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Supergrass kündigen die 20-Jahre-Jubiläumsausgabe von „Road to Rouen“ an, ihrem fünften Studioalbum,
das ursprünglich am 15. August 2005 erschien und Platz 9 der britischen Top 10 erreichte. Der Titel
bezieht sich sowohl auf die französische Stadt, in der es aufgenommen wurde, als auch auf das 1978er
Album „Road to Ruin“ der Ramones. Dieses Album markierte eine nachdenklichere Phase für die Band
und enthielt längere, orchestralere Kompositionen.
Es erntete viel Lob von Kritikern und erhielt 4- und 5-Sterne-Rezensionen von Publikationen wie The
Guardian, Mojo und Uncut. Das Album enthält die Singles „Low C“, „Fin“ und den Fan-Favoriten „St
Petersburg“, einen fesselnden und wunderschönen Track mit einem Hauch von John Lennons Einfluss. Es
ist wohl ihr persönlichstes Album und markierte eine Abkehr vom typischen, optimistischen Sound von
Supergrass. Diese neue, sanfte und introspektive Ausrichtung machte das gesamte Album zu einem Erfolg
bei den Kritikern. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums veröffentlichen wir eine erweiterte Neuauflage von
„Road to Rouen“ mit bisher unveröffentlichten Live- und Studioaufnahmen. Das Album wurde für 2025
komplett neu gemastert. Es erscheint am 3. Oktober als Gatefold-Doppelalbum in Petrol und Forest Green
mit bedruckten Innenhüllen und als Doppel-CD-Digisleeve, beide Formate mit einem 16-seitigen Booklet
mit Linernotes von Mark Radcliffe.

Im Eröffnungstrack von Unlearning Vol. 2, seinem fünften Soloalbum, bricht Evidence zunächst mit Mustern. "Set the autopilot, cruising speed", sagt er - eine Zeile, die an seinen charakteristischen entspannten Flow erinnert. Aber anstatt zu cruisen, wählt der aus Venice stammende Musiker die Störung. "That's a setup for a punch to land with 'true indeed'," fährt er fort und gibt den Ton für ein Album vor, bei dem es weniger um Bequemlichkeit und mehr um Transformation geht. Der Titel des Tracks "Plans Change" könnte nicht passender gewählt sein. Seit seinem Auftauchen mit Dilated Peoples hat Evidence immer eine kühle, mühelose Kontrolle ausgestrahlt. Aber "Unlearning Vol. 2" lehnt wie sein Vorgänger aus dem Jahr 2021 jedes Abgleiten in den Status eines Vermächtnisses ab. Es ist nicht nur ein stilistischer Schwenk, sondern eine tiefere, introspektivere Reise, die in technischer Meisterschaft wurzelt, aber von Instinkt und Neugier angetrieben wird. Anstatt vergangene Erfolge zu recyceln, erkundet Evidence raueres, emotionales Terrain und kreiert einen Sound, der sowohl geerdet als auch experimentell ist. Die Produktion zieht Tracks wie Sebb Bashs erschütterndes "Seeing Double", C-Lances nostalgisches "Top Seeded" und Evidence' eigenes unheimliches "Greatest Motivation" in einen hypnotischen Bann. Dennoch bleibt seine Stimme der Anker, der den Dunst mit Präzision und Tiefe durchschneidet. Tracks wie "Nothing's Perfect" zeigen seine lyrische Beweglichkeit, während "Laughing Last" Stoizismus und Verletzlichkeit in Reflexionen über Familie und Verlust verbindet. Die Kollaborateure stammen aus verschiedenen Epochen - The Alchemist, DJ Babu, Blu, Domo Genesis, Larry June, Conductor Williams und viele mehr -, doch das Projekt wird von einem gemeinsamen Ethos getragen: sich neu zu erfinden, einen neuen Kontext zu schaffen und Schmerz durch Kreativität einem Zweck zuzuführen.

Nach einem Album, das weithin als eine der besten Veröffentlichungen von 2024 gilt, präsentieren CRYPT SERMON aus Philadelphia Saturnian Appendices. Die EP ist eine Sammlung von B-Seiten aus den The Stygian Rose-Album-Sessions und bietet einen tieferen Einblick in die Psyche hinter der Geschichte und erweitert den Bogen des Vorgängers um eine dunklere, introspektivere Linse.

"Vom Konzept her beleuchten die neuen Tracks "Only Ash and Dust" und "A Fool to a Believe" die verschatteten Gedanken des Erzählers aus "The Stygian Rose" und erweitern die Spannungen, die entstehen, wenn man sich mit den Konflikten zwischen Orthodoxie und Okkultismus auseinandersetzt", erklärt Sänger Brooks Wilson.

Klanglich ist "Saturnian Appendices" fest in dem für die Band typischen doomigen, dunklen Heavy Metal-Sound verwurzelt. Grandiose Melodien umhüllen eine zermalmende Salve monolithischer Riffs und sorgen für eine beeindruckende und epische Performance. Mit drei brandneuen Original-Tracks und einer transzendentalen Überarbeitung von Mayhems "De Mysteriis Doom Sathanas" (erstmals als Teil der Flexi-Disc-Reihe des Decibel Magazine zu hören) bietet Saturnian Appendices den Fans ein fesselndes Erlebnis voller Erhabenheit und philosophischer Unruhe.

LP-Box mit fünf Original-Studioalben von 1965.
(AAA) Remastered und direkt von den originalen analogen Mono-Bändern von Kevin Gray geschnitten.

Fünf Original-Studioalben, aufgenommen in einer Woche im August 1965 in New York City: Boppin', Smokin', Groovin', Comin' On, Cool Burnin' sind zum ersten Mal seit über 50 Jahren wieder auf Vinyl erhältlich. Für diese Aufnahmen, die einen Wendepunkt in seiner Karriere markieren, hat Chet Baker eine Band der Superlative um sich geschart: George Coleman, Kirk Lightsey, Herman Wright und Roy Brooks spielen alle auf diesen aufregenden Sets, die ursprünglich bei Prestige Recordings erschienen sind.

New Land hatte vollen Zugang zu den originalen analogen Monobändern, und Kevin Gray hat sie neu gemastert und geschnitten (AAA), um ihnen eine frische Klangfarbe zu verleihen. Das Herzstück dieser Box ist ein Buch mit einem unglaublich detaillierten Essay von GRAMMY® Nominee James Gavin, der die wahre Geschichte hinter diesen Aufnahmen mit Interviews der Beteiligten verbindet. Illustriert mit seltenen Fotos und Ephemera ist dies der bisher tiefste Einblick in diese Aufnahmen.

Chet Bakers Prestige-Aufnahmen aus dem Jahr 1965 markieren eine Übergangsphase - seine Rückkehr in die USA nach einer Zeit in Europa und einer Auseinandersetzung mit dem Rechtssystem. Diese Sessions zeigen ihn in einem raueren, expressiveren Ton, der aber immer noch von seiner charakteristischen lyrischen Schönheit durchdrungen ist. Die Aufnahmen entstanden auf dem Höhepunkt der Hard-Bop-Renaissance von Prestige Records und zeigen Baker zusammen mit dem Saxophon-Titanen George Coleman, der gerade mit Miles Davis auf Tournee war. Das Ergebnis ist ein rauer, swingender Quintett-Sound, direkt, gefühlvoll und ungeschminkt.

Nach Jahren des Umherziehens in Europa und scheinbar endlosen persönlichen Turbulenzen kehrte Chet in die USA zurück, um diese Sessions aufzunehmen. Ohne die jugendliche Unschuld seiner frühen Tage an der Westküste spielt Baker mit einer dunkleren, introspektiven Note - sein Horn singt immer noch, aber jetzt seufzt es auch.

Zusammen mit einer starken Rhythmusgruppe aus New York verbinden diese Aufnahmen die Eleganz des Cool Jazz mit der rauen Direktheit des Hard Bop der Ostküste. Baker zeigt sich hier von seiner menschlichsten Seite - zerbrechlich, lyrisch, ungefiltert.

Dies sind nicht einfach nur Aufnahmen aus Chets Spätzeit - sie sind ein Dokument seiner Neuerfindung. Für Sammler schließen sie eine wichtige Lücke zwischen seiner ikonischen Cool Jazz Ära der 1950er Jahre und seinen düsteren europäischen Sessions der 1970er Jahre.

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Spiritual Soul ist das nächste Ziel auf der Reise der Eccentric Soul Serie und bietet einen seltenen Groove mit einem transzendenten, introspektiven Flair. Gespickt mit üppigen Bläserarrangements und verankert durch warme, reflektierende Rhythmen, kanalisiert diese Compilation den meditativen Puls einer spirituellen Seele. Ein solider Begleiter für die stille Kontemplation - ob Sie nun in eine Sonntagslektüre vertieft sind oder durch die stillen Predigten der Natur wandern.

Laufeys drittes Album, »A Matter of Time«, ist ein wunderschönes Meisterwerk der Introspektion über die Ängste, die das Leben und die Liebe mit sich bringen.

Diese Version enthält eine LP, gepresst auf atemberaubendem Timeless Blue Vinyl, eine 12"-runde Textbeilage, eine Notiz von Laufey (sieben Zoll) und eine Fotohülle.

Im Eröffnungstrack von Unlearning Vol. 2, seinem fünften Soloalbum, bricht Evidence zunächst mit Mustern. "Set the autopilot, cruising speed", sagt er - eine Zeile, die an seinen charakteristischen entspannten Flow erinnert. Aber anstatt zu cruisen, wählt der aus Venice stammende Musiker die Störung. "That's a setup for a punch to land with 'true indeed'," fährt er fort und gibt den Ton für ein Album vor, bei dem es weniger um Bequemlichkeit und mehr um Transformation geht. Der Titel des Tracks "Plans Change" könnte nicht passender gewählt sein. Seit seinem Auftauchen mit Dilated Peoples hat Evidence immer eine kühle, mühelose Kontrolle ausgestrahlt. Aber "Unlearning Vol. 2" lehnt wie sein Vorgänger aus dem Jahr 2021 jedes Abgleiten in den Status eines Vermächtnisses ab. Es ist nicht nur ein stilistischer Schwenk, sondern eine tiefere, introspektivere Reise, die in technischer Meisterschaft wurzelt, aber von Instinkt und Neugier angetrieben wird. Anstatt vergangene Erfolge zu recyceln, erkundet Evidence raueres, emotionales Terrain und kreiert einen Sound, der sowohl geerdet als auch experimentell ist. Die Produktion zieht Tracks wie Sebb Bashs erschütterndes "Seeing Double", C-Lances nostalgisches "Top Seeded" und Evidence' eigenes unheimliches "Greatest Motivation" in einen hypnotischen Bann. Dennoch bleibt seine Stimme der Anker, der den Dunst mit Präzision und Tiefe durchschneidet. Tracks wie "Nothing's Perfect" zeigen seine lyrische Beweglichkeit, während "Laughing Last" Stoizismus und Verletzlichkeit in Reflexionen über Familie und Verlust verbindet. Die Kollaborateure stammen aus verschiedenen Epochen - The Alchemist, DJ Babu, Blu, Domo Genesis, Larry June, Conductor Williams und viele mehr -, doch das Projekt wird von einem gemeinsamen Ethos getragen: sich neu zu erfinden, einen neuen Kontext zu schaffen und Schmerz durch Kreativität einem Zweck zuzuführen.

Good Charlotte sind zurück, und ihr kommendes Album "Motel Du Cap" bringt ihre rohste und authentischste Energie mit. Die Pop-Punk-Legenden haben fast drei Jahrzehnte damit verbracht,
Hymnen für die Underdogs, die Träumer und die Gebrochenen zu schreiben. "Motel Du Cap" markiert eine Rückkehr zu den Wurzeln der Band, während sie ihren Sound in unbekanntes Terrain vorantreibt. Inspiriert von der düsteren Aufrichtigkeit ihres selbstbetitelten Debüts und der emotionalen Wucht von "The Young and the Hopeless", verbindet das Album scharfe Riffs, introspektive Texte und einen rebellischen Geist.

Good Charlotte sind zurück, und ihr kommendes Album "Motel Du Cap" bringt ihre rohste und authentischste Energie mit. Die Pop-Punk-Legenden haben fast drei Jahrzehnte damit verbracht,
Hymnen für die Underdogs, die Träumer und die Gebrochenen zu schreiben. "Motel Du Cap" markiert eine Rückkehr zu den Wurzeln der Band, während sie ihren Sound in unbekanntes Terrain vorantreibt. Inspiriert von der düsteren Aufrichtigkeit ihres selbstbetitelten Debüts und der emotionalen Wucht von "The Young and the Hopeless", verbindet das Album scharfe Riffs, introspektive Texte und einen rebellischen Geist.

Nihilistic Easyrider ist das geistige Kind von Narrow Head-Frontmann Jacob Duarte - aber täuschen Sie sich nicht, er geht nicht solo. DELUXE EDITION ist eine Art Mixtape, eine Sammlung von Songs, die zu verschiedenen Zeitpunkten in Duartes Karriere geschrieben wurden. Diese Songs umfassen ein breites Spektrum an stilistischen Referenzen, von zuckersüßem Y2K-Emo und jungem, dummen und poplastigem Punk Punk bis hin zu sowjetischem Fuzz-getriebenem Alt und reinem Evan Dando-Core Vers-Refrain-Vers-Refrain-fertig Pop-Rock. Zum Leben erweckt von einer Reihe von Charakteren, darunter Narrow Head-Schlagzeuger Carson Wilcox, Produzent (und ehemaliger Tourkollege) Graham Hunt und Features von Momma's Allegra Weingarten und Ella Friedman, bietet dieses Debütalbum dennoch meisterhaft ausgefeilten und mit Hooks gespickten Interpretationen von Duartes charakteristischer Songwriting-Ästhetik. Diese Songs waten in derselben Unordnung aus romantischen Fehlschlägen und verbrannten Gehirnsynapsen, die langjährige Narrow Head-Hörer kennen und lieben gelernt haben, nur aus einer anderen, neuen Perspektive. Duartes Geschichten über Einsamkeit, Vorfreude und die verworrenen Komplexitäten des Lebens in Songs wie ,Getaway Plan" und ,Well Kept Secret" werden von einer lebendigen Begleitband aus dröhnenden Synthesizer-Klängen, Bar-Piano-Stichen, rasselnden Akustikgitarren und tribal-tat-codierter Record-Scratch-Ästhetik umrahmt, die subtil sowohl an die härtesten Momente von Incubus als auch an die sanftesten von Deftones anknüpft. Mit DELUXE EDITION liefert Duarte uns tagebuchartige Vignetten eines Lebens in ständiger Bewegung und bietet einen eher introspektiven Einblick in die Gedankenwelt eines Songwriters, dessen Leben sich um die Bühne dreht, aber letztlich anderswo stattfindet. Für Jacob sind "die Songs von Nihilistic Easyrider näher an der Musik, die ich schon immer machen wollte, als ich aufwuchs, sagt er, "ein persönliches Tagebuch des Erwachsenwerdens durch Musik."

Jessica Winters Debüt ist ein vollendetes, mutiges und hinterfragendes Album voller Persönlichkeit, das irgendwo zwischen Therapie und Tanzfläche angesiedelt ist. Musikalisch finden sich Anklänge an Kylie Minogue und dem Glanz der 80er-Jahre-Madonna, der Extravaganz von Prince und Queen, der Energie und des gelegentlichen Knurren des Punk und der verträumt hochgezogenen Augenbraue der Psychedelia. In einer Welt, in der maximalistischer Pop zurück ist und Therapie-Memes das Mass aller Dinge sind, ist "My First Album" der perfekte Soundtrack.

Jessica Winter ist eine britische Sängerin, Songwriterin und Produzentin, bekannt für ihre experimentelle Popmusik, die Elemente verschiedener Genres wie Pop, Industrial und Indie vereint. Bisher hat Jessica eine Reihe von EPs veröffentlicht, die ihre Fähigkeit, unkonventionelle Themen und introspektive Texte in Popsongstrukturen einfließen zu lassen, unter Beweis stellen. Zusätzlich zu ihrem Soloprojekt verfügt Winter über eine umfangreiche Liste an Referenzen als Co-Autorin und Produzentin, die mit Künstlern wie The Horrors, The Big Moon, Jazmin Bean, Phoebe Green, Lauren Auder, Pre Goblin, Sundara Karma, Walt Disco und Brodka zusammenarbeitete.

Am 4. Juli 2025 erscheint das mit Spannung erwartete neue Album von VINTER, das Fans und Kritiker gleichermaßen in ihren Bann ziehen wird. Nach ihrem erfolgreichen Debütalbum "Seasons" entfaltet sich nun auf diesem Werk ein vielschichtiger, emotionaler Klangkosmos, der die faszinierende Entwicklung der Künstlerin dokumentiert. Produziert von Joshua Lange und co-produziert von VINTER selbst, verbindet das Album tiefgründige Texte mit einem abwechslungsreichen Sound, der von Alt Pop über Indie Folk bis hin zu eleganten Singer/Songwriter-Klängen reicht.

Mit ihrem markanten Signaturesound - einer Mischung aus organischen Instrumenten, modernen Beats und atmosphärischen Vintage-Vibes - gelingt es VINTER, in jeder Note Geschichten zu erzählen, die die Zuhörer:innen direkt ins Herz treffen. Ihre Texte, die mal melancholisch, mal unbeschwert leicht sind, spiegeln die Widersprüche und Kontraste wider, die VINTER so gekonnt in ihre Musik einfließen lässt. Ihre Stimme, die sowohl zart und verletzlich als auch kraftvoll sein kann, verstärkt die emotionale Tiefe ihrer Songs und macht jedes Stück zu einem einzigartigen Hörerlebnis. Jedes Lied auf diesem Album ist wie ein eigenständiges Kapitel aus einem unvollendeten Buch, das von zwischenmenschlichen Erfahrungen, introspektiven Momenten und poetischen Bildern handelt.

Zur Veröffentlichung des Albums wird VINTER mit einem exklusiven Record-Release-Konzert im Meistersaal der legendären Hansa Studios in Berlin die Bühne betreten - und das mit voller Band sowie einer beeindruckenden Streicherbegleitung. Ein unvergesslicher Abend für alle Musikfans. Tickets sind bald erhältlich.

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

Nach einer 14-jährigen Karriere, in der Calum Hood als Teil der international erfolgreichen Band 5 Second of Summer weltweit Konzerte gab, veröffentlicht er nun sein erstes Soloalbum. Die 10-Track-Sammlun thematisiert den Prozess des Innehaltens und der persönlichen Weiterentwicklung.

Neugierig und introspektiv betrachtet Calum Hood das Wunder in allem: Liebe, Sehnsucht, Trauer, Trauma ein Sonnenuntergang, die komplexe und unvorhersehbare Maschinerie des Lebens. Dieser Ansatz manifestiert sich im Debütalbum ORDER CHAOS ORDER, das einen charakteristischen Stilmix aus beina rauschendem, ursprünglichem Indierock mit einem Hauch Intensität und Emotionalität präsentiert.

Opaque Red Standard LP. Aufgrund des Effekts ist jede Vinyl ein Unikat und kann sich leicht von der Abbildung unterscheiden.

Aus dem kalten Mark der geheimnisvollen und verehrten norwegischen Black-Metal-Szene geschnitzt, beschwören Gaahls Wyrd eine fesselnde Verschmelzung von Chaos und Schönheit. Unter der beherrschenden Präsenz von Kristian "Gaahl" Espedal erschafft die Band eine weitreichende Saga des Sounds - sowohl ursprünglich als auch transzendiert.

Mit Braiding the Stories begeben sich Gaahls Wyrd auf eine alchemistische Reise durch die Reiche des Bewusstseins und der Träume und erschaffen eine klangliche Erzählung, die den nahtlosen Tanz zwischen dem Gesehenen und dem Ungesehenen erforscht. Jeder Track ist eine tiefgründige Erforschung der Schleier der Realität und kristallisiert das Ephemere durch die kraftvolle Verbindung von philosophischer Introspektion und kühner musikalischer Komposition. Von den eindringlichen Echos von "The Dream Master" bis zur ätherischen Resonanz von "Flowing Starlight" lädt das Album den Hörer ein, seine labyrinthischen Klanglandschaften zu durchqueren - ein Ort, an dem sich nachdenkliche Melodien mit intuitiver Kraft kreuzen. In diesem Bereich kanalisiert Gaahls Wyrd rohe lyrische Introspektion und starke klangliche Fähigkeiten, geführt von den geschickten Händen von Ole "Lust Kilman" Walaunet, Andreas "Nekroman" Salbu und Kevin "Spektre" Kvåle.

Im Herzen des Albums liegt eine Reise der Selbstfindung, die von der zeitlosen Stimme Gaahls durchdrungen ist und den Hörer dazu einlädt, nicht nur zu hören, sondern zu erleben, zu reflektieren und zu transzendieren.

- Die mit einem Grammy ausgezeichneten norwegischen Metal-Maestros Gaahls Wyrd präsentieren ihr faszinierendes zweites Album "Braiding the Stories". Dieses introspektive und ätherische Projekt überbrückt die Reiche des Bewusstseins und der Träume durch eine starke Mischung aus philosophischer Introspektion und kühner musikalischer Komposition.

- Angeführt von der beeindruckenden Präsenz des legendären Sängers Gaahl (Kristian Espedal) und unterstützt von Gitarrist Lust Kilman (Ole Walaunet), Bassist Nekroman (Andreas Salbu) und Schlagzeuger Spektre (Kevin Kvåle) verschmilzt die Band kunstvoll Chaos und Schönheit und findet im esoterischen Extreme/Black Metal-Genre großen Anklang.

- Braiding the Stories wurde im Solslottet Studio produziert und ist mit einem anspruchsvollen Cover von Øivind Myksvoll versehen.

FFO: Mayhem, Wardruna, Gorgoroth, Enslaved

Aus dem kalten Mark der geheimnisvollen und verehrten norwegischen Black-Metal-Szene geschnitzt, beschwören Gaahls Wyrd eine fesselnde Verschmelzung von Chaos und Schönheit. Unter der beherrschenden Präsenz von Kristian "Gaahl" Espedal erschafft die Band eine weitreichende Saga des Sounds - sowohl ursprünglich als auch transzendiert.

Mit Braiding the Stories begeben sich Gaahls Wyrd auf eine alchemistische Reise durch die Reiche des Bewusstseins und der Träume und erschaffen eine klangliche Erzählung, die den nahtlosen Tanz zwischen dem Gesehenen und dem Ungesehenen erforscht. Jeder Track ist eine tiefgründige Erforschung der Schleier der Realität und kristallisiert das Ephemere durch die kraftvolle Verbindung von philosophischer Introspektion und kühner musikalischer Komposition. Von den eindringlichen Echos von "The Dream Master" bis zur ätherischen Resonanz von "Flowing Starlight" lädt das Album den Hörer ein, seine labyrinthischen Klanglandschaften zu durchqueren - ein Ort, an dem sich nachdenkliche Melodien mit intuitiver Kraft kreuzen. In diesem Bereich kanalisiert Gaahls Wyrd rohe lyrische Introspektion und starke klangliche Fähigkeiten, geführt von den geschickten Händen von Ole "Lust Kilman" Walaunet, Andreas "Nekroman" Salbu und Kevin "Spektre" Kvåle.

Im Herzen des Albums liegt eine Reise der Selbstfindung, die von der zeitlosen Stimme Gaahls durchdrungen ist und den Hörer dazu einlädt, nicht nur zu hören, sondern zu erleben, zu reflektieren und zu transzendieren.

- Die mit einem Grammy ausgezeichneten norwegischen Metal-Maestros Gaahls Wyrd präsentieren ihr faszinierendes zweites Album "Braiding the Stories". Dieses introspektive und ätherische Projekt überbrückt die Reiche des Bewusstseins und der Träume durch eine starke Mischung aus philosophischer Introspektion und kühner musikalischer Komposition.

- Angeführt von der beeindruckenden Präsenz des legendären Sängers Gaahl (Kristian Espedal) und unterstützt von Gitarrist Lust Kilman (Ole Walaunet), Bassist Nekroman (Andreas Salbu) und Schlagzeuger Spektre (Kevin Kvåle) verschmilzt die Band kunstvoll Chaos und Schönheit und findet im esoterischen Extreme/Black Metal-Genre großen Anklang.

- Braiding the Stories wurde im Solslottet Studio produziert und ist mit einem anspruchsvollen Cover von Øivind Myksvoll versehen.

FFO: Mayhem, Wardruna, Gorgoroth, Enslaved

Fünf Jahre nach ihrem gefeierten Album 'forevher' meldet sich die britische Sängerin Shura mit ihrem dritten Studioalbum 'I Got Too Sad For My Friends' zurück. Eine Mischung aus Kammerpop, 60er-Jahre-Folk und Lagerfeuer-Americana, die Shuras introspektives Songwriting in eine weite Landschaft ausdehnt - ruhiger als der gefühlvolle Schwung von 'forevher' und rustikaler als der grüblerische Synthie-Pop ihres Debüts 'Nothing’s Real' aus dem Jahr 2016.

Obwohl das Album Themen wie Isolation, Traurigkeit und Depression bearbeitet, klingt es aber alles andere als niedergeschlagen - Shuras kristallklarer Gesang trifft auf eine warme, erdige Produktion. Shura dazu ganz selbst-ironisch: „Auch wenn es nicht unbedingt eine maximalistische Platte ist, was den Sound angeht, war der Ansatz für mich, die Platte mit maximaler Freude aufzunehmen - was urkomisch ist, denn es geht darum, unglücklich zu sein!“

Angegangen wie eine „Old-School-Platte“, die eher eine Performance als eine Produktion einfängt, wurde ein Großteil des Albums live aufgenommen, wobei Keys, Bass, Gitarre und Schlagzeug in einem Rutsch aufgenommen wurden. Nur der Gesang wurde separat aufgenommen - mit Ausnahme des sanften Funk-Tracks Ringpull.

Das vierte Album von Ellen Arkbro, "Nightclouds", versammelt fünf Improvisationen für Orgel solo, die 2023-24 in Mitteleuropa aufgenommen wurden. "Nightclouds" ist unverhohlener romantisch und introspektiver als ihre früheren Werke, obwohl es fest in der Strenge und Präzision verwurzelt, die Arkbro's Konzept ausmachen. Es ist die Erweiterung ihrer Erkundungen von räumlicher Harmonie, Taktilität und Textur, Arkbro schöpft gleichermaßen aus sakraler Musik, Jazz im ECM-Stil und Minimalismus und beschwört eine kühle Intimität und einen kühlen Ton herauf. Ihre entschleunigten Akkordimprovisationen hüllen den Zuhörer in düsteres verwaschen, während ihre Mikrofonierung die raue haptische Maserung des Rohrblatts offenbart und den Zuhörer sowohl innerhalb als auch außerhalb des Klangs bringt. Sie evoziert Duette von Kjell Johnsen und Jan Garbarek oder La Monte Young und Tony Conrads Bearbeitung von Euringers und Harmer's Cowboy-Song ,Oh Bury Me Not". "Nightclouds" kanalisiert spirituelles Pathos durch eine rigoros zurückhaltende Architektur. Anknüpfend an das letztjährige Album "Sounds While Waiting" (W.25TH, 2024), einer Auswahl von Stereomischungen, die Arkbro's räumliche Orgelinstallationen dokumentieren, ändert Nightclouds die Richtung und konzentriert sich auf unmittelbare Komposition und Improvisation. Elegante, einfache akkordische Gerüste unterstützen reiche, sich ständig verändernde Texturen; genaues Hinhören erfordert die Hingabe an anhaltende Unentschlossenheit. Den Abschluss einer Sammlung von kurzen Stücken bilden zwei Variationen über die titelgebende Komposition ,Nightclouds", eine eine schelmische Anspielung auf den britischen Jazz-Gitarristen Allan Holdsworth: Die erste Aufnahme verlangsamt und dehnt eine kontinuierlich modulierte harmonische Progression, während die kurze Schlussversion einfach drei Akkorde schleift. Zwischen diesen Stücken liegen ,Still Life" und ,Chordalities", zwei kurze Werke, die im Temple de La-Tour-de-Peilz in Vevey, Schweiz, aufgenommen wurden. Die zweite Hälfte des Albums ist folgenden Stücken gewidmet ,Morningclouds", ein weitläufiges Werk, das in der rekonstruierten Gedächtniskirche (Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche) in Berlin aufgenommen wurde. Arkbro's prägnantes musikalisches Vokabular und formale Architektur evozieren ein Gefühl der emotionalen Ambivalenz, gleichzeitig erhebend und schwermütig und führt den Hörer mit kühler und distanzierter Schönheit. "Nightclouds", das als tiefgründiges Statement in Arkbros sich entwickelndem Werk steht, das zugleich introspektiv und expansiv ist, bestätigt ihre einzigartige Fähigkeit, harmonische Einfachheit in tief berührende Klanglandschaften zu verwandeln, die den Hörer in einen Raum der Kontemplation und emotionalen Tiefe führen.

Das selbstbetitelte Debütalbum der kanadisch-amerikanische Singer-Songwriterin Martha Wainwright als 20th Anniversary Edition! Das Album wird bestimmt durch die Intensität und Vielseitigkeit ihrer Stimme und einer Mischung aus introspektiven Texten und emotionaler Instrumentierung. Ihre Songs verbinden poetische Texte mit einer Mischung aus Folk, Rock und Alternative-Einflüssen und erzählen Geschichten von Liebe, Verlust und persönlicher Stärke.

Loco Dice kündigt sein viertes Album „Purple Jam“ an: Mit 12 Tracks und einer Fülle hochkarätiger Kollaborationen unterstreicht er die ständige Weiterentwicklung seines Sounds und die erfolgreiche Verschiebung von Genregrenzen.

Loco Dice ist eine absolute Legende und einer der einflussreichsten Charaktere in der elektronischen Musikszene. Seit Beginn seiner Karriere hat er seinen einzigartigen Genre Twist aus House & Techno mit starken Hip-Hop Einflüssen etabliert. Von den Anfängen als Hip-Hop-DJ in Düsseldorf bis hin zu Residencies in den legendären Ibiza-Superclubs wie Circoloco im DC-10 und Amnesia Terrace sowie im Space Miami in den USA war Loco Dice immer für seine Fähigkeit bekannt, tiefe, introspektive Sounds mit energiegeladenen Tracks zu mischen.

Das enorm hohe Level und kreative Spektrum dieses Albums wurde bereits mit den ersten Single-Auskopplungen zementiert: Auf „Heavy Heart“ mit Skrillex & Fireboy DML, „Road Runner“ mit Carl Cox, „Ice Cold Dealer“ mit Haftbefehl und „Juice“ mit The Martinez Brothers & Trinidad James sammeln sich bereits Millionen an Streams.

Das Album erscheint als farbige 1 LP (180 Gramm).

Sex Mask ist eine dreiköpfige Post-Punk/Alternative-Rock-Band aus Melbourne, Australien, deren Musik als Mischung aus introspektiven Texten und innovativen Sounds im Kontext absurden Punks beschrieben wird. Mit Singles wie "TV Movie", "How To Be Cool At Parties" und "Birds" hat sich die Band eine wachsende Hörerschaft aufgebaut, und trat mit Fcukers, BIG SPECIAL und Fat White Family live auf. Derzeit läuft ihre erste UK Tournee mit Auftritten bei Dot To Dot, Great Escape, Get Together sowie einer erste Headliner-Show in London. Parallel erscheint eine limitierte 7"-Single mit ihrem 2022er Indie-Hit "How To Be Cool At Parties" sowie dem bislang unveröffentlichten Track "Circe" samt Faltposter.

Golden Wolf verbindet introspektive Reflexion mit weitläufigen Klanglandschaften und bietet eine einzigartige Fusion aus Indie-Rock und psychedelischem Soul, die DOPE LEMON von seiner bisher ehrlichsten und verletzlichsten Seite zeigt. Das Album lädt die Zuhörer ein, über die Entscheidungen nachzudenken, die sie getroffen haben, die Wege, die sie hinter sich gelassen haben, und die, die noch vor ihnen liegen. Nach vier vorherigen Studioalben – darunter das für den ARIA nominierte Kimosabè – schält Golden Wolf Schichten von Erinnerung und Vorstellungskraft ab und schafft so ein reichhaltiges, eindrucksvolles Erlebnis

Golden Wolf verbindet introspektive Reflexion mit weitläufigen Klanglandschaften und bietet eine einzigartige Fusion aus Indie-Rock und psychedelischem Soul, die DOPE LEMON von seiner bisher ehrlichsten und verletzlichsten Seite zeigt. Das Album lädt die Zuhörer ein, über die Entscheidungen nachzudenken, die sie getroffen haben, die Wege, die sie hinter sich gelassen haben, und die, die noch vor ihnen liegen. Nach vier vorherigen Studioalben – darunter das für den ARIA nominierte Kimosabè – schält Golden Wolf Schichten von Erinnerung und Vorstellungskraft ab und schafft so ein reichhaltiges, eindrucksvolles Erlebnis

Transparent Caracao Vinyl. To All The Ones That I Love wurde im bandeigenen Studio im Westen Melbournes aufgenommen, wobei Gitarrist Greg Rietwyk für Produktion und Mix zuständig war, bevor das Album von Kris Crummett (Closure in Moscow, Dune Rats, Currents) gemastert wurde. Dies ist das vierte Album von Press Club, und die Reife der Band spiegelt sich in den zehn Tracks wider. Dem Hörer wird ein Ritt durch verschiedene Genres geboten, während das Album Themen wie Introspektion, Entwicklung, Veränderung und das Lernen aus vergangenen Fehlern durchläuft. Die Band beschreibt die Entstehung des Albums als eine unglaublich spannende, kreative und befreiende Erfahrung: Die Songs wurden alle gemeinsam in ihrem Studio über mehrere Monate hinweg geschrieben. Diese Art des Schreibens gab der Band die Freiheit, mit verschiedenen Genres zu experimentieren und die Tiefen all ihrer Einflüsse auszuloten.

To All The Ones That I Love wurde im bandeigenen Studio im Westen Melbournes aufgenommen, wobei Gitarrist Greg Rietwyk für Produktion und Mix zuständig war, bevor das Album von Kris Crummett (Closure in Moscow, Dune Rats, Currents) gemastert wurde. Dies ist das vierte Album von Press Club, und die Reife der Band spiegelt sich in den zehn Tracks wider. Dem Hörer wird ein Ritt durch verschiedene Genres geboten, während das Album Themen wie Introspektion, Entwicklung, Veränderung und das Lernen aus vergangenen Fehlern durchläuft. Die Band beschreibt die Entstehung des Albums als eine unglaublich spannende, kreative und befreiende Erfahrung: Die Songs wurden alle gemeinsam in ihrem Studio über mehrere Monate hinweg geschrieben. Diese Art des Schreibens gab der Band die Freiheit, mit verschiedenen Genres zu experimentieren und die Tiefen all ihrer Einflüsse auszuloten.

Nach einer Reihe von zunehmend elektronisch geprägten Veröffentlichungen, kehren Billow Observatory mit einer völlig ambienten, schlagzeuglosen Perle von einem Album zu den Soundgefilden ihres Debüts aus dem Jahr 2012 zurück. Indem sie den Zufall und die Zufälligkeit umarmen, erheben sich spektrale Gitarren, flirren und knistern in staubige Partikel, während das Konzept der Zeit in jedem Track aus dem Fenster geworfen wird. Eine zunehmend feindselige Gesellschaft trägt zweifelsohne zum Gefühl der Introspektion und der Suche nach dem ,Anderssein" bei. Grübelnd, unheimlich, und wunderschön, werden die Hörer mit einer sehr detaillierten Sammlung von Songs belohnt, die Visionen von sich langsam drehenden Kugeln hervorrufen die leicht aus der Achse geschleudert werden. Das Duo, bestehend aus Jason Kolb (Michigan, USA) und Jonas Munk (Dänemark), begann 2006 mit der Zusammenarbeit und schickte sich gegenseitig Tracks über den Atlantik, was schließlich zu einer Veröffentlichung führte. Was zunächst als Nebenprojekt begann, wurde langsam zur Haupttätigkeit der beiden Künstler. Inzwischen haben sie insgesamt vier Alben veröffentlicht. Ihre Musik hat sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt und ein Level der Perfektion erreicht, das sonst nur Produzenten zugestanden wird, die schon seit Jahrzehnten im Geschäft sind. Billow Observatory stehen mittlerweile für Ambient-Musik auf höchstem Niveau.

Melancholische Gitarrenakkorde, ein introspektiver Gesang, und immer wieder bedrohliche und energische Ausbrüche mit Percussions und Stakkato. Zwischen intimem Songwriting und Soundtrack-inspiriertem Pathos bewegt sich Jerome Reuter, der nun, 2025, das zweite Jahrzehnt seiner Band ROME feiert.

Zwei Dekaden begleitet das Luxemburgische Bandprojekt ROME nun also die Europäische Tragödie. Und während sich die Alben der ersten zehn Jahre noch vor allem historischen Themen widmeten, treten in der nicht mindert produktiven Ära zwischen 2016 und 2025, die auf dieser neuen "Anthologie" dokumentiert wird, auch aktuelle und grundsätzliche philosophische Fragestellungen ins Zentrum. ROME orientierte sich immer am großen Bild. Im Songwriting deutlich inspiriert vom französischen Chanson, dem späten Johnny Cash und Nick Cave, wurden von Beginn an auch literarische Quellen verarbeitet, und werden sie nicht namentlich genannt (wie bei "The Secret Germany" Paul Celan), so schwingen sie doch zwischen den Zeilen mit, die Denker - nicht nur - des 20. Jahrhunderts. Philosophische und gar okkulte Aspekte werden auf den Alben reflektiert ("The Hyperion Machine", "Hall of Thatch", "The Lone Furrow", "Le Ceneri di Heliodoro"), doch immer wieder wird es konkret, sei es mit Blick auf die russische Invasion in der Ukraine ("Gates of Europe", "World in Flames") und grundlegende Konflikte, die mythisch gelesen werden ("Coriolan", "Hegemonikon"). Wiederkehrend ist das mythische Motiv der Sonne, so auch auf dem jüngsten Werk "Civitas Solis".

Mal als volles Band-Line-Up, mal als Singer-Songwriter, und immer wieder im Austausch mit anderen Musikern (etwa Nergal von Behemoth oder der schwedischen Punklegende Thåström), Jerome Reuter erfindet sich beständig neu, und arbeitet kontinuierlich an einer singulären Stimme in der gegenwärtigen Popkultur. Wie ein Januskopf zurückgewandt in die Zukunft blickend.

A Man Against Time...

Die Schatten des Krieges verdunkeln Europa. Die 20er Jahre des neuen Jahrtausends erwecken beklemmende Erinnerungen an jene Zwischenkriegszeit einhunderte Jahre zuvor, aus der unweigerlich der Zweite Weltkrieg entstand. Nun steht die Ukraine in Flammen, täglich bedrängt von russischen Angriffen. Und Europa ist zerrissen in diesem Konflikt, der oft nur wie der Vorbote eines viel größeren Katastrophe wirkt.

Jerome Reuter hat mit seiner Band ROME die Musik als Mittel gewählt, Europas Schicksal zu kommentieren und zu verarbeiten. Seit 2005 schreibt er Lieder und Konzeptalben, die sich den Schlüsselmomenten der Geschichte widmen, ihre Mythen und Narrative reflektieren und kommentieren. Dabei behandelt er historische Themen aus einer künstlerischen Distanz, dekonstruiert Ereignisse und Ideologeme, betrachtet sie aus unterschiedlichsten Perspektiven und gibt sie uns als Frage zurück. Er wird vom mal melancholischen, mal wütenden Zeitzeugen zum teilnehmenden Beobachter, aus dessen individualsubjektiver Sicht die Dinge unmittelbar mit Pathos aufgeladen erscheinen. Mit ROME sollen wir erkennen, beobachten, erschauern und erschrecken, aber auch neu erstrahlen: "We walk in brightest Black towards the Sun".

Reuters Songwriting gleicht oft einer Reise, auf der sich visuelle Eindrücke mit persönlichen Gesprächen mischen. Als lese man in seinem Tagebuch nach einem turbulenten Tag, der persönlich reflektiert und schließlich in ikonische Metaphern gegossen wird. "Civitas Solis" soll ausdrücklich nicht als Konzeptalbum verstanden werden, wie wir es zuvor so oft von ROME erleben durften. Immer schien sich Reuter ganz jenen Themen zu verschreiben, ging in emotionaler Hingabe und Identifikation auf, nur um dann wieder Distanz einzunehmen, um das Geschehen aus einer neuen Perspektive und in anderem Licht zu betrachten.

Jerome Reuter ist ein Suchender auf den verschlungenen Wegen der Geschichte, getrieben von einer Sehnsucht nach Europa, dem Mythos, der Utopie - zwischen aufgeklärtem Manifest und irrationaler Festung. Als zentrale Metapher dient ihm diesmal Civitas solis, der "Sonnenstaat" aus der utopischen Schrift des Dominikaners Tommaso Campanella (1623). Darin wird der wirtschaftliche und politische Aufbau eines idealen Staates imaginiert - eine der ersten gesellschaftlichen Utopien. In der Welt von ROME kann dieses Modell höchst ambivalent gelesen werden, denn Reuter bewegt sich von jeher assoziativ zwischen Anarchismus und Traditionalismus.

Stilistisch bedient sich ROME auf "Civitas Solis" einer ungewöhnlichen Bandbreite - angelegt zwischen der Liedermacherkunst von Jacques Brel, Leonard Cohen und Townes van Zandt, kalten Dark Wave-Akkorden und akzentuierten Akustikgitarren. Das Wechselbad aus martialischen Hymnen und introspektiven Balladen kehrt zu zahlreichen Schlüsselmomenten aus zwanzig Jahren Bandgeschichte zurück und wie alle ROME-Alben wirft es vor allem Fragen auf. Provozierende Fragen. Was wird unsere Zukunft bringen? Und was bedeutet das für Europa? Uns bleibt nichts übrig, als in die Fern blicken, "standing on the Western Wall". Jerome Reuter ist ein "Man against Time" und mit ihm bezeugen wir den Sturm.

Nach den letzten Jahren, die durch ein mit dem American Music Award und dem iHeart Radio Award ausgezeichnetes internationales Nummer-1-Album ”Impera”, das auch in Deutschland die Spitze der Charts
eroberte, eine RIAA-zertifizierte Platin- und eine UK-zertifizierte Gold-Single sowie eine massive Welttournee, die in dem rekordverdächtigen Kinofilm ”Rite Here Rite Now” verewigt wurde, welcher es bis auf
Platz 3 der deutschen Kino-Charts schaffte, geprägt waren, wird 2025 für GHOST das bisher geschäftigste,
ehrgeizigste und schlichtweg größte Jahr werden. Mit der Enthüllung von SKELETÁ, dem kommenden
sechsten Album der GRAMMY-gekrönten schwedischen Theatralik-Rock-Ikonen, und der heimtückischmelodischen Leadsingle „Satanized“ hat GHOST gerade erst die nächste Phase ihres unausweichlichen
Weges zur Weltherrschaft eingeleitet. Mit Hunderttausenden von bereits verkauften Tickets für den ersten
Teil einer weltweiten Arena-Tournee, bei der die Band zum ersten Mal als Headliner im Madison Square
Garden auftritt, ist GHOST bereit, das introspektivste und nach innen gerichtete Material der Bandkarriere
zum Leben zu erwecken - und das in einem angemessen grandiosen Stil: Auf der Tournee zu SKELETÁ
wird der neu getaufte Papa V Perpetua sein Debüt geben, der einer phantasmagorischen neuen Produktion
vorsteht, die verspricht, die Live-Rituale zu übertreffen, die den Debütfilm der Band, RITE HERE RITE
NOW, zum umsatzstärksten Hardrock-Kinoereignis der nordamerikanischen Geschichte machten

Yann Tiersen veröffentlicht sein mit Spannung erwarteten neuen Albums 'Rathlin from a Distance | The Liquid Hour' am 4. April 2025 auf Vinyl, CD und digital via Mute.

'Rathlin from a Distance | The Liquid Hour' ist ein Album, das in zwei unterschiedliche, jedoch miteinander verbundene Teile gegliedert ist, die jeweils ihre eigenen klanglichen Merkmale aufweisen: 'Rathlin from a Distance' besteht aus acht vornehmlich instrumentalen, introspektiven Klavierstücken, 'The Liquid Hour' dagegen ist ein ausgedehnter, genreübergreifender Hybrid aus elektronischen Klängen und psychedelischen Rhythmen.

Die vierköpfige Band aus Columbus, Ohio in den Vereinigten Staaten ist seit langem für ihre kraftvolle Mischung aus treibenden Rhythmen, melodischem Gesang und eindringlichen Klanglandschaften bekannt. Mit "Get Well Soon" fügen sie dieser Liste noch packendes Songwriting hinzu. LO-PAN definieren ihren amerikanischen Hard Rock weiter und tiefer aus: Dieser mischt brutzelnden Hardrock mit Metal und einer satten Prise Grunge. LO-PAN haben sich in der pulsierenden Underground-Szene von Columbus, Ohio aufgrund ihrer geteilten Liebe zu Vintage Rock, Stoner Metal und modernem Heavy Metal zusammengefunden. Die vier Musiker eint außerdem die Leidenschaft zur Grenzüberschreitung. Es war kein Zufall, dass sie sich nach dem magischen Erzschurken aus dem Kultfilm "Big Trouble in Little China" benannten, denn die Band wollte filmisches Drama mit überlebensgroßer Energie verbinden. Von Anfang an zeichneten sich LO-PAN auch durch eine intensive Live-Präsenz und einen Sound aus, der klassischen Rock mit dem erdrückenden Gewicht von Stoner- und Doom-Einflüssen kombiniert. LO-PANs Debütalbum "Sasquanaut" aus dem Jahr 2009 brachte den sofortigen Durchbruch. Das zweite Album "Salvador" (2011) verfeinerte das Klangerlebnis und demonstrierte musikalische Reife. Im Jahr 2019 veröffentlichten LO-PAN "Subtle", das eine Weiterentwicklung ihres Sounds markierte. Die Band wagte das Risiko, mit einer introspektiven und atmosphärischen Herangehensweise neue emotionale Tiefen zu erkundete, was sich bei Kritikern und Fans gleichermaßen auszahlte. "Get Well Soon" läutet einen weiteren großen Sprung nach vorne für LO-PAN ein. Heavy, cool, eingängig und mit einer ausgeprägten emotionalen Kraft, die aus Erfahrung und Reife erwachsen ist, trägt "Get Well Soon" die Amerikaner sicherlich an neue Orte rund um den Globus.

Mit AVEC präsentiert die österreichische Singer-Songwriterin AVEC ein selbstbetiteltes Album, das die bittersüßen und zärtlichen Momente des
Lebens nahtlos miteinander verbindet. Diese Sammlung verkörpert ihre charakteristische Mischung aus sanften Melodien, introspektiven Texten und
cinematischen Klanglandschaften. Roh und intim taucht das Album in die Komplexität menschlicher Beziehungen und persönlicher Introspektion ein
und lädt die Hörer:innen in eine Welt ein, in der Verletzlichkeit auf Widerstandsfähigkeit trifft und Herzschmerz mit Hoffnung tanzt.
Seit 2015 AVECs erste EP “Heartbeats” erschienen ist, rüttelt die junge österreichische Musikerin gekonnt und gut am Bild dessen, was man über
zutiefst ehrliche Popmusik zu wissen geglaubt hat. Die erste, sehr erfolgreiche Single “Granny” hat den Weg zum jugendlich-melancholischen
Debütalbum “What If We Never Forget” geebnet. Es wurde mit mehreren Nominierungen bei den Austrian Amadeus Music Awards (unter anderem
“Künstlerin des Jahres” und “Best Sound”) belohnt: ein erstes, starkes Folkpop-Statement, reduziert, kraft- und eindrucksvoll. So eindrucksvoll, dass
AVEC in weiterer Folge unter anderem Support-Slots für Zucchero, Sting oder The Tallest Man On Earth gespielt hat.

Diese Sonderveröffentlichung feiert den 20. Jahrestag von The Grind Date. Die LP ist als Splatter-Vinyl
in limitierter Auflage erhältlich und enthält neben dem Originalalbum 4 Instrumentalversionen der Haupttitel. Die 2CD enthält außerdem 2 brandneue Titel, die während derselben Sessions wie The Grind Date
aufgenommen wurden. Diese noch nie zuvor veröffentlichten Titel mit den Titeln „Respect“ und „Bigger“
ergänzen dieses bereits bekannte Album perfekt.
De La Soul ist eine einflussreiche Hip-Hop-Gruppe, die Ende der 1980er Jahre gegründet wurde. Das
Trio, bestehend aus den Mitgliedern Kelvin Mercer (Posdnuos), David Jude Jolicoeur (Trugoy the Dove)
und Vincent Mason (Maseo), ist für seinen einzigartigen Sound und seine innovative Herangehensweise an
Hip-Hop bekannt. Ihnen wird oft zugeschrieben, dass sie mit ihrem eklektischen Stil, ihrer Verwendung
von Sampling und ihren positiven Botschaften die Landschaft des Genres mitgestaltet haben.
„The Grind Date“ ist das sechste Studioalbum von De La Soul und wurde 2004 veröffentlicht. Das Album markierte eine bedeutende Rückkehr der Gruppe nach einer Pause seit ihrem letzten Album im Jahr
2001. „The Grind Date“ zeigt De La Souls charakteristische Mischung aus cleveren Texten, innovativer
Produktion und einer Mischung aus verspielten und introspektiven Themen. Das Album enthält eine Fülle
spannender Gastauftritte von Künstlern, darunter MF Doom, Ghostface Killah, Flava Flav und Sean Paul.

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

DRUDKH ist eine verehrte Größe im Bereich des atmosphärischen und heidnischen Black Metal. DRUDKH sind bekannt für ihre beschwörenden Geschichten und tiefgründigen musikalischen Kompositionen und stehen für künstlerische Tiefe, die nahtlos das Körperliche mit dem Ätherischen verschmelzen.

Mit Shadow Play bieten DRUDKH eine fesselnde Odyssee durch Themen wie Exil, den zyklischen Tanz von Leben und Tod und eine ergreifende Sehnsucht nach den eigenen Ursprüngen. Ein Album, das Sie in ein Reich einlädt, in dem Stille gegen Sturm kämpft und Licht mit Schatten verwoben ist. Eine 6-Track-Reise - Scattering the Ashes rührt die Seele mit seiner introspektiven Melancholie, während April Sie in eine meditative Trance hüllt. Die Erzählung entwickelt sich mit The Exile, das die Essenz der Vertreibung einfängt, und setzt sich mit den ergreifenden Echos in Fallen Blossom fort. The Eve ist eine meditative Betrachtung über die flüchtige Schönheit des Lebens, und das ausladende The Thirst schließt diese Erkundung mit einer tiefgründigen Reflexion über die menschliche Sehnsucht ab.

Shadow Play ist eine eindrucksvolle Erfahrung, die dich dazu herausfordert, dich mit deinen Schatten zu konfrontieren und in dem komplizierten Tanz von Licht und Dunkelheit zu schwelgen

Shadow Play bietet eine High-Fidelity-Produktion: Aufgenommen bei ViTeR Music und gemastert von Jaime Gomez Arellano bei Orgone Mastering, verspricht Shadow Play ein Klangerlebnis von höchster Qualität. Von der Erinnerung in "Scattering the Ashes" bis zur Introspektion in "The Thirst" erwartet den Hörer eine unvergleichliche Hörreise.

Für Fans von Agalloch, Winterfylleth, Saor

DRUDKH ist eine verehrte Größe im Bereich des atmosphärischen und heidnischen Black Metal. DRUDKH sind bekannt für ihre beschwörenden Geschichten und tiefgründigen musikalischen Kompositionen und stehen für künstlerische Tiefe, die nahtlos das Körperliche mit dem Ätherischen verschmelzen.

Mit Shadow Play bieten DRUDKH eine fesselnde Odyssee durch Themen wie Exil, den zyklischen Tanz von Leben und Tod und eine ergreifende Sehnsucht nach den eigenen Ursprüngen. Ein Album, das Sie in ein Reich einlädt, in dem Stille gegen Sturm kämpft und Licht mit Schatten verwoben ist. Eine 6-Track-Reise - Scattering the Ashes rührt die Seele mit seiner introspektiven Melancholie, während April Sie in eine meditative Trance hüllt. Die Erzählung entwickelt sich mit The Exile, das die Essenz der Vertreibung einfängt, und setzt sich mit den ergreifenden Echos in Fallen Blossom fort. The Eve ist eine meditative Betrachtung über die flüchtige Schönheit des Lebens, und das ausladende The Thirst schließt diese Erkundung mit einer tiefgründigen Reflexion über die menschliche Sehnsucht ab.

Shadow Play ist eine eindrucksvolle Erfahrung, die dich dazu herausfordert, dich mit deinen Schatten zu konfrontieren und in dem komplizierten Tanz von Licht und Dunkelheit zu schwelgen

Shadow Play bietet eine High-Fidelity-Produktion: Aufgenommen bei ViTeR Music und gemastert von Jaime Gomez Arellano bei Orgone Mastering, verspricht Shadow Play ein Klangerlebnis von höchster Qualität. Von der Erinnerung in "Scattering the Ashes" bis zur Introspektion in "The Thirst" erwartet den Hörer eine unvergleichliche Hörreise.

Für Fans von Agalloch, Winterfylleth, Saor