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Jerome Reuters Musikprojekt ROME verbindet mehr mit der Ukraine als der gelegentliche Gastauftritt. Seit 2015 bereist der Luxemburger Singer-Songwriter auf seinen Europatourneen das Land regelmäßig für Konzerte. So auch im Februar 2022, als Reuter nur wenige Tage vor der großen russischen Invasion noch Soloauftritte in Kyiv und Odessa trotz drastischer Reisewarnungen absolvierte.

Doch Reuter - ein von seiner Kreativität Getriebener, der schon immer eigenwillig seinen Weg ging - schwor sogar darüber hinaus, in absehbarer Zeit mit der kompletten Band zurückzukehren. Einige Monate später, nachdem er mehrere Online-Wohltätigkeitsshows zur Unterstützung der Ukraine gespielt hatte, kam er zunächst für einen Soloauftritt zurück und war damit der erste ausländische Künstler, der seit Beginn des Krieges ein komplettes Konzert auf ukrainischem Boden absolvierte. Dieser Auftritt im Juli 2022 wurde genutzt, um Spenden für eine Flüchtlingsunterkunft in Lwiw zu sammeln. Auf den Tag genau ein Jahr nach Reuters letztem Auftritt in Kyiv, löste er dann sein Versprechen ein und spielte zum ersten Jahrestag des Kriegsbeginns zwei mittlerweile geschichtsträchtige Full-Band-Shows mit ROME in Lwiw und Kyiw.

Reuters Unterstützung für den Freiheitskampf der Ukraine ist für jeden, der das bisherige Schaffen von ROME kennt, keine Überraschung. Seit fast zwei Jahrzehnten besingt Reuter die europäische Solidarität und Kultur, und so ist es nur eine logische Konsequenz, dass er nun mit "Gates of Europe" eine konzeptionelle Arbeit über den anhaltenden Krieg in Europa veröffentlicht.

Das Album beginnt mit einem Paukenschlag - einer unheilvollen und bedrohlichen Collage der Klänge des 24. Februar 2022, der ersten Stunde des Einmarsches - und führt mit minutiös geschliffenen Kleinoden fast chronologisch durch das erste Kriegsjahr. Auf "Gates of Europe" werden traditionelles Songwriter-Handwerk mit raffinierter Poesie und ungewöhnlichen Arrangements zu einem Gesamtkunstwerk verschmolzen. Die 14 Lieder sind packende Momentaufnahmen der inneren Befindlichkeit des Landes, das sich dem Sturm wider Erwarten entschlossen entgegenstellt. Und so ist "Gates of Europe" vor allem eines: Bekenntnis zu einem freien Europa aus der Feder eines Mannes, der mit tausend Fäden an vergangene Jahrhunderte gespannt zu sein scheint und doch in seinem Werk die zeitlose Zeit anvisiert.

Dieses Album scheint in vielerlei Hinsicht der Höhepunkt aller bisherigen Arbeiten Reuters zu sein, so als ob die letzten zwei Jahrzehnte nur der Übungsplatz für diesen Moment in der europäischen Geschichte waren. In mehr als 50 offiziellen Veröffentlichungen, darunter etwa 20 Studioalben, Live-Sessions und verschiedene andere offizielle Veröffentlichungen, hat es ROME geschafft, eine ganz eigene künstlerische Welt zu schaffen und sich eine starke und treue Anhängerschaft in Europa und der ganzen Welt aufzubauen.

Das Engagement für die Ukraine ist für den überzeugten Europäer Reuter eine Selbstverständlichkeit und doch in seiner Kompromisslosigkeit vorbildlich.

To Life!

- Schwarzes, 180 Gramm schweres 12" Vinyl
- Extra audiophiler Tonträger von hoher Qualität - deutsche Pressung!
- Opulentes Gatefold Cover
- Gatefold im Inside-Out Druckverfahren bedruckt
- 20-seitiges Vinylbooklet aus speziellem, rauem Papier
- Alle Grafiken in einem der Bildwelten würdigen Großformat (ca. 30 x 30cm)
- Mehrfarbig bedruckte Innenhülle
- Innenhülle aus speziellem, rauem Papier
- Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten
- Zertifikat von Jérôme Reuter handnummeriert und signiert
- Limitiert auf 500 Exemplare

Jerome Reuters Musikprojekt ROME verbindet mehr mit der Ukraine als der gelegentliche Gastauftritt. Seit 2015 bereist der Luxemburger Singer-Songwriter auf seinen Europatourneen das Land regelmäßig für Konzerte. So auch im Februar 2022, als Reuter nur wenige Tage vor der großen russischen Invasion noch Soloauftritte in Kyiv und Odessa trotz drastischer Reisewarnungen absolvierte.

Doch Reuter - ein von seiner Kreativität Getriebener, der schon immer eigenwillig seinen Weg ging - schwor sogar darüber hinaus, in absehbarer Zeit mit der kompletten Band zurückzukehren. Einige Monate später, nachdem er mehrere Online-Wohltätigkeitsshows zur Unterstützung der Ukraine gespielt hatte, kam er zunächst für einen Soloauftritt zurück und war damit der erste ausländische Künstler, der seit Beginn des Krieges ein komplettes Konzert auf ukrainischem Boden absolvierte. Dieser Auftritt im Juli 2022 wurde genutzt, um Spenden für eine Flüchtlingsunterkunft in Lwiw zu sammeln. Auf den Tag genau ein Jahr nach Reuters letztem Auftritt in Kyiv, löste er dann sein Versprechen ein und spielte zum ersten Jahrestag des Kriegsbeginns zwei mittlerweile geschichtsträchtige Full-Band-Shows mit ROME in Lwiw und Kyiw.

Reuters Unterstützung für den Freiheitskampf der Ukraine ist für jeden, der das bisherige Schaffen von ROME kennt, keine Überraschung. Seit fast zwei Jahrzehnten besingt Reuter die europäische Solidarität und Kultur, und so ist es nur eine logische Konsequenz, dass er nun mit "Gates of Europe" eine konzeptionelle Arbeit über den anhaltenden Krieg in Europa veröffentlicht.

Das Album beginnt mit einem Paukenschlag - einer unheilvollen und bedrohlichen Collage der Klänge des 24. Februar 2022, der ersten Stunde des Einmarsches - und führt mit minutiös geschliffenen Kleinoden fast chronologisch durch das erste Kriegsjahr. Auf "Gates of Europe" werden traditionelles Songwriter-Handwerk mit raffinierter Poesie und ungewöhnlichen Arrangements zu einem Gesamtkunstwerk verschmolzen. Die 14 Lieder sind packende Momentaufnahmen der inneren Befindlichkeit des Landes, das sich dem Sturm wider Erwarten entschlossen entgegenstellt. Und so ist "Gates of Europe" vor allem eines: Bekenntnis zu einem freien Europa aus der Feder eines Mannes, der mit tausend Fäden an vergangene Jahrhunderte gespannt zu sein scheint und doch in seinem Werk die zeitlose Zeit anvisiert.

Dieses Album scheint in vielerlei Hinsicht der Höhepunkt aller bisherigen Arbeiten Reuters zu sein, so als ob die letzten zwei Jahrzehnte nur der Übungsplatz für diesen Moment in der europäischen Geschichte waren. In mehr als 50 offiziellen Veröffentlichungen, darunter etwa 20 Studioalben, Live-Sessions und verschiedene andere offizielle Veröffentlichungen, hat es ROME geschafft, eine ganz eigene künstlerische Welt zu schaffen und sich eine starke und treue Anhängerschaft in Europa und der ganzen Welt aufzubauen.

Das Engagement für die Ukraine ist für den überzeugten Europäer Reuter eine Selbstverständlichkeit und doch in seiner Kompromisslosigkeit vorbildlich.

To Life!

- Schwarzes, 180 Gramm schweres 12" Vinyl
- Extra audiophiler Tonträger von hoher Qualität - deutsche Pressung!
- Opulentes Gatefold Cover
- Gatefold im Inside-Out Druckverfahren bedruckt
- 20-seitiges Vinylbooklet aus speziellem, rauem Papier
- Alle Grafiken in einem der Bildwelten würdigen Großformat (ca. 30 x 30cm)
- Mehrfarbig bedruckte Innenhülle
- Innenhülle aus speziellem, rauem Papier
- Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten
- Zertifikat von Jérôme Reuter handnummeriert und signiert
- Limitiert auf 500 Exemplare

FÜR FANS VON: Gamma Ray, Helloween, Edguy, Blind Guardian, Stratovarius, Rhapsody, Primal Fear Auf ins höllische Metal-Vergnügen: Nach ihren bisher vier erfolgreichen Alben ‚The Unity‘ (2017), ‚Rise‘ (2018), ,Pride‘ (2020) und ‚The Devil You Know – Live‘ (2021), europaweiten Tourneen als Headliner bzw. im Gefolge von Bands wie Sinner, Edguy, Axel Rudi Pell oder Rhapsody Of Fire,
umjubelten Shows beim ‚Masters Of Rock‘, ‚Knockout-Festival‘ oder auf dem, Bang Your Head‘ zeigen sich The Unity auf ihrer fünften
Veröffentlichung ‚The Hellish Joyride‘ spielfreudig und variantenreich wie nie zuvor. „

Wir waren immer schon stilistisch breit aufgestellt, aber mit‚The Hellish Joyride‘ dehnen wir die Grenzen des melodischen Power Metals nochmals ein Stück weiter aus“, erklärt Michael Ehré und verweist auf die zwölf abwechslungsreichen Songs des Albums, die von temporeich bis balladesk reichen. Zudem hat Neuzugang Tobias „Eggi“ Exxel (Bass, Edguy) frische Energie in die Band gebracht und verstärkt die Gamma Ray-Mitglieder Henjo Richter (Gitarre) und Michael Ehré (Schlagzeug), Sänger Gianba Manenti, Gitarrist Stef und Keyboarder Sascha Onnen unüberhörbar. Veröffentlicht wird die neue Scheibe am 25. August 2023 über Steamhammer/SPV, bereits eine Woche später startet die Europatournee mit Primal Fear. Als erste Vorabsingle inklusive „sportlichem“ Videoclip gibt es am 14. Juli 2023 den Song ‚Always Two Ways To Play‘, fünf Wochen später folgt die zweite Auskopplung ‘Saints And Sinners‘. Die Spritztour kann
beginnen!

Vargmal Records continues to explore immersive, thought-provoking techno with an abstract spirit by presenting Corners EP from the emergent collaborative UK project Terrain. The Kosovo-based label was launched in 2022 with a considered balance of classic and contemporary techno, featuring Italian techno pioneer Leo Anibaldi and commissioning attendant remixes by contemporary Italian maestro Donato Dozzy.

Continuing the label's embrace of subliminal sounds for adventurous dance floors, Terrain deliver four tracks of snaking, subtle rhythms pivoting away from rigid structures towards a more fluid kind of techno. It's a sound the duo of Joe Baker and Voytek Stanley channeled on their debut release and they expand on the principles from that record in superlative style on Corners.

The EP opens up with the weighted pressure of 'Blind Spot', a dense workout pivoting on a fractured kick punching out underneath interwoven sheets of texture and atmosphere. 'Vintage' develops this theme with dubby chord washes which bloom out over the fine detail of the deceptively complex beat configuration. 'Corners' meanwhile adjusts the temperature from cooly meditative to subtly fierce accents Terrain edge into their sound.

It's an elegant fusion that remains at ease with the overall mood of the EP, but a noticeable shift in energy for the B side. 'Singularity' completes the picture with additional input from Localhost, welcoming layers of noisy melodics which sit comfortably on top of Terrain's dubby pulses. More open and searching than the introspection which holds sway elsewhere, it's a tonal shift that opens the sound of Terrain out and brings a sense of balance to their assured second record.

In celebration of its 10th anniversary, Rhymesayers created this limited edition 3xLP vinyl package that includes a gatefold jacket with revised art layouts, printed sleeves, a 4-panel insert with full album lyrics, two cream & black marble-colored vinyl, and a UV printed ultra-clear bonus disc vinyl with four exclusive bonus tracks! Whether you're a vinyl enthusiast or simply appreciate great lyricism, this album is a must for any collection. Initially released in 2012, Aesop Rock's sixth studio album Skelethon marked a significant moment in the rapper's career. It had been 5 years since his previous effort None Shall Pass was released, and his former label had since been shuttered. As a result, Skelethon became his first solo release on Rhymesayers Entertainment. Coincidentally, it was also his first album that was entirely self produced. The album's title, a portmanteau of "skeleton" and "telethon," was a metaphor for what felt like a long period of many adversities for Aesop. Throughout the album's 15 tracks, he meticulously exhumes and examines these many skeletons in detail, exploring everything from death to distrust, insecurity and isolation, with moments of humor and hope scattered throughout as well. Some of the many standout tracks from the release include "Zero Dark Thirty," a rapid-fire exploration of displeasure over dizzying drums, "ZZZ Top," an impressive ode to youthful expression, and "Cycles to Gehenna," with its haunting production and imaginative musings. Upon release, Skelethon was praised for its intricate storytelling that expertly balanced abstract imagery with concrete details, and its immersive production incorporating sample-based beats with dusty pianos, distorted guitars, and psychedelic synths. To this day, the album remains a fan favorite and a critical darling, praised for its poignant introspection and razor-sharp wordplay.

Der in Texas aufgewachsene Singer-Songwriter und Big Thief-Gitarrist Buck Meek kündigt sein neues Album "Haunted Mountain" für den 25. August an. Seine erste Solo-Veröffentlichung bei 4AD folgt auf das 2021er Album "Two Saviors" und handelt von der Liebe...und etwas anderem. Etwas Größerem, etwas, dass Liebe nicht wirklich herausfordert, eher im direkten Kontrast dazu steht. Eine völlige Erfüllung der Seele. Meek gesteht ein, dass Liebeslieder für ihn die am schwersten zu schreibenden sind. Vielleicht holte sich Meek auch deshalb beim Schreiben Verstärkung in Form der Freundin und langjährigen Heldin Jolie Holland, die bei fünf von elf Songs des Albums Co-Autoren-Credits hat. Die ersten zwei Verse und der Chorus von "Haunted Mountain" stammen von der Texanerin, die diese als Liebeslied für Mount Shasta in Nord-Kalifornien geschrieben hat. Meek fügte den finalen Vers hinzu, in der gemeinsamen Suche nach dem Austausch mit der Natur. "It"s about being humbled by the thing you"re drawing power from only at which point an actual, fair relationship begins", erklärt er. Seit seinem selbstbetitelten Solo-Debüt sind Meeks Band-Kollegen die gleichen: Adam Brisbin (Gitarre), Austin Vaughn (Schlagzeug) und Mat Davidson (Pedel Steel, Bass). Für "Haunted Mountain" stießen noch Ken Woodward (Bass) und Meeks Bruder Dylan (Klavier, Synths) zu diesem eingeschworenen Haufen dazu. Davidson übernahm die Produktion, während Adrian Olsen, der auch die Sound Manipulation mit einem Modular Synthesizer übernahm, das Album innerhalb von zwei Wochen mixte. Der Ansatz war ein hi-fi-Album als Gegensatz zum lo-fi-Ansatz des Vorgängers zu erschaffen, während die Intimität erhalten bleiben sollte. Meek glaubt selbst daran, dass alle großen Liebeslieder noch nicht geschrieben wurden. Zwischen den Zeilen von "Haunted Mountain" hört man, dass Liebe in jeglicher Form die Erschaffung eines Zuhauses ist, von innen - für immer auf der Suche nach dem anderen.

Introducing CROWD002: Join us for an thrilling techno experience crafted by the talented Argentinian DJ and producer Sol Ortega, featuring a remix by FJAAK.

This EP delivers a carefully curated collection of effective dancefloor bangers that showcase the genre's timeless allure and the artist's exceptional artistry. Immerse yourself in the enchanting beats and harmonies of each track, igniting a desire for more.

Gatefold single vinyl LP with an 8 page 12" size bookelt in the other side of the gatefold.

We're thrilled to announce the return of Tobor Experiment, the visionary musical project led by the enigmatic Giorgio Sancristoforo, to the Bearfunk fold. After a twelve-year hiatus, Tobor Experiment emerges from the shadows with their second LP, "Available Forms". Picture the ethereal ambiance of a dimly lit jazz club colliding with the futuristic vibrations of a 1970s sci-fi TV show, and you'll begin to grasp the sonic experience that awaits. Giorgio draws on a whole host of musical inspirations, from the name checked Tim Gane & Letitia Sadier to the moog pioneers Claude Denjean & Jean Jaques Perrey. With the moogsploration of contemporary jazz Tobor Experiment invites listeners on an extraordinary musical odyssey where jazz meets electronica meets nu-disco.

Prepare to be captivated from the very first note of the infectious opener, "Lowpass Risotto" as Tobor Experiment masterfully combines familiar elements with their unique artistic vision. Resonating with undertones reminiscent of the timeless classic "Take Five" the track immediately grabs your attention. While the familiar drum shuffle sets a comforting foundation, Tobor Experiment takes an unexpected twist by infusing the composition with squelchy Moog lines and captivating hollow body guitar solos. The result is a harmonious blend of nostalgia and innovation that transports you to an entirely new sonic realm.

Continuing the journey, the mesmerizing 6/8 rhythm of "Up!" pays homage to the iconic sounds of Stereolab while showcasing Tobor Experiment's innovative spirit. As enchanting synth pads weave through the air, you find yourself immersed in a dream-like state, carried away by the hypnotic shifting patterns of the bass and drums.

With "Astounding Stories" Tobor Experiment returns to the energetic vibes of the album opener, inviting you to surrender to a sonic tapestry rich with musical exchanges. In traditional jazz style we receive solo's from all parties. Each instrument adding its unique voice to the narrative, creating a dynamic and engaging musical conversation.

As the album progresses, "Moonscape Dust" emerges, drawing inspiration from the atmospheric brilliance of "Low." This track serves as a portal to an otherworldly sonic landscape where time and space lose their hold. Here, organic drums step aside, making way for a low-fi drum pattern that lays the foundation for ethereal synth pads. The composition invites you to explore the depths of your imagination, transcending earthly boundaries and allowing you to float in an immersive soundscape.

The album's closing track, "Monsters" has an air of "Air" about it... the ethereal synths beckon you to surrender to the weightlessness of space, just allow yourself to be carried away by the infectious rhythms, intricate melodies, and atmospheric textures that shape this extraordinary musical journey.

Each track on "Available Forms" showcases Tobor Experiment's exceptional ability to transcend musical boundaries, creating a genre-bending album that defies all expectations. From start to finish, the soundscape presented is a testament to Tobor's relentless pursuit of musical innovation. Each composition is a fusion of diverse elements, seamlessly blending organic instruments and electronic textures in a way that challenges traditional genre classifications.

The AI-generated artwork serves as a portal to an alternate dimension. Paying homage to the retro-futuristic aesthetic of 1970s science fiction TV shows, it captures the essence of the album's fusion between organic and electronic realms.

Dies ist ein Text zum neuen Album der Band Madsen. Es heißt HOLLYWOOD und die meisten Infos dazu im Text hier sind wahr.
Hier drei generelle Fakten über Madsen:

Erstens: 2004 meldeten Madsen ein Patent für deutschsprachigen Punk und Rock beim zuständigen Rockmusikamt an. Dort ist aktuell weniger Betrieb als in den 00er-Jahren. Madsen nutzen dieses Patent seitdem ordentlich und jede andere Genrebeschreibung finde
ich unnötig.
Zweitens: Die Madsen GbR ist ein Familienunternehmen- echte Familie und die Ausgesuchte. Die Kinder der aktuellen Madsen-Generation werden perspektivisch auf die Übernahme der Band vorbereitet.
Drittens: HOLLYWOOD ist das neunte Album der Band.
Nach LICHTJAHRE (2018) lag überraschend für alle Beteiligten plötzlich ein schnell produziertes Punk Album in ihren Händen (NA GUT DANN NICHT, 2020). Noch mehr DIY als normal Madsen-DIY. Und auch neu: Sebastian Madsens erstes Soloalbum EIN BISSCHEN
SEELE (2022). Kommt mal wieder anders als geplant.
Zeitgleich: Gründen eines eigenen Labels: “GOOYBYE LOGIK RECORDS”.
Zeitgleich: Schreiben an HOLLYWOOD.
HOLLYWOOD entstand in den letzten fünf Jahren. Wenn man fünf Jahre an Musik schreibt, fließen viele Ideen die Elbe hoch bis ins Riesengebirge und wieder runter. Es wird hinterfragt und abgewogen, und: der Weg beginnt und endet in unterschiedlichen Musikwelten: Print ist noch mehr gestorben, super gestorben, toter als tot, aber immer noch wichtig, irgendwie.
TikTok-ability, Reels Reels Reels und wie kommen Künstler*innen an die wachsenden Einnahmen des digitalen Streaming-Markts ran??? Aber: Pressetext bleibt Pressetext und Madsen bleibt Madsen mit fünf Jahre mehr Leben erlebt.
HOLLYWOOD wurde live und ohne Metronom im Clouds Hill Studio eingespielt und von Simon Frontzek produziert. Madsen kennen Simon Frontzek seit der 8. Klasse von den Bundesjugendspielen. Vom Weit- und Hochspringen und vom Kugeln irgendwo hinwerfen.
Dann waren sie in verfeindeten Jugendgangs oder so, dazu gab es mal einen Artikel in der Visions. Aber das ist schon ein bisschen her.
Konsequent herstellen, was man selber gut findet, Arbeit in ein Detail stecken, das man liebt und vielleicht niemand raushören wird: Das war und ist Konsens zwischen 4x Madsen und 1x Duo Frontzek und Rudi Maier - dem Powerduo of Rock und Detail und of musikalischem
Feingefühl.

Dies ist ein Text zum neuen Album der Band Madsen. Es heißt HOLLYWOOD und die meisten Infos dazu im Text hier sind wahr.
Hier drei generelle Fakten über Madsen:

Erstens: 2004 meldeten Madsen ein Patent für deutschsprachigen Punk und Rock beim zuständigen Rockmusikamt an. Dort ist aktuell weniger Betrieb als in den 00er-Jahren. Madsen nutzen dieses Patent seitdem ordentlich und jede andere Genrebeschreibung finde
ich unnötig.
Zweitens: Die Madsen GbR ist ein Familienunternehmen- echte Familie und die Ausgesuchte. Die Kinder der aktuellen Madsen-Generation werden perspektivisch auf die Übernahme der Band vorbereitet.
Drittens: HOLLYWOOD ist das neunte Album der Band.
Nach LICHTJAHRE (2018) lag überraschend für alle Beteiligten plötzlich ein schnell produziertes Punk Album in ihren Händen (NA GUT DANN NICHT, 2020). Noch mehr DIY als normal Madsen-DIY. Und auch neu: Sebastian Madsens erstes Soloalbum EIN BISSCHEN
SEELE (2022). Kommt mal wieder anders als geplant.
Zeitgleich: Gründen eines eigenen Labels: “GOOYBYE LOGIK RECORDS”.
Zeitgleich: Schreiben an HOLLYWOOD.
HOLLYWOOD entstand in den letzten fünf Jahren. Wenn man fünf Jahre an Musik schreibt, fließen viele Ideen die Elbe hoch bis ins Riesengebirge und wieder runter. Es wird hinterfragt und abgewogen, und: der Weg beginnt und endet in unterschiedlichen Musikwelten: Print ist noch mehr gestorben, super gestorben, toter als tot, aber immer noch wichtig, irgendwie.
TikTok-ability, Reels Reels Reels und wie kommen Künstler*innen an die wachsenden Einnahmen des digitalen Streaming-Markts ran??? Aber: Pressetext bleibt Pressetext und Madsen bleibt Madsen mit fünf Jahre mehr Leben erlebt.
HOLLYWOOD wurde live und ohne Metronom im Clouds Hill Studio eingespielt und von Simon Frontzek produziert. Madsen kennen Simon Frontzek seit der 8. Klasse von den Bundesjugendspielen. Vom Weit- und Hochspringen und vom Kugeln irgendwo hinwerfen.
Dann waren sie in verfeindeten Jugendgangs oder so, dazu gab es mal einen Artikel in der Visions. Aber das ist schon ein bisschen her.
Konsequent herstellen, was man selber gut findet, Arbeit in ein Detail stecken, das man liebt und vielleicht niemand raushören wird: Das war und ist Konsens zwischen 4x Madsen und 1x Duo Frontzek und Rudi Maier - dem Powerduo of Rock und Detail und of musikalischem
Feingefühl.

Der in Berlin ansässige Multi-Instrumentalist, Produzent und Fotograf Klaus Sahm begann sein musikalisches Leben damit, in einer Hardcore-Band Gitarre zu spielen. Er setzte seine Reise fort, indem er Klavier studierte, während er als musikalischer Leiter und Produzent für namhafte Künstler im Pop-Genre arbeitete. Seine eigene Musik und Kompositionen neigen zum Ruhigen, zu leisen Tönen und konzentrieren sich immer auf einen eigenständigen Klang und ein Gefühl, das irgendwie melancholisch und zugleich etwas bittersüß ist. Der Aufnahmeprozess beinhaltet immer echte Instrumente, echte Bandechos und analoge Hallgeräte - Dinge, die nicht ein zweites Mal reproduziert werden können. "Das Klavier ist das, was meinen Gedanken am nächsten kommt - wie eine Übersetzung für Dinge, die ich sagen möchte, Gefühle, die ich ausdrücken muss, und Sorgen, von denen ich mich lösen muss. Ich hoffe, dass sich einiges davon auch auf euch überträgt."

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Verwirrung - das Gefühl, perplex und verwirrt zu sein - ist die Inspiration für das neue Album von Pale Jay. Es ist eine gefühlvolle Erkundung des allmählichen Zerfalls einer Familie aufgrund von jahrelanger Vermeidung und Missverständnissen. Während dieser schwierigen Zeit begann Pale Jay, die Geschichten, mit denen er immer gelebt hatte, zu hinterfragen und seine Identität neu zu untersuchen. Das daraus resultierende Werk, Bewilderment, ist sein erstes komplettes Album, das Antworten auf diese und andere Fragen geben will. Pale Jay ist ein ausgebildeter Jazzsänger und Pianist und hat alle Songs des Albums geschrieben, aufgenommen und produziert, mit Ausnahme von "By The Lake", das in Zusammenarbeit mit seinen Labelkollegen Okonski - Steve Okonski, Aaron Frazer und Michael Montgomery - entstanden ist. Die Musik von Pale Jay ist von einer Vielzahl von Songwritern beeinflusst, darunter Labi Siffre, Carole King und William Onyeabor. Bewilderment ist eine nahtlose Mischung aus Pale Jays Markenzeichen, staubigem Soul, langsamer Disco- und Afrobeat, wobei die Streicherarrangements von Raven Bush den beatlastigen Produktionen eine zusätzliche Ebene der Magie verleihen. Pale Jays Debüt-LP ist eine fesselnde Reise der Selbstentdeckung. Jeder Song auf Bewilderment erzählt eine eigene Geschichte, aber alle haben ein gemeinsames Thema: persönliches Wachstum und Selbsterkenntnis.

In ihrer dritten Inkarnation schlägt die Berliner Supertruppe Berlin Diskret um Don Lotze, Asphalt Tiger und The Artist Formerly Known As Metal Warrior mit der neuen Frontfrau Elli ein neues Kapitel auf. Asphalt Tiger hat die Hälfte der souverän-schnoddrigen Texte spendiert und als Neuköllner Szenegröße hat Elli zudem ein hinreißend ruppiges Mundwerk, das auf den 14 exzellenten Songs von "Erinnere Dich" ebenso ein lyrisches Highlight nach dem anderen liefert, bei denen nahezu jeder und alles sein Fett wegkriegt. Messerscharfe Gitarrenlicks treffen auf herrlich wummernde Bassläufe, knackige Schießbuden-Action, geil nölige Backingvocals und immer wieder köstlich angerichtete Überraschungen in Form von Synthie, Mundharmonika, Schellenkranz und charmant zweckentfremdeten, nicht ganz unbekannten New Wave Riffs. Kombos wie Östro 430, Hans-A-Plast, Bärchen & Die Milchbubies, frühe Abwärts, ganz frühe Cure lassen Berlin Diskret liebevoll um jede Ecke lugen und schütteln derweil mit "Erinnere Dich" ganz locker ihr bezauberndes drittes und gleichzeitig bestes Album aus dem Ärmel.

Das zehnte Arch Enemy-Album, das 2017 aufgenommen wurde, war das ultimative Statement der Heavy-Metal-Überlegenheit einer Band, die mit den Jahren immer noch an Statur gewann. "Will To Power" ist das erste Album, das die Band mit ihrem aktuellen Line-up aufgenommen hat, und eingefleischte Fans waren begeistert, ihre Lieblingsband in Topform zu hören, als auch etwas überrascht von ihren neuen kreativen Erkundungen. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Gelb, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 16-seitigen Booklet geliefert wird

Das zehnte Arch Enemy-Album, das 2017 aufgenommen wurde, war das ultimative Statement der Heavy-Metal-Überlegenheit einer Band, die mit den Jahren immer noch an Statur gewann. "Will To Power" ist das erste Album, das die Band mit ihrem aktuellen Line-up aufgenommen hat, und eingefleischte Fans waren begeistert, ihre Lieblingsband in Topform zu hören, als auch etwas überrascht von ihren neuen kreativen Erkundungen. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Gelb, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 16-seitigen Booklet geliefert wird

Zum 20jährigen Firmen Jubiläum legt die Hamburger Indie Institution Grand Hotel van Cleef 20 Klassiker Alben als limitierte marbled Vinyle neu auf. Alle 3 Monate erscheinen je 5 legendäre Alben. In der letzten Runde sind Klassiker von Herrenmagazin, Adam Angst, Kettcar, Thees Uhlmann und Marcus Wiebusch mit dabei.

Die Grammy-nominierte amerikanische Schauspielerin, Sängerin und Songwriterin erregte mit ihrem mit Platin ausgezeichneten Debütalbum „So Real“ erstmals 1999 Aufmerksamkeit. Es folgten Hauptrollen in Film + TV und eine Reihe weiterer äußerst erfolgreicher Pop-Alben. Für die Hauptrolle in der gefeierten TV-Serie ”This Is Us” erhielt sie Emmy- und Golden Globe-Nominierungen.

Vom Teenager ist Mandy Moore zur erfolgreichen erwachsenen Künstlerin gereift. Noch immer lässt sich prächtig streiten: ist sie eine singende Schauspielerin oder eine schauspielernde Sängerin? Fakt ist: Moores achtes Studioalbum „In Real Life“ ist erneut ein gelungenes, erwachsenes Pop/Rock-Werk und ein weiterer
künstlerischer Schritt für die inzwischen 37-jährige, die einst mit Teenage-Pop-Hits berühmt wurde.

Weltpremiere eines bislang unbekannten Ella-Konzertes, aufgenommen mit dem Hollywood Bowl Pops Orchestra im August 1958!
Die berühmten Songbook-Alben von Ella Fitzgerald sind Evergreens des Jazzgesangs, die in regelmäßigen Neuauflagen und inzwischen auch digital immer wieder alte und neue Fans finden. Ellas mitreißende
Interpretationen der besten Songs von ikonischen Komponisten wie Irving Berlin, Rodgers & Hart, Cole
Porter und natürlich George & Ira Gershwin sind bis heute unübertroffen. Dass Ella Fitzgerald Ende der
1950er Jahre ihr Irving Berlin Songbook zusammen mit dem großartigen Arrangeur und Orchesterleiter
Paul Weston auch live aufgeführt hat, war längst in Vergessenheit geraten.
Jetzt wurde in der Privatsammlung von Ellas Manager Norman Granz ein Stereo-Mitschnitt dieses ganz
besonderen Abends entdeckt und von Produzent und Toningenieur Gregg Field bestmöglich digital aufbereitet. Auf LP, CD und digital laden Ella Fitzgerald, Paul Weston und das fabelhafte Hollywood Bowl Pops
Orchestra jetzt zum live aufgeführten Irving Berlin Songbook ein, ein Abend voller Swing, sentimentaler
Balladen, unsterblicher Ohrwürmer und Jazzgesang der Weltklasse

Saxophonist Charles Lloyd ist musikalischer Freigeist und Jazz-Visionär, seit mehr als sechs Jahrzehnten
Unikum der internationalen Szene und mit 84 Jahren noch immer im Vollbesitz seiner kreativen Kräfte.
Mit „Trios: Chapel“ eröffnete Lloyd im Juli 2022 ein ungewöhnliches Trio-Projekt, das insgesamt drei
thematisch zusammenhängende Alben umfasst, die ihn jeweils in einer anderen Trio-Besetzung präsentieren - ein „Trio of Trios“. Das erste Album nahm er mit Gitarrist Bill Frisell und Bassist Thomas Morgan
auf, das jetzt erscheinende zweite, ”Trios: Ocean” mit Gitarrist Anthony Wilson und Pianist Gerald Clayton, und das dritte, „Trios: Sacred Thread“ (erscheint am 18. November), mit Gitarrist Julian Lage und
Schlagzeuger Zakir Hussain.

Cumgirl8 met in a sex chat 8000 years ago in another metaverse. Made up of Lida Fox (bass), Veronika Vilim (guitar), Chase Lombardo (drums) and Avishag Rodrigues (guitar), the band render the immersive and chaotic energy from cyberspace into our world, coming together to make a boundary-less sound that brilliantly stretches across the likes of ESG, Cocteau Twins, Suicide, CSS, B-52s, The Shangri-Las, Chris & Cosey, Madonna, and many more.

Klar, bei der 9. Sinfonie von Antonín Dvořák geht die Post ab, auch in dieser Aufnahme. Aber das ist ja wohl nicht alles! Die Streicher von András Keller können blühen wie Blumen auf der Wiese. Sie spielen nicht gleichförmig, sondern in einer wie angeborenen Natürlichkeit, als wäre es eine Kleinigkeit, dass 14 erste Geigen so homogen klingen und gleichzeitig so individuell wie eine einzelne. Auch bei den Bläsern zählt nicht die Hochleistung oder der Zeigefinger ("Schaut her, so ist das gemeint"), sondern die Empfindsamkeit und das Strömen der Musik, z. B. im Englischhornsolo des langsamen Satzes. Das Blech: keine Kraftmeierei, sondern satte oder auch zarte, immer einfühlsame Akkorde. - Die Tempi, die Übergänge, alles fließt organisch und lädt zum Mitgehen ein. Das ist die hohe Kunst des Legato, die manchem als altmodisch galt, in Wirklichkeit aber zeitlos schön ist. Eins der Vorbilder von András Keller heißt, wen wunderts, Wilhelm Furtwängler. Genau in dieser Haltung, bar jeglichen Imponiergehabens entführt uns anschließend der von vielen geliebte Cellist Miklós Perényi behutsam in die geheimnisvolle Zauberwelt des Rondo op. 68/5 und der Waldesstille op. 95. Drei slawische Tänze aus op. 46 runden das Programm ab.

Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.

Translucent Dark Red & Black Marbled Colored Vinyl. Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion. Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.

Looooooongish Cat and Davecoin have come together for their debut album Realizer on Adeen. It is a record that swings from the dark and mysterious to the more upbeat and playful as it explores a range of techno styles. The material originates from the pair's live set so has a real dynamism to it as well as it moves through ever-evolving psychedelic soundscapes.

Vocals, synth lines, and guitars have all been laid down on tape and then resampled and deconstructed to "create an analog patchwork which floats over the hard-hitting beats and fat analog synths and bass lines." It's an immersive and inventive record that also has a fresh cover design.

Celebrate Hip-Hop At Fifty, Bad Boy records and the 25th anniversary of the debut album of The Lox, as they takes you on a journey through the streets where money, power, and respect rule supreme. With hard-hitting beats and thought-provoking lyrics, Money, Power & Respect is a timeless masterpiece that will keep you captivated from start to finish. Feel the energy surge through your veins as you immerse yourself in these iconic street anthems.
Featuring iconic tracks like "Money, Power & Respect," "If You Think I'm Jiggy," and "We'll Always Love Big Poppa," this album is a must-have for any true hip-hop aficionado. It's a sonic experience that will leave you hungry for more.








g A7. Let's Start Rap Over (feat. Carl Thomas) 4:28

Blaue Vinylversion! Exklusiv für den Indie-Handel! Vona Vella (Izzy Davis und Dan Cunningham), die Antwort von Leicestershire auf Jane Birkin und Serge Gainsbourg, veröffentlichen diesen Sommer ihr gleichnamiges Debütalbum über Strap Originals. Zwölf sensationelle Indie-Perlen, die die Kunst des Duos sonnige Gitarrenklänge mit poetischern Texten zu kombinieren, die nicht immer so niedlich sind, wie sie auf den ersten Blick klingen. Vona Vella" wurde im Albion Rooms Studio von The Libertines in Margate aufgenommen und von Jason Stafford (Jamie T, Sports Team, The Libertines) und Vona Vella produziert. Alle zwölf Tracks des Albums wurden von dem Duo gemeinsam geschrieben: Dan an der Gitarre und am Klavier, Izzy an der Gitarre und der Flöte... und Jake Bott am Schlagzeug. Nachdem sie letztes Jahr als Support für die Libertines, Tim Burgess und Morcheeba und letzten Monat für Peter Doherty auf Tournee waren, traten Vona Vella auch bei The Great Escape in Brighton auf. Weitere Headline-Shows und Festivalauftritte werden in Kürze bekannt gegeben. Vona Vella besteht aus den einundzwanzigjährigen Singer-Songwritern und Multiinstrumentalisten Izzy Davis und Dan Cunningham. Die Band wurde offiziell im Herbst 2020 gegründet, nachdem Ross Godfrey von der Band Morcheeba ihre (damals noch unveröffentlichte) Single "Sun" gehört und beschlossen hatte, sie zu remixen. Nach der Veröffentlichung erwies sich der Song als sofortiger viraler Hit und wurde über 1 Million Mal gestreamt. Anfang 2022 veröffentlichten Vona Vella ihre Debüt-EP "Go Outside Forever", die von keinem Geringeren als Paul Heaton (Housemartins, Beautiful South etc.) in den höchsten Tönen gelobt wurde. Im Januar dieses Jahres wurde ein Remix des Titeltracks der EP, "Go Outside Forever", im äußerst erfolgreichen Videospiel NBA2K23 verwendet.

Julian Cannonball Adderley's only Blue Note album, Somethin' Else, would likely forever be famous in music lore if just for the presence of Miles Davis. The iconic composer/trumpeter steps into the role of sideman on the 1958 set, one of just a handful of times he'd make such a move after the calendar passed the mid-1950s. Yet evaluating Somethin' Else strictly on Davis' involvement misses the big picture. Plain and simple, Adderley's jubilant work remains a jazz landmark due to the chemistry of its Hall of Fame personnel, enthusiasm of its participants, and sophistication of its arrangements – not to mention the reference-grade production and inclusion of the definitive renditions of two all-time jazz standards.

Limited to 6,000 numbered copies, pressed on dead-quiet MoFi SuperVinyl at RTI, and mastered from the original master tapes, Mobile Fidelity's ultra-hi-fi UltraDisc One-Step 180g 45RPM 2LP collector's edition pays tribute to the record's merit and includes the bonus track "Allison's Uncle." Offering reference-calibre sonics, this spectacular collector's version provides a clear, transparent, ultra-dynamic, and up-close view of a cornerstone effort that witnesses Adderley and Davis sharing horn duty alone for the only time in their fabled careers – an arrangement that occurred as a result of Adderley having joined Davis' majestic sextet a year prior.

The premium packaging and beautiful presentation of the UD1S Somethin' Else pressing befit its extremely select status. Housed in a deluxe slipcase, it features special foil-stamped jackets and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendour of the recording. No expense has been spared. Aurally and visually, this UD1S reissue exists as a curatorial artefact meant to be preserved, touched, and examined. It is made for discerning listeners that prize sound quality and production, and who desire to fully immerse themselves in the art – and everything involved with the album, from the iconic photos to the gorgeous finishes.

The vibrant potency reveals itself openly on an analogue set that provides full-range reproduction of an ensemble that also includes pianist Hank Jones, bassist Sam Jones, and drummer Art Blakey. Each and every snare hit, downbeat, and cymbal splash registered by the latter take on realistic proportions, blooming and decaying as they would right in front of you on a stage. Jones' foundational bass lines register with uncommon depth and palpability, the litheness of the strings and fullness of the instrument epitomizing the definition of rhythm. Stellar, too, are the surefooted 88s. Sublime in scale, tonality, and attack, with the delineation such you can practically separate the white and black keys in your mind. As for that liquid interplay between Adderley and Davis? Breathtakingly lifelike in timbre, naturalism, purity, and presence. This collector's version takes you there – there being Rudy Van Gelder's legendary New Jersey studio in March 1958 to witness it all unfold, again and again.

For reasons that extend far beyond the outstanding playing and flawless repertoire, Somethin' Else is without question a record you'll always want to watch and hear come together. As veteran critic Bob Blumenthal observed writing about the album four decades after its release, "The instant rapport achieved by the quintet is thus the product of much shared and common history, though the tensile strength that they create throughout created a totally unique feeling that can be attributed to the sensitive musicianship of all concerned, including the supposedly hard bopping leader and drummer." Such inimitable feeling, or emotion, courses throughout every passage, and no where more obviously than on "Autumn Leaves" and "Love for Sale."

Without question, the discreet interpretations of the Johnny Mercer and Cole Porter songs, respectively, found on Somethin' Else have long been considered part of jazz's alluring mystique. Adderley and Davis bring contrasting approaches to the table yet sound of a singular mind on "Autumn Leaves," with the latter's muted trumpet and the headliner's lush alto saxophone dovetailing into a performance that endures as a blueprint for expression, counterpoint, sophistication, fluidity, and linearity. Blues, melody, and romance pour from their horns. Their bandmates, picking up on the intimate vibe and calm mood here – as well as on the spry, head-over-heels spirit of "Love for Sale" – join in on the conversation with sharp economy and float-on-air roundedness.

Not to undersell the other three numbers, all deserving five-star status. Twelve measures in length, the title track offers a slow burn in swing. Written by Adderley's brother, Nat, the 12-bar "One for Daddy-O" transmits funk flavors. The closing "Dancing in the Dark" pops with lushness and temptation, its stream of bold colours and understated textures calling for a moonlight twirl, or at least fantasies suggestive of a memorable night. Somethin' else, indeed.

Santilli returns to Mad Habitat after a European sojourn on Growing Bin! The Eora-based multi-instrumentalist is one half of Angophora, but his solo work exists in the lineage of electro-acoustic visionaries like Steve Tibbetts. With each subsequent release, Santilli strikes the balance between mining his well-defined personal aesthetic and expanding his vision.

The instrumental palette of this record is centered around guitar and synthesizer, bolstered by an incredible array of idiophones and membranophones. There is no shortage of spellbinding moments, like the glacial synths that pan across “Mirrors”, the cascading beauty of “Colours” or the woodland symphony of “Hollow” - the latter even recalls the environmentally-focused work of Waak Waak Djungi’s Peter Mumme.

There’s a common thread across this album in the way it evokes the expanse of nature that Santilli spends much of his time in. All 9 tracks feel like a glimpse into an exquisitely realized scene and across all of them, Santilli's music is suffused with an unhurried sense of ease. The music here feels immersive and panoramic as a result, and we’re grateful to share a glimpse into the worlds Santilli captures.

Freak Frequency was a fitting title for the new material Greg Obis was planning for Stuck, the frenetic and twisted post-punk outfit he formed in 2018. Inspired by the doomy social economics of Mark Fisher’s Capitalist Realism, the bleak worldbuilding of horror games Demon’s Souls and Bloodborne, and the bombastic yet arty satire of Devo, Obis channelled his audio analogy into Freak Frequency, an album ringing out with explosive sounds and ideas.

Stuck formed after Obis’ previous projects, Yeesh and Clearance, called it quits in short proximity. Obis is on guitar and vocals, which span from booming theatrics to ecstatic yelps. The project’s rhythm section is completed by shoegaze guitarist-turned-chugging bassist David Algrim and tightly wound drummer Tim Green—also a graphic designer, and the artist responsible for Stuck’s distinctively unified visual aesthetic. Original co-guitarist Donny Walsh contributed freely inventive lines for the first few years of the project, including on Freak Frequency; Ezra Saulnier of Red Tunic, the newest member of the band, now brings calculated contrapuntal riffs to match Obis’ parts.

The building blocks of Stuck include the egg punk eccentricities of Uranium Club and The Coneheads filtered through noise rock power, à la Jesus Lizard or Slint; that melange is glittered with the precision microtones of Unwound and Women. “I want the feeling of immersion and chaos and tension, with a big guitar amp playing a big chord,” says Obis of his inspirations, citing friends and peers Cloud Nothings and Preoccupations. “But I want it delivered by having a lot of smaller points of light poking through.”

In fact, writing for Freak Frequency began while Content’s recording was still underway—beginning with “Scared,” which features acoustic layers under feedback squalls. “Time Out,” with motoric guitars in the sputtering lineage of Wire, was also composed in late 2019. Obis wrote it about the cycles of compulsion and shame woven into social media use, and the way negativity drives algorithmic engagement. It became an exciting exercise for the group in ramping up speed; “I thought I knew how far I could push Tim’s tempos,” Obis recalls. “But Tim kept insisting we do it 20 bpm faster than what I had. He is an absolute monster for playing that.”

Album opener “The Punisher,” a spiral staircase of disembodied guitars and rhythmic slams over a 2/4 beat, came in the aftermath of the January 6 insurrection. It felt immediately emblematic to Freak Frequency, and Obis describes it as his favorite Stuck track: one he wishes he could write again and again. “It hits all the boxes that Stuck can do: it’s goofy, but there’s a lot of intricate guitar interplay, and at the end, there’s a big payoff,” he explains. The last song written was “Do Not Reply,” a pre-album single that came to Obis after engineering for Melkbelly and channelling their earworm melodies. Algrim wouldn’t let it on the record unless Melkbelly’s front person Miranda Winters dueted on vocals; she was happy to oblige, and the gritty epic closes Freak Frequency.

With slippery snark, percussive heft, and funhouse mirrors of sludge, Freak Frequency delivers its needed screeds with gratifying nuance. If Stuck’s interpretation of this messed-up world goes down like a bitter pill, it’s only because its sugar coating is too delicious to keep from eating.

LOUDBLAST waren die Fackelträger und Pioniere des Death Metal in Frankreich und Europa und klingen immer noch unbestreitbar wütend, kraftvoll und grausamer als je zuvor!

LOUDBLASTs legendäres und heiß begehrtes Death ThrashDebütalbum "Sensorial Treatment" (1989) wird nun endlich
mit aktualisierten Audio-Mastern, Layouts und Bonustracks
wiederveröffentlicht.

"Wir leben im Hier und Jetzt und wollen mit unserem neuen Album zum Aufbruch in ein anderes Leben aufrufen. Eine Gemeinschaft, die sich respektiert, füreinander da ist und sich über kleine Dinge erfreut und in der jeder gleich ist, egal welchen Rang er bekleidet oder ob man reich oder arm ist. Reich ist der, der teilen kann und arm ist der, der immer nur sich sieht!", so Sir Hannes.

Ihr Album ist eine sehr explosive Mischung aus Wort, Musik, Energie und Wut geworden, welches ihren Fans und Hörern ein musikalisches Feuerwerk der besonderen Art bietet. Es soll befreien, aufwecken, zum Nachdenken anregen aber natürlich auch Kraft, Freude und Energie verbreiten.
Auf "König der Idioten" verkörpern THE IDIOTS das, was sie fühlen, denken und wofür sie leben!
Jeder Ton, jedes Wort wird von ihnen gelebt, mit Hingabe zelebriert und steckt voller Authentizität.

Mit ihrem neuen Album "König der Idioten" schreien THE IDIOTS nach einer besseren Welt!
Textlich, wie musikalisch, ist "König der Idioten" sicher das bis dato extremste und härteste THE IDIOTS Album.

"Wir leben im Hier und Jetzt und wollen mit unserem neuen Album zum Aufbruch in ein anderes Leben aufrufen. Eine Gemeinschaft, die sich respektiert, füreinander da ist und sich über kleine Dinge erfreut und in der jeder gleich ist, egal welchen Rang er bekleidet oder ob man reich oder arm ist. Reich ist der, der teilen kann und arm ist der, der immer nur sich sieht!", so Sir Hannes.

Ihr Album ist eine sehr explosive Mischung aus Wort, Musik, Energie und Wut geworden, welches ihren Fans und Hörern ein musikalisches Feuerwerk der besonderen Art bietet. Es soll befreien, aufwecken, zum Nachdenken anregen aber natürlich auch Kraft, Freude und Energie verbreiten.
Auf "König der Idioten" verkörpern THE IDIOTS das, was sie fühlen, denken und wofür sie leben!
Jeder Ton, jedes Wort wird von ihnen gelebt, mit Hingabe zelebriert und steckt voller Authentizität.

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!