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John Calvin Abney rises again from the Oklahoman prairies with his latest album Transparent Towns. The ten songs focus on how we remember, and ultimately accept, though he is not always certain the memories we carry adequately mark the moments that make us. "This record is wrapped around the passage of time, whether or not we can trust the memories that we swear on, how we forgive ourselves and others as seasons turn, and how we define what is important as we roll the boulder back up the hill," Abney says of Transparent Towns. "We build these routines and live our stories, we rely on our histories and our memories - spoken and recorded. Now, we're relying on copies of copies, memories of memories, all packed like sardines into our phones, and we're losing the ability to tell our own stories. I have to constantly remind myself, as well as redefine what matters at the end of a day." Transparent Towns is the seventh studio album for Abney, and his first since 2022's Tourist, which he crafted after spending the pandemic as an itinerant writer. In contrast Abney penned most of the album's 10 tracks during a period of introspection and convalescence while recovering from vocal cord surgery in 2023. The time to himself - "I didn't sing for nearly a year, and after surgery, I couldn't talk for a month, and couldn't sing for over three months," he says, left him contemplating how to trace his experiences in the silence. The album's title track is Abney's take on the inaccessible past, witnessing loss and grief through the years, damning the "days we let go left unsaid", and accepting the uncontrollable circumstances we are sometimes placed in. "The troubles and the joys exist vibrantly in your memory, but you're wondering if you remember correctly," Abney remarks. "I've sometimes had this sort of confusion between memory and dreams - you crafted this ideal in your head of how things were or might be, in order to soften the blow of a harsher reality." The places we inhabit dictate how our memories form, and for Abney, there is one place to which he is constantly drawn: Oklahoma. Although he was born in the biggest little city in America, Reno, Nevada, he grew up learning guitar and piano in Tulsa, playing bars and DIY spaces from Norman to Stillwater. His affinity for the land that raised him is evident in the production of Transparent Towns. Abney self-produced the record, tracking most of it at Cardinal Song outside of Oklahoma City, with Michael Trepagnier handling mixing and engineering. The band was comprised mostly of Sooner State musicians too, along with Lydia Loveless and John Moreland contributing harmony vocals. His signature vulnerable voice and lyrical handiwork comes through in each of the songs, along with his penchant for alternative pop melodies set against colorful chords and subtle soundscapes. Having toured for years backing up artists like Moreland, Wild Child, Ben Kweller, and S.G. Goodman, Abney embraces a lead role again, as he presses forward with the loving lament and defiant joy throughout Transparent Towns, calling us to leave behind the pressures we place on our ourselves and recognize that just because there is an ending, it doesn't mean it's the end.

Exklusive Vinyl-Sammlung mit Demos, Skizzen und Outtakes vom neuen Album "Season Of The Peach" von Black Lips. Mit einem Feature von King Khan sowie alternativen Versionen und Mixen und exklusiven Songs aus den Sessions. Gleichzeitig mit ihrem richtigem neuen Album "Season Of The Peach" wird die Outtakes-Sammlung "Bebop Armageddon (Detours & Offcuts From Season Of The Peach)" veröffentlicht, ein wildes, limitiertes Kompendium: Demos, alternativen Versionen und klingende Missgeschicke der jüngsten Sessions zum neuen Album, für echte Fans auf Vinyl gebannt. Wenn "Season Of The Peach" eine farbenfrohe Halluzination ist - teils Garagenrock-Fantasie, teils verbranntes Americana-Land - dann ist "Bebop Armageddon" sein zerfetzter, magnetischer Schatten. Diese 14 Tracks nehmen einen orientierungslosen Weg durch dasselbe Terrain und bieten mutierte Skizzen, wunderschöne Trümmer und freakige Umwege, die vor rohem Charme und chaotischer Erfindungsgabe nur so strotzen. Es gibt alternative Mixe (,Kassandra"), Demoversionen (,Judas Pig", ,Zulu Saints") und schwindelerregende Neuinterpretationen wie ,The Illusion Pt. 1 (dream mix)". Das Exklusive ,Colt 44" (mit King Khan) rattert wie ein Güterzug, der zu entgleisen droht, während ,Satan" und ,Back To Kiev" gleichermaßen versengten Psych, Saloon-Gospel und gespenstische Front-Porch-Melodien bieten. Alle Tracks wurden auf Analogband im Sound At Manor Studio von Oakley Munson in den Catskills aufgenommen. Bebop Armageddon fängt den Geist der Sessions in roher, ungekünstelter Form ein. Keine sauberen Linien. Keine Wiederholungen. Kein Glanz. Das ist das Chaos unter der polierten Oberfläche des Mutteralbums - die Black Lips, die sich nicht benehmen wollten. Limitiertes klassisch schwarzes Vinyl (1000 Stück weltweit) mit DLC dabei.

"Impressed are thrilled to be presenting The Bamboos Best, a compilation in celebration of twenty five year anniversary of the formation of The Bamboos.

The definitive collection of one of Australia’s most celebrated, influential and enduring Soul & Funk acts - tracing the history of the band that laid the foundation for the now internationally recognised Australian Soul scene.

Twenty songs taken from across their extensive catalogue, including many that have been unavailable on vinyl since their original release, and one track appearing in the format for the very first time.

From their raw Deep Funk origins through their own genre defying musical path, The Bamboos have reinvigorated a classic sound whilst seamlessly incorporating contemporary influences to create something altogether brand new.

Managing to appeal to both Soul/Funk purists as well as casual music fans along the way, the band have always focused on what’s important: songwriting, groove and powerful vocals.

Running with Scissors is a cathartic heart ache and, ultimately, a therapeutic exploration of what it means to be alive—to love, to grieve, to regret, and to grow. It pulses with rawness and authenticity, sincerity and honesty, offering both solace and strength to anyone navigating their own emotional journey.

Running with Scissors is the third full-length album from Canadian trio Afternoon Bike Ride. Residing in Montreal, the group is made up of Lia (vocals, guitar, programming), David (vocals, guitar, drums, programming), and Éloi (vocals, keys, drums, programming). Since their formation in 2019, the band has released numerous projects where indie rock blends with acoustic pop, ambient field recordings, and lofi folk.

With each track on the new album, the three artists explore the rollercoaster ride of life’s most profound lessons—falling in and out of love, embracing grief, and navigating the complex spectrum of human emotion. The album feels like a series of journal entries, capturing moments of vulnerability, self-discovery, and personal growth. A lot has changed since their formation in 2019 but their hearts are still in the right place. Lead singer and songwriter Lia reflects on the bittersweet realization that life is an ongoing journey and we’ll never have all the answers, but we can still find meaning through love, meaningful connection, and the lessons that shape us. If life is one big lesson, then according to Lia, "I guess these songs are some classes I've taken."

The twelve song soundscape blends raw, emotional acoustic elements with subtle electronic layers and indie rock grunge, creating a textured blend that feels as vast and intimate as the album’s themes. It’s an immersive record that shifts perspectives, from the micro to the macro, zooming out to explore the universe and zooming in on the personal experiences that define our lives. Throughout the album, ABR explores the beauty of feeling deeply while embracing both the intensity of emotion and the struggles of finding purpose. "I'm finding my way through this world now," says Lia, "with the comfort of knowing I'll never know it all.”

A1 - The Moon On The Moors
ASC opens the EP with a distinctive, purposeful and dancefloor-friendly piece, driven by an intensely memorable drum pattern that will have your head nodding instantly - that's before the deep, earthy room-filling bassline quakes below. Filtered metallic breakbeats join the mix periodically along with string melodies and a plethora of sci-fi effects and classic micro samples. Absolutely essential stuff from the atmospheric wizard that is ASC.

A2 - Persuasion
A measured approach introduces Persuasion, with light hats and a subtle bleepy melody gradually pulling us toward a stunningly crisp slice of breakbeat heaven. Impossibly detailed rapidfire snares dominate the mix with incredible clarity that just has to be heard to be believed. Light bongos and airy synthwork nestle beautifully alongside trademark old school high pitched female vocal hits to cap off another stunner.

AA1 - Time and Again
Setting the tone immediately with thunderous, deep Hot Pants breaks - finely crafted as ever - Time and Again sees ASC explore an other-worldly setting with an uneasy intrigue to the echoing keys, while rousing strings provide a suitably nervy backdrop to the mix. A mellow yet tense breakdown is quickly nudged aside with the crunching breaks and darkly bassline, while echoed vocal hits add further texture.

AA2 - Severance
A wonderfully old school slice of breakbeat action quickly unfolds as Severance sees ASC playfully experiment with varied break patterns riddled with delicious little details you will pick out with each repeated listen. Sublime intent is present throughout with a heavy undertone bassline, not to mention the excellent sampled quote from the show of the same name - eventually we all have to accept reality. If this is our reality, bring it on.

Words by Chris Hayes (Spatial / Red Mist)

Here we are with the Earth perched on a thin tenuous wire. The neo-liberal order and its fascist mirror world burning through fossil fuels and the souls of vulnerable peoples the globe over. Conflict, warfare, climate degradation, misinformation. The time is nigh to break the spell with music.

Right on time comes IC007 – Four cuts of progressive elektro roots to shine a light on only four of the multitudinous hot spots of suffering while also inspiring a musical movement forward through the storm. Dedicated to the peoples of the Sudan, Palestine, Ukraine, and Taiwan this tune is another ITAL COUNSELOR sound system scorcher.

The message at its very core is to keep keeping on. Never give up. Forward through the storm like an ITAL WARRIOR! This RHYTHM SHOWER is a guideline toward a better tomorrow.

Delivering this message are some of ITAL COUNSELOR MUSIC’s stalwart players. Inyaki Basque Dub Foundation returns to the fold with yet another top-notch original rhythm – A drum and bass workout that harkens back to the best of Sly & Robbie’s Compass Point era science fiction dubwise and just a little bit of Aswad’s “To The Top” era progressive roots. Both raw and rhythmically complex, Inyaki makes the drum and bass hit hard with the mixing help of top studio man James Zugati. The dubwise cuts on side two are of course custom made to make bass bins rumble and weakheart drop.

Alas, we cannot forget Soothsayer horns – here as always proving that they are the best horn section out there. They feel it. They know it. They execute it in the hardest and sharpest of manors. Heavy heavy hornsman manners…

Progressive. Heavy. Horns. Elektro. Roots. Forward.

One Love and Guidance along the Way,
Andy G, IC

Mit ihrer ersten EP beweisen Fuller, dass es oft nicht viel braucht, um gute Rockmusik zu machen - außer Gespür, Haltung und ein bisschen Mut zur Reduktion. Der Aufbau ist klassisch: Schlagzeug, Bass, Gitarre, Gesang. Doch was daraus entsteht, ist weit mehr als die Summe seiner Teile. Die Songs sind kurz, direkt und dabei voller Details, die sich erst beim genaueren Hinhören entfalten. Die Band verzichtet bewusst auf überflüssige Effekte und verliert sich nicht in ausufernden Arrangements - stattdessen setzen sie auf rohen, ehrlichen Sound, der an DIY-Proberäume und verrauchte Spätsommernächte erinnert. In Stücken wie "Mew" feiert die Band die einfachen Freuden des Lebens, während "The Nix" melancholisch und reflektiert in persönliche Verlusterfahrungen eintaucht - ohne in Klischees abzurutschen. Es sind diese Kontraste zwischen Leichtigkeit und Schwere, zwischen Spielfreude und Nachdenklichkeit, die den Reiz der Platte ausmachen. Die Gitarre übernimmt dabei oft eine tragende, fast erzählende Rolle, während Bass und Drums für das nötige Fundament sorgen. Produziert wurde das Ganze gemeinsam mit Christian Bethge, dessen Feingefühl für Klang und Atmosphäre der EP zusätzlich Tiefe verleiht. Fuller brauchen keine großen Bühnen, um Eindruck zu hinterlassen - sie bleiben lieber im Proberaum, wo alles echt klingt und nichts inszeniert wirkt. Und genau das macht sie so besonders.

12 Bob Dylan classics produced and arranged by Steve Howe (Yes/Asia), features guest vocalists Jon Anderson, PP Arnold, Max Bacon, Allan Clark, Dean Dyson, Annie Haslam, Phoebe Snow and Keith West, first time on ltd. 2LP available (red vinyl, 300 ww copies, etched d-side).

Dusted Angel is a band that likes to keep it in the family. Made up of a group of close friends that have known each since the early 80s, stemming from playing in various intertwined bands engraved in the extended Santa Cruz family of friends. Featuring Ed Gregor, guitar (hedgehog, no use for a name), Eric "Dog" Fieber, guitar (Mock, creature, fire sermon) Steve Ilse drums (creature, Herbert, Automatic Animal) Clifford Dinsmore vocals (Bl'ast!, Seized Up, Spaceboy) and Eliot Young (Lost in Line, Seance) on bass. Formed in 2009, Dusted Angel is a sleeping giant that awakens from time to time to enlighten people with their unique brand of heavy, heavy groove laden music. Now it's time for a new album via Heavy Psych Sounds Records!

Transparent orange vinyl, limited to 300 copies. Dusted Angel is a band that likes to keep it in the family. Made up of a group of close friends that have known each since the early 80s, stemming from playing in various intertwined bands engraved in the extended Santa Cruz family of friends. Featuring Ed Gregor, guitar (hedgehog, no use for a name), Eric "Dog" Fieber, guitar (Mock, creature, fire sermon) Steve Ilse drums (creature, Herbert, Automatic Animal) Clifford Dinsmore vocals (Bl'ast!, Seized Up, Spaceboy) and Eliot Young (Lost in Line, Seance) on bass. Formed in 2009, Dusted Angel is a sleeping giant that awakens from time to time to enlighten people with their unique brand of heavy, heavy groove laden music. Now it's time for a new album via Heavy Psych Sounds Records!

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten termin mit der Lieblingstherapeut*inn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes "Sci-Fi Sky" hat Lebanon Hanover nun mit "Asylum Lullabies" einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert. Das neue Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

François and Sylvain Rabbath have turned six years of touring into a joint album that patiently and intensely distills a variety of musical flavors gathered from around the world.

Since the early 1960s, François Rabbath's double bass has resonated through enough landmark recordings to fill several shelves in a record collection. As an arranger, composer, and musician, his imprint on music goes far beyond his collaborations with Barbara, Paco Ibáñez, Charles Aznavour, or Édith Piaf. Aspiring double bassists owe him a groundbreaking method for learning the instrument. Born into a lush musical universe that quickly became his own, his son Sylvain first accompanied him on his travels before settling at the piano and sharing stages around the world at his side.

Those years of accumulating visas in their passports were put to good use by father and son. The continents, countries, and cities they passed through became a rich source of inspiration for composing Amall, the album by the Rabbath Electric Orchestra.

Long hours spent in the air or on the road, watching passing landscapes that never stayed the same, were transformed into compositions imbued with the atmospheres of the places they crossed or visited. Inspiration sometimes struck with force, like a green oasis appearing in a desert of stone—unexpectedly, as glowing red rocks suddenly dominated an otherwise open landscape with an endless horizon, while the mind wandered into a state between meditation and introspection.
Born from these travels, the pieces took on their final colors once brought into the studio, refined, and finally arranged to welcome the guitars of Keziah Jones and Matthieu Chedid, the piano of Laurent de Wilde, the bass of Victor Wooten, the saxophone of Raphaël Imbert, and the percussion of Minino Garay. Enhanced by the scale of the jazz-soul orchestrations, by the richness of arrangements bursting from strings, brass, rhythms, or keyboards, the epic breath of vast plains became ingrained. The urban tension of funk, echoing their movements, found its place—alongside more electric expressions or the ambience of a darkened room.
Melancholic and melodious, expressive and edgy, the bowed double bass—played in the high register where few dare to go—emerged as the musical guide. One that draws a path between Seville and Minneapolis, connects François Rabbath's native Syria to France, and bridges South America to Europe. It sets the tone to follow—the emotion that will carry the piece, and if not filled with light, will carry it there nonetheless.
Musical visions packed in luggage, transported in cargo holds, or imprinted in their minds just long enough to cover the distances to the next stop—father and son deepened their bond, beyond family and art. And their hands have never held each other more tightly.

François et Sylvain Rabbath ont fait fructifier six ans de tournées pour un album commun distillant patiemment et intensément la variété de parfums musicaux récoltés autour du monde.
Depuis le début des 60’s, la contrebasse de François Rabbath résonne dans assez de références pour combler plusieurs étagères d’une collection de disques. Arrangeur, compositeur, musicien, l'empreinte laissée dans la musique va bien au-delà de ses collaborations avec Barbara, Paco Ibanez, Charles Aznavour, ou Edith Piaf. C’est à lui que les
apprentis contrebassistes doivent une méthode novatrice pour apprendre l’instrument.

Né dans un univers musical luxuriant qui est vite devenu aussi le sien, c’est d’abord dans ses voyages que son fils Sylvain l’a accompagné, avant de s’installer au piano, et parcourir les scènes du monde à ses côtés. Ces années où les visas se sont entassés sur leurs passeports, père et fils les ont mises à profit. Continents, pays, et villes qui se sont succédés sont devenues un gisement pour composer Amall, l’album du Rabbath Electric Orchestra.

Les longs moments passés dans les airs ou sur la route à contempler un paysage qui défile sans pour autant rester le même, se sont convertis en compositions habitées par les ambiances de ces endroits traversés ou visités. Là où l’inspiration s’est imposée parfois brutalement, sous
la forme d’un oasis de verdure surgissant au milieu d’un désert de pierres. Au hasard d’imposantes roches rougeoyantes s’invitant dans un paysage jusqu’alors dégagé sur un horizon sans fin, quand l’esprit se laisse aller à un mélange de méditation et d'introspection.

Nés de ces pérégrinations, les titres ont pris leurs couleurs définitives une fois ramenés en studio, peaufinés puis, enfin, pensés pour y inviter les guitares de Keziah Jones et de Matthieu Chedid, le piano de Laurent de Wilde, la basse de Victor Wooten, le saxophone de Raphaël Imbert, les percussions de Minino Garay. Sublimé par la dimension des orchestrations jazz-soul, par la richesse des arrangements jaillissant des cordes, des cuivres, des rythmiques ou des claviers, le souffle épique des plaines immenses s’est imprimé.
La nervosité citadine du funk rythmant les déplacements a trouvé sa place, non loin d’une expression plus électrique ou d’une atmosphère de salle obscure.

Mélancolique et mélodieuse, expressive et nerveuse, la contrebasse jouée à l’archet, dans les notes hautes du manche où peu s’aventurent, s’est érigée en guide musical. Celui qui trace le chemin entre Séville et Minneapolis, relie la Syrie natale de François Rabbath à la France,
réduit la distance entre l’Amérique du Sud et l’Europe. Donne la note à suivre, l’émotion qui traversera le morceau qui, s’il n’est pas habité par la lumière, le portera néanmoins jusque là.

Visions musicales mises dans le coffre, transportées en soute ou imprimées dans l’esprit le temps de couvrir les distances qui les mèneront aux prochaines, c’est côte à côte que père et fils ont prolongé leur lien par delà des seules limites familiales et artistiques. Et leurs mains ne se sont jamais serrées aussi fort.
credits

Julia Wolf ist eine einzigartige Künstlerin, eine genreübergreifende Geschichtenerzählerin und eine Inspiration für Musikfans, Trendsetter und Musikkollegen gleichermaßen. Ihre Reise ist eine lebendige Erzählung von Verletzlichkeit, Wachstum, Experimentierfreudigkeit und menschlicher Erfahrung. Julias digitales Debütalbum ""Good Thing We Stayed"" (2023) verband eindringlich schöne Vocals und gefühlvolles Songwriting mit Trap-inspirierten Popmelodien. Mit ihrer neuen, auch physischen LP ""PRESSURE"" samt der Single ""In My Room"" kehrt die Künstlerin aus Long Island wieder zu ihren Rockwurzeln zurück, zeigt ihre vielseitige Kunstfertigkeit und Missachtung konventioneller Grenzen. Julias Bindung zu ihrem Publikum geht über die Musik hinaus; ihre Texte finden eine so tiefe Resonanz, dass Fans sie oft in Tattoos verewigen, während sie auf Spotify auf über 2 Millionen monatliche Hörer bauen kann.

Seit ihrer Gründung im Jahr 2013 in Metro Detroit, Michigan, hat die Metalcore/Post-Hardcore-Band I
Prevail eine Menge kritischer und kommerzieller Erfolge erzielt. Ihr erstes Album, „Lifelines“ von 2016,
erreichte sowohl in den USA als auch in Kanada Goldstatus, während „TRAUMA“ von 2019 diese Leistung
in Kanada wiederholte. Letzteres wurde bei den Grammys in dem Jahr für das beste Rockalbum nominiert,
die Single „Bow Down“ war zudem Anwärter für die beste Metal-Performance. Mit „TRUE POWER“ aus
dem Jahr 2022 ging die Band weiterhin ihren eigenen musikalischen Weg und weigerte sich, den Erwartungen des Genres zu entsprechen.
Jetzt, mit ihrem vierten Album „Violent Nature“, geht die Band eine Stufe weiter. Das Album wurde
in zwei Etappen in den Blackbird Studios in Nashville aufgenommen und unter der Leitung von Bassist
und Keyboarder Jon Eberhard selbst produziert. Außerdem handelt es sich um das erste Material, in dem
Vocalist Eric Vanlerberghe als einziger Sänger der Band sowohl cleanen als auch nicht cleanen Gesang
übernimmt. Es geht hart zur Sache. Die erste Single des Albums, der Titeltrack, ist möglicherweise der
brutalste, extremste und wildeste Song, den die Band je veröffentlicht hat. Doch nicht alles ist so brutal
und intensiv. Obwohl die Single „Rain“ alles andere als sanft ist, fühlt sich der kraftvolle, hymnische Refrain
des Songs im Vergleich dazu wie ein Schlaflied an, obwohl der Text Andeutungen derselben Wut und Pein
enthält. Nichtsdestotrotz veranschaulich

Disasternoon is an album of psychedelic melancholia, a carousel of dreams, otherworldly and fantastical, each song sculpted into an allegory, elegant, rich, textured and authentic. Crayola Lectern explore memories, separation, isolation and the times that changed us, with lyrics scattered sparingly throughout. Crayola Lectern is the project from Chris Anderson, often compared to the piano led jazz of Robert Wyatt, the psychedelic folk of Gorky's Zygotic Mynci, with echoes of Mercury Rev, or Flaming Lips, and experimentalism of Fred Frith. In 'Disasternoon' Chris Anderson performs on vocals, piano, mellotron, synths, organs, sax, guitars and bass, with Alistair Strachan on trumpet, cornet, glockenspiel and Damo Waters on drums and percussion. Bic Hayes performs electric guitar solos on Disasternoon and Coscoroba, and Maria Marzaioli plays violin in Coscoroba. The live show often also featuring the likes of Jon Poole (Cardiacs, Widhearts) heading-up electronics, gadgets, sounds and keyboard parts, Bob Leith (Cardiacs) on drums, and Bic Hayes (Cardiacs, Levitation) on guitar.

Raff Todesco, one of the founders of Italo Disco, presents his new vinyl produc'on: "Midnight Girl"
and "Heaven," sung by the duo George Aaron and Anita Campagnolo. This marks a magical return
with new sounds and musical structures from the ar'st who made the legendary '80s famous
worldwide.
"Midnight Girl" is a 1985 track by Noe Willer, which was very famous in France. The song was
originally 'tled "Toi, femme publique" before being translated into English as "Midnight Girl" and
arranged in an Italo Disco style by the group Ven Uto. Thus, "Midnight Girl" is an "archaeological"
track that has been appropriately re-envisioned in a modern key by Raff Todesco, George Aaron &
Anita Campagnolo.
On the vinyl's B-side, you'll find a new version of "Heaven," a 2007 track, with modern sounds and
re-sung by George and Anita

Das atemberaubende Debütalbum von Peki Momés mit 12 herausragenden Songs: Türkischer Psychedelic, Global Disco und Outland! Peki Momés ist eine in Deutschland lebende türkische Künstlerin, die erst 2024 zufällig begann, Musik aufzunehmen. Gesegnet mit Stil und Intuition statt formaler Ausbildung, eroberte ihr frischer und kompromisslos authentischer Zugang zur Musik Herzen und Ohren im Sturm. Peki wurde innerhalb und außerhalb der Organic-Groove-Szene schnell zur Sensation, die von Trendsettern wie Coco Maria, Iggy Pop oder Turntablist DJ Koco unterstützt wird. Peki Momés' Musik ist ein vielseitiger Mix aus Klängen des globalen Undergrounds, geschmackvoll arrangiert von Produzent Dustin Braun und einer Band unglaublich talentierter Jazzmusiker. Dirty Disco, Fuzzy Funk, anatolische Rare Grooves, experimentelle Synthesizer, Library Music und japanischer City Pop verschmelzen auf natürliche Weise mit ihrem unverwechselbaren Gesang und kreieren einen einzigartigen, ätherischen, fremdländischen Sound, der ganz ihr eigen ist.

Limitierte Erstausgabe im handgefertigten Deluxe-Tip-On-Sleeve.

"Turkish city pop - I love it." - Coco Maria

Für sein treffend betiteltes Solo-Debütalbum "Introducing..." hat Aaron Frazer mit Dan Auerbach von The Black Keys zusammengearbeitet. Soft spoken und mit dem Aussehen eines leicht unzufriedenen Matinee-Idols aus den 1950er Jahren gesegnet, besitzt Frazer eine einzigartige Stimme, die sowohl zeitgemäß als auch zeitlos klingt. Der in Baltimore aufgewachsene, zurzeit in Brooklyn lebende Songwriter wurde als Schlagzeuger und Co-Vokalist von Durand Jones & The Indications bekannt. Jetzt tritt er mit "Introducing..." als Solist hinter dem Drumkit hervor und demonstriert nicht nur seine beeindruckenden stimmlichen Qualitäten, sondern auch sein Können als hochklassiger Songschreiber. Schon die erste Single "Bad News" sorgte für Aufsehen ("a gorgeous piece of vintage R&B" - CLASH), die sich anschließende Lead-Single "Over You" ist inspiriert von elektrisierenden Northern Soul 45s der 60er Jahre. Nur zwei Belege der erfolgreichen Zusammenarbeit zwischen Frazer und Auerbach. Die zwölf Songs auf "Introducing..." verbinden gekonnt den Soul der 70er Jahre mit Dan Auerbachs besonderer Sensibilität für Vintage-Sounds im neuen Gewand. "Introducing..." enthält klassische Message-Songs im Stil von Künstlern wie Gil Scott-Heron sowie motivierende Liebeslieder, die von Disco-, Gospel- und Doo-Wop-Einflüssen durchzogen sind. Das gesamte Album wurde innerhalb nur einer Woche in Auerbachs berühmten Nashville-Studio nach einer schnellen und produktiven Songwriting-Session aufgenommen. Auerbach holte auch den legendären Songwriter und Falsettspezialisten L. Russell Brown (schrieb früher Hits für Frankie Valli von The Four Seasons) an Bord, der den wunderschönen Opener "You Don't Wanna Be My Baby" auf dem Album mitkopmponierte. Für "Introducing..." rekrutierte Frazer eine beeindruckende Schar alteingesessener Session-Musiker aus Nashville. Darunter Mitglieder der legendären Memphis Boys (die in Dusty Springfields "Son of A Preacher Man" und Aretha Franklins "You Make Me Feel Like A Natural Woman" mitspielten), den Perkussionisten Sam Bacco sowie diverse Musiker aus dem Daptone/Big Crown Records-Umfeld.

A stone-cold Detroit classic returns: Reel By Real’s ‘Surkit’ is back, remixed, remastered, and ready for a new generation of dancers.

Originally dropped in 1990 on Juan Atkins’ Interface imprint, it’s since become a cult touchstone far beyond techno.

Now, over 30 years on, Surkit – Remixed & Remastered