliche Vielfalt seiner Musik." COLORS OF BACH ist eine Hommage an diese zeitlose Musikalität - eine Einladung an die Hörerinnen und Hörer, Bachs Werke auf spielerische Weise neu zu entdecken. Im Herzen des Albums stehen Freude, Hoffnung und ein Sinn für Leichtigkeit. "Wir wollten dem Publikum die Möglichkeit geben, sich mit diesen bedeutenden Werken der Musikgeschichte neu zu verbinden", sagt Eldbjørg. "Und vielleicht dabei auch ihre ganz persönliche Interpretation zu entdecken."Eines der emotionalsten Arrangements des Albums ist Air. Das Stück, das oft mit Abschied und Trauer in Verbindung gebracht wird, hat für Eldbjørg eine tief persönliche Bedeutung: "Dieses Werk ist eines der wichtigsten, die ich je gespielt habe", erzählt sie. "Es wurde bei der Beerdigung meines Vaters aufgeführt, und ich habe es lange mit dem Schmerz des Verlustes verbunden. Aber so wollte ich ihn nicht in Erinnerung behalten. Musik hat die Kraft, unsere Emotionen zu lenken - und indem ich diesem Stück eine neue Perspektive gebe, kann ich selbst entscheiden, wie ich mich damit verbinden möchte. Genau das ist der Geist dieses Albums."COLORS OF BACH bildet eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Mit seinen überraschenden Momenten, facettenreichen Klangbildern und tief empfundenen Arrangements lädt das Album sowohl neue als auch erfahrene Hörerinnen und Hörer ein, die unendlichen Farben in Bachs Musik neu zu entdecken.

[a] a1 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Partita Variation (After Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 100: I. Preludio) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:18
[b] a2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ertönt uns durch dein Güte Variation (After Jesus nahm zu sich die Zwölfe, BWV 22, No. 5: Ertöt uns durch dein Güte) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:58
[c] a3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ave Maria Variation (After The Well-Tempered Clavier I: Prelude and Fugue No. 1 in C Major, BWV 846: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet and Piano by Tim Allhoff] 2:08
[d] a4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Minuet in G Major Variation (After Notebook for Anna Magdalena Bach, BWV Anh.116, No. 7: Menuet in G Major) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:12
[e] a5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Concerto in A Minor Variation (After Violin Concerto No. 1 in A Minor, BWV 1041: II. Andante) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:30
[f] a6 Eldbjørg Hemsing & Martynas & Norwegian String Qui Melancholy Variation (After Concerto for Violin & Oboe in C Minor, BWV 1060R: III. Allegro) [Arr. for Violin, Accordion, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 3:11
[g] a7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Herz und Mund und Tat und Leben Variation (After Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147: VI. Wohl mir, daß ich Jesum habe) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:42
[h] a8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Air Variation (After Orchestral Suite No. 3, BWV 1068: II. Air) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:37
[i] a9 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Brandenburg Concerto Revisited (After Brandenburg Concerto No.1 in F Major, BWV 1046: I. Allegro) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 2:11

[k] b2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Aria Goldberg Variation (After Goldberg Variations, BVW 988: Aria) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:48
[l] b3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Prelude in C Major Variation (After Prelude and Fugue in C Major, BWV 553: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:57
[m] b4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Es ist gewisslich an der Zeit Variation (After Nun freut euch, lieben Christen gmein, BWV 734) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 1:27
[n] b5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Invention in F Major Variation (After Invention in F Major, BWV 779) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 1:57
[o] b6 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Organ Sonata Variation (After Organ Sonata No. 4 in E Minor, BWV 528: II. Andante) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:42
[p] b7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Befiehl du deine Wege Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 53: Befiehl du deine Wege) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 1:33
[q] b8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Erbarme dich, mein Gott Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 47: Erbarme dich, mein Gott) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:08
[r] b9 Eldbjørg Hemsing & Louisa Tuck & Tim Allhoff Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ Variation (After Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639) [Arr. for Violin, Cello & Piano by Tim Allhoff] 2:39
[s] b10 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Concerto in D Minor Variation (After Concerto in D Minor, BWV 974: III. Presto) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 2:06
[t] b11 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Choral Aria Variation (After Widerstehe doch der Sünde, BWV 54: I. Aria) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 3:37

„Deadline Season“ ist das Debütalbum von Lucy Liebe. Einigen könnte sie bereits als Gründungsmitglied von Bokoya sowie durch Konzerte mit douniah und Gianni Brezzo bekannt sein. Lucy ist Multiinstrumentalistin: Sie spielt Schlagzeug, Keys, Flöte, Trompete, Gitarre und Bass – und singt. Unterstützung erhält Lucy zudem von Sänger*innen AKA Kelzz, Coco Elane, garrrog, Giaa, Laíz und Rosa Landers sowie Trompeter Pachakuti.

Das Album entstand nach Lucys Umzug von Köln nach Berlin. „Ich war neu in der Stadt und wusste, dass ich nicht einfach weitermachen wollte wie zuvor", erinnert sie sich. „Also wurde ich sehr aktiv: habe Leute angeschrieben, Ordner mit Beats verschickt, Kontakte geknüpft. Parallel bewarb ich mich bei verschiedenen queeren Organisationen auf Forschungsstellen – ohne Erfolg. Was aber klappte, war eine Albumförderung. Und ich hatte ohnehin schon viel Material in Arbeit. Die meisten Songs sind während Sessions von Grund auf entstanden, mit Gästen, mit denen ich mich einfach treffen und gemeinsam etwas Neues schaffen wollte."

Musikalisch bewegt sich Deadline Season in viele Richtungen, bleibt dabei aber immer punktgenau und zu 100 Prozent Lucy Liebe. „Ich nenne es gerne Alternative R&B – vielleicht die 2025er-Version von Neo-Soul? Meine Jazz-Einflüsse sind auf jeden Fall noch da."

»locket« ist das mit Spannung erwartete vierte Studioalbum der zweifach GRAMMY®- nominierten und mehrfach mit Platin ausgezeichneten Künstlerin Madison Beer. Mit dem mitreißenden Dance-Track »yes baby« und der empowernden Trennungshymne »bittersweet« erzählt das neue Album eine nachvollziehbare Geschichte: sich zu verlieben, zu erkennen, dass die Beziehung ungesund ist, sie zu beenden, sich selbst wiederzufinden und letztlich zu sich selbst zurückzukehren. Als wahre kreative Kraft singt, schreibt, produziert, inszeniert und gestaltet Madison mit kompromissloser Authentizität. »locket« festigt ihren Status als eine der einflussreichsten Stimmen ihrer Generation.

Das 4. Album einer der angesagtesten deutschen Black Metal-Bands wird nun endlich neu veröffentlicht. Für viele Jahre war das Album nicht erhältlich und so zahlten Sammler in den letzten Jahren unfassbar viel Geld für das Werk.

Das Artwork wurde von Benjamin Borucki / Irrleuchten in Zusammenarbeit mit der Band neu gestaltet und bietet zusätzlich zum hörbaren Genuss auch eine dem Konzept der Songs angepasste visuelle Aufmachung. Der Fan hat lange gewartet! Geben wir ihm, was er haben will!

Das 4. Album einer der angesagtesten deutschen Black Metal-Bands wird nun endlich neu veröffentlicht. Für viele Jahre war das Album nicht erhältlich und so zahlten Sammler in den letzten Jahren unfassbar viel Geld für das Werk.

Das Artwork wurde von Benjamin Borucki / Irrleuchten in Zusammenarbeit mit der Band neu gestaltet und bietet zusätzlich zum hörbaren Genuss auch eine dem Konzept der Songs angepasste visuelle Aufmachung. Der Fan hat lange gewartet! Geben wir ihm, was er haben will!

Did You Enjoy Your Time Here...? ist das neue Studioalbum von PremRock, einem Künstler von Backwoodz Studioz(vielleicht am besten bekannt als die Hälfte von ShrapKnel; das ernüchternde Yin zu Curly Castros wildem Yang). DYEYTH knüpft da an, wo Prems nachdenkliches Backwoodz-Debütalbum ,Load Bearing Crow's Feet" aus dem Jahr 2021 aufhörte: klar, herzlich und gnadenlos witzig. Das Album wurde von Sebb Bash, Blockhead, YUNGMORPHEUS, Child Actor, Controller 7, ELUCID, Small Professor, Jeff Markey und Fines Double produziert, während Prems langjähriger Kollaborateur Willie Green alles zusammenfügt. Textlich wird Prem von einigen der weltweit besten Künstler unterstützt, darunter Pink Siifu, Billy Woods, Cavalier, Nappy Nina, Illogic, AJ Suede, Mary Esther Carter und natürlich Castro. Jeder Gast holt das Beste aus dem Mix heraus und sorgt für fruchtbare Kollaborationen, die weit über einfache Gastverse hinausgehen. Mit originellen Artworks, die vom Album inspiriert sind, vom Chicagoer Künstler Gabe Karagianis. Die besten Formulierungen sind diejenigen, die mehr als eine Bedeutung haben. Wie beim Betrachten eines abstrakten Gemäldes können Worte für verschiedene Menschen unterschiedliche Bedeutungen haben. Eine Frage oder ein Satz, der entweder zu einer längeren existenziellen Überlegung oder einfach nur zu einem Achselzucken führt. Könnte sich auf das gesamte Leben beziehen, auf 90 Minuten in einer Einrichtung oder auf 5 Jahre in einer romantischen Beziehung. Der kurze, berauschende Rausch einer Designerdroge oder die automatisierte Umfrage am Ende einer Online-Transaktion. Es ist eine einfache, aber heimlich geladene Frage. Nun, hast du es getan?

Zum ersten Mal überhaupt ist eine anzügliche Auswahl von EDGE OF SANITYs obskuren, frühesten Aufnahmen offiziell auf 2LP (23 Tracks) Unter dem Titel "Elegy - Chapter I" wurden die frühen (Promo-, Pro-be- oder Studio-) Demos "Euthanasia" (1989), "The Immortal Rehearsals" (1990), "kur-nu-gi-a" (1990), "The Dead" (1990) und "Dead But Dreaming" (1991) von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Dissection, Bloodbath) vom Friedhof in die Leichenhalle zur Wiederbelebung gebracht. Alle fünf Demos wurden von Swanö neu gemastert, wobei die 13 Tracks von "Euthanasia", "kur-nu-gi-a" und "The Dead" für die Bonus-Disc auch nekromantische Remixe erhalten haben. Ausgestattet mit einem brandneuen, handgezeichneten Cover des Künstlers Mark Rudolph (Carcass, Undeath), ist "Elegy - Chapter I" von der alten Garde für alle Wachen zum Wiedererleben oder Neuentdecken. EDGE OF SANITY waren nicht immer an der Spitze des Death Metal. Nein, auf "Elegy - Chapter I" haben die Schweden tatsächlich Death Metal geblutet. Dies ist eine Sammlung von schwedischem Underground-Death Metal der alten Schule in seiner besten Form!

Das Cover von ,Liquorice", dem dritten Album der australischen Indie-Pop-Künstlerin Hatchie, zeigt ein Nahporträt von Harriette Pilbeam, die lächelt, wobei ihr verschmierter roter Lippenstift auf die glorreiche Folge eines Kusses hindeutet. Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer einfachen Digitalkamera aufgenommen und fängt eine Erinnerung ein, die etwas unvollkommen ist und von Sehnsucht, Begierde und Bedauern geprägt ist Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer kleinen Digitalkamera aufgenommen und verkörpert ein Album, das rau und voller Freude ist und sich mit Themen wie Sehnsucht, Begierde und Reue befasst. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich Mitte 2024 fertigstellte. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hat, bemühte sich Pilbeam, von Grund auf neu zu schreiben, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich , und stellte die Demos schließlich Mitte 2024 fertig. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hatte, bemühte sich Pilbeam, ganz von vorne anzufangen, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben, und ließ den Songs wochenlang Zeit zum Atmen, anstatt Ideen zu überstürzen. Sie fühlte sich von der melodischen Einfachheit ihrer frühen Songs angezogen und akzeptierte ihre musikalischen Unsicherheiten: ,Ich wollte meine Grenzen als Stärken betrachten, die meinen Stil prägen." Nachdem sie mit den Produzenten Jorge Elbrecht (Caroline Polachek, Japanese Breakfast, Sky Ferreira) und Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) an ,Giving the World Away" gearbeitet hatte, wollte Pilbeam ,Liquorice" mit einem einzigen Kollaborateur fertigstellen, idealerweise einem nicht-männlichen Produzenten, der auch sein eigenes Musikprojekt vorantreibt. Im September 2024 kehrten Pilbeam und Agius nach Los Angeles zurück, um mit Melina Duterte zusammenzuarbeiten, die unter dem Namen Jay Som Indie-Rock aufnimmt und an einer Reihe von Projekten mitgewirkt hat, darunter das mit einem Grammy ausgezeichnete Album ,The Record" von boygenius. ,Mein letztes Album ist sehr düster und introspektiv geworden, und das ist zwar ein Teil von mir, aber es gab noch eine ganz andere Seite, die ich nicht zum Ausdruck gebracht habe", sagt Pilbeam. ,Ich bin eine hoffnungslose Romantikerin und eine sehr alberne Person, manchmal sogar bis zum Äußersten." Die heute 32-jährige, verheiratete Pilbeam stellte fest, dass ,ewige Gefühle" der Sehnsucht und des Herzschmerzes schnell zurückkehrten, als sie über ihre Erfahrungen als jüngere Frau nachdachte. Gleichzeitig ließ sie ihre Vorliebe für tragische Liebesfilme einfließen, in denen die Figuren nicht unbedingt ein gemeinsames Happy End finden. Liquorice beschäftigt sich mit der Endlichkeit des Ewigen. Diese Songs fangen die überwältigenden, berauschenden und transformierenden Nebenwirkungen der Verliebtheit ein, auch wenn die gesamte Liebesgeschichte nur eine einzige magische Nacht dauert. Wie die reichhaltigen Aromen der gewundenen, titelgebenden Süßigkeit - süß, salzig und bitter in einem Bissen - bestätigt Liquorice, wie Sehnsucht und Besessenheit in der Selbstfindung einer jungen Frau miteinander verflochten sind.

Mit „Wenn es Liebe ist“ veröffentlichen Die Sterne ihr neues Studioalbum – ein Werk, das die Band einmal mehr als scharfsinnige Chronisten unserer Zeit zeigt. Zwischen Indiepop, Post-Punk und subtiler Elektronik verbinden sich gesellschaftliche Beobachtungen mit persönlicher Reflexion, Humor mit Haltung. Die Songs klingen frisch, direkt und unerwartet vielseitig – mal politisch, mal romantisch, immer mit dieser unverwechselbaren Sterne-Handschrift.

Neben deutschen Texten finden sich erstmals auch englischsprachige Stücke sowie zwei Songs mit Dyan Valdés am Leadgesang. Das Ergebnis ist kein Rückblick, sondern ein mutiger Schritt nach vorn – kompromisslos, lebendig und voller Energie.

Zur Veröffentlichung geht die Band auf große Tournee durch Deutschland, Österreich und die Schweiz – inklusive eines besonderen Konzerts mit dem Filmorchester Babelsberg im Potsdamer Nikolaisaal.

Mit Selenites, Selenites! präsentiert Jimi Tenor das erste Album seiner neuen Band - ein Meilenstein in der Karriere des finnischen Multiinstrumentalisten, der 2025 seinen 60. Geburtstag feierte. Tenor, bekannt für seine genreübergreifenden Visionen, vereint hier Afrobeat, Electronica, Spiritual Jazz und experimentelle Klangwelten zu einem kraftvollen, organischen Sound. Seit den 1990er Jahren prägt Tenor die internationale Musikszene mit Veröffentlichungen auf Labels wie Sähko und Warp Records. Seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Tony Allen, dem UMO Helsinki Jazz Orchestra und Florence Adooni zeigt seine Offenheit für musikalische Kulturen und seine Fähigkeit, scheinbar Gegensätzliches zu verbinden. Die JIMI TENOR BAND entstand in Helsinki und besteht aus fünf virtuosen Musiker:innen, die ihre Stücke live erprobt und verinnerlicht haben. Die Aufnahmen spiegeln diese Energie wider: Direkt, roh und voller Spielfreude. Die Songs wirken wie Live-Mitschnitte - spontan, intensiv und nahbar. Mit Selenites, Selenites! gelingt Tenor ein Album, das nicht nur musikalisch überzeugt, sondern auch seine Rolle als stilprägender Künstler unterstreicht.

-Vinyl

The Ruins Of Beverast narrate fables of the darkest secrets in human history and present. ‘Tempelschlaf’ is The Ruins Of Beverast’s seventh full-length output and sees the band continue with their sonic morbidity, noises and melodies of a human habitat in its sunset era, while maintaining and refining the widescreen low end that has been sustaining their sound from the beginning. On the instrumental side, ‘Tempelschlaf’ is stripped of some fat, forging the songs with a reduction in length and layers, cautiously leaning towards the stage part of things. While synths and samples have always played an adamant role in The Ruins Of Beverast’s sound, they reach yet another level of psychedelia and insanity on ‘Tempelschlaf’. The Ruins Of Beverast were formed in early 2003 and named after the most bloodcurdling occasion of the collapse of the giant bridge Bifröst. This incident bears analogy to the musical aura of The Ruins Of Beverast, which builds a sonic landscape of massive, surreal, barren mountain formations. Seven full-length albums and several EPs, splits and compilation releases have been published through Ván Records so far. As a live act, The Ruins Of Beverast became a strong force after Roadburn 2013, a festival the band have played again since with exclusive shows. The Ruins Of Beverast have embarked on several European tours with acts like 1349, Grave Miasma and King Dude, as well as a highly acclaimed US tour that eventually concluded with an iconic show at Fire In The Mountains festival. The band have played such well-established club shows and festivals as Hellfest, Inferno, Incubate, Party.San Open Air and Beyond The Gates, to name just a few.

Dieses Juwel der zeitgenössischen Musik gibt’s jetzt mit neuem Artwork. Gruß und Kuss!

Auch nach sieben Jahren stehen WIDOWSPEAK immer noch für Atmosphäre. Ihre Musik ist eine Überlappung von Indie Rock, Dreampop, Shoegaze, Slow-Core und "Cowboy Grunge". Die Band aus Brooklyn hat mit dem vierten Album "Expect The Best" die Balance zwischen gegenseitigen Kräften wie hell/dunkel, leise/laut, Stress/Entspannung gefunden. Nachdem er mit der Band viel umhergezogen war, kehrte Hamilton in seine Heimat zurück, an den Ort seiner Kindheit. Dort fand er Halt und neue Energie, was ihm half ein Album zu schreiben, dessen roter Faden die Selbsterkenntnis ist. Die selbstreflektierenden Texte thematisieren die Furcht vor Antriebslosigkeit ("Dog") oder Ängste im digitalen Zeitalter ("Expect The Best") oder Motivationslosigkeit ("When I Tried"). WIDOWSPEAK haben es mit ihrem neuen Album geschafft, die dynamischen Veränderungen ihrer Musik zu steuern und sind dabei feinfühlig und zurückhaltend. Die neun Songs sind geprägt von einer Melancholie, aber auch weiterhin getragen von dem für WIDOWSPEAK typischen Twang-Gitarrensound. "Expect The Best" ist eine abstrakte Hommage an die 90er Jahre und bringt zugleich die gewohnte WIDOWSPEAK Intimität mit sich, für die sie geliebt werden.

Das neue Album "The Jacket" von WIDOWSPEAK wurde vor und nach der Veröffentlichung ihres letzten gefeierten Albums "Plum" geschrieben. Für das Duo, das aus der Singer/Songwriterin Molly Hamilton und dem Gitarristen Earl Thomas besteht, fühlt es sich an, als ob sich mit dem neuen Album ein Kreis schließt. Thematisch beschäftigen sie sich weiter mit der eigenen Zeit und Arbeit, und mit dem, was sie umgibt. Dies ist teilweise darauf zurückzuführen, dass das Duo kürzlich wieder zurück nach New York City gezogen ist. Dort wo für sie als Band alles begann, haben sie ihr neues Album zusammen mit Homer Steinweiss von Daptone Records aufgenommen. Doch Wiedervereinigungen führen immer zur Reflexion und Hamilton gibt zu, dass ein Großteil der Themen des Albums mit ihren prägenden Erfahrungen in den frühen Jahren der Band zu tun hat. So behandeln einige Songs den Prozess des Weitermachens ("Unwind", "Salt"), während andere das Bedauern behandeln ("True Blue", "Forget It"). Der namensgebende Track des Albums befasst sich mit den buchstäblichen und bildlichen Verkleidungen. Diese Verkleidungen bekommen mit der Zeit eine große Bedeutung, bis man sich dazu entschließt diese abzulegen. Durch vage Erinnerungen an Arbeit, Musik und Nachtleben formt man eine neue eigene Vergangenheit. Klanglich zeigen sich WIDOWSPEAK auf "The Jacket" in gewohnter und bester Form: Die Dynamik wechselt nahtlos zwischen sanften, treibenden Balladen und energievollen Jams, die aus dichten Gitarren, fokussierten Perkussions und kraftvollen Basslines bestehen. An anderen Stellen hört man skurrile Flöten, chorale Texturen und Heimorgeln. Thomas' Gitarrenspiel ist so ausdrucksstark und gefühlvoll wie eh und je und Hamiltons betörender Gesang ist ohnehin eine Klasse für sich. Diese Dynamik wird im Mix von Chris Coady (YEAH YEAH YEAHS, BEACH HOUSE) noch verstärkt. WIDOWSPEAK vermischen ihren Americana-inspirierten Indie-Folk gekonnt mit Slow-Core und Dream-Pop, der sowohl an die 60er als auch an die 90er Jahre erinnert. Dieser Sinn für klangliche Nostalgie fügt ihren Texten eine weitere Ebene hinzu, die über alte, erfundene und wahre Persönlichkeiten reflektieren.

Es ist alles überlebensgroß, düsterer als der Tod und das beste Album, das die Horror-Punks von Creeper je aufgenommen haben.

Das Album "SANGUIVORE" hat Creepers ohnehin schon überlebensgroße Ambitionen auf neue Höhen geführt, was zu den positivsten Kritiken ihrer Karriere führte und in ihrem ersten Headliner-Konzert in der OVO Wembley Arena in London gipfelte. Historisch gesehen schließt die Band am Ende einer Creeper-Ära den Sargdeckel, um sich erneut neu zu erfinden. Doch dieses Mal trotzt die fünfköpfige Band den Erwartungen, indem sie das kreative Universum des Vorgängeralbums erweitert und am 31. Oktober mit "Sanguivore II: Mistress Of Death" aufs Neue ins Vampir-Universum eintaucht.

"Sanguivore II: Misstress Of Death" ist eher eine thematische Fortsetzung als eine direkte Weiterführung der ursprünglichen Geschichte. Wie eine klassische Horror-Anthologie spinnt es eine neue Geschichte aus derselben Blutlinie wie das Original, diesmal mit dem blutigen Vampirherz als roter Faden, um eine brandneue Erzählung einzuführen.
Die Geschichte führt uns zurück in die moralische Hysterie der Satanic Panic und ihre Auswirkungen auf die Welt des Hardrock und Heavy Metal der 80er Jahre. Es war eine Zeit, in der der verstorbene Prince of Darkness, Ozzy Osbourne und Judas Priest von Gerichtsverfahren verfolgt wurden. Iron Maiden spielte tief im Herzen Amerikas, während W.A.S.P. und Mötley Crüe mit ihrer skandalösen Theatralik und Dekadenz die Gemüter der Konservativen erhitzten.

Wie schon das Original wurde auch "Sanguivore II" von Tom Dalgety (Ghost, Rammstein, Royal Blood) produziert.

Geboren aus den rauen, ohrenbetäubenden Sounds von Keller-Jams und wilden House-Shows, strebt die vierköpfige Band Fuzz Lightyear aus Leeds danach, die lauteste und schnellste Band ihrer Umgebung zu sein. Getreu ihrem DIY-Ethos konzentrieren sie sich auf nachhaltiges Experimentieren, Gemeinschaft und ungehemmten Rock'n'Roll. Die Singles "My Body" und "Visual Effect" (auf Nice Swan) und ihre unermüdlichen Live-Shows zeugen von einer chaotischen und beeindruckenden Mischung aus Shoegaze, Industrial Noise-Rock und rasantem Punk, irgendwo zwischen Sonic Youth und Show Me The Body. Mit Gigs zusammen mit English Teacher, Adult DVD, Lambrini Girls und weiteren Ikonen des neuen und alten Punk haben sich Fuzz Lightyear eine Kult-Anhängerschaft erarbeitet.

- "Ein erdbebenartiger Live-Sound, der der Intensität von IDLES oder sogar der Gilla Band in nichts nachsteht. Fuzz Lightyears Musik zeichnet sich zudem durch Witz und lyrische Offenheit aus." - Clash
- "Schlammige Gitarren treffen auf dröhnende Drums, die wiederum mit Lärmfluten konkurrieren." - Far Out (Von English Teacher zur aufregendsten Band aus Leeds gewählt.)

White Lies, eine der gefeirtesten Gitarrenbands Großbritanniens, veröffentlichen ihr siebtes Album "Night Light". Inspiriert von der Live-Performance-Fernsehshow The Midnight Special aus den 1970er-Jahren, beschloss das Trio, die Stücke zunächst live zu meistern und bis ins Detail zu verfeinern, bevor es ins Studio ging. Mehr Einfachheit statt aufwendiger Set-Ups. So konnten sie sich auf das Songwriting und die Chemie zwischen den Songs konzentrierten und verließen sich auf ihre 17-jährige musikalische Verbindung, um die Energie des Albums zu formen. Das Ergebnis, an dem neben dem Produzenten Riley McIntyre auch der Keyboarder Seth Evans maßgeblich mitgearbeitet haben, klingt nach Progressive Rock, Synthie-Klangwelten und beizeiten sogar nach Disco. White Lies klingen auch auf ihrem siebten Album noch selbstbewusst und kreativ zugleich. Oder wie Sänger und Gitarrist Harry McVeigh sagt: "Wir wissen endlich, was wir tun."