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Rouse and Raise Your Voice ist eine Zeile aus einem der bekanntesten Songs der Band, "Keep Hauling", der von mehreren Bands in Großbritannien und anderswo auf der Welt gecovert wurde. Die Vinyl-LP startet mit "Crooked Jack", dem allerersten Song, den Mark Bloomer und Andrew Cadie bei ihrem mittlerweile legendären Debüt-Gig in einer Schnapsbrennerei im Moselort Ediger-Eller im Jahr 2005 gemeinsam sangen. Das Arrangement dieses berühmten Arbeiterliedes entstand spontan in der kurzen Probe vor dem Auftritt und wurde fortan zum Maßstab für den Sound der Band. Schrille Vokalharmonien, druckvolle Gitarre und Geige, changierend zwischen traditionellem Folk und frei fließender Improvisation. Während die Nadel nach innen wandert, zeigen Songs wie "Beg, Blag and Steal" eine Weiterentwicklung, wobei der charakteristische Sound nun durch Schlagzeug und Kontrabass ergänzt wird. Auf "Wine From a Mug" ist Katie Doherty stark vertreten, die die Band zwischen 2011 und 2016 auf vielen Tourneen und Aufnahmen begleitete. Von nachdenklicheren, Bottleneck- und Loop-lastigen Songs aus dem diesjährigen Album "Standing Strong", das ihnen ihren zweiten Preis der Deutschen Schallplattenkritik einbrachte, bis hin zu einem mitreißenden Set von Fiddle Reels ist die Rohheit der Live-Shows der Band stets spürbar. Dieses auf 500 Vinyl-Exemplare limitierte Album ist ein Muss für Broom Bezzums-Fans, aber auch ein hervorragender Einstieg für Uneingeweihte!

Manchmal geht einfach alles POP! Fall in Love Again with "Balloon Balloon Balloon"! Unterwerfung. Das ist das Wort, das mir in den Sinn kommt, wenn ich mich mit Kai Slaters Sharp Pins auf den überwältigenden Pop-Planeten begebe. Das Universum funktioniert nur, wenn man sich unterwirft: sich der Liebe unterwirft, sich der Rockmusik unterwirft. Sich der Kraft zu unterwerfen, die von einem Jungen ausgeht, der seine Gitarre schwingt, um makellosen Gitarrenpop zu kreieren, der ins Pantheon der Idole gehört, zu denen er mit diesem Album aufsteigt. Natürlich ist es verständlich, dass man zunächst wütend ist. Alle waren wütend auf Big Star, weil sie den Beatles zu nahe kamen. Und alle werden wütend auf Sharp Pins sein, weil sie dasselbe tun und dann noch Guided by Voices mit ins Spiel bringen. Wie kann er es wagen? Diese Überheblichkeit. Welcher 20-Jährige glaubt, er könne Robert Pollard übertrumpfen? ,Queen of Globes and Mirrors?" Ein Verbrechen. Mit dem noch schlimmeren Verbrechen, Songs zu schreiben, die so rätselhaft zeitlos sind, dass man glauben könnte, sie seien aus einem verlorenen Beatles-Band gestohlen worden. ,I Don't Have the Heart" und ,(I Want to) Be Your Girl" lassen einen wirklich im Unklaren darüber, wann und wo sie entstanden sind. Aber wenn der Lo-Fi-Noise-Pop von "Balloon Balloon Balloon" uns an etwas erinnert, dann daran, dass nur Kai das kann. Mit seiner 12-saitigen Gitarre und seiner unermüdlichen Besessenheit von Popmusik ist Slater einzigartig ausgestattet, um nicht nur von Pollard und Chilton das Erbe anzutreten, sondern auch den Byrds, den Temptations, den Four Tops und allen anderen Künstlern nachzufolgen, die versuchen, die wahre Liebe auf Band zu bannen. Er wendet die Taktik ,um Vergebung bitten, nicht um Erlaubnis" an, wenn er sich bei diesen Größen bedient, und uns bleibt nichts anderes übrig, als Slater zu vergeben, dass er uns diese Rock'n'Roll-Juwelen schenkt, die er aus der Vergangenheit in eine Zukunft katapultiert, die so melodisch makellos und doch kantig und aufrichtig ist, dass wir ihm auch dafür danken müssen, dass er das Genre vor der Bedeutungslosigkeit bewahrt hat. Denn was Slater hinzufügt, ist ganz und gar sein Eigen. Eine unbeschreibliche Sensibilität für das Songwriting, die trotz der zahlreichen Anleihen nur ihm gehören kann. Am Ende des Albums schluckt man jegliche Wut oder Ungläubigkeit, die man vielleicht hatte, und akzeptiert, dass Sharp Pins wirklich so gut sind. Auf diesem umfangreichen, aber niemals überladenen Album erschafft Slater eine Welt voller kleiner Pop-Perlen, die so einfach und dumm gut sind, dass sie uns daran erinnern, dass eine andere Welt möglich ist. Denn es ist nicht nur so, dass die Songs unmöglich aus dem Kopf gehen, was sie auch sind. Es ist Slaters eigene Hingabe an dieses Streben nach dem perfekten Popsong, die uns glauben lässt, dass dies nicht nur möglich ist, sondern auch ausreicht, um dem Leben wieder Form und Farbe zu geben. Fall in Love Again ist keine Empfehlung, sondern eine Verpflichtung. Nicht nur gegenüber einem schönen Mädchen, von denen es auf dem Album viele gibt, sondern gegenüber der Welt selbst. Vielleicht ist es dann möglich, die Zukunft zu erreichen, von der der 20-jährige Slater selbst träumt, aber bis dahin haben wir seine Liebesbriefe an den Rock'n'Roll und die Welt um ihn herum, die uns Gesellschaft leisten.

Nach gefeierten Auftritten bei den BBC Proms, im Kölner Dom und auf der New York Fashion Week veröffentlicht die Organistin, Chor-Leiterin und Influencerin Anna Lapwood ihr aktuelles Album Firedove jetzt auf Vinyl. Neben den beliebtesten Stücken des Albums sind auch zwei neue Stücke dabei, die extra für die Vinyl aufgenommen wurden: "Nimbus" von der indonesischen Komponistin Eunike Tanzil und eine Toccata von Eugène Gigout.Für ihr Album "Firedove" hat Anna Lapwood neue Arrangements zeitgenössischer Stücke von u.a. Hans Zimmer, Rachel Portman oder Alan Menken aufgenommen. Dabei ist Anna Lapwood nicht nur an der Orgel zu hören, sondern leitet bei den Stücken "Come to Me", "Firedove" und "Make You Feel My Love" auch den Chapel Choir of Pembroke College Cambridge. Beim Stück "Flight" wird Anna Lapwood von der Saxofonistin Jess Gillam begleitet. "Firedove" wurde in den Nachtstunden im Nidaros Dom aufgenommen, einer spektakulären gotischen Kathedrale aus dem 11. Jahrhundert in Trondheim, Norwegen."Ich wollte ein Album schaffen, bei dem die Hörer nie genau wissen, wohin es als nächstes geht. Es gibt viele kleine 'Easter Eggs', die man nicht erwarten würde - so der erste Auftritt des Chors. Ich habe das Gefühl, dass ich endlich gefunden habe, was ich als Künstlerin sagen möchte. Ich bin sehr stolz darauf", erklärt Anna Lapwood.Als roter Faden durchzieht "Firedove" das Motiv des Fliegens und der Entfaltung - ein Sinnbild für Anna Lapwoods künstlerische Entwicklung. Sie ist ein Phänomen. Mit der Orgel der Royal Albert Hall, an der sich fast jede Nacht übt, begeistert sie eine neue Generation von Musikfans auf Instagram und TikTok für ihr gemeinhin als altmodisch geltendes Instrument. Sie hat sich damit nicht nur Millionen Fans auf Social Media erspielt, sondern wurde auch zu Kollaborationen mit Bonobo, MRAYE, Florence & The Machine und Aurora eingeladen. Selbst Tom Cruise besuchte sie bei einer ihren nächtlichen Proben, was zu einer spontanen Orgelstunde führte. 2024 wurde sie für ihr Debüt-Album "Luna" mit einem Opus Klassik ausgezeichnet. Neben ihrer Tätigkeit als Organistin wurde sie mit 21 Jahren zur Musikdirektorin am Pembroke College in Cambridgeshire ernannt und war damit die jüngste Person, die jemals diese Position an einem College der Universitäten Oxford oder Cambridge innehatte und leitete neun Jahre lang deren Chöre.

Iptamenos Discos kündigt Houdini an, die neue EP der Labelgründer Local Suicide. Die Platte enthält drei ihrer dunkelsten und kraftvollsten Originaltracks bis heute, ergänzt durch markante Neubearbeitungen des französischen Electroclash-Pioniers David Carretta und der aufstrebenden griechischen EBM-Kraft Alpha Sect. Die Houdini EP entstand im Berliner Studio von Local Suicide während zahlloser nächtlicher Sessions mit Skelesys in derselben kreativen Phase, die auch ihren gemeinsamen Hit Moustache, die Surface Of The Sun EP und Faster Faster auf Curses’ Next Wave Acid Punx-Compilation hervorbrachte. Das Ergebnis ist ihr bisher düsterstes Material, das ihren Technodisco-Sound in noch härteres Terrain führt - mit hypnotischen Basslines, industriellen Texturen und analogen Vintage-Synths. Damit zählt es zu den mutigsten Releases im Katalog von Iptamenos Discos. Die EP eröffnet mit Obsessions, einem Track zwischen Darkwave und Techno, aufgebaut auf einer brutalen Bassline, analogen Synths und eindringlichen, mantraartigen Vocals. Die wiederholte Zeile „Obsessions, they come and go“ spiegelt den unerbittlichen Sog des Stücks wider und unterstreicht seine klaustrophobische, sich ständig wiederholende Energie. Submission, eine Zusammenarbeit mit Langzeitkollaborateur Skelesys, steht dem in nichts nach: ein düsterer Low-End-Sound, verzerrte, stark bearbeitete Vocals und der Sprechgesang „Resistance, no submission“ durchziehen den Track wie eine Trotz-Erklärung, die Spannung in Kraft verwandelt. Der Titeltrack Houdini ist etwas zugänglicher, behält aber die gleiche schattige Atmosphäre. Unheimliche Orgelmelodien und der Text „The great Houdini, the big escape“ beschwören Transformation und Befreiung herauf, zollen dem legendären Illusionisten Tribut und verleihen der Nummer eine theatralische Note. Der französische Kult-DJ und Produzent David Carretta interpretiert Obsessions neu mit seiner unverkennbaren retro-futuristischen Handschrift. Seit den 1990ern bekannt für die Fusion von industrieller Präzision mit Italo-inspirierten Synths, hellt er den Track mit glitzernden Disco-Melodien und einer erhebenden Stimmung auf – eine Version, die sich bewusst vom dunklen Original absetzt und sofort für die Tanzfläche taugt. Der in Straßburg ansässige Alpha Sect, das Projekt des griechischen Künstlers George McCall, führt Submission in kompromisslose Dimensionen. Verwurzelt in Electro und Body Music mit Punk-Einflüssen, beginnt sein Remix als wuchtiger EBM-Stomper und entwickelt sich zu einem clubtauglichen Track, der Intensität mit Katharsis in Balance bringt.

Limitierte Vinyl-Auflage des 2021er Tapes ""Brooklyn Pirates: Neighbourhoods In The Sky, 2014–2021"" (Death Is Not The End), einer Recherche in den Archiven des Radiomoderators David Goren aus Brooklyn, New York. Seit mehreren Jahren erforscht dieser die Piratensender-Community in NYC und produziert Sendungen & Podcasts für BBC World Service und KCRW. In jüngster Zeit katalogisiert Goren seine Streifzüge durch die lokalen Frequenzen mithilfe der Brooklyn Pirate Radio Sound Map (BPRSM) und spürt so den noch immer bestehenden Verbindungen zwischen nicht lizenziertem Rundfunk und der lokalen Nachbarschaftskultur Brooklyns im digitalen Zeitalter nach.

Vorliegende Sammlung vereint Cut-Up-Aufnahmen von wilden Soca-Jams, Kompas über Wahlnachrichten aus Grenada, haitianischen Traueranzeigen und Werbung für jamaikanische Patty-Shops und spirituelle Heiler – samt Sendungen türkischer, orthodoxer und sephardisch-jüdischer Piratensender. Die B-Seite deckt den Zeitraum von Mitte der 2010er bis Anfang 2021 ab und fängt insbesondere die einzigartig eigenwilligen und hyperlokalen Reaktionen der Brooklyn Pirates auf den globalen Zerfall der frühen 2020er Jahre ein – Coronavirus-Pandemie, George Floyd, Biden-Wahl, u.a. – und dient als wichtiges Dokument der Sozialgeschichte, das den Wert von DIY-Community-Sendungen in einer Zeit weltweiter Lockdowns und des völligen Zusammenbruchs der Politik demonstriert.

Tracklisting:

Manche sagen, es sei Albert Einstein gewesen, der das gesagt hat, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass es Hristo Stoichkov war: ,Glück gibt es nicht." Manche Bands leben ihre gesamte Karriere von einem einzigen Song, was Experten als One-Hit-Wonder bezeichnen. Hier würden wir es wahrscheinlich einfach als Strohfeuer bezeichnen, etwas, das uns etwas vertrauter ist. Andere Bands schaffen es, ein oder zwei großartige Alben herauszubringen, vielleicht sogar drei. Darüber hinaus wird es schwieriger, Bands mit mehr als vier soliden Alben zu finden. Diese Bands haben etwas Besonderes, eine Art Magie. Jeder, der sie kennt, hat eine klare Referenz, eine Grundlage, ein Konzept, eine Art, Dinge zu tun, die einen fesseln und in ihren Bann ziehen, genau wie in diesem Fall. CRIMs fünftes Album "Futur Medieval" hält die Flamme ihrer vorherigen vier Alben am Leben. Es ist ein Killer-Album, voller Energie und Leidenschaft. Wie immer gibt es Hymnen, Refrains zum Mitsingen, den charakteristischen synchronen Punch in jedem Song und diese elektrisierenden Gitarren, die von der ersten Note an ihre Trümpfe ausspielen. Wie es in einem ihrer Songs heißt: ,"Nichts Neues?" Na und? Erwachsenes Vergnügen ist genau das, - Jordi "Unclu" Sabatés Ametller CRIM wurde 2011 gegründet und sind wohl die größte Punkband Kataloniens/Spanien. Diese äußerst leidenschaftlichen Musiker haben sich lokal einen Namen gemacht, spielen mittlerweile immer wieder vor Tausenden von Leuten und haben starke Songs, die in vielerlei Hinsicht eine sehr florierende Szene in Nordspanien vorantreiben. Die Popularität von Crim außerhalb Kataloniens wächst rasant, da sich ihre Authentizität in ihrem Sound widerspiegelt und ihr kompromissloser Ansatz in vielerlei Hinsicht universell ist und für Fans leicht erkennbar und einladend, unabhängig davon, welche Sprache sie sprechen. Jeder, der diese Band live gesehen oder ihre Alben gehört hat, kann die Kraft und Energie bezeugen, die sie besitzt. FFO Cock Sparrer, Leatherface, Social Distortion CD, klassisch schwarzes oder mehrfarbiges Vinyl!

Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.

Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.

Das fünfte Studioalbum von Goose und die zweite Veröffentlichung der Band im Jahr 2025 knüpft an den Erfolg von ,Everything Must Go" aus dem April an. ,Chain Yer Dragon" entführt die Zuhörer in eine reichhaltige, vollendete Welt aus Musik und vertrauten Charakteren und lädt sie ein, den Lichtern und Klängen durch schmuddelige Bars und lange Nächte auf der Straße zu folgen, die in der Klarheit eines frischen Morgengrauens verschwinden. ,Chain Yer Dragon" zeigt die Vielseitigkeit von Goose und präsentiert Rock-Songs im Stil der 70er Jahre, die sich vertraut anfühlen und durch Improvisation zum Leben erweckt werden. ,Chain Yer Dragon" spielt mit der Form und wird durch einen natürlichen Produktionsstil getragen, der dem Album das rohe, freizügige Gefühl der elektrisierenden Live-Shows der Band verleiht. Mit Titeln, die Gooses musikalische Karriere umspannen, dient ,Chain Yer Dragon" als Bindeglied zwischen einigen der frühesten, sehr beliebten Songs der Gruppe und ihrer aktuellen Entwicklung als Vierergruppe. Mit Live-Klassikern wie ,Echo of A Rose", ,Empress of Organos", ,Rockdale" und Fan-Favoriten wie ,Factory Fiction" greift ,Chain Yer Dragon" die Ursprünge der Band auf. Der Albumauftakt mit neuen Tracks wie ,Madalena" und ,Royal" konkretisiert das Universum der Night Rays Band und erweitert Ideen, die Gitarrist und Sänger Rick Mitarotonda und sein Songwriting-Partner Matt Campbell bereits 2011 entwickelt hatten. ,Es gibt eine Welt, die sich aufbaut und die sich wie die treibende Kraft dieses Albums anfühlt", sagte Mitarotonda. ,Viele dieser charakterorientierten Songs stammen aus einer Zeit und einem Ort, an dem wir unsere musikalische Stimme gefunden haben, und es ist sehr befriedigend, sie nicht nur aus der Perspektive unserer heutigen Identität und unseres heutigen Standorts wieder aufzugreifen, sondern auch weiterzuentwickeln. Diese Songs haben eine Reise hinter sich, und es fühlt sich richtig an, dass sie nun endlich ein Zuhause gefunden haben." ,Chain Yer Dragon" bietet Persönlichkeiten, Schauplätze und Musik, in denen man sich verlieren kann. Lyrische Rückgriffe und strukturiertes Storytelling erzählen eine Geschichte, die zwar nicht linear ist, sich aber dennoch zusammenhängend anfühlt. Das Album treibt den ständig wachsenden musikalischen Katalog von Goose voran und erinnert gleichzeitig daran, dass man manchmal, um voranzukommen, die Vergangenheit annehmen muss.

Wenn Liebesdramen klingen wie glitzernde Clubnächte und der Schmerz so tanzbar wird, dass er fast schön ist: Austra verwandelt den Moment des völligen Verlusts in eine Partitur aus Verrat, Trost und neonfarbenem Pathos. Katie Stelmanis hat ihre Stimme immer wie ein kostbares Instrument behandelt, klassisch geschult, in Opern getaucht, vier Alben lang getragen von einer Dramatik, die man auf der Bühne so überzeugend spielen kann, wenn sie im echten Leben ausbleibt. Bis der Vorhang im Frühjahr 2020 einfach ohne Ansage fiel: Die Partnerin, viele Jahre an ihrer Seite, wacht eines Morgens auf, sagt, sie sei unglücklich und verschwindet wie eine Figur, die mitten im dritten Akt aus der Inszenierung läuft. Zurück bleibt Stelmanis, umgeben von einer Welt, die plötzlich so wenig Struktur hat wie ein falsch gesetzter Akkord. Der Titel des neuen Albums, Chin Up Buttercup, ist ein feiner Stich ins gesellschaftliche Fleisch: dieses unausgesprochene Gebot, das Herz zu flicken, das Lächeln anzukleben, einfach weiterzutanzen. Gemeinsam mit Co-Produzent Kieran Adams blickt Stelmanis nach Europa, nach 1998, zu Madonnas Ray of Light, zu William Orbits flirrendem, elektronischem Lichtgewebe. Aus der Trümmermasse persönlicher Verluste baut sie tanzbare Hymnen, die zugleich beschwören und beschweren. Math Equation ist dabei die erste Single und das schlagende Herz: eine Gleichung aus Verrat und Witz, in der Zeilen wie „You said I needed my own friends / So I found them / Then you fucked them“ zugleich Klage, Trotz und poetische Ohrfeige sind. Über allem liegt dieser Hauch von sapphischem Chaos, der Austra hier zu einer großen Erzählerin des gebrochenen Takts macht.

Debütalbum der australischen Post-Punk-Band dust. Mit einer Mischung aus kantigen Instrumenten und melancholischen Klanglandschaften, die eine viszerale, genreübergreifende Identität schaffen, haben Schlagzeuger Kye Cherry, Bassist Liam Smith, Saxophonist Adam Ridgway und die beiden Sänger/Gitarristen Justin Teale und Gabriel Stove einen Sound entwickelt, der sowohl kathartisch als auch konfrontativ ist. Ihre Debüt-EP ,et cetera, etc", die Anfang 2023 veröffentlicht wurde, fängt einen rohen und spontanen Ausschnitt aus der frühen Entwicklung der Band ein. Der Schwung, den sie durch die Veröffentlichung gewonnen haben, führte zu ausverkauften Shows im ganzen Land und Festivalauftritten bei Laneway, Pitchfork und London Calling. Ihre Auftritte bei BIGSOUND, The Great Escape in Brighton und SXSW Austin, TX erhielten auf der internationalen Bühne hervorragende Kritiken. Gegen Ende 2023 tourte die Band durch Australien als Support von Interpol und Bloc Party und stand gemeinsam mit den Shoegaze-Pionieren Slowdive im Enmore Theatre in Sydney und trat gemeinsam mit Protomartyr in Antwerpen auf. Ihre kraftvolle Live-Präsenz brachte ihnen eine weitere Einladung ein, gemeinsam mit Interpol zum 20-jährigen Jubiläum von Antics aufzutreten, wobei sie die Bühne einiger der renommiertesten Veranstaltungsorte in Großbritannien und Europa betraten. Im Jahr 2024 begann dust, ihren Sound neu zu definieren, indem sie Free-Jazz-Einflüsse und halllastige Gitarrenklänge in ihre Singles einfließen ließen und damit Anleihen bei Shoegaze und Experimentalismus machten. dusts Entwicklung setzt sich auf ihrem Debütalbum ,Sky Is Falling" fort. Ihr Sound, der auf Genre-Defiance und Neuerfindung basiert - Shoegaze und elektronischer Experimentalismus Seite an Seite mit schwer fassbaren Saxophonarrangements und abrasiven Gitarrenlinien - ist fest in Melancholie und Selbstreflexion verwurzelt. Anarchischer Drive, der an Geese bis Double Virgo erinnert, mit glückseligen Anspielungen auf Klassiker wie Sonic Youth und My Bloody Valentine.

„Amorica” ist das dritte Album der aus Atlanta stammenden und von den Brüdern Chris und Rich Robinson
gegründeten Rockband The Black Crowes. Nach zwei erfolgreichen Alben, „Shake Your Money Maker”
(1990) und „The Southern Harmony and Musical Companion” (1992), standen die Brüder 1993 vor der
Herausforderung, an diese Erfolge anzuknüpfen. Obwohl Chris und Rich ihre persönlichen Probleme haben,
gibt es eine
Verbindung, die sie zusammenhält und zu Amorica führt. Das Amorica-Boxset und das einstündige Gespräch
mit Chris und Rich reflektieren, wie diese Verbindung auf die Probe gestellt wurde, als sie versuchten, Tall
(das verworfene Album vor Amorica) aufzunehmen, sich neu zu formieren und die richtige Energie zu finden,
um „Amorica” aufzunehmen. Sie erzählen auch von der legendären „Mushroom Party”, die am Ende der
Amorica-Sessions stattfand und sowohl die Visuals als auch das Albumcover beeinflusste.
Amorica erscheint am 14.11.2025 als limitierte CD- und Vinyl-Box und 2LP

„Amorica” ist das dritte Album der aus Atlanta stammenden und von den Brüdern Chris und Rich Robinson
gegründeten Rockband The Black Crowes. Nach zwei erfolgreichen Alben, „Shake Your Money Maker”
(1990) und „The Southern Harmony and Musical Companion” (1992), standen die Brüder 1993 vor der
Herausforderung, an diese Erfolge anzuknüpfen. Obwohl Chris und Rich ihre persönlichen Probleme haben,
gibt es eine
Verbindung, die sie zusammenhält und zu Amorica führt. Das Amorica-Boxset und das einstündige Gespräch
mit Chris und Rich reflektieren, wie diese Verbindung auf die Probe gestellt wurde, als sie versuchten, Tall
(das verworfene Album vor Amorica) aufzunehmen, sich neu zu formieren und die richtige Energie zu finden,
um „Amorica” aufzunehmen. Sie erzählen auch von der legendären „Mushroom Party”, die am Ende der
Amorica-Sessions stattfand und sowohl die Visuals als auch das Albumcover beeinflusste.
Amorica erscheint am 14.11.2025 als limitierte CD- und Vinyl-Box und 2LP

Merge Records wiederveröffentlicht das Debütalbum von The Clientele ,The Violet Hour" auf Vinyl. Seit seiner Erstveröffentlichung 2003 in Großbritannien bei Pointy ist es längst vergriffen und sehr begehrt. Nach dem Durchbruchserfolg von ,Suburban Light", der 2001 erschienenen Sammlung der ersten Singles und EPs von The Clientele, waren Trendsetter und Liebhaber gespannt darauf zu hören, was das Trio aus Alasdair MacLean (Gitarre, Gesang), Mark Keen (Schlagzeug, Klavier) und James Hornsey (Bass) leisten würde, wenn man es in einem Studio loslegen ließe, um ein Album in voller Länge aufzunehmen. Was sie im Herbst 2002 aus den Londoner Medina Road Studios mitbrachten, war verlockend: Ihr bereits scharf ausgearbeitetes Motiv aus 60er-Jahre-Psychedelia und modernem Fuzz-Pop nahm Jazz-Einflüsse auf, insbesondere dadurch, dass das LP-Format mehr Raum bot, um die Atmosphäre besser zur Geltung zu bringen. The Clientele dehnen den frühen Abend von ,The Violet Hour" unendlich aus und manipulieren die strukturierte Zeit des Popsongs so, wie Dichter die Struktur der Sprache manipulieren - um Orte, Stimmungen, verstreute Gedanken, Enttäuschungen, Potenziale und vor allem Sehnsüchte einzufangen. Es ist ein schimmerndes Juwel von einem Album, dessen träge Melodien und hallgetränkte Refrains zugleich erhaben und tragisch sind, dessen verschwommene, traumhafte Abschweifungen zugleich an die Wärme einer Lieblingsplatte erinnern, die während eines Sommergewitter gespielt wird, während man sich nach der nebelverhangenen Zukunft einer noch ungeschriebenen Nacht sehnt. ,The Violet Hour" hat sich Jahrzehnte später als charakteristisches Album im Katalog von The Clientele behauptet, das nicht nur den Sound perfektioniert hat, der die Band zu einem Phänomen in den Message Boards gemacht hat, sondern ihm auch eine völlig neue Tiefe verliehen hat. In der Folge war es nicht mehr möglich, sie als eines der bestgehüteten Geheimnisse des Indie-Pop zu bezeichnen. The Clientele waren und sind nach wie vor eine der wichtigsten Figuren des Genres, und ,The Violet Hour" war und ist nach wie vor eines ihrer wichtigsten Statements: eine üppige Einladung in ihren Underground.

Nach zwei gefeierten experimentellen Instrumentalalben, Feral Hymns (2021) und Acts of Light (2023), kehrt Hilary Woods auf ihrer neuen LP Night CRIU zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Sie lernt erneut, wie sie ihre Stimme einsetzen kann, und komponiert Songs, die sich um sie drehen. Das intime Ökosystem von Night CRIU mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. Night CRIU ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Diese Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

Eye to the Telescope: Stargazer Edition
Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete, mit dem BRIT Award ausgezeichnete und für den Grammy®
nominierte Künstlerin KT Tunstall feiert den 20. Jahrestag ihres legendären Debütalbums „Eye To The
Telescope“ mit Neuauflagen der Sonderedition „Stargazer“. Diese Editionen sind exklusiv auf Vinyl und CD
erhältlich und enthalten bisher unveröffentlichte Aufnahmen, B-Seiten und exklusive Live-Sessions. Das
2004 erschienene Album „Eye To The Telescope“ katapultierte die schottische Singer-Songwriterin KT
Tunstall ins globale Rampenlicht, angetrieben von ihrem unvergesslichen Live-Debüt von „Black Horse and
the Cherry Tree“ auf „Later…“ mit Jools Holland. Das Album erreichte Platinstatus in Großbritannien und
den USA. Das Album enthält mehrere herausragende Titel, darunter die bereits erwähnten Titel „Black
Horse and the Cherry Tree“, „Other Side of The World“ und insbesondere die Hitsingle „Suddenly I See“,
die nach ihrem prominenten Auftritt in der Eröffnungssequenz von „Der Teufel trägt Prada“ zu einem
prägenden Moment der Popkultur wurde.
Die Stargazer-Editionen von Eye to the Telescope enthalten drei neue Songs, darunter „Cancerian“, „Anything At All“ und den Titeltrack „Eye To The Telescope“. Diese Songs wurden während der OriginalSessions begonnen und bis zu diesem Jahr unvollendet gelassen.

Eye to the Telescope: Stargazer Edition
Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete, mit dem BRIT Award ausgezeichnete und für den Grammy®
nominierte Künstlerin KT Tunstall feiert den 20. Jahrestag ihres legendären Debütalbums „Eye To The
Telescope“ mit Neuauflagen der Sonderedition „Stargazer“. Diese Editionen sind exklusiv auf Vinyl und CD
erhältlich und enthalten bisher unveröffentlichte Aufnahmen, B-Seiten und exklusive Live-Sessions. Das
2004 erschienene Album „Eye To The Telescope“ katapultierte die schottische Singer-Songwriterin KT
Tunstall ins globale Rampenlicht, angetrieben von ihrem unvergesslichen Live-Debüt von „Black Horse and
the Cherry Tree“ auf „Later…“ mit Jools Holland. Das Album erreichte Platinstatus in Großbritannien und
den USA. Das Album enthält mehrere herausragende Titel, darunter die bereits erwähnten Titel „Black
Horse and the Cherry Tree“, „Other Side of The World“ und insbesondere die Hitsingle „Suddenly I See“,
die nach ihrem prominenten Auftritt in der Eröffnungssequenz von „Der Teufel trägt Prada“ zu einem
prägenden Moment der Popkultur wurde.
Die Stargazer-Editionen von Eye to the Telescope enthalten drei neue Songs, darunter „Cancerian“, „Anything At All“ und den Titeltrack „Eye To The Telescope“. Diese Songs wurden während der OriginalSessions begonnen und bis zu diesem Jahr unvollendet gelassen.

Die ,CURSE"-EP von UMO spiegelt die verfluchten Zeiten wider, in denen wir uns befinden. Inspiriert von italienischen Horrorfilmen der 1970er- und 1980er-Jahre sind die sechs Songs dieser Veröffentlichung so kathartisch wie kaum eine andere Aufnahme der Band. Sie vereint sowohl schroffe, von Black Sabbath inspirierte Riffs in ,BOYS WITH THE CHARACTERISTICS OF WOLVES" als auch das entspannte, filigrane Gitarrenspiel, für das UMO vielleicht am bekanntesten ist, in ,DEATH COMES FROM THE SKY".Die CURSE-EP ist der perfekte Soundtrack für deine nächste Konfrontation mit dem Nichts.

Eine essentielle Einführung in den Katalog des "King of Kikuyu Benga", Joseph Kamaru! 17 Tracks, die seine ganze Bandbreite abdecken – von schwungvollen Dancefloor-Chants, High-Life-esken Gitarren über Afro-Funk, Drum-Machine- und Keyboard-lastigen Disco-Grooves bis zu folkloristischen Klageliedern. Die Musik ist rau, direkt, tanzbar und voller einprägsamer Hooks. Die prägnanten Texte reichen von Protestliedern bis hin zu Beziehungsratschlägen. Joseph Kamaru war in seiner Heimat Kenia eine unglaublich populäre Persönlichkeit und verband sie alle – von einflussreichen Politikern bis zur ländlichen und städtischen Arbeiterklasse. Seine Musik verdient ein viel größeres internationales Publikum.

Anlässlich des 50. Jubiläums von Motörhead im Jahr 2025 vereinen sich Punk-Größen, um die lauteste
Band der Welt mit einem neuen Tributalbum zu ehren: „Killed By Deaf: A Punk Tribute to Motörhead“.
Motörhead – lange Zeit als unerschütterliche Brücke zwischen Punk und Metal gefeiert – hinterließen
mit ihrer unbändigen Energie, ihrem halsbrecherischen Tempo und ihrer kompromisslosen Haltung einen
unauslöschlichen Eindruck in beiden Szenen. Jetzt erwacht ihr Erbe mit fulminanten Coverversionen aus
ihrem ikonischen, genreübergreifenden Katalog zu neuem Leben.
„Killed By Deaf“ enthält mitreißende Beiträge legendärer Punk-Acts wie Rancid, Pennywise, Lagwagon,
The Bronx und vielen mehr. Sogar der große Mann selbst – Lemmy – ist mit The Damned auf einem Track
zu hören! Angetrieben von purer Kraft und tiefer Ehrfurcht fängt dieses Tributalbum den Geist einer Band
ein, deren Einfluss noch immer Bühnen und Lautsprecher weltweit zum Beben bringt.
Machen Sie sich bereit, Motörhead wie nie zuvor zu hören – lauter, schneller und höllisch punkig.

Fantasies ist das vierte Album der kanadischen Indie-Rock-Band Metric mit den Singles ”Help, I’m Alive
und ”Gimme Sympathy”. Seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2009 hat sich Fantasies zum meistgestreamten
Album von Metric entwickelt und hat bis Juli 2025 allein auf Spotify über 252 Millionen Plays erzielt. Zu
dieser Zeit weithin gefeiert – es debütierte auf Platz 1 der Billboard Heatseekers und wurde 2010 bei den
Junos als Alternative Album of the Year ausgezeichnet – seine anhaltende Popularität macht es immer
noch zu einem prägenden Höhepunkt im Katalog der Band.
Jetzt exklusiv Opaque Bone gepresst.

John Fogerty feiert die Songs, die Rockgeschichte geschrieben haben – zu seinen eigenen Bedingungen. Zum
ersten Mal besitzt er die vollen Rechte an seinem ikonischen Katalog. Legacy ist sowohl eine Feier als auch
eine Rückeroberung. Das Album enthält neu eingespielte Versionen seiner beliebtesten Songs und fängt
Fogertys rohe Energie und kreative Leidenschaft ein – pünktlich zu seinem 80. Geburtstag. Unterstützt
von seiner Familienband und getragen von einer neuen Welle der Anerkennung – von seiner Ehrung durch
Bruce Springsteen bei den American Music Honors bis hin zu mitreißenden Auftritten 2025 beim JazzFest,
Glastonbury, der Hollywood Bowl und vielem mehr – zeigt sich Fogerty so kraftvoll und lebensfroh wie eh
und je. Legacy ist nicht nur eine Hommage an eines der größten Repertoires der Rockmusik – es ist der
Klang eines amerikanischen Originals, das seinen Platz im Rampenlicht erneut einnimmt.

Radiohead kündigen mit "Hail to the Thief Live Recordings 2003-2009" ein neues Livealbum, welches es der Band ermöglichte, ihre Beziehung zu ihrem sechsten Studioalbum Hail to the Thief neu zu bewerten. Das Album ist jetzt digital verfügbar und als einmalige Pressung vorbestellbar, die am 31. Oktober erscheint. Es enthält Aufnahmen von Auftritten in London, Amsterdam, Buenos Aires und Dublin zwischen 2003 und 2009. Gemischt wurde das Album von Ben Baptie und gemastert von Matt Colton. Thom Yorke sagte über das neue Livealbum: "Als ich darüber nachdachte, wie ich Arrangements für die Shakespeare-Hamlet/Hail to the Thief-Theaterproduktion gestalten könnte, bat ich darum, einige archivierte Liveaufnahmen der Songs zu hören. Ich war schockiert über die Energie, mit der wir damals gespielt haben. Ich habe uns kaum wiedererkannt, und es hat mir geholfen, einen Weg nach vorn zu finden. Wir beschlossen, diese Liveaufnahmen zu mischen und zu veröffentlichen (es wäre verrückt gewesen, sie nur für uns zu behalten). Das Ganze war ein sehr kathartischer Prozess. Wir hoffen sehr, dass ihr sie genießt." Die einmalige Vinylpressung ist außerdem in einer limitierten roten Variante bei unabhängigen Händlern sowie in einer cyanfarbenen Version exklusiv im W.A.S.T.E.-Store von Radiohead erhältlich. Kürzlich hat Thom Yorke gemeinsam die von der Kritik gefeierte Produktion "Hamlet Hail to the Thief" mitgestaltet - eine rasante Adaption von Shakespeares Hamlet, untermalt von einer dekonstruierten Partitur aus neu bearbeiteten Songs des 2003er-Albums Hail to the Thief. Rolling Stone UK schrieb über die neue Inszenierung: "Der größte Beweis für Yorke und seine Mitautoren ist, dass diese Welten so nahtlos miteinander verschmelzen - als wären sie schon immer füreinander bestimmt gewesen."

Radiohead kündigen mit "Hail to the Thief Live Recordings 2003-2009" ein neues Livealbum, welches es der Band ermöglichte, ihre Beziehung zu ihrem sechsten Studioalbum Hail to the Thief neu zu bewerten. Das Album ist jetzt digital verfügbar und als einmalige Pressung vorbestellbar, die am 31. Oktober erscheint. Es enthält Aufnahmen von Auftritten in London, Amsterdam, Buenos Aires und Dublin zwischen 2003 und 2009. Gemischt wurde das Album von Ben Baptie und gemastert von Matt Colton. Thom Yorke sagte über das neue Livealbum: "Als ich darüber nachdachte, wie ich Arrangements für die Shakespeare-Hamlet/Hail to the Thief-Theaterproduktion gestalten könnte, bat ich darum, einige archivierte Liveaufnahmen der Songs zu hören. Ich war schockiert über die Energie, mit der wir damals gespielt haben. Ich habe uns kaum wiedererkannt, und es hat mir geholfen, einen Weg nach vorn zu finden. Wir beschlossen, diese Liveaufnahmen zu mischen und zu veröffentlichen (es wäre verrückt gewesen, sie nur für uns zu behalten). Das Ganze war ein sehr kathartischer Prozess. Wir hoffen sehr, dass ihr sie genießt." Die einmalige Vinylpressung ist außerdem in einer limitierten roten Variante bei unabhängigen Händlern sowie in einer cyanfarbenen Version exklusiv im W.A.S.T.E.-Store von Radiohead erhältlich. Kürzlich hat Thom Yorke gemeinsam die von der Kritik gefeierte Produktion "Hamlet Hail to the Thief" mitgestaltet - eine rasante Adaption von Shakespeares Hamlet, untermalt von einer dekonstruierten Partitur aus neu bearbeiteten Songs des 2003er-Albums Hail to the Thief. Rolling Stone UK schrieb über die neue Inszenierung: "Der größte Beweis für Yorke und seine Mitautoren ist, dass diese Welten so nahtlos miteinander verschmelzen - als wären sie schon immer füreinander bestimmt gewesen."

rstmals auf Vinyl erscheint das 2011er Album ""If You Want Loyalty, Buy A Dog"" von Little Axe, dem Blues-Alter Ego des Gitarristen Skip McDonald, Mitglied von The Sugarhill Gang, Tackhead und anderen, sowie Arrangeur eines Großteils des On-U-Sound-Katalogs. Für Vinyl editiert von Adrian Sherwood. Neu geschnitten von Frank Merritt im The Carvery. Schwarzes Vinyl in bedruckter Innenhülle. Design von Chris Bigg von v23. Limitierte Auflage.

"Ein wunderschönes, sanft funky und zutiefst trauriges Album – entgegen aller Erwartungen hat McDonald musikalische Elemente, die wenig mit Blues zu tun haben, aufgegriffen und daraus die tiefste Essenz des Blues herausgearbeitet. Es gibt keinen einzigen schwachen Track auf diesem Album. Es ist ein ungewöhnlich bewegendes und eindringliches Dokument von einem der unbesungenen Helden der amerikanischen (und, seltsamerweise, jamaikanischen) Roots-Musik." - Rick Anderson

Ob vor der Kamera, am Mikrofon oder jetzt im Musikstudio - Marleen Lohse beweist erneut ihr kreatives Gespür und ihre Vielseitigkeit. Bekannt ist sie aus erfolgreichen TV-Produktionen wie "Nord bei Nordwest", "Unsere wunderbaren Jahre", "Katakomben" oder Kinofilmen wie "Cleo", "La Palma" und "Happy Burnout". Nun zeigt sie eine neue Facette ihres Talents - als Musikerin. Mit "Wide Awake" veröffentlicht sie ihr erstes Album auf ihrem eigenen Label Amore Mio - ein Werk voller Gefühl, Tiefe und musikalischer Handschrift. Die Songs bewegen sich zwischen introspektivem Indie und melodischem Pop, getragen von einer warmen, atmosphärischen Klangwelt. Gemeinsam mit Andi Fins (u.a. Cäthe, Moritz Krämer) entstanden Texte und Melodien, die berühren und im Ohr bleiben. Für den Sound sorgte ein erfahrenes Team: Hanno Stick (Judith Holofernes) am Schlagzeug, Julius Hartog (Andreas Bourani) und Tim Neuhaus (Clueso, Glen Hansard) an den Gitarren. Henrik Menzel (Udo Lindenberg, Yvonne Catterfeld) verlieh dem Album durch Co-Produktion, Mix und Mastering seinen finalen Glanz. "Wide Awake" ist ein musikalisches Statement - ehrlich, emotional und eigenständig. Für alle, die Musik mit Charakter und Seele lieben.

MOON DESTROYS wurde von Juan Montoya (ex-Torche) und Schlagzeuger Evan Diprima (ex-Royal Thunder) gegründet und veröffentlichte 2020 die erste EP "Maiden Voyage". Das 5-Song-Debüt entstand unter Mitwirkung von Troy Sanders (Mastodon) und Bryan Richie (The Sword) und legte den Grundstein für die Band, die 2024 mit Sänger/Gitarrist Charlie Suárez (MonstrO) und Bassist Arnold Nese ihre endgültige Besetzung fand. Im April 2025 rückte MOON DESTROYS dann ins wirkliche Rampenlicht, sicherte sich Support-Slots mit Elder und Dozer und veröffentlichten selbst ihr Debütalbum "She Walks By Moonlight" in limitierter Auflage. Dieses neue Album zeigte sofort die rasante Entwicklung, die über die Verbindungen der Mitglieder zu ihren früheren Bands hinausging. "She Walks By Moonlight" ist rau und verzerrt, aber dennoch verschwommen und hypnotisch und wechselt von schimmerndem Post-Rock zu treibendem Riff-Doom und zurück zu shoegaziger Psychedelia. Es ist eine filmische wie jenseitige Reise einer Band, die sich auch mühelos in die Gefilde von Floor, Mother Love Bone, The Jesus and Mary Chain, Russian Circles und Ride begibt und letztendlich alle Versuche einer Kategorisierung in einem sprudelnden, soghaften, funkelnden Dunst zusammenbrechen lässt. Blues Funeral präsentiert nundie weltweite Wiederveröffentlichung des Albums, ein neues Albums folgt 2026. Transzendenter Heavy Psych-Doom für Fans von REZN, King Buffalo, Pelican und Dead Meadow "With She Walks By Moonlight, Moon Destroys proves they're not just refining their sound--they're pushing boundaries, crafting a record that's as meditative as it is crushingly heavy." _Ghost Cult

The Soft Apocalypse ist ein Triumph der Selbstfindung. Das Debüt von Henry J. Star entstand aus einer Mischung aus Aufrichtigkeit, Absicht und einem breiten Spektrum an musikalischen und nicht-musikalischen Interessen, darunter Cloud Rap, japanische Abenteuerspiele und Literatur. Das Album wurde vollständig von dem Multi-Instrumentalisten Devin Badgett geschrieben, produziert und eingespielt, der bereits durch frühere Projekte als Performer und Songwriter bekannt ist. The Soft Apocalypse ist eine Geschichte vom Ende der Welt am Ende der Welt und eine Anerkennung der überwältigenden Schönheit und unerträglichen Gewalt, die das Anthropozän vorantreibt. Eine detaillierte Schilderung des Pessimisten und Optimisten, die auf eine katastrophale Evolution zusteuern. Jeder Song ist ein lebhafter Blick nach innen auf eine zerbrochene Psyche, die unter der unermüdlichen Belagerung einer zusammenbrechenden Welt versucht, sich wieder zu einem Ganzen zusammenzufügen. Mit tränenüberströmtem Gesicht lag ein junger Künstler auf den abgenutzten, mit Teppich ausgelegten Stufen seines Elternhauses und machte sich an seinen sisyphushaften Kampf, sich selbst zu entkommen. Als seine Mutter sich zu ihm hinunterbeugte, um ihn von den Stufen zu ziehen, die er so oft zuvor erklommen hatte, begann eine neue Reise und eine archetypische neue Persönlichkeit wurde geboren. Devin Javon Badgett ist ,Henry J. Star" und der Autor dieser Geschichte.

Supergrass – Gaz Coombes, Mick Quinn, Danny Goffey und Rob Coombes – sind eine der bedeutendsten
Bands der 1990er Jahre mit mehreren Millionen verkauften Platten, darunter sechs Top-10-Alben und zehn
Top-20-Singles. Die 1993 im britischen Oxford gegründete Band, die mit Brit, Q, NME und Ivor Novello
ausgezeichnet wurde, veröffentlichte 1995 ihr für den Mercury nominiertes Nr.-1-Debütalbum „I Should
Coco“. Die vierte Single „Alright“ war ein Pop-Meisterwerk und wurde ein Riesenhit, der die Band weltweit
zum Erfolg katapultierte.
„The Strange Ones: 1994–2008“ ist ihre umfassende Best-of-CD, die ursprünglich im Januar 2020 veröffentlicht wurde und alle ihre größten Hits enthält, verpackt in einer Klappcover-Doppelalbum mit bedruckten Innenhüllen auf 140 g schwerem schwarzem Vinyl und einem CD-Digipack. Das Artwork wurde von Nick
Bax, einem langjährigen Mitarbeiter der Band, entworfen und von der Band selbst künstlerisch geleitet.

Ein fiktiver Radiosender als Titel, der mit den politischen Verhältnissen im Osten abrechnet und ein Cover,
das Lindenberg auf dem roten Platz mit drei Balletttänzerinnen zeigt. Schwer vorzustellen, ein Album
mit noch höherer zeitgeschichtlicher Relevanz zu veröffentlichen. Dieses Jahr feiert Lindenbergs „Radio
Eriwahn“ 40. Jubiläum. Schon im Titel des 19. Studioalbums des Panikrockers: eine Anspielung auf den
frei erfundenen Sender Eriwan. In einer Kategorie politischer, teils unmoralischer Witze wird mit diesem
„Sender“ des Sowjetregimes hinter vorgehaltener Hand die Politik und der Alltag in der DDR verarbeitet.
Ein treffender Titel für ein Album, welches vom humorvollen Umgang mit der Ost-West-Teilung lebt. Die
A-Seite des Albums besteht aus Studiotiteln, die B-Seite sind Live-Aufnahmen aus Moskau, wo er anlässlich
der Weltfestspiele der Jugend und Studenten 1985 mehrfach auftrat. Ein heimlicher Triumpf für Lindenberg,
dem nach seinem ersten Konzert in der DDR seine DDR-Tour abgesagt wurde. Das Cover zeigt Udo auf
dem roten Platz, der für das Cover rot eingefärbt wurde, nachdem Lindenberg bei seinem ersten Besuch
enttäuscht war, dass der Platz nicht tatsächlich rot ist. Am 17.10.2025 erscheint die Jubiläumsversion von
„Radio Eriwahn“ in gelb-transparentem Vinyl in einer streng limitierten, handnummerierten Auflage von
nur 1.500 Exemplaren. Um das 40. Jubiläum gebührend zu feiern, wird das Album zudem auch als CD
neu aufgelegt.

Jubiläums-Ausgabe: Neu abgemischt und remastered. Enthält den neuen Song "Glass Houses". Mit neuem Artwork, kommt in O-Card-Schuber. Strung Out feiern im Jahr 2025 zwei wichtige Meilensteine: ihr 35-jähriges Bandjubiläum und das 20-jährige Jubiläum ihres bahnbrechenden Albums ,Exile in Oblivion". Dieses Album, das weithin als unverzichtbarer Punk-Hardcore-Klassiker gilt, wurde zu diesem Anlass neu abgemischt und remastered. Zur Feier des Tages hat die Band mit Hilfe von Kyle Black und Rob Ramos "Glass Houses" fertiggestellt, einen unvollendeten Song aus den ursprünglichen Aufnahmesessions. Exile in Oblivion zeigt Strung Out's charakteristische Mischung aus melodischem Punk, Hardcore und Metal-Elementen, die jetzt besser klingt als je zuvor. Während frühere Alben ihr technisches Können andeuteten, zeichnet sich Exile in Oblivion durch disziplinierte Gitarrenarbeit und schnelles Schlagzeugspiel aus, das immer dem Kern des Songs dient. Das Album wurde durchweg für sein kraftvolles Songwriting, die komplexe Musik und den dunkleren, aggressiveren Ton gelobt und festigte seinen Ruf als bedeutende Veröffentlichung sowohl in der Diskografie der Band als auch in der breiteren Melodic Punk/Hardcore-Szene. Indie-Handel exklusives Red & Yellow Swirl Vinyl!

"One Hit Wonders" ist eine dynamische Doppel-LP-Zusammenstellung, die die unvergesslichen Songs feiert, die den Äther beherrschten und zu zeitlosen Klassikern wurden. Diese Sammlung vereint legendäre Hits aus verschiedenen Jahrzehnten und Genres, von den energiegeladenen Beats von "You Spin Me Round (Like a Record)" von Dead or Alive bis zum sanften Yacht-Rock von "Steal Away" von Robbie Dupree. Mit Tanzhymnen, gefühlvollen Balladen und genredefinierenden Titeln ist dieses Album eine nostalgische Reise durch Songs, die trotz der Tatsache, dass sie die einzigen großen Chartstürmer ihrer Künstler waren, in der Musikgeschichte unverzichtbar geblieben sind.

Diese sorgfältig zusammengestellte Auswahl umspannt die Welten von Pop, Rock, Funk, R&B und Hip-Hop. LP1 enthält Wohlfühl-Hits wie "Walking on Sunshine" von Katrina and the Waves, den Synthie-Pop-Charme von "Wouldn't It Be Good" von Nik Kershaw und die eindringliche Schönheit von "Only the Lonely" von The Motels. LP2 hält die Energie hoch mit funkgetriebenen Grooves wie "Play That Funky Music" von Wild Cherry, der filmischen Magie von "Neverending Story" von Limahl und sanften Balladen wie "Because I Love You" von Stevie B. Jeder Track auf dieser Compilation ist einkultureller Meilenstein, der von der ersten Note an erkennbar ist.

"One Hit Wonders", herausgegeben von MPO, ist ein Muss für Musikliebhaber, Sammler und Fans von klassischen Hits, die Generationen überdauern. Ob Sie diese Hymnen wiederentdecken oder zum ersten Mal erleben, dieses Album fängt die Magie von Songs ein, die Geschichte geschrieben haben, auch wenn ihre Schöpfer nie wieder denselben Erfolg in den Charts hatten. Sichern Sie sich noch heute Ihr Exemplar und lassen Sie sich von der Musik in die Momente zurückversetzen, in denen diese Titel die Charts beherrschten und und die Welt in ihren Bann zogen.
Tracklisting

* Das Rilke Projekt - Europas erfolgreichstes Poesie Projekt * Von den Schöpfern und Produzenten Schönherz & Fleer * Ausgezeichnet mit dem Internationalen Buchpreis Corine des Nachrichtenmagazins Focus * Nominiert für den Deutschen Hörbuchpreis in der Kategorie: Innovation * Seit vielen Jahren mit großem Erfolg in Deutschland auf Tournee mit renommierten Schauspielern und Musikern * Das in den letzten 25 Jahren mehrfach mit Gold ausgezeichnete Projekt mit großen Künstlern * Nach bislang 6 Alben – Jetzt die große Retrospektive zum Jubiläum + brandneue Musik! * 150 Jahre Rilke + 25 Jahre RILKE PROJEKT! * Das neue Album „So viel Himmel“ mit Highlights aus 25 Jahren * Mit vier brandneuen Songs von Florian Künstler, Roland Kaiser, Madeline Juno & Laith Al-Deen * Zu den weiteren Albumgästen der Retrospektive zählen Iris Berben, Peter Maffay, Otto Sander, Nina Hagen, Jürgen Prochnow, Hanna Schygulla, Udo Lindenberg, Till Brönner, Dietmar Bär, Ben Becker, Hannah Herzsprung, Hannelore Elsner, Katja Flint und Sol Gabetta.

JANA IRMERT - ,PORTALS": Portals wurde vollständig aus Klängen produziert, die im Amazonas-Regenwald in Brasilien und Kolumbien aufgenommen wurden, und beschwört die verborgene Welt der Klänge herauf, die jenseits unserer Wahrnehmung liegt. Ob in ultraschallhohen Frequenzbereichen oder in den Tiefen des aquatischen Mediums verborgen, zeugen diese Klänge von einer ungeahnten und pulsierenden tierischen Aktivität. Insekten, Frösche, Fledermäuse und Süßwasserdelfine bewegen sich, verstecken sich vor unseren Augen und Ohren. Indem sie diese Klangpalette insbesondere durch Transposition offenlegt und wieder in den Bereich des Hörbaren zurückführt, lädt Jana Irmert uns zu einer faszinierenden Erkundung einer ungeahnten, spekulativen und nicht-menschlichen Klangwelt ein, die sie auf respektvolle und persönliche Weise offenlegt und neu komponiert, wobei sie dieses wimmelnde und faszinierende Klangmaterial mit einer musikalischen Geste von großer Klarheit begleitet. Portals ist ein Versuch, durch eine von Jana Irmert fein komponierte Dezentrierung des Hörerlebnisses Zugang zur evokativen Kraft eines Amazonaswaldes am Rande der Katastrophe zu finden. 7038634357 -`ROPE': Mit ungewöhnlicher Meisterschaft und Präzision entfaltet sich Rope in einer schwebenden Zeit, die dennoch bedrohlich wirkt. Wie der Titel schon andeutet, untersucht Rope die formale Figur des Seils als Verflechtung von synthetischen und natürlichen Fasern, die halten und verschmelzen, zusammengehalten von den Kräften der Spannung und Reibung. Das Seil selbst ist, wie Neo Gibson erklärt, in regelmäßigen Abständen über seine gesamte Länge geknotet, sodass man sich daran festhalten kann. Rope entfaltet sich langsam und entwickelt sich von der Schwelle des Wahrnehmbaren hin zu dichteren, ballastierten elektronischen Texturen, immer jedoch am Rande einer bevorstehenden Umwälzung. Dann taucht ein melodisches Motiv auf, das einen unmöglichen Trost in sich zu tragen scheint. In dieser Hinsicht balanciert Rope auf eindrucksvolle Weise zwischen formaler Eleganz, klanglicher Schwere und einer fast unfassbaren emotionalen Ladung.

,Push pull/ Side to side/ This way/ That way/ Can't decide/ Pressure! Pushing in/ Flattened me out from end to end", singt Blair Tramel in ,Worldwide", dem Titelsong aus dem neuen Album von Snooper. Der Song fängt die schwindelerregende Stimmung der Band während ihres rasanten Aufstiegs vom DIY-Circuit in Nashville zu weltweiten Tourneen und Bekanntheit in den entlegensten Ecken der Untergrund-Musikszene ein. Aber obwohl die Band den Druck spürte - der Song ist teilweise von YouTube-Videos über hydraulische Pressen inspiriert -, waren alle Herausforderungen eine Chance für Veränderung. ,Worldwide" ist ein Leitbild für das Album, nicht nur thematisch, sondern auch ästhetisch, und zeigt Snoopers stilistische Experimentierfreudigkeit. Neu inspiriert von elektronischer Musik, ist der Rhythmus von ,Worldwide" unerbittlich und mechanisch - er fängt das rasende Tempo ein, in dem Snoopers Leben verlief, lässt aber durch Tramels Schreie und Connor Cummins' dreckigen Gitarrenbreaks. ,Worldwide" führt uns in das nächste Kapitel von Snooper ein - persönlicher, kathartischer, schärfer, mutiger, eingängiger. ,Es gibt einen Sweet Spot", sagt Tramel über die Entwicklung, die sich aus Snoopers turbulenter Erfahrung in den letzten Jahren ergeben hat. ,Für einen Moment schaffen Push und Pull diesen wunderschönen Tanz."

,Push pull/ Side to side/ This way/ That way/ Can't decide/ Pressure! Pushing in/ Flattened me out from end to end", singt Blair Tramel in ,Worldwide", dem Titelsong aus dem neuen Album von Snooper. Der Song fängt die schwindelerregende Stimmung der Band während ihres rasanten Aufstiegs vom DIY-Circuit in Nashville zu weltweiten Tourneen und Bekanntheit in den entlegensten Ecken der Untergrund-Musikszene ein. Aber obwohl die Band den Druck spürte - der Song ist teilweise von YouTube-Videos über hydraulische Pressen inspiriert -, waren alle Herausforderungen eine Chance für Veränderung. ,Worldwide" ist ein Leitbild für das Album, nicht nur thematisch, sondern auch ästhetisch, und zeigt Snoopers stilistische Experimentierfreudigkeit. Neu inspiriert von elektronischer Musik, ist der Rhythmus von ,Worldwide" unerbittlich und mechanisch - er fängt das rasende Tempo ein, in dem Snoopers Leben verlief, lässt aber durch Tramels Schreie und Connor Cummins' dreckigen Gitarrenbreaks. ,Worldwide" führt uns in das nächste Kapitel von Snooper ein - persönlicher, kathartischer, schärfer, mutiger, eingängiger. ,Es gibt einen Sweet Spot", sagt Tramel über die Entwicklung, die sich aus Snoopers turbulenter Erfahrung in den letzten Jahren ergeben hat. ,Für einen Moment schaffen Push und Pull diesen wunderschönen Tanz."

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Vierfaches Vinyl (Frosted White Vinyl Colour) - oder CD-Box-Set, kuratiert von David Gedge, um vier kompromisslose Jahrzehnte The Wedding Present zu feiern. Nachdem sich die Alternative-Rock-Band The Lost Pandas aus Leeds Anfang der 1980er Jahre aufgelöst hatte, beschlossen Sänger/Gitarrist David Gedge und Bassist Keith Gregory, eine neue Gruppe zu gründen. 1985, inspiriert von Pop-Radio, Punk-Frechheit, The Velvet Underground und Davids ehemaligen Schulkameraden The Chameleons, gründeten sie The Wedding Present. Diese Band war - und ist bis heute - in jeder Hinsicht kompromisslos und unerschütterlich authentisch, und so wurde Gedge, ohne es zu beabsichtigen, zu einer legendären Figur der alternativen Musik. Er ist einer der wichtigsten Architekten und Begründer des alternativen Gitarrenrocks und der Mastermind hinter einem der reichhaltigsten, eingängigsten und beständigsten Kataloge der Popgeschichte. Vier Jahrzehnte später, mit 13 Studioalben, 20 Compilation-Alben und einer ganzen Reihe von Singles, EPs, Live-Alben und Radio-Sessions - und weiteren in Aussicht - ist "The Wedding Presen 40" eine feiernde Reflexion dieser komplexen und faszinierenden Band. Erhältlich als vier Vinyl- oder vier CD-Box-Sets, handelt es sich hierbei nicht um eine gewöhnliche Sammlung der ,beliebtesten" Songs, sondern um eine chronologische, akustische Reise durch Albumtracks, Singles und B-Seiten. Das atemberaubende Artwork wurde von Jonathan Hitchen zusammengestellt, der viele der Original-Plattencover der Band entworfen hat, und es gibt ausführliche Begleittexte von David Gedge selbst sowie dem renommierten Musikjournalisten Mark Beaumont NME, Guardian, Independent. Gedge's Kommentare bieten einen einzigartigen Einblick in die Arbeitsweise der Band und einen spannenden Track-für-Track-Leitfaden zur Jubiläums-Compilation. Inklusive 32-seitigem Hardcover-Buch mit ausführlichen Begleittexten von Mark Beaumont sowie Kommentaren zu jedem einzelnen Titel von David Gedge.




[b] 1.2YOU SHOULD ALWAYS KEEP IN TOUCH WITH YOUR FRIENDS [PEEL SESSION VERSION]


[e] 1.5MY FAVOURITE DRESS [LP VERSION]



[i] 1.9GIVE MY LOVE TO KEVIN [ACOUSTIC VERSION]




[n] 2.3BRASSNECK [SINGLE VERSION]





[t] 2.9CORDUROY [LP VERSION]





[z] 3.6SPANGLE [LP VERSION]



[xd] 3.10INTERSTATE 5 [LP VERSION]





[xj] 4.5TWO BRIDGES [LP VERSION]

[xl] 4.7I AM NOT GOING TO FALL IN LOVE WITH YOU [LP VERSION]
[xm] 4.8SCIENCE FICTION [LP VERSION]

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Einzelne schwarze Vinylplatte in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Limitierte Edition auf canary-yellow Vinyl in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Tapete Records präsentiert eine Werkschau der Ausnahmeband der Hamburger Schule Mit "Ich möchte auf deinem Plattenteller liegen (1988-1992)" erscheint erstmals eine umfassende Werkschau der Band Huah!, die zwischen 1988 und 1992 mit ihrem eigenwilligen Mix aus Rock"n"Roll, Beat, Theorie und Pop die Hamburger Musikszene aufmischte. Gegründet von Knarf Rellöm, Sonny Motor, Nixe, Bernadette La Hengst und Claudia Bollig, war Huah! das einzige gemischtgeschlechtliche Bandkollektiv der Hamburger Schule - und musikalisch wie textlich eine Ausnahmeerscheinung. Die Songs dieser Sammlung zeigen, wie Huah! zwischen Liebeslied und Agitation, Analyse und Tanzbarkeit changierten - oft alles zugleich. Ihr Stil ist spleenig, eklektisch, politisch, aber nie belehrend. Statt sich in Szene-Codes zu verlieren, setzen sie auf Offenheit, Witz und Haltung. Die Band war ihrer Zeit voraus - und passt gerade deshalb perfekt in unsere Gegenwart. Diese Werkschau ist ein magischer Reminder daran, was in der Hamburger Schule neben den bekannten Namen alles möglich war - und was davon heute wieder relevant ist.

EELS-Frontmann E und Kate Mattison (79.5) präsentieren: BOO BOOS – YOUNG LOVE

Ein bicoastales Indie-Soul-Debüt zwischen Charme, Tiefgang und verspielter Nostalgie

Mit Young Love veröffentlichen die Boo Boos – bestehend aus Mark Oliver Everett (aka E, Frontmann von EELS) und Kate Mattison von 79.5 – ihr gemeinsames Debütalbum. Entstanden zwischen Los Angeles und Brooklyn, verbindet das Album verspielten Indie-Soul, herzliche Melodien und den unverkennbaren Sound zweier Ausnahmemusiker*innen.

Was mit einem zufälligen KCRW-Radiomoment begann, entwickelte sich schnell zu einem kreativen Hin-und-Her zwischen Küsten und Klangwelten. Produziert wurde das Album vom Duo selbst, aufgenommen u. a. mit Koool G Murder, Tommy Walter, The Chet, Caíto Sánchez und dem Hollywood Boo Boo Orchestra, dirigiert von K.G. Murder.

Young Love ist mal groß, mal intim, immer aufrichtig – ein warmherziges, unangestrengtes Album, das Soul, Pop und persönliche Geschichten in den Mittelpunkt stellt.

Für Fans von: EELS, 79.5, Durand Jones, Lady Wray, Chicano Batman, nostalgischer Pop-Intimität und liebevoller DIY-Produktion.

Das neue Duo Boo Boos – bestehend aus E von EELS und Kate Mattison von 79.5 – kündigt sein Debütalbum „Young Love“ für den 19. September 2025 via PIAS an. Die ersten beiden Singles „C’mon Baby“ und „That’s Not A Thing“ sind bereits erschienen und geben einen Vorgeschmack auf das nostalgisch-soulige Songwriting des Duos. Die Zusammenarbeit begann über 3000 Meilen hinweg zwischen Los Angeles und Brooklyn – und wurde zu einer einzigartigen musikalischen Verbindung. Mit BOO BOOS formieren sich zwei starke Persönlichkeiten zu einem neuen Supergroup-Projekt mit Herz, Humor und viel Groove.

Als Sarah McLachlan vor mehr als drei Jahrzehnten zu einem globalen Phänomen wurde, brachte die
kanadische Sängerin und Songwriterin eine noch nie dagewesene neue Stimme in den Pop-Kanon ein:
gefühlvoll, fesselnd und in höchstem Maße fähig, Schmerz in Transzendenz zu verwandeln. Auf ihrem
ersten Album mit neuem Material seit 11 Jahren erweitert die dreifache Grammy-Preisträgerin ihr Vermächtnis mit einer Auswahl von Songs, die eine kompromisslose, aber radikal erhellende Wahrheit über
den Zustand der menschlichen Existenz vermitteln. Der jüngste Triumph in einer Karriere mit zahllosen
Meilensteinen - darunter 12 JUNO Awards, über 40 Millionen verkaufte Alben weltweit und große kulturelle Errungenschaften wie die Gründung der bahnbrechenden Lilith Fair - bestätigt ”Better Broken”
McLachlans’ Standing als unvergleichliche Künstlerin, deren nuancierte Perspektive und uneingeschränktes
Einfühlungsvermögen wichtiger sind denn je.
Ein paar Worte von Sarah:
”Viele der Texte auf dieser Platte entstanden aus dem Nachdenken über die Welt im Moment und der
Frage: ’Wie bewegen wir uns durch diese Landschaft? Wie können wir uns über Wasser halten, wenn wir
das Gefühl haben, dass so viel zusammenbricht?’. Ich weiß nicht, ob ich darauf eine Antwort habe, aber
all diese Angst und Unsicherheit in die Musik zu kanalisieren, war so kathartisch. Ich hoffe, dass diese
Platte den Leuten etwas Erleichterung und Befreiung verschafft - aber letztendlich möchte ich nur, dass
sie daraus nehmen, was s

"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Alina Ibragimovas Aufnahme der Solo-Violinkonzerte von Bach mit Jonathan Cohen und Arcangelo wurde
bei ihrer CD-Veröffentlichung von der Kritik durchweg gelobt. Gramophone begrüßte sie als „eine herausragende und unverwechselbare Ergänzung zu einem Katalog, der aus allen Nähten platzt“, und Classic FM
lobte Ibragimova für ihr „Spiel auf höchstem Niveau“.
Als Interpretin von Barockmusik bis hin zu neuen Kompositionen auf modernen und historischen Instrumenten hat sich Alina Ibragimova einen Ruf für ihre Vielseitigkeit und die „Unmittelbarkeit und Ehrlichkeit“
(The Guardian) ihrer Darbietungen geschaffen. Alina Ibragimova ist unter anderem mit Orchestern wie
dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem London Philharmonic sowie den Dirigenten
Sir John Eliot Gardner und Jakub Hrůša aufgetreten.

"Half Of It" ist ein Konzeptalbum, von Anfang bis Ende. Traurigkeit, Verlust und Trauer sind die Themen, die Jaimi aufgreift, durchdenkt, vertont und in eindringliche Worte packt. Er agiert dabei im Geiste von Ryan Adams" "Heartbreaker" oder Bon Ivers "For Emma, Forever Ago", Alben, die sich auf ihre Art mit den benannten Themen auseinandersetzen. "Meine Platte "Half Of It" ist genau das - eine Platte, auf der ich eine Bestandsaufnahme meiner Gefühle mache, mich mit ihnen auseinandersetze, sie verarbeite und schließlich über meine Erfahrungen schreibe. Es ist bei weitem das verletzlichste Album, das ich bisher gemacht habe, und dementsprechend war es für mich ein sehr kathartisches Album." ergänzt der Künstler. "Half of it" ist nichts für Zartbesaitete: Es ist ein intensives Hörerlebnis, das den Hörer auf eine sehr persönliche Reise einlädt. Jaimi trägt sein Herz auf der Zunge und gibt einen intimen Einblick in seine persönliche Reise. "Half of it" ist der perfekte Begleiter für jeden, der sich von einem geliebten Menschen verabschieden musste. Wie schon auf den Vorgängern Back Road und Allen Keys & Broken Bits spielt er versiert und eingängig mit Blues, Soul, Rock und Songwriter Versatzstücken. Und doch ist es diesmal anders, denn es ist ein sehr persönliches, reflektierendes Album, mit dem er die letzten Jahre aufarbeitet. Ein Album, das textlich tief in die Seele des Musikers blicken lässt.

Broken Homes and Gardens, das letzte Studioalbum von Michael Hurley, wurde im März 2025 fertiggestellt, kurz bevor Hurley zu seinen letzten Konzerten in Asheville und Knoxville aufbrach. Er hatte in den letzten drei Jahren im The Rope Room Studio in Astoria, Oregon, mit derselben Crew wie bei seinem 2021 erschienenen Album ,The Time of the Foxgloves" (Kati Claborn und Luke Ydstei von The Hackles sowie Toningenieur Brian Bovenizer) an diesen elf Titeln gearbeitet. Wie bei Hurleys LPs üblich, gibt es neben neuen Songs (,Fava", ,The Monkey") auch Überarbeitungen älterer Kompositionen (,Indian Chiefs and Hula Girls", ,Abomidable Snowman"), die eine brillante letzte Sammlung ergeben und eines der bedeutendsten Werke eines amerikanischen Songwriters krönen.

Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden.Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.

Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden.Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.

Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden.Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.

Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden. Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.

"Seminal Live" wurde ursprünglich 1989 veröffentlicht und ist ein ziemlich einzigartiges Album im reichhaltigen Katalog von The Fall. Es wurde nämlich zu einer Hälfte im Studio und zur anderen Hälfte live aufgenommen. Es war gleichzeitig die letzte Veröffentlichung der Band bei Beggars Banquet und das letzte Album, auf dem Gitarristin Brix Smith zu hören ist. Die Neuauflage von "Seminal Live" erscheint auf gelbem Vinyl. Aufwändig remastered wurde "Seminal Live" von Kevin Vanbergen. Zudem enthält der Re-Release ein neu gestaltetes Artwork, sowie ausführliche Sleeve Notes und einen QR-Code, der auf geheimnisvollen digitalen Wegen zu exklusivem Bonusmaterial führt. Die Studioaufnahmen auf Seminal Live sind allesamt neue Songs und bilden die erste Seite des Albums. Die Live-Aufnahmen auf der zweiten Seite sind hingegen allesamt Versionen bereits veröffentlichter Titel. Einige der Songs auf Seminal Live gehören zu den besten Songs von The Fall aller Zeiten. Seite eins enthält "Dead Beat Descendant", und ihre Coverversion von Lonnie Irvings "Pinball Machine" steht in der bewährten Tradition der Country-Coverversionen von The Fall.

Das von Kritiker:innen gefeierte niederländische Elektronik-Duo, Weval (bestehend aus Harm Coolen und Merijn Scholte Albers) ist mit seinem lang erwarteten neuen Album, „CHOROPHOBIA“, auf dem Ninja Tune-Sublabel Technicolour zurück!

Als es darum ging, ihr viertes Album, „CHOROPHOBIA“, zu produzieren, stellten sich Weval ihren Ängsten. Obwohl Harm Coolen und Merijn Scholte Albers seit ihrer 2013 veröffentlichten Debüt-EP, „Half Age“, in der Dance-Szene verankert sind und mit ihrer fünfköpfigen Band Festivalbühnen wie Nuits Sonores, Lowlands, Primavera, Best Kept Secret, Pukkelpop und DGTL Amsterdam bespielten, haben sie sich aktiv davon entfernt, als Floorfiller-Act bekannt zu sein. Doch als die beiden vor kurzem über den Begriff Chorophobie stolperten - was so viel bedeutet wie Angst vor dem Tanzen -, beschlossen sie, sich der Ironie hinzugeben und aus ihrer Komfortzone herauszukommen. „Bis zu diesem Zeitpunkt hatten wir immer mit einer ‚Zuhör‘-Mentalität an unseren Platten gearbeitet.“, sagt Harm über die Herangehensweise beim zweiten und dritten Weval-Album („The Weight“ von 2019 und „Remember“ von 2023), „und uns wurde klar, dass wir während unserer gesamten Reise als Produzenten Angst davor hatten, Tanzmusik zu machen.“.
Der Sprung ins kalte Wasser hat zu Wevals bisher extrovertiertesten Tracks geführt. Während sie diese neue Richtung bereits mit der groovigeren „Night Versions“-EP von 2024 für Technicolour angedeutet hatten, erforderte das Loslassen ihrer Hemmungen eine geduldige künstlerische Entwicklung. „Wir wollten uns auf eine Art und Weise engagieren, die sich noch immer befreiend und wahrhaftig anfühlt.“, erklärt Harm und fügt hinzu, dass die Bezeichnung als Dance-Album sich nicht nur wie eine Kehrtwende anfühlt, sondern sie auch von den Grenzen und Klischees bestimmter Kategorien befreit.

Das von Kritiker:innen gefeierte niederländische Elektronik-Duo, Weval (bestehend aus Harm Coolen und Merijn Scholte Albers) ist mit seinem lang erwarteten neuen Album, „CHOROPHOBIA“, auf dem Ninja Tune-Sublabel Technicolour zurück!

Als es darum ging, ihr viertes Album, „CHOROPHOBIA“, zu produzieren, stellten sich Weval ihren Ängsten. Obwohl Harm Coolen und Merijn Scholte Albers seit ihrer 2013 veröffentlichten Debüt-EP, „Half Age“, in der Dance-Szene verankert sind und mit ihrer fünfköpfigen Band Festivalbühnen wie Nuits Sonores, Lowlands, Primavera, Best Kept Secret, Pukkelpop und DGTL Amsterdam bespielten, haben sie sich aktiv davon entfernt, als Floorfiller-Act bekannt zu sein. Doch als die beiden vor kurzem über den Begriff Chorophobie stolperten - was so viel bedeutet wie Angst vor dem Tanzen -, beschlossen sie, sich der Ironie hinzugeben und aus ihrer Komfortzone herauszukommen. „Bis zu diesem Zeitpunkt hatten wir immer mit einer ‚Zuhör‘-Mentalität an unseren Platten gearbeitet.“, sagt Harm über die Herangehensweise beim zweiten und dritten Weval-Album („The Weight“ von 2019 und „Remember“ von 2023), „und uns wurde klar, dass wir während unserer gesamten Reise als Produzenten Angst davor hatten, Tanzmusik zu machen.“.
Der Sprung ins kalte Wasser hat zu Wevals bisher extrovertiertesten Tracks geführt. Während sie diese neue Richtung bereits mit der groovigeren „Night Versions“-EP von 2024 für Technicolour angedeutet hatten, erforderte das Loslassen ihrer Hemmungen eine geduldige künstlerische Entwicklung. „Wir wollten uns auf eine Art und Weise engagieren, die sich noch immer befreiend und wahrhaftig anfühlt.“, erklärt Harm und fügt hinzu, dass die Bezeichnung als Dance-Album sich nicht nur wie eine Kehrtwende anfühlt, sondern sie auch von den Grenzen und Klischees bestimmter Kategorien befreit.

Stellen Sie sich einen Schaltkreis vor. Eine geschlossene Form, ein in Komponenten und Hindernisse geschnitzter Pfad, dessen Signal eine Reihe von Tönen, neuen Klängen und subtilen Interaktionen erzeugt, laute Saiten und hart gepannte Vocals, die fest stehen, bevor etwas sich verändert. Eine tiefe Note hebt sich und gleitet davon. So schnell sind Sie mitten in einem Song. Dizzy Magic ist Sophie Weils viertes Album als Syko Friend, ihrem Soloprojekt, mit dem sie seit über einem Jahrzehnt in der Underground-Szene der USA aktiv ist - eine Klassifizierung, die so vage und genreübergreifend ist, dass sie fast bedeutungslos wäre, würde Weils Projekt nicht kontinuierlich bestimmte klare Verpflichtungen einhalten: Gitarren und Verstärker, Feedback und Texte, freie Komposition und festgelegte Songstruktur. Durch ihre Verflechtung von Tradition und Experiment, ihre reichhaltige organische Klangpalette und ihre mühelose Intimität ist die Musik von Syko Friend sofort erkennbar. Man muss nur eine ihrer Platten auflegen, um sie zu verstehen. Auf Dizzy Magic hat Weil diese Parameter beibehalten, aber verfeinert, indem sie die Studiotechnik verfeinert und die Arrangements zu traumhaft breit gefächerten Ereignissen erweitert hat, in denen Gefühle scharf und detailliert wiedergegeben werden, sei es in einem Solo-Gitarrenstück oder in einem der zahlreichen Stompers mit zusätzlicher instrumentaler Unterstützung von Evan Burrows, Hank Doyle und Henry Barnes. Diese Platte ist klar und erreicht bisher unbekannte Weiten, eine großartige Geste, die mit ihren kleinsten Bestandteilen in Einklang steht. Es ist ein Beweis für Weils Hingabe an die kontinuierliche Erforschung, an die kathartischen Fähigkeiten der Gitarrenmusik und an die Zusammenarbeit und die Anstrengungen beim Schreiben, Aufnehmen und Touren, die dem ständigen Streben nach Selbstverwirklichung am Rande zugrunde liegen. Dort habe ich Weil jedenfalls vor langer Zeit kennengelernt, irgendwo zwischen den Knotenpunkten der Underground-Landkarte, wo Musiker Nacht für Nacht ihre Route abfuhren und dachten, wir würden den Geist am Leben erhalten. Damals war dieser Signalweg schwer zu erkennen, wir waren zu sehr darin versunken. Aber hin und wieder taucht etwas wie Dizzy Magic auf und plötzlich offenbart sich die Bedeutung, diese Form, die man sehen, hören und fühlen kann. Eigentlich ist es ganz einfach. Stellen Sie sich einfach einen Stromkreis vor.

Eine neue Compilation von Joni Mitchell, die einige ihrer Aufnahmen enthält, auf die sie am stolzesten ist. Diese Zusammenstellung von Jonis jazz-beeinflussten Stücken, die im April passend zum Jazz Appreciation Month veröffentlicht wird, wurde von der Künstlerin selbst konzipiert und zusammengestellt – ein wahres Herzensprojekt, das Jahre in der Entstehung war...Joni's Jazz erscheint auf 8LP, 4CD und digital/streaming und enthält Stücke aus ihrem gesamten, die Karriere umspannenden Katalog, einschließlich Repertoire von Veröffentlichungen mit anderen Künstlern und Labels. Es ist eine Widmung und ein Liebesbrief an ihre größten Kollaborationspartner in diesem Genre, darunter Charles Mingus, Herbie Hancock, Jaco Pastorius und Wayne Shorter.

Das brandneue Wiener Musikprojekt "ALLES EXHAUSTED" präsentiert zeitgemäßen Shoegaze-Sound mit deutschen Texten. Entstanden als loses Netzwerk aus Musiker*innen der Gruppen Culk, Jansky, Pauls Jets und Fuzzybrains präsentieren sie mit der Single "Alles so verbraucht" auf Siluh Records das allererste Lebenszeichen. Am 5.9.2025 erscheint ihr selbstbetiteltes Mini-Album "ALLES EXHAUSTED" als auf 50 Stk. limitiertes Tape. Unter dem Namen "ALLES EXHAUSTED" formiert sich ein Netzwerk von Wiener Musiker*innen. Es ist keine Band im engeren Sinn, sondern funktioniert eher wie eine lose Bande, die sich 2025 irgendwo zwischen Müdigkeit und Experimentierfreude gebildet hat. Es ist die Gewissheit der spürbaren Kraft des gemeinsamen Lärmens im Proberaum, die sich als primäre Motivation erwies. Nicht aus Kalkül, sondern aus Erschöpfung. Aus dem Reflex heraus, dass etwas Neues passieren muss, um alles drum herum abzuschütteln. Und genau diese pure Energie ist auf dem sieben Songs umfassenden Mini-Album zu spüren. Ein Daumen hoch, während die Welt uns dazu zwingt, uns im ewigen Hamsterrad weiter zu verausgaben. Die massiven Gitarrenwände nehmen kathartische Züge an, während der weiche Gesang die Gewissheit vermittelt, einem lauten Monster mit Sanftmut die Stirn bieten zu können. Für jedes Lied sind andere Stimmen am Mikrofon und alle eint der Drang, sich die brachiale Wall Of Sound zu eigen zu machen. Gemeinsam erkennen sie schließlich, warum immer wieder Weitermachen der beste Weg ist, um den Druck der Welt und die verbundene Ohnmacht zu bekämpfen.

Nach dem frühen Tod von Adam Schlesinger durch COVID-19 im Jahr 2020 dachte das IVY-Trio nie, dass es ein weiteres Album geben würde. Aber die Band hatte einen großen Fundus an unfertigen Songs und Demos in einem Lagerraum in Rhode Island aufbewahrt, der bis zu den Anfängen der Band zurückreicht. Als Andy Chase und Dominique Durand im Jahr 2023 die letzten Vinyl-Veröffentlichungen ihres Katalogs vorbereiteten, reisten sie nach Rhode Island und hörten sich die Bänder an, die sie dort vor all den Jahren zurückgelassen hatten; Bänder, die mit Notizen wie ,Adam's Wacky Idea 1997" beschriftet waren, ,Stupid Cat 2005" oder ,Das hier könnte gut für Shallow Hal sein`. Zusammen mit ihrem langjährigen Freund Bruce Driscoll (Freedom Fry) beschlossen die beiden, ins Studio zurückzukehren und an diesen Aufnahmen zu feilen. Obwohl sie sich nie wohl fühlen würden ein Album unter dem Namen IVY ohne Adam zu veröffentlichen, wurde ihnen klar, dass sie das nicht mussten. Adam hatte seine Parts bereits geschrieben und aufgenommen - er ist auf jedem Song zu hören. Das Trio holte sich auch Freunde ins Studio, die über die Jahre an Ivys Platten mitgewirkt hatten, um diese Songs zum Leben zu erwecken. "Traces of You" enthält alles, was wir an Ivy lieben und immer geliebt haben. Könnte da noch mehr kommen? (Ja, das könnte es.)

Die FETENHITS-Folge NDW Neue Deutsche Welle wurde neu aufgelegt - mit verändertem Tracklisting.
Einige Titel, die auf der früheren Folge fehlten, sind nun endlich mit dabei, wie z.B. ”Der Mussolini” und
”Als wär’s das letzte Mal” von DAF sowie ”Der Kommissar” von Falco. Des weiteren finden sich einige
tolle Raritäten von Michael Cretu, Alphaville und Thomas Anders wieder. Man darf gespannt bleiben...
Als 3CD & Download und im September dann auch als 4-fach Vinyl!

Das zweite Album von Runnner, A Welcome Kind of Weakness, entstand aus einem gleichzeitigen Riss im Körper und im Leben des Songwriters Noah Weinman. Während der Monate, die er im Bett verbrachte, um sich von einem Achillessehnenriss und dem drastischen Umbruch einer Trennung zu erholen, schrieb er die 11 Songs auf diesem Album, die Weinmans stärkste sind und die vermeintliche Verletzlichkeit des Albumtitels bereitwillig aufnimmt. Aber zur gleichen Zeit sind diese Songs die präsentesten von Runnner, trotzig und selbstbewusst, eine Erinnerung an die Entschlossenheit, die aus der anmutigen Unterwerfung entstehen kann. Langjährige Fans von Weinman haben sich wahrscheinlich in seinen unverkennbaren Indie-Rock verguckt, der fast ausschließlich in Schlafzimmern und Heimstudios aufgenommen wurde, wo seine ergreifenden und selbstironischen Texte über Banjos, Gitarren und hallenden Bläsern schweben, die sich zu kathartischen Gipfeln steigern. Aber auf A Welcome Kind of Weakness erhebt sich Weinman zum ersten Mal in High Fidelity. Das erste richtige Studioalbum von Runnner erinnert an die überlebensgroßen Höhen des Rocks der frühen achtziger Jahre, mit dem Weinman aufgewachsen ist, an Bands wie Coldplay, Radiohead und Snow Patrol, mit ihrer unverfälschten stimmlichen Präsenz, ihren schillernden Gitarrenriffs und ihrem astralen Synthesizer-Glanz. Das ist Rockmusik in ihrer köstlichsten Form, Musik die Weinman etwas gab, worauf er sich freuen konnte, als er endlich wieder live spielen konnte. Aber so hoch die klanglichen Höhen auf A Welcome Kind of Weakness auch sein mögen, wir sehen Weinman auch, wie er anmutig mit den Fragen kämpft, die sich aus Momenten des körperlichen und emotionalen Verderbens ergeben. Es erfordert eine gewisse Tapferkeit, lange genug in der trüben Mitte zu sitzen, um darüber zu schreiben. Und in seiner Bereitschaft, diesen transitorischen Raum zu bezeugen, scheint Weinman uns zu beruhigen: Du magst denken, dass du nicht mehr laufen wirst, aber mit der Zeit, könntest du es.

"Songs in the Key of Yikes" ist ein typisches Superchunk-Album: viszeral und zeitlos und verdammt eingängig - ein kathartischer Balsam für diese bedrückenden Zeiten. "Bruised Lung" - "No Hope" - "Care Less" - "Climb the Walls" - "Everybody Dies". Wenn man die Trackliste von "Songs in the Key of Yikes" überfliegt, fragt man sich unweigerlich: Sind Superchunk okay? In einer Welt, die wohl düsterer ist als die, die "Wild Loneliness" (2022) oder "What a Time to Be Alive" (2018) begrüßte, geht es uns da überhaupt noch gut? "Es war schon immer so, dass jeder etwas durchmacht, von dem man vielleicht nichts weiß", bemerkt Mac McCaughan. "Das gilt derzeit mehr denn je - aber es ist auch so, dass wir alle gemeinsam etwas durchmachen. Angesichts dessen, was nützt Kunst und wo findet man Glück? (Spoiler-Alarm: Ich weiß es nicht.)" Auf der Suche nach einer Antwort entfesselt "Songs in the Key of Yikes" einen Sound, der triumphierend und hell in der Dunkelheit ist, "Majesty Shredding" im Overdrive. Die Lead-Single ,Is It Making You Feel Something" gibt früh den Ton an, wobei die Band - McCaughan, Laura Ballance, Jim Wilbur und Laura King - aus dem Potenzial für Freude eine Hymne baut und in schlammverschmutzte Gewässer taucht und mit einer Perle wieder hochkommt. "No Hope" ist ähnlich widerstandsfähig, McCaughans Texte zeichnen ein niederschmetterndes Bild, bevor sie in den titelgebenden Refrain übergehen. Er wiederholt den Satz neun Mal, macht eine Pause und verwandelt die Stimmung vollständig, indem er den Gesang mit der Zeile "and here we are singing" unterbricht. Der Text ist scharf, gleichzeitig eine einfache Beobachtung und eine tiefgründige Aussage über das Sein, die erdrückenden Nächte und endlosen Tage, aber McCaughans Stimme findet eine gewisse Süße darin, durchgehalten zu haben und dies auch weiterhin zu tun. Paradoxerweise grenzt die Energie von "Songs in the Key of Yikes" an Euphorie und bricht manchmal sogar in sie aus, wie in "Stuck in a Dream", das wie eine oasenartige Fata Morgana zwischen "Everybody Dies" und "Train on Fire" auftaucht, ein voller Sprint, der die Menge begeistert und sich zum Pogen im Pit eignet. "Care Less" ist ein düsterer, komischer Spiegel dieser Energie, ein Garage-Jam, in dem ein scharfzüngiger McCaughan Zuflucht vor dem Sturm sucht, indem er so tut, als würde er nicht direkt vor seiner Tür toben. Diese Strategie funktioniert nicht. Natürlich funktioniert sie nicht. Es ist ein Song auf einem Superchunk-Album, und Superchunk-Alben sind Argumente gegen Engstirnigkeit und für Partys, die groß genug sind, um alle zu beherbergen. Dieses Album begrüßt nicht nur Laura King nach zwei Jahren als Tour-Schlagzeugerin in der Band, sondern enthält auch Beiträge von Rosali Middleman ("Bruised Lung" und "Everybody Dies"), Bella Quinlan und Holly Thomas von Quivers ("Cue") und der Tour-Bassistin Betsy Wright ("Care Less"). Das Album wurde von Paul Voran (The Menzingers, Hurray for the Riff Raff) und Eli Webb produziert und von Mike Montgomery (The Breeders, Protomartyr) gemischt. Gemeinsam kommen sie zu keinem Ergebnis darüber, was gute Kunst in Krisenzeiten ausmacht und schaffen gleichzeitig großartige Kunst.

"Songs in the Key of Yikes" ist ein typisches Superchunk-Album: viszeral und zeitlos und verdammt eingängig - ein kathartischer Balsam für diese bedrückenden Zeiten. "Bruised Lung" - "No Hope" - "Care Less" - "Climb the Walls" - "Everybody Dies". Wenn man die Trackliste von "Songs in the Key of Yikes" überfliegt, fragt man sich unweigerlich: Sind Superchunk okay? In einer Welt, die wohl düsterer ist als die, die "Wild Loneliness" (2022) oder "What a Time to Be Alive" (2018) begrüßte, geht es uns da überhaupt noch gut? "Es war schon immer so, dass jeder etwas durchmacht, von dem man vielleicht nichts weiß", bemerkt Mac McCaughan. "Das gilt derzeit mehr denn je - aber es ist auch so, dass wir alle gemeinsam etwas durchmachen. Angesichts dessen, was nützt Kunst und wo findet man Glück? (Spoiler-Alarm: Ich weiß es nicht.)" Auf der Suche nach einer Antwort entfesselt "Songs in the Key of Yikes" einen Sound, der triumphierend und hell in der Dunkelheit ist, "Majesty Shredding" im Overdrive. Die Lead-Single ,Is It Making You Feel Something" gibt früh den Ton an, wobei die Band - McCaughan, Laura Ballance, Jim Wilbur und Laura King - aus dem Potenzial für Freude eine Hymne baut und in schlammverschmutzte Gewässer taucht und mit einer Perle wieder hochkommt. "No Hope" ist ähnlich widerstandsfähig, McCaughans Texte zeichnen ein niederschmetterndes Bild, bevor sie in den titelgebenden Refrain übergehen. Er wiederholt den Satz neun Mal, macht eine Pause und verwandelt die Stimmung vollständig, indem er den Gesang mit der Zeile "and here we are singing" unterbricht. Der Text ist scharf, gleichzeitig eine einfache Beobachtung und eine tiefgründige Aussage über das Sein, die erdrückenden Nächte und endlosen Tage, aber McCaughans Stimme findet eine gewisse Süße darin, durchgehalten zu haben und dies auch weiterhin zu tun. Paradoxerweise grenzt die Energie von "Songs in the Key of Yikes" an Euphorie und bricht manchmal sogar in sie aus, wie in "Stuck in a Dream", das wie eine oasenartige Fata Morgana zwischen "Everybody Dies" und "Train on Fire" auftaucht, ein voller Sprint, der die Menge begeistert und sich zum Pogen im Pit eignet. "Care Less" ist ein düsterer, komischer Spiegel dieser Energie, ein Garage-Jam, in dem ein scharfzüngiger McCaughan Zuflucht vor dem Sturm sucht, indem er so tut, als würde er nicht direkt vor seiner Tür toben. Diese Strategie funktioniert nicht. Natürlich funktioniert sie nicht. Es ist ein Song auf einem Superchunk-Album, und Superchunk-Alben sind Argumente gegen Engstirnigkeit und für Partys, die groß genug sind, um alle zu beherbergen. Dieses Album begrüßt nicht nur Laura King nach zwei Jahren als Tour-Schlagzeugerin in der Band, sondern enthält auch Beiträge von Rosali Middleman ("Bruised Lung" und "Everybody Dies"), Bella Quinlan und Holly Thomas von Quivers ("Cue") und der Tour-Bassistin Betsy Wright ("Care Less"). Das Album wurde von Paul Voran (The Menzingers, Hurray for the Riff Raff) und Eli Webb produziert und von Mike Montgomery (The Breeders, Protomartyr) gemischt. Gemeinsam kommen sie zu keinem Ergebnis darüber, was gute Kunst in Krisenzeiten ausmacht und schaffen gleichzeitig großartige Kunst.

"Songs in the Key of Yikes" ist ein typisches Superchunk-Album: viszeral und zeitlos und verdammt eingängig - ein kathartischer Balsam für diese bedrückenden Zeiten. "Bruised Lung" - "No Hope" - "Care Less" - "Climb the Walls" - "Everybody Dies". Wenn man die Trackliste von "Songs in the Key of Yikes" überfliegt, fragt man sich unweigerlich: Sind Superchunk okay? In einer Welt, die wohl düsterer ist als die, die "Wild Loneliness" (2022) oder "What a Time to Be Alive" (2018) begrüßte, geht es uns da überhaupt noch gut? "Es war schon immer so, dass jeder etwas durchmacht, von dem man vielleicht nichts weiß", bemerkt Mac McCaughan. "Das gilt derzeit mehr denn je - aber es ist auch so, dass wir alle gemeinsam etwas durchmachen. Angesichts dessen, was nützt Kunst und wo findet man Glück? (Spoiler-Alarm: Ich weiß es nicht.)" Auf der Suche nach einer Antwort entfesselt "Songs in the Key of Yikes" einen Sound, der triumphierend und hell in der Dunkelheit ist, "Majesty Shredding" im Overdrive. Die Lead-Single ,Is It Making You Feel Something" gibt früh den Ton an, wobei die Band - McCaughan, Laura Ballance, Jim Wilbur und Laura King - aus dem Potenzial für Freude eine Hymne baut und in schlammverschmutzte Gewässer taucht und mit einer Perle wieder hochkommt. "No Hope" ist ähnlich widerstandsfähig, McCaughans Texte zeichnen ein niederschmetterndes Bild, bevor sie in den titelgebenden Refrain übergehen. Er wiederholt den Satz neun Mal, macht eine Pause und verwandelt die Stimmung vollständig, indem er den Gesang mit der Zeile "and here we are singing" unterbricht. Der Text ist scharf, gleichzeitig eine einfache Beobachtung und eine tiefgründige Aussage über das Sein, die erdrückenden Nächte und endlosen Tage, aber McCaughans Stimme findet eine gewisse Süße darin, durchgehalten zu haben und dies auch weiterhin zu tun. Paradoxerweise grenzt die Energie von "Songs in the Key of Yikes" an Euphorie und bricht manchmal sogar in sie aus, wie in "Stuck in a Dream", das wie eine oasenartige Fata Morgana zwischen "Everybody Dies" und "Train on Fire" auftaucht, ein voller Sprint, der die Menge begeistert und sich zum Pogen im Pit eignet. "Care Less" ist ein düsterer, komischer Spiegel dieser Energie, ein Garage-Jam, in dem ein scharfzüngiger McCaughan Zuflucht vor dem Sturm sucht, indem er so tut, als würde er nicht direkt vor seiner Tür toben. Diese Strategie funktioniert nicht. Natürlich funktioniert sie nicht. Es ist ein Song auf einem Superchunk-Album, und Superchunk-Alben sind Argumente gegen Engstirnigkeit und für Partys, die groß genug sind, um alle zu beherbergen. Dieses Album begrüßt nicht nur Laura King nach zwei Jahren als Tour-Schlagzeugerin in der Band, sondern enthält auch Beiträge von Rosali Middleman ("Bruised Lung" und "Everybody Dies"), Bella Quinlan und Holly Thomas von Quivers ("Cue") und der Tour-Bassistin Betsy Wright ("Care Less"). Das Album wurde von Paul Voran (The Menzingers, Hurray for the Riff Raff) und Eli Webb produziert und von Mike Montgomery (The Breeders, Protomartyr) gemischt. Gemeinsam kommen sie zu keinem Ergebnis darüber, was gute Kunst in Krisenzeiten ausmacht und schaffen gleichzeitig großartige Kunst.

"Sun" ist das erste Album der aus Tennessee stammenden Baritonsaxophonistin Zoh Amba für das in Oslo ansässige Label Smalltown Supersound - und ihr zweites Album nach "Oh Sun", das 2022 auf dem Label Tzadik erschienen ist. Auf "Sun" stellt Amba eine neu zusammengestellte Gruppe mit einer Reihe von Kompositionen vor, die die Grenze zwischen Performance und Prozess verwischen - wobei sich sowohl die Musik als auch der Akt ihrer Aufnahme in Echtzeit entfalten, teilweise geleitet von improvisatorischen Aufnahmetechniken. Als Bandleaderin bewegt sich Amba an den Rändern eines improvisatorischen Deltas, in dem spiritueller Jazz und Free Folk nicht als getrennte Genres auftreten, sondern als Nebenflüsse derselben Strömung, die beide aus einem gemeinsamen Glauben an die Musik als heilige Kraft entspringen. Die Entscheidung, "Sun" auf Smalltown Supersound zu veröffentlichen, entstand aus einer gemeinsamen Verbindung zum verstorbenen deutschen Saxophonisten Peter Brötzmann, der sowohl ein spiritueller Mentor für Amba war als auch mehrere Platten auf dem Label veröffentlicht hat. Und während das Album in amerikanischen Folk-Traditionen verwurzelt ist, ist es Brötzmanns furchtloser Geist - selbst ein immenser historischer Katalysator für den europäischen Free Jazz -, der wie ein roter Faden durch die musikalische Zusammenarbeit des Ensembles und seine experimentellen Aufnahmetechniken verläuft. Für Amba war es jedoch wichtig, dass das Ensemble - bestehend aus Caroline Morton (Bass), Lex Korton (Piano) und Miguel Marcel Russel (Percussion) - vor den Aufnahmen eine tiefere musikalische Verbindung aufbauen konnte: ,Wir haben tagelang einfach nur zusammen gespielt, und ich habe versucht, mir mental Notizen zu machen, was in dieser Band ganz natürlich vorhanden war - bevor ich Anweisungen gab oder Noten austeilte. Ich wollte sehen, wo wir alle in diesem Moment in unserem Leben standen. Von dort aus begann ich, mit ihnen den Prozess zu gestalten. So entstanden die Struktur der Band und der Ansatz für das Album."

BIG MONEY heißt das neueste Album des siebenfachen Grammy-Gewinners. Das Multitalent feuert hier
aus allen Rohren einen heißen Mix aus R&B, Americana, Soul, Roots und Gospel und nimmt dabei auch
inhaltlich kein Blatt vor den Mund: „You can buy a song, don’t mean you can sing“. Batistes neue Songs
wollen nicht nur die Füße aufwecken: „Live for something you can feel, live for something real“ fordert
er im Titelsong seines bislang mitreissendsten Albums. Neun Songs, die das Zeug zum Soundtrack einer
Gegenbewegung haben.
Batiste, vom Guardian als „ausgewiesenes musikalisches Genie“ beschrieben, entzieht sich mit BIG MONEY
weiterhin jeder Kategorie. Er hat das Album gemeinsam mit seinem langjährigen kreativen Vertrauten Dion
„No ID“ Wilson produziert. Weitere Mitwirkende waren Andra Day, der legendäre Randy Newman und eine
verschworene Gruppe von Musikern, Songwritern und Studiozauberern. Statt auf klinische Perfektion zu
setzen, stand bei den Sessions Gefühl und Präsenz im Vordergrund – die Performances wurden in Echtzeit
eingefangen und ihre Ecken und Kanten als Teil der spirituellen DNA des Albums unverändert belassen.

Die LP-Ausgabe von "Babygirl (Original Soundtrack)" kommt gepresst auf candy pinkfarbenem Vinyl und enthält Cristobal Tapia de Veers Original-Filmmusik und Sky Ferreiras Single ,Leash". "Babygirl (Original Soundtrack)" ist der Soundtrack zum Film Babygirl aus dem Jahr 2024 unter der Regie von Halina Reijn mit Nicole Kidman, Harris Dickinson, Sophie Wilde und Antonio Banderas in den Hauptrollen. Das Album enthält 12 Titel aus der Filmmusik von Cristobal Tapia de Veer und wurde am 25. Dezember 2024 digital über A24 Music veröffentlicht. Separat erschien der im Abspann verwendete Song "Leash" von Sky Ferreira als digitale Single. 2025 wurde de Veers Filmmusik in der Kategorie ,Beste Originalmusik" bei der 97. Oscar-Verleihung nominiert.

Seit 2021 tauschten sich Musiker/-innen aus Kassel, Hamburg und Berlin über Songideen, Demoaufnahmen und Skizzen aus. Aus dem losen Austausch entwickelte sich über 4 Jahre hinweg ein kollaborativer Arbeitsprozess, unabhängig von Labels und kommerziellen Strukturen. Das Ergebnis: ,Have Mind - Will Travel" von THE SUBDIVISIONS bietet 19 englischsprachige Songs - laut, direkt, ohne Umwege. Die Texte bewegen sich zwischen Gesellschaftskritik, persönlichen Einblicken und zynischem Humor. Inhaltlich geprägt ist das Album vor allem vom Wuppertaler Punk-Aktivist Karl Nagel (APPD, Chaostage, Autor, Sänger), dessen lyrische Handschrift sich durch alle Stücke zieht. The Subdivisions besteht aus den vier sehr unterschiedlichen Musiker/-innen: Karl Nagel - Gesang (ex-Militant Mothers, Morbid Outburst, Kein Hass Da), Katharina Neuner - Bass (Lost Lyrics), Stoffel - Gitarre (Yacöpsae, Razors), Christian Bass - Schlagzeug (Heaven Shall Burn, Negativ Null) Trotz der unterschiedlichen Hintergründe entsteht ein gemeinsamer Sound - roh, aber kontrolliert, laut, aber fokussiert. Keine glatte Produktion, sondern eine bewusste Entscheidung für Ecken und Kanten. ,Have Mind - Will Travel" ist kein Konzeptalbum. Es bietet 19 Songs, die ein Spektrum zwischen Widerstand und Rückzug, Aufbruch und Erschöpfung abdecken und deren Texte bewusste Kontraste setzen und zur Auseinandersetzung herausfordern.

Von Punk-/Hardcore-Clubs aller Altersgruppen in Orange County, Kalifornien, bis hin zum Headliner der größten Rockfestivals und Veranstaltungsorte der Welt - »The Illusion of Safety« gilt als Katalysator für den großen Erfolg der Band. Auch 20 Jahre und zehn Alben später kann man bei jeder Thrice-Show unweigerlich die Aufforderung hören, »Deadbolt« zu spielen - ein Beweis für das Durchhaltevermögen eines Albums, das die Screamo / Post-Hardcore-Ära definiert hat. Mit der Jubiläumsversion von »The Illusion of Safety« feiert die Band das Vermächtnis des Emo / Post-Hardcore-Klassikers, indem sie als Bonus die B-Seite »That Hideous Strength« zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht. Electric Blue Vinyl LP mit Extratrack zum 20. Jubiläum!

"Tonky" ist Lonnie Holleys fünftes Studioalbum und enthält Gastauftritte von Isaac Brock, Angel Bat Dawid, Billy Woods, Alabaster de Plume, Mary Lattimore und anderen. Bei der Leadsingle "Protest With Love" ist Jacknife Lee, der auch das gefeierte Vorgängeralbum "Oh Me Oh My" produziert hat, als Bassist, Keyboarder, Synthesizer, Schlagzeuger, Programmierer, Flötist, Percussionist und Sänger zu hören. Weitere Mitwirkende sind The Legendary Ingramettes am Gesang, Kelly Pratt an den Bläsern und Flöten, Jordan Katz an den Bläsern und natürlich Holley am Gesang. Holley fordert die Zuhörer auf, "mit Liebe zu protestieren" und "die Liebe zu deiner Waffe zu machen". Es gibt Dichter wie die große Mary Oliver, die vorschlagen, dass die Hauptfunktion des Menschen, wenn er sich durch die Welt bewegt, solange er Leben und die Fähigkeit hat, sich durch die Welt zu bewegen, darin besteht, dem Aufmerksamkeit zu schenken, was andere törichterweise als klein oder alltäglich bezeichnen mögen. Das Gehirn und das Herz sind beides Gefäße, die so viel Platz haben, wie man ihnen zugestehen möchte, und zu leben bedeutet, Sammlungen von gefundenen Zuneigungen zu schaffen. Die Geräusche der geliebten und vertrauten Häuser, die Bewegungen der Bäume und der Menschen unter ihnen, die Art und Weise, wie jemand, den man verehrt, einen ein paar Sekunden lang umarmt, bevor er sich aus der Umarmung löst und in einer überfüllten Fußgängerzone verschwindet. Wenn wir unser Leben, unser Schaffen und unsere Liebe auf diese Weise betrachten, bedeutet das, dass wir, zumindest für einige von uns, durch die Aussicht auf das, was als Nächstes kommt, vorwärts getrieben werden können. Welchen Moment wir festhalten und in unsere überquellenden Taschen stecken können. Die Arbeit von Lonnie Holley ist ein Werk dieser Art von Anhäufung und genauer Aufmerksamkeit. Das Vergnügen, einen Klang zu finden und ihn gegen einen anderen gefundenen Klang und einen weiteren zu pressen, bis der Hörer, bevor er es merkt, von einer Klangsinfonie überflutet wird, die sich anfühlt, als würde sie sich zusammenfügen, während sie über einen hinwegspült. "Tonky" ist ein Album, das seinen Namen von einem Spitznamen aus der Kindheit hat, der Holley anhaftete, als er einen Teil seiner Kindheit in einem Honky Tonk verbrachte. Lonnie Holleys Leben des Überlebens und der Ausdauer erforderte - und erfordert zweifellos immer noch - eine Art Erfindung. Eine Erfindung, die auch in Holleys Liedern reichhaltig und präsent ist, die auf "Tonky" voll und eindringlich sind, einem Album, das mit seinem längsten Lied beginnt, einem neunminütigen, erschöpfenden Marathon eines Stücks namens "Seeds", das mit einem einzigen spärlichen Klang beginnt und sich dann ausdehnt. Gesänge, schwache Tasten, Streicher und als Krönung Holleys Stimme, die nicht singt, sondern klar und deutlich von der Arbeit auf der Erde erzählt, als er jung war, und von der Gewalt, die er dabei ertragen musste, als er blutig und mit Schmerzen von Schlägen ins Bett ging. Der Song weitet sich zu einer Metapher über den Ort aus, über das Versagen des Zuhauses oder eines Ortes, der einen beschützen soll, der nicht das hält, was er zu sein vorgibt, selbst wenn man unermüdlich daran arbeitet, daran arbeitet, daran arbeitet, etwas Sinnvolles daraus zu machen. "Seeds" gibt nicht nur den Ton für ein Album an, das sich um Wiedergeburt, Erneuerung und die Grenzen von Hoffnung und Glaube dreht, sondern unterstreicht auch, was Holleys größte Stärke als Musiker ist, nämlich sein Engagement für Fülle und Großzügigkeit. Er ist ein unglaublich begabter Geschichtenerzähler, der sich der mündlichen Tradition verschrieben hat, so dass viele Hörer völlig zufrieden wären, wenn sie zu Füßen einer Lonnie-Holley-Platte säßen und seinen robusten, ausladenden Erzählungen lauschen könnten. Aber "Tonky" ist ein Album, das sowohl klanglich als auch in Bezug auf die vielen verschiedenen Künstler, die auf dem Album vertreten sind, einen Platz bietet, an dem sie sich zu Hause fühlen können, ganz gleich, wie sie die Zeit verbringen, die sie für einen Song brauchen.

Musikalisch schon immer auf der Schnittstelle zwischen Rap, Gitarrensounds und sogar Country unterwegs,
legt mgk (Machine Gun Kelly) diesen Sommer sein wohl bisher wichtigstes und persönlichstes Projekt vor
– „lost americana“ erscheint am 08.08.25.
„lost americana“ ist mgk’s kompromisslose Neuerfindung und der Beginn einer Ära, bei der es um klassisches Storytelling, Identität und Selbstentfaltung geht.
Angeführt von der ironischen und doch retrospektiven Leadsingle „cliché“ verwischt das mittlerweile siebte
Album die Grenze zwischen Satire und Authentizität und vereint Humor, Nostalgie und Kulturkritik auf
mgks’s einzigartige Weise.
„lost americana“ nimmt Hörer*innen mit auf eine emotionale und ehrliche Reise durch staubige Diners,
dem simplen Leben von früher und der eigenen Selbstreflexion.
Seit seinem ersten Album „Lace Up“ (2012) ist mgk (damals noch unter den Namen Machine Gun Kelly
bekannt) zu einem der einflussreichsten US-Musikern avanciert.
Singles wie „Bloody Valentine“ und „My Ex’s Best Friend” wurden zu weltweiten Hits, die beiden letzten
Alben „Tickets To My Downfall“ und „Mainstream Sellout“ zu Nr. 1 Charterfolgen, „Tickets To My
Downfall“ wurde zudem in der Kategorie „Best Rock Album“ bei den Grammys nominiert.
lost americana“ erscheint am 08.08.25. als CD und auf Vinyl

Im Schatten der nuklearen Katastrophe von Fukushima im Jahr 2011 fanden sich die japanische Musikerin Phew, die Künstlerin Erika Kobayashi und der deutsche Elektronik-Pionier Dieter Moebius (Cluster, Harmonia) zu einem außergewöhnlichen Projekt zusammen. Gemeinsam entwickelten sie das Konzeptalbum "Radium Girls 2011", das sie 2012 unter dem Projektnamen Project UNDARK veröffentlichten - 114 Jahre nach der Entdeckung des Radiums durch Marie und Pierre Curie. Das Album ist den sogenannten Radium Girls gewidmet, Fabrikarbeiterinnen in den USA der 1920er Jahre, die Ziffernblätter mit radioaktiver Leuchtfarbe bemalten und schwere gesundheitliche Schäden durch Radiumvergiftungen erlitten. Anlässlich des 80. Jahrestags der Atombombenabwürfe auf Hiroshima und Nagasaki macht das Label Bureau B "Radium Girls" wieder zugänglich - erstmals auch auf Vinyl.

Eine länger vergriffene, seltene und von Fans begehrte Liveaufnahme wird hiermit wiederveröffentlicht. Zwischen 2010 und 2012 wurden diverse Sweet-Shows mitgeschnitten und die vorliegende Liveaufnahme fängt die enorme Power dieser außergewöhnlichen Performances eindrucksvoll ein. Der Erfolg des Originalalbums "Sweet Fanny Adams" aus dem Jahre 1973 war der Katalysator, der Sweet ihren weltweiten Superstar-Status verschaffte.

2025 Repress
Nach der Veröffentlichung seines neuen gemeinsamen Albums "Tall Tales" mit Thom Yorke erscheint eine Vinylneuauflage von Mark Pritchards 2016er Soloalbum "Under The Sun" über Warp Records. Pritchard entzieht sich hier wie gewohnt einer einfachen Kategorisierung, was diesem Werk Tiefe und Nuancen verleiht. Er greift auf Klänge und Einflüsse seiner musikalischen DNA zurück: Ambient, Nu-Wave, Avantgarde-Elektronik und Folk, interpretiert sie aber durch einen jenseitigen Filter neu, der "Under The Sun" eher in der Zukunft statt in der Vergangenheit verortet. Das Album enthält Beiträge von Kollegen und Freunden wie Thom Yorke, Linda Perhacs, Bibio und Beans und behandelt Themen wie Schönheit, Trostlosigkeit und Heimatsehnsucht.

* "Wunderschöner melancholischer Downtempo von einem meisterhaften Elektronik-Polyglotten." – MOJO****
* "Under The Sun ist tief atmosphärisch und tief impressionistisch." – Pitchfork

Remasterte 15-Jahres-Jubiläumsedition des 2008er Studioalbums »The Sparrow And The Crow« von US-Singer / Songwriter William Fitzsimmons, mit dem ihm der Durchbruch gelang (u. a. iTunes US Best Singer / Songwriter Album 2008). Erweitert um die Vinylerstveröffentlichung der »Derivates« EP (2010) mit 7 elektroakustischen Bearbeitungen von »The Sparrow And The Crow« Albumtracks sowie dem Kate-Perry-Cover »I Kissed A Girl«. Farbiges (Crystal Clear & Yellow) Doppelvinyl im Gatefold.

Singles, seltene Tracks und B-Seiten aus der gesamten DOZER-Geschichte anlässlich ihres 30-jährigen Jubiläums! Zur Feier ihres 30-jährigen Bestehens präsentieren DOZER "Rewind to Return", ein Doppelalbum mit Singles, raren Tracks und B-Seiten aus ihrer langen Geschichte. "Rewind to Return" ist weder ein chronologisches Dokument noch eine umfassende Zusammenstellung aller Nicht-Album-Tracks, sondern eine sorgfältig durchdachte Auswahl der Lieblingsstücke der Band, die aufgrund ihrer Bedeutung und Wirkung ausgewählt wurden. Diese Sammlung wurde von Karl Daniel Lidén brillant remastert und ist die bestmögliche Erinnerung an DOZERs umfangreichen Katalog und ihr unantastbares drei Jahrzehnte andauerndes Vermächtnis an der Spitze des Heavy Undergrounds. Enthält mehrere nie zuvor veröffentlichte Tracks, alle komplett remastered! Transparent rotes Zweifach-Vinyl(Gatefold) sowie einzelne Digipak-CD erhältlich.

Singles, seltene Tracks und B-Seiten aus der gesamten DOZER-Geschichte anlässlich ihres 30-jährigen Jubiläums! Zur Feier ihres 30-jährigen Bestehens präsentieren DOZER "Rewind to Return", ein Doppelalbum mit Singles, raren Tracks und B-Seiten aus ihrer langen Geschichte. "Rewind to Return" ist weder ein chronologisches Dokument noch eine umfassende Zusammenstellung aller Nicht-Album-Tracks, sondern eine sorgfältig durchdachte Auswahl der Lieblingsstücke der Band, die aufgrund ihrer Bedeutung und Wirkung ausgewählt wurden. Diese Sammlung wurde von Karl Daniel Lidén brillant remastert und ist die bestmögliche Erinnerung an DOZERs umfangreichen Katalog und ihr unantastbares drei Jahrzehnte andauerndes Vermächtnis an der Spitze des Heavy Undergrounds. Enthält mehrere nie zuvor veröffentlichte Tracks, alle komplett remastered! Farbige Zweifach-Vinyl-Editionen (Gatefold) sowie einzelne Digipak-CD erhältlich, diese ist Red/Black Color Merge Vinyl (limitiert)!

Ora Cogans ,Formless", veröffentlicht am 25. August 2023, ist ein Album, das Schönheit, Absurdität, Humor und unerwartete Freude in den düstersten Zeiten findet. ,Formless" entstand inmitten von Trauer und pandemiebedingter Isolation. ,Ich habe viel Zeit damit verbracht, mit meinem Hund ziellos durch den Wald zu streifen", sagte Cogan. Das Ergebnis ist eine Flut von Gedanken über ungeschickte Liebe, Schmerz, innere Kämpfe und den Kampf, Wege zu finden, sich gut zu fühlen, wenn alles schlecht läuft. Das Album wurde größtenteils in Live-Takes mit der Rhythmusgruppe David Proctor und Finn Smith auf Analogband im Risque Disque Studio auf Vancouver Island aufgenommen und von Cogan und David Parry von Loving co-produziert. Mit dabei sind internationale Gaststars wie Cormac Mac Diarmada von Lankum, der ,Feel Life" auf der Saitengitarre spielt, und Y La Bamba, die ,Ways of Losing" im Duett singt. Das Album ist thematisch sehr vielfältig: ,Katie Cruel" mit seinem ätherischen Gesang, einer schlurfenden Snare und einer sitarähnlichen Gitarre ist eine tragische Ballade über eine Sexarbeiterin, die mit Soldaten der leichten Infanterie unterwegs ist. ,Cowgirl" ist ein psychedelischer, langsamer Country-Jam, der sich mit sozialer Isolation in Trauer auseinandersetzt; und ,Feel Life" ist ein Track, der durch den Wahnsinn des alltäglichen Tumults und epische, lebensverändernde Verluste tanzt. Mit einer einzigartigen Stimme, die ebenso sensationell wie klangvoll ist, sucht Ora Cogan nach neuen Realitäten im Labyrinth aus Rauch und Spiegeln unserer grausamen Gesellschaft.