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Honour's debut album is a ligament stretching from Lagos to London and to New York, curling across the diaspora and brushing the darker hues of blues, hip-hop, free jazz, ambient, gospel with Christian mythology and Yoruba folklore. As cinematic as it is painterly, Alàáfíà is a meditation on themes of life, death and love that pulls inspiration from the unexpected poetic profundity of casual conversations, field recordings, literature, ephemera, or personal archives. The result is an impressionistic vision in Black and Blur that both exhausts and implicates language_substantiating a mythos proposed by Fred Moten that sublimates boundaries between everywhere and nowhere; history and the present; the individual and the universal. Alàáfíà delineates a gothic landscape cut by overdriven beats, swooping orchestral blasts, choral bursts and ear- splitting fuzz, where the fleshly and spiritual realms commune. Dedicated to Honour's late grandmother, the title track began to take form after their last embrace and remains steeped in her influence and spirit_a tape-saturated composition that starts in Lagos and ends in London's smoke-stained cityscape, the song's dream-like quality developed out of the artist's grief and PTSD coping with this loss. Beneath the stretched guitar drones and stuttering loops, their grandmother's shared faith bubbles to the surface. "When Angels Speak of Love," borrows its title from two works by Sun Ra and bell hooks, respectively. Sculpting echoes of praise music into disorienting spirals perforated with syrupy DJ Screw-inspired breaks and sharp splinters of melancholic guitar, "When Angels Speak of Love" engages a conceptual dialogue with the spirits of both late thinkers, folding them into Honour's pantheon of ancestral guides. The album's ninth track, "Giz Aard ($uckets)," is a dirge of regimented drums which anchor this somber melody as it whirls into a blizzard of heartache, uncertain if its consequence will be death or eternal joy. The album's sole lyrical offering, "Pistol Poem (Lead Belly)," begins with a darkly humorous bar, "He went thru hell and back/ came back/ 2 get the strap," that swells into a haunting allegory based on the life of Philip "Hot Sauce" Champion. A modern take on the Blues, Honour's lyrics reify the artist's status as a student of both literature and popular culture, crossbreeding the artist's clever wordplay with additional references to Richard Pryor, Robert Johnson, Kelly Rowland & Bryon Gysin. Setting core principles of hip-hop, R&B, jazz and gospel music to atemporal soundscapes and compositions, Honour crafts a record that marinates in its own knotty contradictions. The ghosts that sit on the artist's shoulders have never been more tangible than with this emotive debut.

1982 was a decisive year for The Fall. Their critically acclaimed album ‘Hex Enduction Hour’ was released in March on Kamera Records, closely followed by ‘Room To Live’ in September of that year. ‘Hex Enduction Hour’ was the fourth studio album by The Fall, building on their lo-fi production and featuring a two-drummer line-up. The album was recorded in Reykjavik, Iceland and Hitchin, Hertfordshire. Featuring the classic line-up of Mark E. Smith alongside Steve Hanley (bass), Craig Scanlon (guitar), Karl Burns (drums), Paul Hanley (drums) and Marc Riley (guitar). This is another fine addition to Cherry Red’s series of deluxe Fall re-issues – “Fall Sound Archive”. ‘Hex Enduction Hour’ and ‘Room to Live’ are also available on a 7-CD boxset – “1982” Founded by its only constant member, Mark E. Smith, The Fall formed in Manchester in 1976 and were one of the most prominent post-punk groups in the world. Musically, there may have been several stylistic changes over the years, but it was often characterised by an abrasive guitar-driven sound and frequent use of repetition, always underpinned by Smith's distinctive vocals and often cryptic lyrics. “They are always different; they are always the same.” John Pee

Italian cinematic funk legends Calibro 35 continue their journey into the world of cinematic jazz-funk. "Exploration" marks their return to independent label Record Kicks after their last studio album "Nouvelle Aventures" released on Universal Music in 2023. The band picks up from their latest EP, "Jazzploitation," released on Record Kicks last October. "Exploration" is a deep dive into the universe of cinematic jazz-funk, showcasing both the band's reinterpretations of timeless classics such as Roy Ayers' "Coffy" or Bob James "Nautilus" and original compositions by the band such us the lead single "Reptile Strut", the jazz-funk stormer "The Twang" and the soulful cinematic number "Pied De Poule". An exploration and a new journey for the Milanese combo that a long its way pays homage to artists such as Lalo Schifrin (Mission Impossible), Italian Maestro Piero Umiliani (Discomania and Gassman Blues) and Herbie Hancock (Chamelon). Described by Rolling Stone as "the most fascinating, retro-maniac and genuine thing that has happened to Italy in the past few years," Milan-based Calibro 35 enjoy a worldwide reputation as one of the coolest independent bands around. Active since 2007, during their long career, they have been sampled by Dr. Dre on Compton ("One Shot One Kill" feat. Snoop Dogg), Jay-Z ("Picasso Baby"), The Child of Lov & Damon Albarn ("One Day"), and Demigodz ("The Summer Of Sam"). They have played major venues and festivals all over Europe, and as unique musicians, they have collaborated with, among others, PJ Harvey, Mike Patton, John Parish, Stewart Copeland, and Rokia Traoré. FOR FANS OF... Piero Umiliani, El Michels Affair, Idris Muhammad, Surprise Chef, Nu Genea, Khruangbin, Snarky Puppy, The Cinematic Orchestra, Comet is Coming, Kamasi Washington

Annahstasia kündigt ihr Debütalbum „Tether“ an, das am 13. Juni über drink sum wtr erscheint. Gleichzeitig mit der Ankündigung veröffentlicht sie die neue Single „Villain“.

Annahstasia sagt über die neue Single: „Wir alle bestehen sowohl aus Schatten als auch aus Licht. Aus irgendeinem Blickwinkel sind wir alle der Bösewicht der Geschichte gewesen, wir versuchen alle unser Bestes und verhandeln ums Überleben.“ Die Single wird von einem atemberaubenden Musikvideo begleitet, bei dem Adam Davis Regie führte und in dem die schwarze Rodeo-Community in Tulsa, Oklahoma zu sehen ist.

„Meine Karriere war eine Lektion in Geduld“, sagt Annahstasia, die ihre musikalische Sprache zwischen den Flammen der Intimität und Unabhängigkeit über verschiedene Leben, Orte und Wiederholungen hinweg kultiviert hat, verlorene und gewonnene Lieben, Erwartungen, die sich entzogen und neu geschaffen wurden. Die Nähe der aufstrebenden Troubadourin zur Liebe für und von anderen, in der Gesellschaft im Allgemeinen und tief in sich selbst, leitet den Geist ihrer gefühlvollen, poetischen Folk-Songkunst. Die Liebe ist die elementare Konstante neben ihrer unverwechselbaren Stimme, die die Musik der Singer-Songwriterin seit ihren ersten autodidaktischen Aufnahmen prägt, als die damals 17-jährige Annahstasia Enuke entdeckt und in die Zwänge einer Industrie gedrängt wurde, die ihre größten Stärken beinahe erstickt hätte. Künstlerische Widerstandsfähigkeit, Dankbarkeit und Hingabe haben „Tether“ hervorgebracht, Annahstasias Debütalbum, das auf dem kunstorientierten Indie-Label drink sum wtr erscheint. „Tether“ ist eine Sammlung von strahlenden Torch Songs, orchestralen und astralen Hymnen, die sich wie gelebt anfühlen und aus der menschlichen Erfahrung und dem Spektrum der Liebe stammen. Annahstasia hat die Stücke von „Tether“ langsam und mit tiefer Absicht zusammengesetzt; sie hat diese Lieder mit auf Reisen genommen, sie für Freunde und Fremde gesungen und sie im Laufe der Zeit zusammen mit ihren persönlichen Offenbarungen weiterentwickelt. „Der Song ist geschrieben, und dann muss ich mit ihm leben und sehen, ob ich wirklich glaube, was ich sage“, erklärt sie. Sie brachte ihr Material zu den Sessions in den berühmten Valentine Studios in Los Angeles mit und wurde dabei von den Produzenten Jason Lader (ANOHNI and the Johnsons, Frank Ocean, Lana Del Rey), Andrew Lappin (Cassandra Jenkins, L'Rain, Luna Li), Aaron Liao (Liv.e, Moses Sumney, Raveena) und einer Reihe versierter Musiker unterstützt, darunter die Gäste Aja Monet und Obongjayar. Die Aufnahmen erfolgten instinktiv, nur in Live-Takes, um das Gefühl des Raums und die Gemeinschaft der Musik einzufangen. Das Sequencing war ebenso essenziell; sie kam zu einem Fluss mit wechselnden Energien und ergreifenden Bögen. Die Instrumentierung schwillt an, mal zurückhaltend, mal üppig, und durch jedes Arrangement klingt Annahstasias Stimme wahrhaftig, offenherzig und frei. Lyrisch umarmt Annahstasia die Nuancen der Poesie und lädt die Zuhörer ein, sich auf die bedeutungsvollen Worte einzulassen, ob sie nun über Romantik oder soziale Konstrukte sinnieren.



“A once-in-a-generation vocalist writing haunting love songs” – NME



“Annahstasia’s grace and wisdom promises to leave a lasting impression this year and beyond.” – Clash



“Her flawless voice draws you into a world of feeling, whilst her beautiful, naturalistic songwriting spellbinds you into staying.” – Wonderland

Dillinger one of the most consistently successful DJ’s to come out of the Jamaica, fondly remembered for his massive ‘Cocaine In My Brain’ hit from the great CB200 album and the later reworked ‘Marijuana In My Brain’ which gave Dillinger crossover hits in both England and Europe. But the versatile DJ has many more strings to his bow.

Dillinger (born. Lester Bullocks,1953 Kingston, Jamaica) began his musical venture around 1971, working asa DJ to Sound Systems run by Prince Jackie and El Brasso.1974 saw his first vinyl release in the form of ‘Freshly’ for Producer Yabby U and in 1975 he came with the great ‘Brace A Boy’ for the young Mr Augustus Pablo.But his first album release was through Coxsone Dodd’s Studio One setup, where he let Dillinger fire some vocals over classic Rocksteady rhythms. It took the form of ‘Ready Natty Dreadie’. It was his time at Joseph ‘Jo Jo’ Hookim’s Channel One Studio that produced his second album set(a crossover release and fore mentioned) the timeless 1976 classic ‘CB 200’. It contained three big singles in ‘Plantation Heights’, ‘Cocaine In My Brain’ and ‘Crank Face’. The reworked ‘ Marijuana In My Brain’ even became a No 1 hit in Holland in 1979.

We have taken our set of tunes from his classic 70’s period when Mr Dillinger could do no wrong.Alongside the big ‘Cocaine’ and ‘Marijuana’ hits the great opening track ‘Love Is All I Bring’ sees him working over Alton Ellis ‘Still In Love With You’ which Itself turned into ‘3 Piece Suite’. ‘Money Alone Is Not All’ where he works over Barry Brown’s ‘Mr Money Man’, ‘Hear and Deaf’ working over Johnny Clarke’s ‘Nobodies Business’. ‘King Pharaoh Was A Baldhead’ has him working Frankie Jone’s ‘ Jesse Black’ cut. ‘Concubine’ reworks the Mighty Diamond’s ‘Mother Winney’ and ‘Time So Hard’ sees Dillinger telling it like it is over Ronnie Davis’ original ‘ Time So Hard’ cut, empathizing the points in fine style.

A classic set of tunes all ‘Killer No Filler’ from the master of rhyme himself we hope you agree…..

Will Johnson und die verbleibenden Mitglieder der beliebten Band Magnolia Electric Co. haben sich für neue Aufnahmen als Magnolia & Johnson Electric Co. zusammengetan. Im September werden Magnolia & Johnson Electric Co. ihrem verstorbenen Kollegen Jason Molina Tribut zollen und vom 18. bis 21. September 2025 vier Konzerte in Texas geben. Will Johnson ist der texanische Songwriter von Centro-matic, South San Gabriel und derzeitiges Mitglied der 400 Unit mit Jason Isbell. Johnson veröffentlichte im April 2025 sein zehntes Soloalbum "Diamond City" und war Teil des 2009 erschienenen Gemeinschaftsalbums "Molina and Johnson", für das eine Tournee aufgrund von Molinas Alkoholproblemen abgesagt werden musste. Die vier Konzerte folgen den ausgetretenen Pfaden von Molina und Magnolia während ihrer sieben Jahre als Magnolia Electric Co. und markieren den 20. Jahrestag einer Texas-Tournee, die 2005 zur Unterstützung der Alben "What Comes After the Blues" und "Trials and Errors" stattfand. Magnolia & Johnson Electric Co. (mit Will Johnson und Mike Brenner, Jason Evans Groth, Michael Kapinus, Mark Rice und Pete Schreiner) trafen sich Anfang des Jahres in Texas, um neue Studioversionen der Songs von Molina und Johnson aufzunehmen, angelehnt an die 2018er Zusammenarbeit "Goshen Electric Company" von Magnolia und Oaks erinnern. Die Sessions wurden von Johnsons langjährigem Kollegen Britton Beisenherz aufgenommen und gemischt und von Magnolia-Mastering-Ingenieur Matthew Barnhart gemastert. Das Cover ziert ein ikonisches Artwork von Will Schaff, dessen Kunstwerke mittlerweile untrennbar mit Jason Molinas Songwriting verbunden sind.

Bryan Ferrys gefeiertes Album „Avonmore“ aus dem Jahr 2014 ist eine meisterhafte Mischung aus anspruchsvollem
Songwriting, eleganter Produktion und atmosphärischem Charme – von Kritikern als sein bestes Werk seit
„Avalon“ gefeiert. Mit Kollaborationen mit langjährigen Bandkollegen von Roxy Music und Gastauftritten
von Johnny Marr, Nile Rodgers und Marcus Miller liefert das Album einen modernen und doch klassischen
Ferry-Sound. Herausragende Tracks wie „Loop De Li“ und „Driving Me Wild“ zeigen seine charakteristische Mischung aus Eleganz und Melancholie, während Coverversionen von Stephen Sondheims „Send in
the Clowns“ und Robert Palmers „Johnny and Mary“ für zusätzliche Tiefe sorgen. Ein Muss für Fans von
Bryan Ferry und raffnierter Pop-Kunst und eine fesselnde Ergänzung für jede Sammlung.
Das Album erscheint zum ersten Mal seit 2014 wieder auf limitierter roter Vinyl-LP und CD. Bryan Ferry
hat auch das aktualisierte Artwork für beide Formate gestaltet.

The Wee Small Hours: B-Sides and Other Detritus 2011-2025" besteht aus Raritäten, die das letzte Jahrzehnt von Real Estate bei Domino Records abdecken!

Der älteste Track der Compilation ist eine Coverversion von The Strokes' "Barely Legal", die für ein Stereogum-Tribute-Album aufgenommen wurde sowie die B-Seite der "It's Real" / "Blue Lebaron" 7". Weitere Cover sind "Paper Dolls" (The Nerves) von 2014, "Days" (Television) von 2021 und natürlich "Daniel" (Elton John) von 2024.
Außerdem enthält die Compilation "In My Car", das ursprünglich auf einer Record-Store-Day-Fanzine-Flexi-Disc aus dem Jahr 2012 veröffentlicht wurde, weitere B-Seiten, darunter die Tracks von der Atlas-Bonus-7" aus dem Jahr 2013, sowie einen unveröffentlichten Track namens "Two Part" aus den Atlas-Sessions.

Following the "rich jangle and big, well-developed songs" (Bandcamp) of 2023's Bananasugarfire, Edling sought to deconstruct his creative process by centering collaboration instead of a more solitary pursuit in songwriting, even as personal matters made isolation a more natural instinct. He describes taking time to make notes of the ways, timing and forms in which songs came to him in the process of demoing the record, and regularly questioning if his approach was like that of "watching a pot of water boil" or waiting for a bolt of light to appear in the sky. In many ways, Shooting Star is an appeal to the muse, a record of "songs about writing songs" born from Edling's desire to trust his instincts despite the posturings of inner demons and creative roadblocks, and to celebrate the little wins along the way. The result is a sprawling new work packed to the brim with playful eccentricities and dynamism, one that owes as much of its inspiration to mid-century folkies like Michael Hurley and Karen Dalton as it does to alt rock of the nineties like Yo La Tengo and Stereolab. Shooting Star is a constellation of influences, experiences, reckonings-with the state of the world, with others, with creativity, with oneself-with no two songs created in the same way. Instead of holing up in a recording studio, the creation of the record was formed by a patchwork of collaborations in a variety of recording locales, all which were later alchemized by mix engineer Matthew Schimelfenig. - RIYL Sparklehorse, John Cale, Yo La Tengo, Superviolet, Spirit of the Beehive, Horse Jumper of Love, Of Montreal

Strut Records proudly presents the official reissue of Hidden Fire Volumes 1 & 2, the final album released by Sun Ra on his El Saturn label in 1988.
Captured live over three nights at the Knitting Factory in New York City, these performances mark the closing chapter of a 33-year odyssey of radical, independent music-making. Originally issued in tiny quantities with minimal packaging and cryptic artwork—often featuring hand-written labels or Ra’s own handmade designs—Hidden Fire was among the most elusive entries in Sun Ra’s vast discography.
Musically, these recordings stand apart from Ra’s other '80s compositions. Here, Hidden Fire plunges into darker, more dissonant territory. Ra performs exclusively on the Yamaha DX7 synthesiser, pushing its digital sound palette into alien dimensions. The Arkestra lineup is uniquely configured, featuring a rare and heavy string section with three violins, including the legendary Billy Bang, and the singular space vocalist Art Jenkins, whose eerie textures and vocalisations had not been heard so prominently since the early 1960s Choreographers Workshop sessions. The music is raw, unsettled, and often overwhelming.
“Retrospect / This World Is Not My Home” opens with a palindromic riff that evokes Ellington before unraveling into a stark sermon from Ra, warning of death’s dominion over Earth-bound minds. “Hidden Fire Improvisation” is a furious explosion of tone science, with Marshall Allen, Billy Bang, and John Gilmore delivering fire-breathing solos over relentless drumming and Ra’s cascading synth clusters. “Hidden Fire Blues” offers a warped, electrified version of Ra’s familiar blues feature, led by Bruce Edwards on guitar and Rollo Radford on electric bass, transformed through the haze of DX7 textures. “My Brothers The Wind And Sun #9” evokes the experimental weight of The Heliocentric Worlds with its crashing percussion, pulsing synth-vocal duets, and string- driven chaos that seems to spiral into oblivion.
Even the quieter moments—such as “Hidden Fire II,” a duet between Ra and Art Jenkins—feel thick with unease and shadowy beauty. These performances represent a Sun Ra less concerned with cosmic joy or outer-space swing, and more focused on conjuring portals to the unknown.
Remastered from original sources and presented with archival photos, new liner notes by Paul Griffiths, and restored artwork inspired by the original Saturn editions, this reissue offers a definitive window into the last creative surge of one of music’s most visionary figures across two Vinyl LP’s.

Nach dem rasanten The Ride (2020) meldet sich die Punk-Truppe aus Los Angeles mit Lighten Up zurück, produziert von NOFXs Fat Mike. Eine perfekte Band für Fans von melodischem SoCal-Punk mit feministischem Einschlag. Die vierköpfige Band überzeugt mit unendlicher Power und Energie auf der Bühne, inklusive zweier Hauptsängerinnen. Und musikalisch stehen sie nicht still, sondern erweitern sich jedes Mal. "Life is hard, but it's still beautiful. Stop picking the hard shit to look at_look at the beautiful stuff too. Lighten up." Lighten Up (Fat Wreck Chords), das vierte Album der SoCal-Punkband Bad Cop Bad Cop, zeichnet ein eindrucksvolles Porträt der hart erkämpften Siege und Verluste des Lebens. Aufgenommen wurde das Album im Compound in Long Beach, der Heimat des erfahrenen Produzenten Antoine Arvizu (Sublime, Ryan Bingham). Die Band liebte es schon, die Singles ,Shattered" und ,Safe and Legal" dort 2023 mit Arvizu und Migs (Sublime, Slightly Stoopid, Long Beach Dub Allstars) aufzunehmen. Bad Cop / Bad Cop strecken ihren charakteristischen, melodischen Punk in unerwartete Gefilde, wie das jazzige ,Las Ventanas", das Dub-infizierte ,Note to Self" oder ,Johnny Appleseed", eine Neuinterpretation des Joe Strummer and the Mescaleros-Klassikers. Nach dem Einspielen der Instrumente verbrachte die Band zehn intensive 12-Stunden-Tage damit, die Vocals mit Mitstreiter John E. Carey Jr. (Old Man Markley, NOFX, Get Dead) aufzunehmen. "Der Gesang war der wichtigste Teil für uns. Wir haben wirklich alles ausprobiert", sagt Dee und fügt hinzu, dass Gallarza zum ersten Mal die dritte Harmonie gesungen hat. Lighten Up profitiert auch von Windsor, einem erfahrenen Gitarristen, der nicht nur schreddert (siehe z.B. das Ende von ,I4NI"), sondern dessen musiktheoretisches Wissen sich als unschätzbar erwiesen hat. ,Alex' Gitarrenspiel ist einfach fantastisch und hat unser Songwriting wirklich aufgewertet", sagt Dee. Alles an Lighten Up fühlt sich erhaben und echt an. "Das war das erste Mal, dass wir uns einen Dreck darum scherten, was andere machen oder von uns erwarten. Lighten Up war/ist für uns", sagt Dee. ,Es hat uns total viel Spaß gemacht, es zu machen und wir lieben es so sehr." CD, schwarze LP und limitiertes, hellblaues Vinyl erhältlich!

“There are some corners of the universe which have bred the most terrible things…They must be fought.” Demon Records presents, for the first time on 2LP vinyl, the complete full-cast soundtrack of this ‘lost’ classic BBC TV adventure, with linking narration by Frazer Hines. The Second Doctor (Patrick Troughton) is thrown into his first rematch with the Cybermen in the year 2070. Humans have colonized the Moon, and the Cybermen have identified their base as a strategic vantage point from which to invade Earth!

Can the Doctor and his companions Polly (Anneke Wills), Ben (Michael Craze) and Jamie (Frazer Hines) stop them? First broadcast in 1967, this exciting adventure was written by Kit Pedler and directed by Morris Barry, with a guest cast including Patrick Barr, Andrew Maranne, Michael Wolf and John Rolfe. Whilst only two of the four episodes are known to survive on film, thankfully all four are available as sound recordings, complete with the BBC Radiophonic Workshop’s familiar Doctor Who theme music. With a superb cover illustration depicting the Cybermen on the Moon, these two translucent ‘Blue Moon’ discs are housed in beautifully designed inner sleeves with vintage TV guide-style listings for each episode.

"NEIL YOUNG COASTAL: DER SOUNDTRACK AB SOFORT ÜBER REPRISE RECORDS ERHÄLTLICH11 SONGS VON DER SOLO TOUR 2023 AUS DEM GLEICHNAMIGEN FILM UNTER DER REGIE VON FILMEMACHERIN DARYL HANNAHCoastal: The Soundtrack enthält 11 ausgewählte Songs aus Youngs 60-jähriger Karriere, die live auf seiner Solo-Tour 2023 aufgenommen wurden, von „I Am a Child“ bis „Vampire Blues“, und Neil Young an Gitarren, Klavier und Mundharmonika. Es ist ein so intimes Live-Album, wie Neil Young es je aufgenommen hat, entstanden in einer Zeit, in der die Welt aus der Covid-Pandemie-bedingten Isolation erwachte. In mehreren Städten aufgenommen, ist es ein Album für die Ewigkeit, da der Singer-Songwriter 11 seiner Songs mit neuer emotionaler Kraft versieht.

Der Film Coastal wurde von der renommierten Filmemacherin und Youngs Ehefrau, Daryl Hannah, gedreht und inszeniert und wird weltweit von Trafalgar Releasing vertrieben. Der Film ist eine persönliche Dokumentation hinter den Kulissen von Neil Young, während er auf seiner US-Solo-Tour 2023 die Küste entlangfährt, und bietet einen hautnahen und intimen Einblick in das Leben eines der kultigsten Songwriter und Musiker der Geschichte. Hannah fängt Young ein, wie er nach Covid auf die Bühne zurückkehrt, und ermöglicht dem Publikum, als beobachtender Teilnehmer einen seltenen, ehrlichen Blick hinter die Kulissen dieser ungeschützten Ikone zu werfen. Es ist eine lange überfällige Feier des Lebens, die aus nächster Nähe beleuchtet, wer Neil Young ist, woher er kommt und in vielerlei Hinsicht, wohin er geht: Coastal.

Coastal Trackliste:Seite Eins:I’m The OceanComes A TimeLove EarthPrime Of LifeThrow Your Hatred DownSeite Zwei:Vampire BluesWhen I Hold You In My ArmsExpecting To FlySong XI Am A ChildDon’t Forget LoveCoastal wurde von The Volume Dealers: Neil Young & Niko Bolas produziert und gemischt. Gemischt in: The Surf Shack Studios, Ventura, CA. Assistenzingenieur: Sterling Uhl. Live aufgenommen von: John Hausmann. Mastering: Bernie Grundman. Coastal Artwork von: Lauren Fisher und Daryl Hannah.Aufgeführt von: Neil Young: Gitarren, Klavier, Mundharmonikas, Gesang Bob Rice: Klavier bei „When I Hold You In My Arms“"

Frantic (2002) ist ein von Kritikern gefeiertes Soloalbum von Bryan Ferry, das den legendären Künstler in
seiner kreativen Renaissance zeigt und seinen unverwechselbaren Gesangsstil mit einer reichen Mischung
aus Rock, Blues und atmosphärischen Balladen verbindet. Mit herausragenden Eigenkompositionen wie
„A Fool for Love“ und „San Simeon“ sowie eindrucksvollen Interpretationen von Bob Dylan- und Lead
Belly-Klassikern demonstriert das Album Ferrys meisterhafte Fähigkeit, Songs mit Eleganz und emotionaler
Tiefe neu zu interpretieren. Mit Gastauftritten von Brian Eno von Roxy Music und Johnny Marr von The
Smiths ist Frantic nicht nur ein Karrierehöhepunkt, sondern auch ein unverzichtbares Sammlerstück – ein
fesselndes Hörerlebnis von Anfang bis Ende, das Ferrys avantgardistische Wurzeln mit zeitlosem Songwriting
verbindet. Ein Muss für Fans anspruchsvoller, genreübergreifender Musik.
Das Album erscheint zum ersten Mal seit 2002 als limitierte blaue 1LP-Vinyl- und 1CD-Edition. Bryan
Ferry hat auch die aktualisierten Grafiken für beide Formate überwacht.

”The Definitve Croce”, eine Sammlung von Jim Croces unvergleichlichem Studioalben, die 1972 und 1973
veröffentlicht wurden, ist wieder als limitierte 3LP-Box aus farbigem Vinyl oder als limitierte 3CD-Box
erhältlich. Alle drei Alben enthalten aktualisierte Mixe von Paul Hicks (George Harrison, John Lennon).
Disk 1 ist das Studioalbum von 1972 „You Don’t Mess Around with Jim“. Das Album erreichte Platz 1 und
ist mit GOLD ausgezeichnet, und enthält die Nummer-1-Single „Time In A Bottle“, sowie die Hits „You
Don’t Mess Around With Jim“ und „Operator (That’s Not The Way It Feels).“ Disk 2 ist das Studioalbum
von 1973 „Life and Times“. Das Album erreichte die Top 10 und ist mit GOLD ausgezeichnet, und enthält
die GOLD-Nummer-1-Single „Bad, Bad Leroy Brown“, sowie den Hit „One Less Set Of Footsteps“. Disk
3 ist das letzte Studioalbum von Jim Croce „I Got A Name“, das 1973 veröffentlicht wurde. Das Album
erreichte Platz 2 und ist mit GOLD ausgezeichnet, und enthält die Top 10 Hits „I’ll Have To Say I Love
You In A Song“ und „I Got A Name“ sowie den Top 40 Hit „Workin’ At The Car Wash Blues.“

Dem Pianisten Sonny Clark (1931-1963) wurde gelegentlich nachgesagt, er habe sein Licht zu sehr unter
den Scheffel gestellt und sei auf seinen eigenen Platten zu oft in die Rolle des Begleiters geschlüpft. Für das
1957 entstandene Album ”Sonny’s Crib” gilt das jedoch nicht. Mit einem fantastischen Sextett interpretiert
er hier zunächst drei Standards, bevor er zwei seiner bekanntesten Eigenkompositionen vorstellt. ”Sonny’s
Crib” zählt neben John Coltranes ”Blue Coltrane” zu den Alben, die den aufregenden Hard-Bop-Sound der
späten 1950er Jahre bei Blue Note geprägt haben.

First released on August 18, 2023, "Outline of Nature" started as an experiment in building a modular synthesizer system and ended up as a voltage controlled outpouring of love for the natural world. Sylvan-born and pastoral-powered, sap-blooded and lightning-charged, this album grew out of the damp florescent corners of the woods, each note and sound, a fractal extension of their seedling sounds. It was nurtured into being at The Twilight Research Centre, a studio facility situated on the border of Somerset and Dorset. During Covid lockdown 1.0, I spent the outdoor hours we were permitted, wandering through the centre's surroundings, in the green lanes, woodlands and corridors of the wilds with their wary and flickering inhabitants, beneath the distant eyes of the soaring buzzards and the hulking red kites. I didn't expect it, but it was in the quiet, ferociously vibrant dens of nature, that I found a deeply profound connection with the natural world. It once again made sense to feel as much a part of the woods as the trees were; I felt like a natural entity in its habitat again, not something I'd properly felt since running wild through the gullies, dells and fells of the Midlands as a child. And I became afflicted with a powerful urge to build strange electronic sound systems that were organic, chaotic, fractal and in some way reflective of the awesome natural systems that surround us and surround the centre. I plugged in the modular, and went searching for signs of life. Adding to this, just before the lockdowns, I stumbled across a three volume nature encyclopedia in a local charity shop, called "Outline of Nature in the British Isles" by Sir John Hammerton. The sub-heading reads "A Comprehensive Photo-Survey of the Varied Life of Field and Hedgerow, Moor and Mountain, River, Pond and Sea", and it's a stunning collection of grainy photographs, beautiful illustrations and wondrously poetic writing, some of which inspired track titles and of course, the album title. I also rekindled my love of Ladybird nature books such as the "What to Look for in Spring/Summer/Autumn/Winter" series, "Birds and How They Live" and "Butterflies, Moths and Other Insects", rebuilding a small collection I had as a child and discovering numerous volumes new to me. Between the two literary sources, I had a rich well of imagery, writing and pastoral nostalgia to draw from; and coupled with the extended sessions of blissing out in my own heavily ecstatic awe descended on me in the sheer grandness of the wilderness, I set about enticing out of the woods an album of phosphorescent electrical music, abundant with comparatively microscopic, but persistent and wild life-forces.

If you're a serious music fan but not a native Kiwi, your first awareness of New Zealand's fab music scene may have come from the debut of The Chills' mesmerising Kaleidoscope World collection of early singles. Within a few years, a great number of NZ acts saw music released by various UK and US labels . . . generally to great praise and enthusiasm. That this occurred without any of these acts having to move abroad to further their chances was nearly as delightful a feat as the music itself. The exception to this was Dead Famous People, radical in a snap decision after a five-song 12" for Flying Nun, Lost Persons Area, to change hemispheres and make a go for it in London. It started well. Three London recordings were added to three from their Flying Nun EP and put out by Billy Bragg's Utility label - about as perfect a mini-album as there's ever been. Response was positive, more songs recorded, the group did a John Peel session and played out often, but the vaguely impoverished group began to fall apart. Singer and primary writer Dons Savage - determined to make it - had a near-miss at becoming Saint Etienne's singer on an early take of their 'Kiss And Make Up' cover, and there was a fine performance from her on The Chills' 'Heavenly Pop Hit' . . . but dismay had set in. Upon learning of her mum's passing back home, Dons returned to NZ and was quiet for decades. Most of their London recordings were later released later in minuscule quantities by very small labels, but these saw scant press or attention and enjoyed next-to-no sales. Their moment had passed, and the band has suffered the strange fate of being the least-known of the truly brilliant acts associated with Flying Nun. Listening to these `lost' songs, it seems unfathomable that they could have fallen by the wayside. No NZ songwriter comes as close to equalling Martin Phillipps' pop brilliance as Dons. Her superbly sweet vocals, delicious harmonies and sophisticated arrangements aside, the songs dealt perceptively with universal follies of youth and yearning in tandem with a then-unusual twist of lyrics dealing matter-of-factly with her sexuality at a time when `women's music' was seen as exclusionary (segregated into its own bin in shops, if it existed there at all), and the riot grrrl movement was years away, later breaking through due to its radical stance. Dons is a pioneer in myriad ways, the irony of her transcendent brilliance failing to propel a greater career may rest in the fact that she leapt to the head of the class too quickly for people to grasp it; a fate that's befallen so many musical geniuses acknowledged today but less in their time - something rather tragically acknowledged in old pal Martin Phillipps' song with The Chills, 'A Song For Randy Newman, Etc.' None of these thirteen songs fails to deliver something both immediate and unique. And we're proud to debut 'Vampirella"', a magical fantasy song of longing and intrigue - surely one of the most perfect tunes to ever sit around unreleased for decades! Dons is again busy conjuring new songs; in the meantime we're delighted to unveil these obscure gems from the past.