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"Magical Thinking", Faraos drittes Studioalbum, entfaltet sich als vielschichtige Reise durch Verlust, Sehnsucht und Verwandlung. In Anlehnung an den Titel und den Geist von Joan Didions "The Year of Magical Thinking" bewegt es sich durch das stille Terrain zwischen Verleugnung und Akzeptanz - wo Trauer nicht gelöst, sondern getragen wird. Es sind Songs über Wiederaufbau und Widerstandsfähigkeit, geprägt von Themen wie Trauer, Mutterschaft und den wesentlichen Ritualen, die uns aufrecht halten, wenn die Klarheit schwindet. Das Album wurde zwischen Oslo und Berlin aufgenommen und pulsiert mit dem Flair des R&B der 90er Jahre, dem Glanz der 80er-Disco und der kontemplativen Schwungkraft des spirituellen Jazz - allesamt verankert durch Faraos intime Vocals und komplexe Arrangements. Vom ersten Schimmern von ,Waiting for You", wo Herzschmerz in Pailletten gekleidet ist und ein Groove an Robyn und Chaka Khan erinnert, lädt uns das Album in eine Welt ein, in der Sehnsucht zum Leuchten gebracht wird. In ,Spiritual Garden", benannt nach einer flüchtigen Textzeile von Janet Jackson, schafft Farao eine feuchte, narkotische R&B-Träumerei. Percussion im Stil von Timbaland und seidige Basslines umhüllen die unerwarteten Texturen ihrer Zither und beschwören eine Meditation über Verlassenheit und die fragile Rückeroberung des Selbstwertgefühls herauf. Wenn ,Dreamy Ride" einsetzt - wo Aaliyahs Coolness auf Dorothy Ashbys kosmische Harfe trifft -, gleitet das Album in nächtliche Bewegungen, eine R&B-Fantasie für nächtliche Autofahrten um 2 Uhr morgens, wobei ihre Zither sich wie ein Leitstern durch den Mix webt. Der verspielte Synth-Jam ,Hey Ladies" und eine kühne Neuinterpretation von Brandys ,Full Moon" lockern die Stimmung in der Mitte des Albums auf. Ersterer ist eine freche, einminütige Hommage an Destiny's Child, letzterer eine nächtliche Elegie, die einen geliebten Klassiker in tiefe Bässe und schimmernde Synthesizer hüllt. Dann kommt ,Xiang Xiang", ein intimes Intermezzo, das um eine geflüsterte Stimme einer Freundin herum aufgebaut ist und uns an die realen Bindungen erinnert, die Faraos üppiges Klanguniversum erden. Im Zentrum des Albums steht der Titeltrack ,Magical Thinking", der direkt auf Didions Memoiren Bezug nimmt. Hier zeichnen pulsierende Synthesizer und schwebende Vocals die verschwommene Grenze zwischen Präsenz und Dissoziation nach. Es folgt ,Endelig" (,endlich" auf Norwegisch), ein tiefes Ausatmen - ein minimalistisches, spirituelles Jazz-Intermezzo, das die Illusion einer Auflösung vermittelt. Farao tut sich dann mit dem Ambient-Pionier Laraaji für ,Voice Continues" zusammen, einer weitläufigen, von der Vierten Welt inspirierten Meditation, in der Zither, mehrschichtige Vocals und Synth-Texturen einen Klangteppich bilden, der die Spuren mütterlicher Liebe über Generationen hinweg nachzeichnet. ,Tschüssi" (ein luftiger deutscher Abschiedsgruß) wird zum Gefäß für etwas weit Schwerwiegenderes: ein Abschied, durchzogen von sich wiederholenden Erinnerungen und emotionaler Desorientierung, aufgebaut um ein gespenstisches Fragment aus Faraos Track ,Marry Me". Das Album schließt mit ,Sleep It O" zu einer verschwommenen, gnädigen Note, einem Wiegenlied für die Überwältigten - eine letzte Erlaubnis, sich auszuruhen, loszulassen, sich einfach hinzulegen. Keine Verheißung der Heilung, sondern eine mitfühlende Pause in einem Album, das von Sehnsucht und Illusion geprägt ist. RIYL: Erika de Casier, Tirzah, Sade, Kelela, Qendresa, Caroline Polachek, Solange

Jessika Kenney ist Sängerin, Komponistin, Autorin, Klangkünstlerin und Lehrerin, deren Engagement für Improvisation, Poesie und Klangforschung eine einzigartige Perspektive hervorgebracht hat. Ihre Erkundungen von Klang, Raum und der Metaphysik des Klangs wurden in vielen Kontexten und an vielen Orten präsentiert, darunter in der Seattle Public Library, im Nottingham Contemporary und im Benton Museum. Zu ihren Kollaborationen und Projekten gehören eine umfangreiche Diskografie mit Eyvind Kang, das letzte aufgezeichnete Vokalwerk von Alvin Lucier, Auftritte mit Melati Suryodarmo, die Komposition der Vokalmusik für A24s Midsommar und die Chorleitung für SUNN O)))'s Monoliths and Dimensions. Jessika Kenney, bekannt für ihren einzigartigen Umgang mit der Stimme, hat in den letzten zwei Jahrzehnten neue Klangwelten geschaffen, die auf intensiven Studien, rituellen Praktiken und einer ungezähmten Ausdruckskraft beruhen. Von ihren gefeierten Kollaborationen mit Eyvind Kang bis zu ihrer Vokalkomposition für A24s ,Midsommar" bewegen sich Kenneys Arbeiten an der Schnittstelle zwischen dem Heiligen, dem Klangvollen und dem Unsichtbaren. Auf Uranian Void wendet sich Kenney nach innen und spürt den Konturen von Erinnerung, Resonanz und Wahrnehmung nach. Mit verschwommenen Sinuswellen, Hydrofonaufnahmen, einem Ghazal von Hafez und Originaltexten ist das Album eine Meditation über Liminalität, in der Schimmer und Schatten gleichermaßen vibrieren. Kenneys Stimme webt sich durch alles hindurch: manchmal flüsternd, manchmal strahlend , immer präzise. ,Dieses Album ist eine Übung in Transparenz innerhalb der Dunkelheit", erklärt Kenney. ,Es geht darum, offen zu bleiben für Zweifel , für Nachhall, für das, was jenseits unserer Wahrnehmung liegt." ,Uranian Void" wurde von Randall Dunn (SU NN O))), Kali Malone, Annea Lockwood) produziert und aufgenommen, dessen charakteristische räumliche Details und Tiefe dem Album seine immersive Klangarchitektur verleihen. Jeder Ton, jeder Atemzug und jede Resonanz wird mit Intimität und Dimension wiedergegeben und verstärkt Kenneys Erforschung von Präsenz und Abwesenheit. Fragmente, die während Besuchen in Spokane, ihrem Elternhaus, aufgenommen wurden, bilden die Grundlage des Albums. Im Studio transformiert, werden diese zu beschwörenden Vierzeilern - leise, aber eindringlich - die den subtilen Puls von Ort, Zeit und Körper offenbaren. Echos der Vergangenheit verschmelzen mit der Gegenwart , als ob die Wände selbst sich erinnern und mitschwingen würden. Uranian Void ist Musik für Schwellenbereiche - eine Einladung, sich mit dem Unsichtbaren und Kaum hörbar. Mit dieser kraftvollen und poetischen Aussage bestätigt sich Kenney als eine der visionärsten Vokalistinnen der Gegenwart.

Klavier, Gesang, Percussion: Bodo Wartke
Musik & Texte: Bodo Wartke
außer „Die Klapperschlangen“: Musik von Matthias Kräutli und „Mondscheinsonate“: Musik von Ludwig van Beethoven Produzenten: Bodo Wartke & Sven Schütze außer „Die Klapperschlangen“: Bodo Wartke, Matthias Kräutli Aufgenommen im Juni 2025 in den Clouds Hill Studios, Hamburg.

Studio-Album zum siebten Klavierkabarettprogramm Wunderpunkt. Abera Kadabera! Feiner Sprachwitz, überraschende Reimkultur und virtuoses Klavierspiel – das siebte Programm von Bodo Wartke bietet unterhaltsames Musikkabarett und wortakrobatischen Zungenbrecher-Slam.
Der Entertainer und Poet setzt das Staunen gegen die Macht der Gewohnheit, stellt Humor den alten Mustern an die Seite. Leichtigkeit! – Warum nicht? Bodo Wartke bringt es auf den Wunderpunkt!

Villain of the Story sind zurück... Mit „Convergence: Two Minds In One“ präsentiert die Band ihr bislang persönlichstes, künstlerischtes und kompromisslosestes Werk. Das Album erscheint am 26. September und markiert ein neues, kraftvolles Kapitel: Eine Wiederauferstehung voll emotionaler Tiefe, gesanglicher Entwicklung und einer Geschichte, die den Breakdowns an Intensität nichts nachlässt. Die Platte steht sinnbildlich an einem Wendepunkt; zwischen Licht und Dunkelheit, Heilung und Zerstörung. Mit dem Einstieg des neuen Sängers Cody Crook meldet sich Villain of the Story eindrucksvoll zurück und liefert ein Album ab, das messerscharfen Metalcore, mitreißende Melodien und schonungslos ehrliches Storytelling vereint, auf eine Art, wie es nur wenige Bands wagen. Klanglich geht die Band dabei so weit wie nie zuvor, jeder Song ist emotional aufgeladen und bis ins Detail durchdacht. Doch „Convergence“ ist mehr als nur ein Album. Es ist eine Geschichte über Schmerz, Liebe, Verlust und den inneren Kampf. Erzählt wird das Leben eines Mannes, der von seinen Traumata und einem dämonischen Wesen – sei es real oder sinnbildlich – verfolgt wird, das sich von seinem Leid nährt. Eine Geschichte über Erlösung, die zur Tragödie wird: Liebe hat ihn einst gerettet, doch der Verlust droht alles zu zerstören. Im finalen Titeltrack „Two Minds In One“ kulminiert das Drama mit der alles entscheidenden Frage: Wer hat am Ende die Kontrolle? „Das übergeordnete Thema des Albums ist, dass nicht jede Geschichte ein Happy End hat. Am Ende haben wir die Wahl: Werden wir zu den schlimmsten Versionen unserer selbst, wenn alles zerfällt, oder nehmen wir den Schmerz an und versuchen, neu anzufangen?“ –Villain of the Story Egal ob du Villain of the Story von Anfang an verfolgst oder gerade erst entdeckst, „Convergence: Two Minds In One“ beweist, dass diese Band Veränderungen nicht nur überlebt, sondern daran wächst.

Auf ihrem selbstbetitelten zweiten Album taucht das Cosmic Tones Research Trio - bestehend aus Roman Norfleet, Harlan Silverman und Kennedy Verrett - tiefer in die spirituellen Klanglandschaften ein, die ihren genreübergreifenden Ansatz ursprünglich geprägt haben. Das in Portland, Oregon, ansässige Trio schafft ein transzendentales Hörerlebnis, das sowohl in meditativer Stille als auch in rhythmischer Dynamik verwurzelt ist. Mit einer Mischung aus Cello, Altsaxophon, Klavier, Flöten und einer eklektischen Palette von Texturen und Percussions vermittelt das Album eine heilige Energie, die sich sowohl uralt als auch zukunftsweisend anfühlt. Es ist Musik zum Nachdenken, zum Bewegen und für innere Reisen. Die Stücke entfalten sich mit geduldiger Anmut, pulsieren jedoch mit bewussten Rhythmen, die den Zuhörer erden - und damit den zeremoniellen Geist des kosmischen Jazz und tiefer Improvisationstraditionen widerspiegeln. Dies ist keine Hintergrundmusik, sondern eine Einladung, sich ganz einzulassen, mit den Instrumenten zu atmen und den Grenzraum zu erkunden, in dem Klang zum Gebet wird. Mit dem Cosmic Tones Research Trio setzen Norfleet, Silverman und Verrett ihre Erkundung klanglicher Territorien fort, in denen das Mystische und das Musikalische verschmelzen.

,Watercress" beginnt mit einem coolen, klaren Gitarrenriff. Die Stimmung hat sich gegenüber dem letzten Mal, als wir von S. Carey gehört haben, deutlich verändert. In ,Break Me Open" aus dem Jahr 2022 war er noch schwer besorgt - niedergeschlagen und reumütig nach einer großen verlorenen Liebe. ,Watercress" hingegen beginnt mit dem Klang hart erkämpfter Hoffnung. Tatsächlich wächst Brunnenkresse nur in klarem, seichtem Wasser. Und genau an diese Orte kehrt Sean Carey immer wieder zurück - um zu fischen, nachzudenken und zu wachsen. Die Jahreszeiten sind vergangen und er hat Zeit damit verbracht, im Wasser zu heilen, fließend und still. Die Teile wurden gesammelt und wieder zusammengesetzt. Natürlich wird die Musik von S. Carey immer etwas Wehmütiges haben. Aber hier ist es die Wehmut eines hellen, klaren Oktobermorgens. Diese gitarrenlastigen Songs sind in vielerlei Hinsicht eine Fortsetzung des beliebten Albums ,Hundred Acres" aus dem Jahr 2018. Die Gitarren geben den Takt vor. Das Schlagzeug ist das Rückgrat. Und Seans Stimme erzählt die Geschichte. Das klingt nach einem einfachen Rezept, aber es steckt mehr Nuance dahinter als bei einer Hochseilnummer. Aufgenommen im Hive in Eau Claire von Zach Hanson und Brian Joseph aufgenommen, mit der üblichen Besetzung, die bei Bedarf für Instrumentierung und Co-Composition sorgt, sowie den Gastsängerinnen Gia Margaret und Hannah Hebl, die sich wunderbar in das Gesamtgefüge einfügen und einen Sound schaffen, der vertraut und fast nostalgisch klingt - aber auch glänzend und neu. Sean Carey ist seit über fünfzehn Jahren ein wichtiges Mitglied von Bon Iver. Beginnend mit ,All We Grow" aus dem Jahr 2010 sind seine vier Alben und einige epische EPs auf offensichtliche und subtile Weise naturalistische Erkundungen der Landschaften des Herzens und der realen Welt, jede einzelne mit der Geduld eines echten Fischers und dem Scharfsinn eines Folk-Jazz-Phänomens.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

"Later Than You Think" erscheint bei seinem neuen Label YOUNG und beschäftigt sich mit Themen wie Trauer, Gerechtigkeit, Wiedergeburt, Transformation und spirituellem Kampf. Es ist ein Werk von Bekenntnis und Konfrontation, für das sich Affekt, Intellekt und Geist auf der Suche nach dem Schönen, der Wahrheit und dem Realen zusammenschließen. Entstanden ist das Album in den Ozarks von Missouri. Die 16 Tracks vereinen Elemente und Gegensätze wie Üppigkeit und rohe Reduziertheit, das Heilige und das Profane, minimalistische Disziplin und maximale Schwelgerei, Kontrapunkt und simple Popharmonien. Im Kern unterstreicht das Album aber vor allem Maus" Hingabe an radikale Aufrichtigkeit und emotionale Wahrhaftigkeit in einem Zeitalter der Entfremdung - angetrieben von Konfrontation, Glauben und der tiefen Überzeugung, dass Sinn und Bedeutung noch immer etwas meinen. Maus, der einen Abschluss in Experimental Music und einen Doktortitel in Politikwissenschaft hat, wurde für die Art und Weise, auf die er akademische Sorgfalt und Lo-Fi Synthpop-Ästhetik verbindet, mal als "philosopher pop star" mal als "analog futurist" bezeichnet. Sein Wirken zieht sich dabei quer durch die Popkultur - von der Grime-Ikone Skepta, der seinen Track "I"m Only Human" sampelte bis zum Gen-Z-Rapper nettspend, von Filmemacher Josh Safdie ("Uncut Gems") bis zum Fotografen Wolfgang Tillmans. Sein Track "Cop Killer" ist im 2025er Film "Friendship" mit Tim Robinson und Paul Rudd enthalten. Mit exzessiven Liveshows und seinen bislang erschienenen Alben, auf denen Ironie, Trauer, Freude und Absurdität stets dicht beieinander liegen, hat Maus einen einzigartigen Weg beschritten und sich eine ergebene Fanbase erspielt.

"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

Everything Is Recorded, ist das musikalische Kollaborationsprojekt von XL-Recordings Chef Richard Russell. Auf dem Album "Temporary" sind zu hören u.a. Sampha, Bill Callahan, Noah Cyrus, Florence Welch, Maddy Prior, Berwyn, Alabaster Deplume, Jah Wobble, Yazz Ahmed, Laura Groves, Kamasi Washington, Ricky Washington, Roses Gabor, Jack Penate, Samantha Morton, Clari Freeman-Taylor und Nourished By Time. "Temporary" entstand im Verlauf von vier Jahren in Russells Londoner Copper House Studio und während einiger zusätzlicher Sessions in Tottenham, Cumbria, Dorset, Los Angeles und Las Vegas Es schließt an die vorangegangenen Releases wie das 2018 für den Mercury Prize nominierte Debüt an. Auf dem neuen Album erfährt Russells musikalische DNA allerdings ein Reboot: Sein Cut & Paste Approach reicht in die Zeit vor Sampling-Helden wie The Bomb Squad und Prince Paul zurück bis hin zu Innovatoren wie Steve Reich, Robert Rauschenberg und William S. Burroughs. Während Russells Musik bislang geprägt war von Rhythmus, Worten und Melodie - in ebendieser Reihenfolge - tauschen zwei Aspekte diesmal ihre Rollen. Der Rhythmus tritt zugunsten der Melodie in den Hintergrund. Musikalisch ist "Temporary" vom Gedankenexperiment "what if folk music had "gone digital" in the 80s, just as reggae had?" geleitet, während sich in spiritueller und lyrischer Hinsicht vieles um Trauer und den Verlust von Freunden, Familienmitgliedern und Kollegen dreht. Im Ergebnis stehen leuchtende und gelassene Kompositionen, auch dank der faszinierenden und vielfältigen Gästeliste, die "Temporary" mitbringt. Die fragilen, zärtlichen und stillen Tracks liefern vielleicht eines der sanftesten Alben, die je über den Tod geschrieben wurden. "Das Album zu machen, war erfüllend, eine Art, das Leben zu heiligen", so Russell. "Temporary" ist die erste reguläre Veröffentlichung von Everything Is Recorded nach über vier Jahren. In der Zwischenzeit war Russell allerdings nicht untätig. Via Soundcloud und Bandcamp erschienen zuletzt "Summer Solstice", "Autumn Equinox", "Winter Solstice" und "Spring Equinox", die alle mit einer Reihe von Gastmusikerinnen und -.musikern im Rahmen ausgiebiger Jams an jeweils nur einem Tag entstanden. Mit der Schauspielerin und Regisseurin Samantha Morton tat er sich zum Duo Sam Morton zusammen, welches sein Debüt "Daffodils und Dirt" veröffentlichte. Für Peter Gabriels Comeback-Album "i/o" produzierte Russell den Song "Four Kinds of Horses".

FAUN lädt mit "HEX" zu einer musikalischen Reise ein, die tief in die Mythen und Legenden verschiedener Kulturen eintaucht. Doch dieses Album ist mehr als nur Musik - es ist eine Erkundung der weiblichen Magie, eine Reflexion über die Kraft der Heilerinnen, Seherinnen und Zauberinnen, die in der Geschichte oft gefürchtet und verfolgt wurden. Dabei werden nicht nur die traditionellen Klänge vergangener Zeiten lebendig, sondern auch moderne musikalische Elemente kunstvoll eingeflochten, um die für FAUN exemplarische einzigartige und fesselnde Klangwelt zu schaffen. Mit "HEX" beweisen FAUN einmal mehr ihr Können, sowohl musikalisch als auch inhaltlich. Unter der kreativen Leitung von Oliver Satyr, Magister Artium der mittelalterlichen Philologie, wurden die Texte sorgfältig recherchiert, um den Hörer mit Authentizität und Tiefgang zu fesseln. Bereits der Titel "HEX" verweist auf das alte Wort für Hexe - "Hagazussa" - diejenige, die zwischen den Welten wandelt. FAUN nehmen diesen Gedanken auf und lassen ihn in ihren Songs aufblühen.

Das Album verbindet historische Quellen aus der germanischen, keltischen und angelsächsischen Mythologie und öffnet so ein Tor zu längst vergessenen Zeiten. Doch FAUN lassen sich nicht allein von europäischen Mythen inspirieren und diese Vielfalt macht "HEX" zu einem Album, das den musikalischen Horizont weit über das Mittelalter hinaus erweitert. Die musikalische Umsetzung dieses Themas ist so facettenreich wie die Geschichten selbst: FAUN verbinden traditionelle Instrumente wie Drehleier, Dudelsack, Laute, Schlüsselfiedel, Harfe und Flöte mit Synthesizern, elektronischen Beats und mehrstimmigem Gesang. So entsteht eine unverwechselbare Mischung aus Vergangenheit und Gegenwart. Besonders beeindruckend ist die Bandbreite der Songs. Neben der musikalischen Vielfalt steckt "HEX" voller tiefgründiger Fragen: Warum fürchten wir Hexen, aber nicht jene, die sie verbrannten? Warum gelten Heilerinnen und Weise Frauen oft als Bedrohung, obwohl sie Wissen und Schutz bringen? FAUN greift diese Fragen nicht nur in den Texten auf, sondern lässt sie auch musikalisch spürbar werden - jede Melodie, jeder Klang erzählt eine Geschichte. FAUN haben sich längst einen festen Platz in der Welt der Folk- und Mittelaltermusik erobert. Sie zählen zu den führenden Bands dieses Genres und haben mit ihren einzigartigen Klangwelten weltweit mehr als 1000 Konzerte gespielt - egal ob vor sitzendem Publikum oder auf großen Festivals, sie begeistern immer. Ihre Alben haben sich auf beeindruckende Weise in den deutschen Albumcharts behauptet: "Pagan" und "Midgard" schafften es auf Platz #3, während "Von den Elben" Platin-Status und "Luna" Gold-Status erreichten. Ihre Leistung wurde mehrfach gewürdigt - so wurden sie drei Mal für den Echo, Deutschlands größten Musikpreis, nominiert. FAUN bleiben sich treu, wagen gleichzeitig Neues und eröffnen mit "HEX" ein weiteres, eindrucksvolles Kapitel ihrer Erfolgsgeschichte.

Dieses Album ist eine Einladung, in magische Welten einzutauchen, Mythen neu zu entdecken und die unbändige Kraft des Pagan Folk zu spüren. Sie erschaffen eine Klangwelt, die sowohl historisch tief verwurzelt ist als auch zeitgemäß und innovativ klingt. Das macht sie nicht nur zu Vorreitern in der deutschen Musikszene, sondern auch zu einer Band, die über die Genregrenzen hinaus große Anerkennung findet.

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

"Sun" ist das erste Album der aus Tennessee stammenden Baritonsaxophonistin Zoh Amba für das in Oslo ansässige Label Smalltown Supersound - und ihr zweites Album nach "Oh Sun", das 2022 auf dem Label Tzadik erschienen ist. Auf "Sun" stellt Amba eine neu zusammengestellte Gruppe mit einer Reihe von Kompositionen vor, die die Grenze zwischen Performance und Prozess verwischen - wobei sich sowohl die Musik als auch der Akt ihrer Aufnahme in Echtzeit entfalten, teilweise geleitet von improvisatorischen Aufnahmetechniken. Als Bandleaderin bewegt sich Amba an den Rändern eines improvisatorischen Deltas, in dem spiritueller Jazz und Free Folk nicht als getrennte Genres auftreten, sondern als Nebenflüsse derselben Strömung, die beide aus einem gemeinsamen Glauben an die Musik als heilige Kraft entspringen. Die Entscheidung, "Sun" auf Smalltown Supersound zu veröffentlichen, entstand aus einer gemeinsamen Verbindung zum verstorbenen deutschen Saxophonisten Peter Brötzmann, der sowohl ein spiritueller Mentor für Amba war als auch mehrere Platten auf dem Label veröffentlicht hat. Und während das Album in amerikanischen Folk-Traditionen verwurzelt ist, ist es Brötzmanns furchtloser Geist - selbst ein immenser historischer Katalysator für den europäischen Free Jazz -, der wie ein roter Faden durch die musikalische Zusammenarbeit des Ensembles und seine experimentellen Aufnahmetechniken verläuft. Für Amba war es jedoch wichtig, dass das Ensemble - bestehend aus Caroline Morton (Bass), Lex Korton (Piano) und Miguel Marcel Russel (Percussion) - vor den Aufnahmen eine tiefere musikalische Verbindung aufbauen konnte: ,Wir haben tagelang einfach nur zusammen gespielt, und ich habe versucht, mir mental Notizen zu machen, was in dieser Band ganz natürlich vorhanden war - bevor ich Anweisungen gab oder Noten austeilte. Ich wollte sehen, wo wir alle in diesem Moment in unserem Leben standen. Von dort aus begann ich, mit ihnen den Prozess zu gestalten. So entstanden die Struktur der Band und der Ansatz für das Album."

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Legendary repress of an incredibly good and classic release in 180g on Andre Kronerts very own ODD EVEN label. The label uses the original master that was created by the legendary CGB at Dubplates & Mastering. This incredibly deep and driving EP by Johannes has made countless dancefloors around the world dance and with its abnormal depth and moving moments has created countless beautiful memories. Let's relive these moments in extra heavy 180g pressed vinyl.

„By Night“ is a classic statement of a true mastermind and techno pioneer and a homage to of what we all living for - Energy, Light, Power, Hope, Peace and Love.

Folk-Musik hat die schlechte Angewohnheit, als eine todernste Angelegenheit dargestellt zu werden. Sie ist etwas, zu dem man weint, sie ist übermäßig heilig, sie ist feierlich von Kritikern und Historikern betrachtet. Aber das Folk Bitch Trio, die ehemaligen Highschool-Freundinnen Heide Peverelle (,they/them"), Jeanie Pilkington (,she/her") und Gracie Sinclair (,she/her"), haben einen gemeinsamen Sinn für Humor , der tief in ihre Musik eingebettet ist und sie zum Leuchten bringt, sicher vor den selbsternsten Fallen des Genres. Now Would Be A Good Time, ihr Debütalbum, erzählt lebendige, viszerale Geschichten und ist witzig und dunkel-ironisch in der Art von Schriftstellerinnen wie Mary Gaitskill oder Otessa Moshfegh. Ihre Musik klingt vertraut, aber die Songs sind modern, jugendlich, singen akut durch dissoziative Tagträume und ärgerliche Trennungen, sexuelle Fantasien und Medienüberflutung, all die belanglosen Ressentiments und kleinen Demütigungen, die Anfang zwanzig in den 2020ern sind. ,Cathode Ray" beginnt mit Vorsicht, seine ersten Harmonien kommen in großen, schleifenden Seufzern an. Es ist verletzlich, aber auch ein wenig bedrohlich, mit , einem weit offenen Refrain und einem geräumigen, luftigen Beat, der alles verankert. ,Moth Song", ein Song über unerwiderte Liebe und ,von so durchgedreht zu sein, dass man sich wie im Wahn fühlt und verrückte Dinge halluziniert", bildet das sparsame Herzstück des Albums, wobei Anita Clarks wogende Geigenstimme wie in einem Traum in den Fokus hinein- und wieder herausdriftet. Andere Songs sind nicht so schräg, sondern schildern brutal vertraute Momente am Ende von Beziehungen: Der spannungsgeladene, emotional flüchtige Torch-Song ,The Actor" handelt laut Peverelle davon, ,zur One-Woman-Show deines Partners zu gehen und dann Schluss zu machen". In ,Hotel TV", einer hypnotischen, nächtlichen Träumerei, geht es darum, ,einen Sextraum über zu haben, während man neben seinem Partner sitzt, und der Partner ist ein Lügner", erklärt Pilkington. Die stärkste Verbindung zwischen dem Trio, abgesehen von der Freundschaft, ist Musik. ,Wir haben alle darüber gesprochen, dass wir Musik liebten, als wir aufwuchsen, , und dass wir wussten, dass Musik ein großer Teil unseres Lebens sein sollte", sagt Pilkington. Dieses Gefühl, dass Musik eine angeborene Berufung ist, im Gegensatz zu Hobby oder Torheit, war berechtigt: Das Folk Bitch Trio tourte bereits auf durch Australien, Europa und die USA und unterstützte dabei so unterschiedliche Bands wie King Gizzard, Alex G und Julia Jacklin. Sie haben bei Jagjaguwar unterschrieben, einer Heimat für einzigartige Ikonen und Ikonoklasten (Bon Iver, Angel Olsen, Sharon Van Etten, UMO und andere), und sie haben ihre ersten eingefleischten Fans mit schillernden Harmonien und bissiger Lyrik gefunden, die über Genreerwartungen und Publikumsgrenzen hinausgehen. Das sind die Herausforderungen: Es geht darum zu lernen, wie man ein Leben ohne Liebeskummer und Verlierer-Ex lebt, wann man im zeitgenössischen Nihilismus versinkt und wann man mit seinen Freunden lacht, und warum sich das Leben so flüchtig und unwirklich anfühlen kann. In diesem Sinne fühlt sich Now Would Be A Good Time wie ein Handbuch für das moderne Leben an: eine Botschaft dreier stolzer Folk Bitches, die gemeinsam Schönheit und Weisheit finden, wo sie können.

Mit ”Would You Still Love Me If You Really Knew Me?” veröffentlicht LQBTQ+-Ikone FLETCHER ihr
bisher persönlichstes Album – eine intime Reise durch Selbstzweifel, Mut und emotionale Heilung. Entstanden in der Reflexion auf eine zerrissene Tour-Erfahrung und den inneren Druck, zeigt sie sich so verletzlich wie nie. Produziert von Jennifer Decilveo, verbindet das Album Balladen mit tiefem Storytelling.

Zunächst nannte Gia Margaret ihr neues Album Romantic Piano, um ein wenig frech zu sein. Denn die sparsamen, sanften Klavierstücke haben mehr mit Erik Satie, Emahoy Tsegué-Maryam Guébrou und den "Marginalia"-Veröffentlichungen von Masakatsu Takagi gemeinsam als mit einem gemütlichen Date-Abend bei Kerzenschein. Doch in dieser Frechheit liegt eine verborgene Absicht: In dem wunderschönen Set wird "Romantik" in einem eher klassischen Sinne suggeriert, was die Deutschen als Waldeinsamkeit bezeichnen. Die Kompositionen beschwören die erhabenen Themen der romantischen Dichter herauf: Einsamkeit in der Natur, die Fähigkeit der Natur zu heilen und zu lehren, ein Gefühl von zufriedener Melancholie. "Ich wollte Musik machen, die nützlich ist", sagt Margaret und untertreibt damit gewaltig die Kraft der Platte. Romantic Piano ist neugierig, beruhigend, geduldig und unglaublich bewegend - aber es verweilt nicht länger als eine Sekunde. Margarets Debütalbum There's Always Glimmer war ein lyrisches Wunderwerk, aber als sie wegen einer Krankheit auf Tournee nicht mehr singen konnte, nahm sie ihr Ambient-Album "Mia Gargaret" (ein weiterer frecher Titel!) auf, das ein feines Gespür für Arrangement und Komposition zeigte, das bei den lyrischen Songs von There's Always Glimmer nicht voll zum Tragen kam. Auch Romantic Piano kommt fast ganz ohne Worte aus. "Das Schreiben von Instrumentalmusik ist im Allgemeinen ein viel freudigerer Prozess als das Schreiben von Lyrics und wirkt sich letztlich auf mein Songwriting aus.", sagt sie. Romantic Piano festigt sie als kompositorische Kraft. Ursprünglich hatte Margaret einen Abschluss in Komposition angestrebt, brach die Musikschule aber auf halbem Weg ab. "Ich wollte wirklich nicht in einem Orchester spielen", sagt sie über ihre Entscheidung, "ich wollte eigentlich nur Filmmusik schreiben. Dann begann ich, mich mehr und mehr darauf zu konzentrieren, eine Songschreiberin zu sein." Romantic Piano berührt in der Tat ein seltenes Gefühl in der Kunst, das oft nur dem Kino vorbehalten ist - die gleichzeitige Ehrfurcht vor dem Dasein mit der großen Linse und der intime innere Monolog nach der Sprache, wenn wir in unseren Schädeln festsitzen. Und das ist sehr romantisch!

L.A. Witch haben schon immer eine Aura müheloser Coolness ausgestrahlt, sei es in Form des Americana Noir und des lakonischen Back-to-Basics-Rock'n'Roll ihres selbstbetitelten Debüts oder des glühend strengen Abenteurertums ihres zweiten Albums "Play With Fire". Die Band - bestehend aus Sade Sanchez (Gitarre/Gesang), Irita Pai (Bass) und Ellie English (Schlagzeug) - begann als informelle Angelegenheit, aber die schwülen und betörenden, von Hall umhüllten Songs, die sie schufen, fanden beim Publikum Anklang und brachten das Projekt über den isolierten Raum von Freunden und Gleichgesinnten in Südkalifornien hinaus in die weite Welt. Auf ihrem neuesten Album "DOGGOD" geht das Trio über die bisherigen kreativen und geografischen Grenzen hinaus - das Material wurde in Paris produziert und die Tracks im Motorbass Studio in der Rue de Martyrs aufgenommen. "DOGGOD" erkundet ein breiteres klangliches Terrain, setzt ein größeres Arsenal an Sounds ein und erforscht größere existenzielle und kosmische Themen, ohne dabei den für die Band typischen Sinn für das Verbotene, das Verlassene und die Vorahnung zu verlieren. "DOGGOD" ist ein Weg, das universelle Rätsel der spirituellen Natur von Liebe und Hingabe anzugehen. "Ich habe das Gefühl, eine Art Dienerin oder Sklavin der Liebe zu sein", sagt Sanchez. "Ich bin bereit, für die Liebe zu sterben, indem ich ihr diene, für sie leide oder nach ihr suche - so wie ein treuer, ergebener Diensthund es tun würde." Der Titel des Albums ist ein Palindrom, das DOG und GOD zusammenfasst - eine Verherrlichung des Unterwürfigen und eine Subversion des Göttlichen. Es ist eine Anspielung auf die Reinheit von Hunden und eine Anerkennung ihrer bedingungslosen Liebe und ihres beschützenden Wesens, die im Widerspruch zu den verschiedenen abwertenden Assoziationen stehen, die mit dieser Spezies verbunden werden. "Es gibt diese symbolische Verbindung zwischen Frauen und Hunden, die die untergeordnete Stellung der Frau in der Gesellschaft zum Ausdruck bringt", erklärt Sanchez. "Und alles, was solche göttlichen Eigenschaften verkörpert, hat es nicht verdient, als Schimpfwort benutzt zu werden." Diese widersprüchlichen Erkundungen von Liebe und Unterwerfung manifestieren sich in der sanften und rauchigen Garagerock-Alchemie der Band, mit einer neu entdeckten Nutzung der disziplinierten Zurückhaltung und eisigen Instrumentierung des Post-Punk. Der Album-Opener "Icicle" zeigt, wie L.A. Witch aus dem Proto-Punk, der Psychedelia und den düsteren Riffs der 70er Jahre in die von Refrains durchtränkten Gitarren und den verlorenen Minimalismus von Joy Division und den frühen The Cure reist. Es wird eine Parallele zwischen romantischem Selbstmord und Märtyrertum gezogen, die sich im zweiten Song, "Kiss Me Deep", fortsetzt. Hier beschreibt Sanchez eine Liebe, die so rein ist, dass sie die Zeit übersteigt und sich über mehrere Leben erstreckt. Es ist ein Lied über Leidenschaft, vorgetragen mit dem weltlichen und verletzten Stoizismus der frühen Goth-Pioniere. Von dort aus geht die Band zur Leadsingle "777" über, einem Song über Hingabe bis hin zum Tod. Ein treibender Beat, ein treibendes, verzerrtes Riff und Sanchez' ätherischer Gesang vereinen sich zu einem Song, der sowohl düster in seinem Fatalismus als auch sinnlich in seiner treuen Leidenschaft ist. Auf dem gesamten Album "DOGGOD" weichen L.A. Witch nie von ihrer Muse ab. In "I Hunt You Pray" legt Pai einen hypnotischen Basslauf hin, während English einen zyklischen Krautrock-Groove einsetzt und Sanchez das Bild eines verlassenen Hundes am Straßenrand malt, der allein in der Nacht ist und sowohl als Jäger als auch als Gejagter lebt. Auf "Eyes of Love" macht sich die Band die meditativen Mid-Tempo-Wiederholungen, dekonstruierten Akkorde und esoterischen Betrachtungen über Liebe, Tod und Spiritualität zunutze, die Lungfish zu einer so beliebten Band gemacht haben. Es unterstreicht die Parallele zwischen der unerschütterlichen Liebe in den Augen eines Hundes und der Selbstaufopferung eines Erlösers. Auf "The Lines" nimmt die Band den treibenden Puls des Post-Punk und fügt dem Mix eine Extraportion Chorus hinzu. "Chorus ist ein moderner Effekt, der auf der Idee beruht, die leichten Tonhöhenunterschiede eines Chors nachzubilden. Es gibt eine schimmernde Qualität, die uns zurück zu diesem spirituellen, göttlichen Gefühl bringt", erklärt Sanchez. Gepaart mit dem Einsatz von Orgel und einer grüblerischen Moll-Melodie, beschwört der Song gleichzeitig das Heilige und das Sakrileg. Der Titeltrack "DOGGOD" hat vielleicht die größte Ähnlichkeit mit dem Material des Vorgängeralbums "Play With Fire", in den schlanken und gemeinen Gitarren auf eine raue Rhythmusgruppe und verträumten Gesang treffen. Aber während ihr vorheriges Album ein Aufruf war, seinen eigenen Weg zu gehen, bleibt "DOGGOD" dem "Bis dass der Tod uns scheidet"-Thema des Albums treu und geht sogar so weit, ein Maß an Unterwerfung zu beschreiben, das in gefährliche und ungesunde Gefilde übergeht, wobei Sanchez singt "hang me on a leash / `til I wait for my release". Letztendlich ist "DOGGOD" eine perfekte Verkörperung des Ansatzes von L.A. Witch. Es ist gleichzeitig romantisch und bedrohlich, ehrfürchtig und profan, eine Feier und ein Klagelied. Es spannt den Bogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, indem es vertraute Klänge aufgreift und sie für die Jetztzeit aufbereitet. Aber es läutet auch eine neue Ära für die Band ein, die über die Kodachrome-Erinnerungen an das Amerika der Jahrhundertmitte hinausgeht und tiefer in den mittelalterlichen und gotischen Energien von Paris und darüber hinaus gräbt, während sie gleichzeitig ein besudeltes Herz erforscht.

Ein Album zum Schlafen und Wachen, zum Gehen und Fahren, zum Jagen und Fischen, zum Herumlungern vor einer Raststätte in der verwunschenen Tundra. In Fahrstühlen okay, zum Abendessen nicht so toll. Auf Caveman Wakes Up, dem neuen Album von Friendship und ihrem zweiten für Merge Records, wird die historisch weit gefasste Definition von Country-Musik noch weiter gefasst. Shambolische Gitarren werden durch Flötenpads ausgeglichen, trübe Poesie trifft auf eine Motown-Rhythmusgruppe, ein Song über Jerry Garcia und die First Lady Betty Ford wird mit einem Schlagzeugsolo ausgeblendet, als käme Talk Talk aus einem schmuddeligen Keller in Philadelphia und würde von James Tate gespielt. Der zerklüftete Bariton des Songwriters Dan Wriggins schneidet durch elf düstere, wirbelnde Country-Rock-Songs mit tiefgründiger lyrischer Substanz und Aufrichtigkeit. Wie ein Wecker, der am Rande eines Traums eingebaut ist, gehört "Caveman Wakes Up" gleichermaßen zum bewussten und zum unterbewussten Verstand, voller Hintergründe, durchdrungen von Referenzen und Experimenten, beiläufig und als düstere Warnung vorgetragen und vor allem der kreativen Seele der Musik gewidmet. Im Laufe der Jahre hat sich diese Hingabe ausgezahlt. Friendship ist zu einer Art umgekehrter Supergroup geworden, in der die Band selbst und jedes einzelne Mitglied im Zentrum einer zunehmend prominenten Szene junger Folk- und Country-Musiker und Songwriter steht. Der Schlagzeuger Michael Cormier O'Leary leitet das Instrumentalkollektiv Hour und betreibt zusammen mit dem Bassisten Jon Samuels das Label Dear Life Records, das Freunde und Kollegen beherbergt, die Friendship zu einem wichtigen Einfluss zählen, darunter MJ Lenderman, Florry, und Fust. (Samuels spielt auch die Leadgitarre bei MJ Lenderman and the Wind). Die Band 2nd Grade des Gitarristen Peter Gill ist ebenfalls aktiv und macht zahlreiche Aufnahmen. Wriggins begann mit dem Schreiben der Songs von "Caveman Wakes Up" auf einer verstimmten klassischen Gitarre von Lenderman und beendete es auf einem kaum gestimmten Klavier in einer Wohnung, die er mit G DeGroot von Sadurn teilte. Im Sommer 2023 hatte Wriggins gerade den Iowa Writers' Workshop verlassen, wo seine Liebe zur Poesie und sein Misstrauen gegenüber der akademischen Poesiewelt gleichzeitig wuchsen. Eine Beziehung ging in die Brüche, und Wriggins übernachtete mehrere Wochen in North Carolina im Haus von Lenderman und Karly Hartzman (von Wednesday ), wo er die ersten Demos von "Resident Evil", "All Over the World" und "Love Vape" aufnahm. Wriggins kehrte nach Philadelphia zurück, und die Band machte sich an die Arbeit, um neue Ideen zu entwickeln. Schließlich nahmen sie das Album in fünf Tagen mit Tontechniker Jeff Ziegler (Mary Lattimore, War On Drugs) auf, den Gesang mit Bradford Kreiger, dem Techniker von Love the Stranger. Orgel, Geige (Jason Calhoun) und Flöte (Adelyn Strei) wurden von Lucas Knapp in einer Kirche in West Philadelphia aufgenommen. Textlich bewegt sich "Caveman Wakes Up" auf vertrautem Friendship Terrain - das Heilige wird profaniert und das Profane geheiligt. "Caveman Wakes Up" zeigt Friendships besonderes Genie für visionäre Arrangements, die über Generationen hinweg dem Folk-Rock-Kanon von Neil Young, Joni Mitchell und Emmylou Harris ebenso verpflichtet sind wie Indie-Größen wie Yo La Tengo und den Merge-Labelkollegen Lambchop oder Zeitgenossen wie Lomelda und ML Buch. Mehrere der Songs verwenden Fade-Outs, die im Text von "Love Vape" scherzhaft erwähnt werden, und es gibt andere Elemente, die von Motown und 70er-Jahre-Balladen übernommen wurden: festgefahrene Schlagzeugmuster, Bassintervalle, gefühlvolle Streicherarrangements. Jede Referenz wird über das Genre hinausgeschoben, verwirbelt und wiederholt, zu etwas Neuem, das eindeutig zum Friendship-Sound gehört. Bei "Free Association", "Artex" und "Wildwood in January" ist der Groove so festgelegt, dass andere Klänge nahtlos kommen und gehen können: Mellotron-Flächen, Klavierwirbel und -stiche und klare Gitarrenmelodien, wimmelnde Texturen, die sich als Einheit tarnen. "Caveman Wakes Up" das bisher am weitesten fortgeschrittene Werk von Friendship, ein weiterer Beweis für die Hingabe und Sorgfalt der Band.

Lucas und Arthur Jussen gehören zu den gefragtesten Klavierduos unserer Zeit. Die niederländischen Geschwister gelten dank ihrer internationalen Karriere mittlerweile zu den großen Aushängeschildern der Klassik in ihrem Heimatland. Ihr neues Projekt Cantus/Rêve ist nun die Kulmination ihrer Arbeit der letzten Jahre: es vereint die beiden bislang nur digital veröffentlichten Alben ”Cantus” - mit Kompositionen von Brahms, Bach und Arvo Pärt - und ”Rêve” - mit Stücken von Debussy, Hahn und Koechlin - erstmals im physischen Format. Die wunderschöne Gatefold-LP mit sechs Tracks pro Seite zieren Schwarz-Weiß Fotos des Geschwisterduos. „Diese Musik strahlt so viel Vertrauen und Frieden aus, und wir hoffen, ihr schätzt sie genauso wie wir“, sagen Lucas und Arthur. Zu den Höhepunkten ihres gefüllten Konzertkalenders 2024/25 gehören Auftritte mit dem Konzerthausorchester Berlin, Bamberger Symphoniker, Dresdner Philharmonie, sowie eine anschließende Europatournee mit dem Gewandhausorchester. ”Die beiden Niederländer sind großartige Klangerzähler, sie schlagen mit ihrem Sinn für Licht-und-SchattenWirkungen die Zuhörer in ihren Bann. ” - Der Tagesspiegel

L.A. Witch haben schon immer eine Aura müheloser Coolness ausgestrahlt, sei es in Form des Americana Noir und des lakonischen Back-to-Basics-Rock'n'Roll ihres selbstbetitelten Debüts oder des glühend strengen Abenteurertums ihres zweiten Albums "Play With Fire". Die Band - bestehend aus Sade Sanchez (Gitarre/Gesang), Irita Pai (Bass) und Ellie English (Schlagzeug) - begann als informelle Angelegenheit, aber die schwülen und betörenden, von Hall umhüllten Songs, die sie schufen, fanden beim Publikum Anklang und brachten das Projekt über den isolierten Raum von Freunden und Gleichgesinnten in Südkalifornien hinaus in die weite Welt. Auf ihrem neuesten Album "DOGGOD" geht das Trio über die bisherigen kreativen und geografischen Grenzen hinaus - das Material wurde in Paris produziert und die Tracks im Motorbass Studio in der Rue de Martyrs aufgenommen. "DOGGOD" erkundet ein breiteres klangliches Terrain, setzt ein größeres Arsenal an Sounds ein und erforscht größere existenzielle und kosmische Themen, ohne dabei den für die Band typischen Sinn für das Verbotene, das Verlassene und die Vorahnung zu verlieren. "DOGGOD" ist ein Weg, das universelle Rätsel der spirituellen Natur von Liebe und Hingabe anzugehen. "Ich habe das Gefühl, eine Art Dienerin oder Sklavin der Liebe zu sein", sagt Sanchez. "Ich bin bereit, für die Liebe zu sterben, indem ich ihr diene, für sie leide oder nach ihr suche - so wie ein treuer, ergebener Diensthund es tun würde." Der Titel des Albums ist ein Palindrom, das DOG und GOD zusammenfasst - eine Verherrlichung des Unterwürfigen und eine Subversion des Göttlichen. Es ist eine Anspielung auf die Reinheit von Hunden und eine Anerkennung ihrer bedingungslosen Liebe und ihres beschützenden Wesens, die im Widerspruch zu den verschiedenen abwertenden Assoziationen stehen, die mit dieser Spezies verbunden werden. "Es gibt diese symbolische Verbindung zwischen Frauen und Hunden, die die untergeordnete Stellung der Frau in der Gesellschaft zum Ausdruck bringt", erklärt Sanchez. "Und alles, was solche göttlichen Eigenschaften verkörpert, hat es nicht verdient, als Schimpfwort benutzt zu werden." Diese widersprüchlichen Erkundungen von Liebe und Unterwerfung manifestieren sich in der sanften und rauchigen Garagerock-Alchemie der Band, mit einer neu entdeckten Nutzung der disziplinierten Zurückhaltung und eisigen Instrumentierung des Post-Punk. Der Album-Opener "Icicle" zeigt, wie L.A. Witch aus dem Proto-Punk, der Psychedelia und den düsteren Riffs der 70er Jahre in die von Refrains durchtränkten Gitarren und den verlorenen Minimalismus von Joy Division und den frühen The Cure reist. Es wird eine Parallele zwischen romantischem Selbstmord und Märtyrertum gezogen, die sich im zweiten Song, "Kiss Me Deep", fortsetzt. Hier beschreibt Sanchez eine Liebe, die so rein ist, dass sie die Zeit übersteigt und sich über mehrere Leben erstreckt. Es ist ein Lied über Leidenschaft, vorgetragen mit dem weltlichen und verletzten Stoizismus der frühen Goth-Pioniere. Von dort aus geht die Band zur Leadsingle "777" über, einem Song über Hingabe bis hin zum Tod. Ein treibender Beat, ein treibendes, verzerrtes Riff und Sanchez' ätherischer Gesang vereinen sich zu einem Song, der sowohl düster in seinem Fatalismus als auch sinnlich in seiner treuen Leidenschaft ist. Auf dem gesamten Album "DOGGOD" weichen L.A. Witch nie von ihrer Muse ab. In "I Hunt You Pray" legt Pai einen hypnotischen Basslauf hin, während English einen zyklischen Krautrock-Groove einsetzt und Sanchez das Bild eines verlassenen Hundes am Straßenrand malt, der allein in der Nacht ist und sowohl als Jäger als auch als Gejagter lebt. Auf "Eyes of Love" macht sich die Band die meditativen Mid-Tempo-Wiederholungen, dekonstruierten Akkorde und esoterischen Betrachtungen über Liebe, Tod und Spiritualität zunutze, die Lungfish zu einer so beliebten Band gemacht haben. Es unterstreicht die Parallele zwischen der unerschütterlichen Liebe in den Augen eines Hundes und der Selbstaufopferung eines Erlösers. Auf "The Lines" nimmt die Band den treibenden Puls des Post-Punk und fügt dem Mix eine Extraportion Chorus hinzu. "Chorus ist ein moderner Effekt, der auf der Idee beruht, die leichten Tonhöhenunterschiede eines Chors nachzubilden. Es gibt eine schimmernde Qualität, die uns zurück zu diesem spirituellen, göttlichen Gefühl bringt", erklärt Sanchez. Gepaart mit dem Einsatz von Orgel und einer grüblerischen Moll-Melodie, beschwört der Song gleichzeitig das Heilige und das Sakrileg. Der Titeltrack "DOGGOD" hat vielleicht die größte Ähnlichkeit mit dem Material des Vorgängeralbums "Play With Fire", in den schlanken und gemeinen Gitarren auf eine raue Rhythmusgruppe und verträumten Gesang treffen. Aber während ihr vorheriges Album ein Aufruf war, seinen eigenen Weg zu gehen, bleibt "DOGGOD" dem "Bis dass der Tod uns scheidet"-Thema des Albums treu und geht sogar so weit, ein Maß an Unterwerfung zu beschreiben, das in gefährliche und ungesunde Gefilde übergeht, wobei Sanchez singt "hang me on a leash / `til I wait for my release". Letztendlich ist "DOGGOD" eine perfekte Verkörperung des Ansatzes von L.A. Witch. Es ist gleichzeitig romantisch und bedrohlich, ehrfürchtig und profan, eine Feier und ein Klagelied. Es spannt den Bogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, indem es vertraute Klänge aufgreift und sie für die Jetztzeit aufbereitet. Aber es läutet auch eine neue Ära für die Band ein, die über die Kodachrome-Erinnerungen an das Amerika der Jahrhundertmitte hinausgeht und tiefer in den mittelalterlichen und gotischen Energien von Paris und darüber hinaus gräbt, während sie gleichzeitig ein besudeltes Herz erforscht.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

die ärzte liefern mal wieder – das kann man beim besten Willen kaum präziser formulieren – the nuttiest
sound around. Und Schwarz ist selbstverständlich beautiful. Vor allem mit Weiß. In Karos. Shake your
Willy! Skank in the name of Jah!
BelaFarinRod sind – auch das hätte man schon früher wissen können – evilous men, denen nichts heilig
ist, vor allem nicht das eigene Werk. Zumindest, wenn sich ein Offbeat drunter oder ein Rockabilly-Lick
drüber legen lässt. Oder beides.
Frei nach der Regel, ein Lied ist erst dann gut, wenn er auch als Ska oder Rock-a-billy funktioniert, finden
wir hier zwölf Songs mit hohem Wiedererkennungsfaktor auf Vinyl und exklusiv zur Buffalo Billy-Tour.
Mutig mutwillige Variationen von neuen und einem alten Song der besten Roots-a-Billy-Band der Welt
(elt….elt…elt)!!!!
Eine Skank-de-force durch den ganz normalen Wahnsinn von Shakin’ B, Rudy Urlaub und Desmond
González. Du kannst gehen, aber dein Lieblingslied bleibt nicht ungeschoren!
NUMMUS CECIDIT setzt der Besten Band der Welt jedoch nicht nur in Inhalt, sondern auch in der
Form ein würdiges Denkmal: als Weltneuheit präsentieren die ärzte eine 11-inch!!!! Mehr Vinyl braucht es
nicht. (nur etwas weniger)
NUMMUS CECIDIT von die ärzte ist als 11”-Vinyl mit Downloadcode für Tracks und Lyrics erhältlich –
aber nur, solange der Vorrat reicht. Also zieh dir dein Kettenhemd über und jag das Teil. Haile boppin’!
Selassi möge mit dir sein. Denn auch du bist Ska
(selbst wenn du Billy bist)

die ärzte liefern mal wieder – das kann man beim besten Willen kaum präziser formulieren – the nuttiest
sound around. Und Schwarz ist selbstverständlich beautiful. Vor allem mit Weiß. In Karos. Shake your
Willy! Skank in the name of Jah!
BelaFarinRod sind – auch das hätte man schon früher wissen können – evilous men, denen nichts heilig
ist, vor allem nicht das eigene Werk. Zumindest, wenn sich ein Offbeat drunter oder ein Rockabilly-Lick
drüber legen lässt. Oder beides.
Frei nach der Regel, ein Lied ist erst dann gut, wenn er auch als Ska oder Rock-a-billy funktioniert, finden
wir hier zwölf Songs mit hohem Wiedererkennungsfaktor auf Vinyl und exklusiv zur Buffalo Billy-Tour.
Mutig mutwillige Variationen von neuen und einem alten Song der besten Roots-a-Billy-Band der Welt
(elt….elt…elt)!!!!
Eine Skank-de-force durch den ganz normalen Wahnsinn von Shakin’ B, Rudy Urlaub und Desmond
González. Du kannst gehen, aber dein Lieblingslied bleibt nicht ungeschoren!
NUMMUS CECIDIT setzt der Besten Band der Welt jedoch nicht nur in Inhalt, sondern auch in der
Form ein würdiges Denkmal: als Weltneuheit präsentieren die ärzte eine 11-inch!!!! Mehr Vinyl braucht es
nicht. (nur etwas weniger)
NUMMUS CECIDIT von die ärzte ist als 11”-Vinyl mit Downloadcode für Tracks und Lyrics erhältlich –
aber nur, solange der Vorrat reicht. Also zieh dir dein Kettenhemd über und jag das Teil. Haile boppin’!
Selassi möge mit dir sein. Denn auch du bist Ska
(selbst wenn du Billy bist)

Mit ihrem achten Studio Album präsentiert das von Journalisten oft als "Deutschlands unterbewertetste Punk-Rock Band" bezeichnete Berliner Trio ein Cover-Album das es in sich hat. Im klassischen "K-Tel" Gewand werden hier 12 Kracher der 50er, 60er, 70er und 80er Jahre abgeliefert. Allerdings nicht im üblichen, "wir spielen einfach mal alles doppelt so schnell-Hauruck Sound", nein, hier wurde mal richtig tief in die musikalische Trickkiste gegriffen. So kommen die ,Rubettes" im Gewand der ,Ramones" daher, ,Slade" im Sound der ,Stranglers" und ,Jimi Hendrix" sogar als waschechte Southern Rock Nummer a la ,Lynyrd Skynyrd". Von Uli Confidence dem Mastermind der Band und Betreiber des Berliner Kult-Clubs ,Wild At Heart" im hauseigenen Studio produziert, wird auf dieser Scheibe völlig ungeniert von klassischem Rock`n`Roll, über 70s Rock, Glam und sogar New Wave alles zelebriert, was der Kirche des Vertrauens lieb und heilig ist. Spaß-, Party-, und Unterhaltungsfaktor bis zum Anschlag auf Maximum gedreht, zündet hier ein Kracher nach dem anderen... 500 Stück weltweit, klassisch schwarzes Vinyl, durchnummeriert.

Nach dem leichten Glanzpop von "Was Passiert Ist" strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. "Manchmal hilft nur noch schwarze Magie", singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst. "Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Nach dem leichten Glanzpop von "Was Passiert Ist" strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. "Manchmal hilft nur noch schwarze Magie", singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst. "Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

Bambara, eine außergewöhnliche, zur Nacht neigende, modernistische Rockband, die von der Southern Gothic durchdrungen ist, hat ihre makabre Vision mit ihrem fünften Album „Birthmarks“ zur Perfektion weiterentwickelt. In Zusammenarbeit mit Co-Produzent Graham Sutton von den britischen Experimental-Pionieren Bark Psychosis (einem Mann, der auch maßgeblich für die bahnbrechenden Platten von These New Puritans verantwortlich ist) entstanden, handelt es sich weniger um ein Konzeptalbum als vielmehr um ein erstaunlich komplexes Werk der Erzählkunst, das unvergessliche Charaktere enthält, darunter die bereits erwähnte C&W-Karaoke-Bar-Sirene mit Heiligenschein-Haar und einem einäugigen Mörder, der um den elektrischen Stuhl bettelt – alles nicht gerade vertonte Musik, sondern tatsächlich daraus entstanden.

Nachdem sie gesehen haben, wie die Abholzung die Landschaft Costa Ricas bedroht, stecken Metalheads weltweit ihre Köpfe zusammen, um das Ökosystem der Welt zu erhalten.

Seit Gründung der Band im Jahre 2022 hat die 501 (c) (3) gemeinnützige Organisation 100.000 Quadratmeter Regenwald in Costa Rica geschützt. Savage Lands arbeitet mit lokalen und globalen Organisationen wie dem Jane Goodall Institute sowie mit vielen Entscheidungsträgern in der Metallindustrie zusammen. Auf „The Last Howl“ gibt es die Growls von John Tardy (Obituary) und hochfliegende Soli von Sepultura-Gitarrist Andreas Kisser. Heilung's Zeremonienmeister Kai Uwe Faust segnet den Black 'n' Roll von „Black Rock Heart“, während Maria Franz (ebenfalls Heilung) die melancholische Power-Ballade „No Remedy“ mit ihren beruhigenden hohen Tönen anmutig auflockert.

"Army of the Trees" führt mehrere neue Arten von Metalheads in das Ökosystem von Savage Lands ein. Die Eurovisions-Lieblinge Lord of the Lost versprühen bei „Out of Breath“ ihr Blut und ihren Glitter, und die Leadsingle „Ruling Queen“ wird von keiner Geringeren als Alissa White-Gluz von Arch Enemy mit ihren schlangenartigen Clean vocals und dem Gebrüll einer Löwin vorgetragen. „Jetzt ist es an der Zeit, Stellung zu beziehen“, brüllt die Band während des donnernden Titeltracks des Albums, der von Julien Truchan (Benighted) und anderen Säulen der französischen Metal-Gemeinde unterstützt wird, in einem wilden Schlachtruf.

Erhebt eure Hörner und schließt euch der Army of the Trees an, um die gemeinnützige Metal-Bewegung zu unterstützen!

A maelstrom of music and metaphysics, a crushing conduit for connection, contemplation and catharsis; ritualistic sludge-metal juggernauts Pothamus return to this plane of existence with new album `Abur', the highly anticipated spiritual successor to their colossal debut, `Raya'. The search for meaning stands central as a pillar of belief in the enigmatic world of Pothamus. Whilst blending eastern philosophy and western esotericism into a unique ontology, the band stay true to the fundamentals of music: sounds, instruments and bodies coming together just as they too drift away. To experience Pothamus is to open yourself to an immersive, out-of-body experience that transcends the ordinary and delves deep into the profound. `Abur', Pothamus' sophomore full-length is an odyssey of truly epic proportions. As well as honing their already formidable live sound in the intervening years, the band have widened their musical palette in order to explore a truly original take on heavy music that steers them ever further away from well-trodden post-metal paths. On `Abur' the Pothamus' signature ritualistic sound is elevated by the glacial sounds of the Surpeti, an drone instrument originating from the Indian subcontinent traditionally used for mantra singing, whilst drummer Van Hulle adds his voice in harmony with guitarist Coussens' to create an astounding richness and depth. Capturing Pothamus at their creative zenith was musical contemporary and close friend Chiaran Verheyden (Psychonaut, Hippotraktor) who recorded, mixed and mastered `Abur'. A 44-minute pilgrimage through nature, animism and the depths of the human soul, `Abur' is Pothamus' answer to the big, existential questions that keep us all awake at night. Titanic, all-consuming heaviness is met with ethereal, airy beauty as the band contemplates the interconnectedness of all things, creating a singular sonic universe balanced perfectly between cosmic creation and absolute destruction. FOR FANS OF: Amenra, Heilung, Om, Wardruna, Briqueville, The Black Heart Rebellion 3-panel gatefold CD + 28 pages booklet, gatefold LP + 28 pages booklet

Ivory coloured vinyl! A maelstrom of music and metaphysics, a crushing conduit for connection, contemplation and catharsis; ritualistic sludge-metal juggernauts Pothamus return to this plane of existence with new album `Abur', the highly anticipated spiritual successor to their colossal debut, `Raya'. The search for meaning stands central as a pillar of belief in the enigmatic world of Pothamus. Whilst blending eastern philosophy and western esotericism into a unique ontology, the band stay true to the fundamentals of music: sounds, instruments and bodies coming together just as they too drift away. To experience Pothamus is to open yourself to an immersive, out-of-body experience that transcends the ordinary and delves deep into the profound. `Abur', Pothamus' sophomore full-length is an odyssey of truly epic proportions. As well as honing their already formidable live sound in the intervening years, the band have widened their musical palette in order to explore a truly original take on heavy music that steers them ever further away from well-trodden post-metal paths. On `Abur' the Pothamus' signature ritualistic sound is elevated by the glacial sounds of the Surpeti, an drone instrument originating from the Indian subcontinent traditionally used for mantra singing, whilst drummer Van Hulle adds his voice in harmony with guitarist Coussens' to create an astounding richness and depth. Capturing Pothamus at their creative zenith was musical contemporary and close friend Chiaran Verheyden (Psychonaut, Hippotraktor) who recorded, mixed and mastered `Abur'. A 44-minute pilgrimage through nature, animism and the depths of the human soul, `Abur' is Pothamus' answer to the big, existential questions that keep us all awake at night. Titanic, all-consuming heaviness is met with ethereal, airy beauty as the band contemplates the interconnectedness of all things, creating a singular sonic universe balanced perfectly between cosmic creation and absolute destruction. FOR FANS OF: Amenra, Heilung, Om, Wardruna, Briqueville, The Black Heart Rebellion 3-panel gatefold CD + 28 pages booklet, gatefold LP + 28 pages booklet