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Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

With their fourth album, Seas of Static, the French band Dead Horse One establishes itself as one of the heaviest bands of modern shoegaze, propelling the genre to new heights of power and emotion. In this album, Dead Horse One skillfully merges the incisive alternative metal of Deftones with the enveloping and ethereal sound of My Bloody Valentine. The result is a captivating whirlwind, where walls of guitars collide in a surge of creativity, raw emotion, and energy. Far from recycling, Seas of Static is a deep exploration of the grungegaze fusion, thus creating a unique and powerful sound, far from being conventional. Assisted by a massive production by Brendan Williams (Soul Blind, Francis Lung, GoGo Penguin), Dead Horse One creates a unique sonic texture with raw energy that evokes both grunge riffs and shoegaze atmospheres while injecting a new and contemporary energy. With this album, Dead Horse One pushes the boundaries of the genre, offering listeners an immersive and uncompromising musical experience.

Red Vinyl - In the Pines seemed, at the time, an eccentric career move. The Triffids were widely believed, by their modest but fervent fanbase and a legion of crusading critics, to be but one determined, faithful leap from ascent to the stratospheres. wandering off into the outback, much like one of the deranged characters that had inhabited Born Sandy Devotional, did not seem calculated to redeem the tantalising promise of that astounding album. The Triffids knew what they were doing, though: In the Pines is a thing of modest majesty, at once haunted by the desolation of its circumstances (the gothic folk waltz of the title track, the knelling, intense Kathy Knows) and suffused with the infectious camaraderie of people making music for the joy of it (a rowdy singalong of Bill Anderson's country standard Once a Day, led by Graham Lee, at what one can only suspect was the end of a very, very long day). In the Pines has often been likened, in terms of both songwriting quality and spirit, to Bob Dylan and the Band's The Basement Tapes, and it is not unduly flattered by the comparison.

Indie Exclusive Limited Turquoise col vinyl, these were only available on the European tour, we have a final box of 50 which got held up in customs so offering now as an Indie exclusive. Northern California’s punk rock cult favourites, Tsunami Bomb, has risen from the grave and reformed with their third full-length release, The Spine That Binds, and with it they have proven that this chapter of Tsunami Bomb not only embraces their signature style of aggressive pop punk supplemented by a touch of darkness but have taken it even further. Honing their skills of melody while being more in-your-face and more aggressive than ever, they conjure a dark journey of discovery with each track. Originally formed in 1998, and disbanding after many member changes in 2005, Tsunami Bomb reformed at the end of 2015. This new release finds the quintet brought to life with the return of founders Dominic Davi (bass / backing vocals), Oobliette Sparks (keyboards / co-lead vocals), and Gabriel Lindeman (drums). Joined by Kate Jacobi (lead vocals) and Andrew Pohl (guitars/backing vocals), they combine their skills to create a sound that effortlessly mixes dark musings on the search to find one’s place in an increasingly uncaring world, into unforgettable anthems, calling on one to get up and sing-a -long. The Spine That Binds is not asking for your acceptance, it demands it. This album will scratch the itch of all the diehard fans looking for that familiar Tsunami Bomb sound, but also show a new, angrier and brutally honest side of the band. With the support of Jello Biafra’s legendary punk rock label, Alternative Tentacles Records, Tsunami Bomb has not only heard the call, they are ready for the newest chapter to unfold and they are taking everything with them

repressed !


'Mercury Rising' is the third studio album to be released by Rae & Christian. The duo weave together exceptional musicianship paired with a British song writing sensibility and the finest elements of studio production. 'Mercury Rising' was created at producer/musician Steve Christian's studio in Yorkshire with additional recording at songwriter/vocalist/DJ Mark Rae's London base. In London a song writing bond was formed with Ed Harcourt and Gita Langley who make excellent contributions with vocals, songs, strings and keys. Sam Genders of Diagrams threads a story of redemption lost on the Ubahn on '1975', Kate Rogers is on imperious form and rising star Jake Emlyn unravels a whole new level of microphone skills on 'Favourite Game'.
The international guests include the one-and-only Jazzy Jeff and Australia's Agent 86 dealing out world class scratch treatments on 'Check The Technique' (Tony D's vocals taken from a session recorded at the birth of Grand Central Records), Brooklyn rapper Masta Ace and Mark Foster of Foster The People, a collaboration born from Mark's L.A. excursion.

'Mercury Rising' is the first new material in many years from R&C. Their 1998 Mercury Music Prize nominated debut 'Northern Sulphuric Soul' ("Vitally fresh and timelessly classic...deserving a place alongside Massive Attack's Blue Lines' Uncut) and 2002's 'Sleepwalking' ("Another triumph, brimming with soulful, languid grooves, deft samples and well-chosen guest singers' Q Magazine) were both released on their Grand Central Records label (Aim, Riton, Boca 45, Only Child), a defining imprint of the late 90s soul/funk/hip-hop/beats scene. Guest vocalists over the two albums included Bobby Womack, Texas, The Congos, The Pharcyde, The Jungle Brothes and Jeru The Damaja.

repressed !

2024 Repress

A powerful addition to PATRICE BÄUMEL's steadily growing Kompakt catalogue, SPEICHER 89 is the third contribution to the series from the Dutch producer and former Trouw resident. Hitting dance floors in the wake of SPEICHER 81 (KOMPAKT EXTRA 81) and SPEICHER 85 (KOMPAKT EXTRA 85), his latest 12" offering brings you a duo of massive belters, headlined by cyber-calypso manifesto DUM DUM and backed by techno string showdown SURGE. Both tracks nourish some serious bass drops while showcasing an artist invested in carefully crafted melody and impeccable flow - excellent material from a leading beatsmith and DJ who knows how to woo a crowd.
SPEICHER 89 ist die nunmehr dritte Scheibe vom holländischen Produzenten und ehemaligen Trouw-Resident PATRICE BÄUMEL in der Serie, mächtiger Zuwachs in seinem sich verdichtenden Kompakt-Katalog. Nach den Einschlägen von SPEICHER 81 (KOMPAKT EXTRA 81) und SPEICHER 85 (KOMPAKT EXTRA 85) birgt auch die neueste 12" ein massives Set an Schiebern, angeführt vom Cyber-Calypso-Manifest DUM DUM und unterstützt vom grossen Techno-Streicher-Showdown SURGE. Beide Tracks züchten sich ein paar äußerst ernsthafte Bass-Momente heran, vergessen aber nicht den Künstler hinter der Welle, der stets auch in sorgfältige Melodiearbeit und reibungslosen Flow investiert - exzellentes Material von einem führenden Beatschrauber und DJ der weiß wie man mit einer Crowd umzugehen hat.

Der Guardian of HipHop, der König der Mongos, der Freak, das Ex-Deichkind, das Reimemonster, der Punk-Rock-Rapper und Schauspieler .. Sascha Reimann aka Ferris MC lässt sein Alter Ego wieder auferstehen und löst endlich sein Versprechen ein, das er der Generation gab, die er als Künstler wie kein anderer Rapper geprägt und versaut hat. Ferris MC hat seine bösen Dämonen besiegt, ist nun von allen bösen Geistern verlassen und nimmt seine Fans mit dem neuen Album „Mortal Comeback“ mit auf eine Zeitreise – positiv, überraschend und mit ein bisschen Nostalgie wird das „Früher-Gefühl“ ins Hier und Jetzt katapultiert. Er macht Musik wie und weil er es will, nicht weil er muss. Für Ferris MC ist es wichtiger wahrhaftig zu sein, als einem längst überholten Image treu zu bleiben. Die Texte schreibt sein Leben und so nimmt er seine Hörer:innen mit in seine Welt – so, wie er es schon vor 30 Jahren getan hat. Als Ausnahmekünstler ist und bleibt er auch mit „Mortal Comeback“ zeitlos. Zwar kommt er aus der alten Schule, schafft aber den Spagat in die Moderne, ohne irgendwelchen Trends hinterher zu jagen. Er hat keine Angst davor, sich weiterzuentwickeln und bleibt dabei authentisch – seine Authentizität ist sein USP, sein Entertainment-Faktor. Für Ferris MC gibt es keine Szene, der er angehört, er ist seine eigene Szene. Schließt euch dieser Szene an und heißt den Asi mit Niveau, der seine Schwächen in Stärken verwandelt hat, herzlich willkommen zurück! Ferris MC ist und bleibt ein Unikat, die Hoffnung der Hoffnungslosen mit der Stimme aus Eisen und voller Emotionen. Er ist zurück um zu teilen und wenn ihr es wollt, wird er auch bleiben.

Nachdem The National den Soundcheck für ihren Auftritt in Vancouver am 5. Juni 2023 beendet hatten, spielte die Band einfach weiter. Etwas braute sich zusammen: Die prägnanten Gitarrenparts von Aaron und Bryce Dessner trafen auf den Signature-Drumbeat von Bryan Devendorf. Als der Bassist Scott Devendorf loslegte, fing Matt Berninger an, einige Zeilen zu singen, die schon seit ein paar Jahren in ihm reiften. " Smoke detector, smoke detector / All you need to do is protect her", intonierte er. Ihr Tontechniker ließ die Aufnahme laufen und plötzlich war es ein 12 Minuten-Jam. Sie wussten, dass sie etwas Besonderes hatten, und nahmen die Live-Aufnahme bald darauf in Aarons Studio mit. Sie haben ein paar Minuten gekürzt, aber ansonsten das beibehalten, was auf der Bühne in Vancouver passiert ist. Dieser Song, "Smoke Detector", ist der krönende Abschluss von "Laugh Track", die überraschende zweite Hälfte eines Doppelalbums, das im April mit "First Two Pages of Frankenstein" begann. Es erwies sich als das letzte Kapitel eines Werks, das ansonsten neben dem Schwesteralbum geschrieben wurde - der Schlussakt einer Katharsis, die zeigt, was The National in den letzten drei Jahren durchgemacht haben. Vor zwei Jahren war die "Smoke Detector"-Zeile einer der wenigen Fetzen, die Matt während einer lähmenden Depression schreiben konnte und das zu einer Zeit, in der sich die Band fragte, ob sie jemals wieder ein Album machen würde. Nach der Pandemie belebte ihr neuer Glaube aneinander die kreativen Fähigkeiten wieder. "Weird Goodbyes", das bereits im August 2022 erschien, war ihr erster Durchbruch und der erste Vorgeschmack auf diese neue Ära. "Wir haben es wirklich schnell veröffentlicht, weil es wie ein Baby war, das in der Dunkelheit geboren wurde, oder so", lacht Matt. "Wir mussten es den Menschen zeigen". Aber als sie schließlich mit diesem umfangreichen Werk vorankamen, entschieden sie sich, "Weird Goodbyes" nicht auf das Frankenstein-Album zu nehmen. "Es fühlte sich an, als ob die Geschichte bereits erzählt worden wäre. Es war eine eigene Sache", sagt Aaron. "Aber es fühlte sich auch so an, als hätte es einen Bezug zu dem, was wir taten. Das war ein Teil der Logik für die Aufnahme einer weiteren Platte - wir wollten "Weird Goodbyes" ein eigenes Zuhause geben." "Laugh Track" ist das vielleicht musikalisch bedingungsloseste Album, welches die Band seit Jahren gemacht hat. Es ist aufmüpfig und dennoch leichtfüßig, doch es enthält ebenso viel seltene, ungebremste Schönheit wie Trostlosigkeit. Thematisch gibt es keine absichtliche Trennung zwischen "Frankenstein" und "Laugh Track". Während Matt auf "Frankenstein" eher auf der Suche nach einem Zufluchtsort war, hat er hier eine neue, klare Sicht auf das, was zählt. Sein dringendes Bedürfnis nach Intimität wird durch eine immer größere Angst vor der Unwirklichkeit des modernen Lebens noch verstärkt. Die Charaktere auf diesem Album (keine Vornamen, abgesehen von einer Tourmanagerin namens Alice - nur "ich" und "du") decken einander, träumen füreinander und helfen, den Schein zu wahren - und lösen damit das Versprechen von der gegenseitigen Fürsorge ein, das Matt auf dem Frankenstein-Schlusslied "Send for Me" gegeben hat. Wenn "Frankenstein" ein Zeichen für die Wiederherstellung des Vertrauens zwischen den einzelnen Bandelementen war, so ist das lebendige und neugierige "Laugh Track" das selbstbewusste Produkt dieses Prozesses und eine Absichtserklärung für jetzt und die Zukunft.

Kata No Wadachi is the latest album by Banetoriko, the solo noise project of Tamaki Ueda. Her first release both on An’archives and on vinyl, it follows several albums for the Neurec imprint – 2017’s Beside the Sluice and 2022’s Yorioto Hogiokuri – and several other cassettes and CD-Rs. With Kata No Wadachi, the Banetoriko world, inspired by the Yokai (“strange apparitions” – supernatural figures, ghosts, spirits) of Japanese folklore, is at its most resonant yet.

Recorded across 2022 and 2023, the three tracks on Kata No Wadachi have Ueda performing in a particularly elevated manner. Her sound is highly tactile and grittily sensuous, the better to capture the ritualistic repetitions, and hypnotic methodologies, core to Banetoriko. The scrape and scratch of Ueda’s self-made metal instrument, the Banetek, gives these improvisations a unique throb, even as their mood, of introverted focus and elaboration of minutiae, gestures towards broader histories of noise and abstract art. Kata No Wadachi evokes, to some degree, the urban ritual noise of the likes of The New Blockaders, Organum, or Ferial Confine; elsewhere, the abraded, rough-housing textures bring to mind the eighties tape works of Hands To and John Hudak.

Ueda embraces the dream evocation that’s possible when loops of blurred texture collide with the gnaw and groan of energised metal, while mantric, dissociated vocals, and the oppressive weight of deep breath, gather around these compositions like a ghost’s shroud. While she’s been making noise for some time, since the nineties, Banetoriko was formalised as a project in 2011, while Ueda lived in Los Angeles. Relocating to Osaka in 2021, she’s carved out an utterly unique space for herself in Japanese noise, and her music contains an absolutely elemental vibration. Framed beautifully with poetic liner notes by Aurélien Rossanino, Kata No Wadachi is an oppressive, yet quixotically blissful trip.

Mit ihrem vierten Album greift britischen Thrash-Metal Band Shrapnel nach dem Thron des modernen Metal. 'In Gravity' ist ein kathartisches Exerzitium der Dämonen, kein Album, das in der Vergangenheit verweilt oder sich auf Altbekanntes stützt, sondern mutig und ohne Angst vor Genre-Grenzen nach vorn blickt.

Das Album entstand unter der Leitung des schwedischen Superproduzenten Jens Bogren (Sepultura, Devin Townsend, Kreator) und in Zusammenarbeit mit Scott Kennedy (Bleed From Within) und dem modernen Shred-Virtuosen Bradley Hall.

- Ltd. Col. LP: (Silver Vinyl)

To address the weight of the world without speaking of weariness. To march the song to breathlessness but loosen your grip when the band wanders. To tell all your secrets but shield your loved ones from vulnerability. To dress up in the charm and temptation of the pop song but maintain a core of peculiarity, of a single voice trying to navigate this world. This is the project of the Spatulas. Think of the few songwriters who know they're the only ones in the world who could write their songs. The ones who sing in the confidence that the song couldn't exist without them: Peter Jefferies, Jenny Mae, Ron House, Heather Lewis. Jonathan Richman? Put Miranda Soileau-Pratt and the Spatulas on this list. All eleven songs on `Beehive Mind' share a percussive, unshadowed presence, a steady, clear-voiced clop. Every note on the record is a little bit sad on its own but then they're organized in a way that you don't actually notice. Credit this to the band's skill_Jon Grothman, Lila Jarzombek, Kyle Raquipiso and Miranda Soileau-Pratt all play with no limits and they all play with profound ease. The songs breathe in warmth and patience, they are immediate and sweet. And then they start to meander. The guitar skitters with the deliberate unpredictability of a wild animal. Parts repeat and reset with the obsessiveness of an anxious mind. The lyrics open doors to unexpected scenes of lovers, family, and violence. This is all intentional: "I need to play music and listen to music as a form of therapy," explains Soileau. This means safety, this means encouragement, this means trauma, this means hard questions. Only a band so comfortable at the margins, only a band so capable, only a band so trusting can achieve all this. Miranda Solileau-Pratt wrote the first Spatulas song in 2020, while living in Oregon. Since that time, the band has released two cassettes and toured the United States. Members of the Spatulas have also played in The Blimp, Honey Bucket, Hot Gum, and Meerkaz. The band has shared stages with Helen, Lavender Flu, Debt Rag, Pink Reason, Blues Ambush, and Kath Bloom. `Beehive Mind' is their debut LP.

Die »vielleicht letzte wichtige Rock'n'Roll-Band unserer Generation« (Zitat Musikexpress) ist zurück. Wanda, Amore, Bussi, Niente, Ciao! Fünf Alben der österreichischen Kultband Wanda, formal insgesamt weit über 300 Wochen lang in den Charts, mittlerweile 14-mal Platin. Unabhängig davon wachsen die Songs live dargeboten ins Unermessliche; als ekstatische Gewalt auf der Bühne spielt die Band ausverkaufte Konzerte und Festivals in Deutschland, Österreich und der Schweiz.
»Es gab nie einen Plan B, es gab nur das Leben als Problemstellung, Musik und Erfolg, hin oder her«, bringt Sänger Marco Wanda einen Hauch von Bandphilosophie in einem der hunderten Interviews zum Ausdruck. Diese Kompromisslosigkeit spürt man auch. Die Jahre zwischen Bühne, Tourbus und Studio verschmelzen zu einem langen Drahtseilakt ohne Sicherheitsnetz. Und die Energie bei jedem Konzert – jedes Mal spielt die Band als wäre es das letzte Mal – reißt das Publikum ausnahmslos mit.

»Wenn deutschsprachiger Rock'n'Roll tot war, dann haben Wanda ihn wiederbelebt«, sagt detektor.fm über die Anfangszeiten dieser Band, die sich 2014 mit Amore gleichzeitig in die Radio Playlists und die Herzen der Fans katapultierte. In der neuen Single vereinen sich aufgestaute Energie, Sehnsucht und Aufbruchsstimmung, und ziehen gemeinsam durch die Nacht. Die Stadt wird wachgerüttelt, die Botschaft ist klar: »Don't stop the rock«.

Die »vielleicht letzte wichtige Rock'n'Roll-Band unserer Generation« (Zitat Musikexpress) ist zurück. Wanda, Amore, Bussi, Niente, Ciao! Fünf Alben der österreichischen Kultband Wanda, formal insgesamt weit über 300 Wochen lang in den Charts, mittlerweile 14-mal Platin. Unabhängig davon wachsen die Songs live dargeboten ins Unermessliche; als ekstatische Gewalt auf der Bühne spielt die Band ausverkaufte Konzerte und Festivals in Deutschland, Österreich und der Schweiz.
»Es gab nie einen Plan B, es gab nur das Leben als Problemstellung, Musik und Erfolg, hin oder her«, bringt Sänger Marco Wanda einen Hauch von Bandphilosophie in einem der hunderten Interviews zum Ausdruck. Diese Kompromisslosigkeit spürt man auch. Die Jahre zwischen Bühne, Tourbus und Studio verschmelzen zu einem langen Drahtseilakt ohne Sicherheitsnetz. Und die Energie bei jedem Konzert – jedes Mal spielt die Band als wäre es das letzte Mal – reißt das Publikum ausnahmslos mit.

»Wenn deutschsprachiger Rock'n'Roll tot war, dann haben Wanda ihn wiederbelebt«, sagt detektor.fm über die Anfangszeiten dieser Band, die sich 2014 mit Amore gleichzeitig in die Radio Playlists und die Herzen der Fans katapultierte. In der neuen Single vereinen sich aufgestaute Energie, Sehnsucht und Aufbruchsstimmung, und ziehen gemeinsam durch die Nacht. Die Stadt wird wachgerüttelt, die Botschaft ist klar: »Don't stop the rock«.

Co-founded by Detroit natives Rahill Jamalifard and Lenny Lynch, Habibi got its start in Brooklyn in 2011, earning early raves every- where from Pitchfork and NME to All Things Considered and The New Yorker, who praised the band for infusing “the Colgate-white glisten of sixties-girl-group pop with an uncensored edge.” Dreamachine, Habibi’s mesmerizing new record releasing on Kill Rock Stars, marks a major sonic evolution for the band, rising beyond the critically acclaimed five-piece’s garage rock roots to arrive at a singular swirl of analog and digital elements that underpin their search for spiritual and physical transcendence. Produced by Tyler Love and longtime collaborator Jay Heiselmann and featuring MGMT multi-instrumentalist James Richard-son, the collection draws on a mix of post-punk, experimental pop, and vintage disco, calling to mind Tom Verlaine, Diana Ross, Kate Bush, and Kim Deal, all filtered through the band’s shared love of Middle Eastern psych music. The songs here are their own distinct worlds, each an immersive quest in pursuit of something greater, and the band’s performances are relentless and hypnotic to match, driven by lush synthesizers, sinewy guitars, and a muscular rhythm section. The result is a record as fearless as it is enthralling, an alternatingly fierce and joyous work that ascends to new heights as it reckons with desire and escape, love and surrender, rebellion and reality.

Maya Hawke ist US Musikerin, Songwriterin, Schauspielerin und Produzentin - und nebenbei Tochter von Uma Thurman und Ethan Hawke. Sie hat bisher zwei hochgelobte Musikalben veröffentlicht, "Moss" (2022) und "Blush" (2020), die beide ihre natürliche Begabung für Songwriting und Geschichtenerzählen sowie ihr Händchen für eine eindrucksvolle visuelle Präsentation mit selbst entworfenen Coverdesigns unter Beweis stellen. "Thérèse", die Leadsingle von Moss, erregte mit dem faszinierenden Video unter der Regie von Brady Corbet weltweite Aufmerksamkeit - und zig Millionen Streams - und bescherte Maya einen beeindruckenden TV-Auftritt in der Tonight Show mit Jimmy Fallon. Maya und ihre Band ernteten jede Menge begeisterte Kritiken für ausverkaufte Shows in den USA und der EU, sowie Support-Slots für Bright Eyes und Faye Webster. Auf ihrem dritten Album "Chaos Angel", geht Maya, die mittlerweile 25 Jahre alt ist, mit ihrem sparsamen, ehrlichen Songwriting, mit dem sie sich einen Namen gemacht hat, noch einen Schritt weiter. Es ist ihr bisher klanglich anspruchsvollstes und thematisch nuanciertestes Werk und fühlt sich wie ein Höhepunkt an. In diesen 10 Songs katalogisiert Hawke Umbrüche, Enthüllungen, Schwächen und gebrochene Versprechen, während sie die Muster durchläuft, die wir wiederholen, während wir nach Wachstum streben, uns verirren und unseren Weg zurück zu einem grundlegenden Verständnis von uns selbst finden. "Chaos Angel" ist auch ein Dokument dafür, dass Hawke als Musikerin immer mehr zu sich selbst findet. Nach ihren beiden vorangegangenen Alben war Hawke im Studio abenteuerlustiger und lehnte sich an ihre Ambitionen an. Viele dieser Tracks werden immer noch von der Akustikgitarre und Hawkes anmutigem, aber dennoch gesprächigem Gesang getragen, aber ihre Umgebung ist komplizierter und üppiger als je zuvor. Sie hat sich erneut mit ihren langjährigen Mitarbeitern Benjamin Lazar Davis und Will Graefe zusammengetan, wobei Christian Lee Hutson als Produzent fungierte.

Maya Hawke ist US Musikerin, Songwriterin, Schauspielerin und Produzentin - und nebenbei Tochter von Uma Thurman und Ethan Hawke. Sie hat bisher zwei hochgelobte Musikalben veröffentlicht, "Moss" (2022) und "Blush" (2020), die beide ihre natürliche Begabung für Songwriting und Geschichtenerzählen sowie ihr Händchen für eine eindrucksvolle visuelle Präsentation mit selbst entworfenen Coverdesigns unter Beweis stellen. "Thérèse", die Leadsingle von Moss, erregte mit dem faszinierenden Video unter der Regie von Brady Corbet weltweite Aufmerksamkeit - und zig Millionen Streams - und bescherte Maya einen beeindruckenden TV-Auftritt in der Tonight Show mit Jimmy Fallon. Maya und ihre Band ernteten jede Menge begeisterte Kritiken für ausverkaufte Shows in den USA und der EU, sowie Support-Slots für Bright Eyes und Faye Webster. Auf ihrem dritten Album "Chaos Angel", geht Maya, die mittlerweile 25 Jahre alt ist, mit ihrem sparsamen, ehrlichen Songwriting, mit dem sie sich einen Namen gemacht hat, noch einen Schritt weiter. Es ist ihr bisher klanglich anspruchsvollstes und thematisch nuanciertestes Werk und fühlt sich wie ein Höhepunkt an. In diesen 10 Songs katalogisiert Hawke Umbrüche, Enthüllungen, Schwächen und gebrochene Versprechen, während sie die Muster durchläuft, die wir wiederholen, während wir nach Wachstum streben, uns verirren und unseren Weg zurück zu einem grundlegenden Verständnis von uns selbst finden. "Chaos Angel" ist auch ein Dokument dafür, dass Hawke als Musikerin immer mehr zu sich selbst findet. Nach ihren beiden vorangegangenen Alben war Hawke im Studio abenteuerlustiger und lehnte sich an ihre Ambitionen an. Viele dieser Tracks werden immer noch von der Akustikgitarre und Hawkes anmutigem, aber dennoch gesprächigem Gesang getragen, aber ihre Umgebung ist komplizierter und üppiger als je zuvor. Sie hat sich erneut mit ihren langjährigen Mitarbeitern Benjamin Lazar Davis und Will Graefe zusammengetan, wobei Christian Lee Hutson als Produzent fungierte.

”Dafür bestimmt, als Jazz-Klassiker in die Geschichte einzugehen” – so das Urteil des Guardian bei der Veröffentlichung des Albums im Jahr 1997. Weiter meinte die Zeitung: ”Wheelers Kompositionen und vier der weltbesten Improvisatoren schaffen ein nachdenkliches Set, das es sich lohnt wieder und wieder zu hören. Dies ist wunderschöne, leuchtende Musik.” Angel Song gehört zu den Höhepunkten im Katalog des Labels und vereint vier Improvisationsgrößen – jeder mit einer einzigartigen künstlerischen Identität – in einer intimen, Schlagzeug-losen Quartett-Session. Kenny Wheeler ist der Komponist der neun eindringlich lyrischen Kammer-Jazzstücke und verleiht ihnen an Flügelhorn und Trompete im expressiv-melodischen Austausch mit Altsaxophonist Lee Konitz eine besonders eindringliche Atmosphäre. Das Bassfundament von Dave Holland ist so überzeugend wie eh und je und lässt Bill Frisell alle Freiheiten für harmonieumfassende Improvisation. Wie der Guardian jubelte 1997 auch die Times und sprach von einem: ”rührend schönen Album: Hollands wendige Zuverlässigkeit ist der Anker für die elegante Klangfülle von Konitz, die flimmernde Raffnesse von Frisell und die klangliche Zärtlichkeit von Wheeler selbst.” Das Album erscheint zum allerersten Mal auf Vinyl als Teil der Luminessence-Reihe und wird in einem Tip-on-Gatefold mit Session-Fotos präsentiert

Nach bereits 6 veröffentlichten Soloalben erscheint nun das erste Bandalbum des amerikanischen Musikers und Songwriters (u.a. Bruce Springsteen, Sheena Easton) Tim Scott Mcconnell aka Ledfoot. Während sein ganz besonderer Gothic Blues Style weiterhin deutlich herauszuhören ist, trägt der Zusatz einer Band zu neuen Klängen auf dem Album bei, die stilistisch von Americana über Country bis Rock reichen.

Ledfoot, der seit 3 Jahrzehnten in Norwegen ansässig ist, begann seine musikalische Karriere bereits 1980 als Mitglied von The Rockats, als er noch Teenager war. Mitte der 80er Jahre nahm er zwei Soloalben auf, bevor er The Havalinas mitbegründete, die ebenfalls zwei Alben veröffentlichten und Industrielegende Bob Dylan auf seiner ´Oh Mercy´-Welttournee als Support Band begleiteten. Mcconnell, dessen Kompositionen in der Vergangenheit bereits von Rock / Pop -Größen wie Bruce Springsteen („High Hopes“) und Sheena Easton („Swear“) gecovert wurden, ist zweifacher Gewinner des Spellemann Awards (norwegischer Grammy) in der Blues-Kategorie, darunter auch für seine jüngste Aufnahme, „Coffin Nails“ aus dem Jahr 2022. Sein siebtes Album, „Outsiders“, ist eine Hommage an Ledfoots Einflüsse im Leben – sowohl musikalisch, als auch zwischenmenschlich. Es ist ein Album, das den Außenseiter thematisiert: Loser, Outcasts, Wannabes, einfache Menschen mit großen Träumen. Die neun Songs, die an Werke von Johnny Cash, Gram Parsons, Bruce Springsteen und sogar Mink DeVille erinnern, wurden in nur vier Tagen im Studio Nyhagen auf dem Land nördlich von Oslo aufgenommen. Die daraus resultierende "Live-Atmosphäre" steht als Zeugnis für wirklich großartige Musikalität. Ledfoot demonstriert, einmal wieder, sein ausgeprägtes Talent fürs Songwriting und Geschichtenerzählen, welches „Outsiders“, gepaart mit seiner einzigartigen Stimme, der ikonischen 12-saitigen (Slide-) Gitarre, sowie der zusätzlichen musikalischen Untermalung der Band, zu einem phänomenalen siebten Album des Künstlers macht. Aufgenommen und gemixed von Kjartan Hesthagen, Master von Winter Lazerus.