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Das im Oktober 1957 aufgenommene Album “Sonny Clark Trio” sticht aus zweierlei Gründen aus der
Blue-Note-Diskografie des Pianisten Sonny Clark (1931-1963) heraus. Einerseits, weil er sich nicht wie
auf seinen anderen Alben für das Label mit einem Quintett oder Sextett präsentierte, sondern im Trio mit
dem Bassisten Paul Chambers und dem Schlagzeuger Philly Joe Jones. Zum anderen, weil er darauf keine
Eigenkompositionen spielte, sondern auf subtile Weise erstmals ausschließlich Standards aus dem Great
American Songbook und Werke führender Jazzkomponisten jener Zeit interpretierte. Das Album kam bei
den Fans und Kritikern so gut an, dass Clark im Dezember 1957 und im November 1958 nach demselben Muster mit zwei anderen Trio-Besetzungen zusammenarbeitete. Aus unerfindlichen Gründen sollten
diese Aufnahmen jedoch erst lange nach Clarks Tod veröffentlicht werden - und zunächst auch nur in Japan.
Nun erscheinen die kompletten Aufnahmen zusammen mit alternativen Takes des Albums “Sonny Clark
Trio” auf einer Doppel-LP innerhalb der audiophilen Blue-Note-Tone-Poet-Serie unter dem Titel “The Art
of the Trio”. Die Veröffentlichung kommt in einer luxuriösen Tip-On-Gatefold-Hülle daher und enthält ein
Booklet mit neuen Liner Notes von Syd Schwartz, den Original-Liner Notes von Ben Sidran und Bob Porter
sowie bisher unveröffentlichten Fotos von Francis Wolff.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

Zwischen jamaikanischem Ska, Reggae, Two Tone, kölschem Charme und politischer Kante. Mal swingend, mal bissig, mal melancholisch - aber immer Offbeat. Es scheppert, brazzt und twangt wieder: Kapelle #3 melden sich mit ihrem neuen Album ,Momentaufnahme" zurück. Die Kölner Offbeat-Veteranen servieren auf elf Songs eine Mischung aus jamaikanischem Ska, Reggae, Two Tone und charmant schrägem Großstadtblick. Zwischen tanzbarer Leichtigkeit und klarer Haltung entstehen Songs über Umwege, Alltagsfluchten, Köln, antifaschistische Erinnerungskultur - und über politische Figuren, die förmlich nach einem Ska-Song verlangen. ,Momentaufnahme" ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein lebendiges Stück Gegenwart: direkt, warm, bissig und voller Liebe zum Offbeat. Mit über zwanzig Jahren Bandgeschichte und unzähligen Konzerten bleibt die Kapelle #3 eine feste Größe der Kölner Subkultur - jetzt auf allen Streamingplattformen und endlich auch auf Vinyl! 11 Track LP, 300 Stück 180 gr. schwarzes Vinyl, handnummeriert, bedruckte Innenhülle.

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Manchmal reicht ein Sommer, um zu zeigen, wohin die Reise geht. Fruchtiger Beigeschmack haben ihren nicht nur angekündigt, sie bespielen ihn gerade und begeistern dabei: 300.000 Streams in nur acht Wochen, zehntausende neue Fans auf den sozialen Netzwerken, ein ausverkauftes Releasekonzert, eine Zusatzshow mit Milla im September, die ebenfalls fast ausverkauft ist, ein Support-Slot vor 6.000 Menschen bei ZAZ in München, viele Festivals - und mittendrin "Löschzug", den die TAZ zum "linken Sommerhit des Jahres" erklärt hat. Auf den Socials wird das Trio gerade zur Band, über die man spricht, bevor man sie überhaupt gehört hat. Klare Haltung, großartige Songs, eine Band, die Musikfans begeistert, weil sie so ein wohltuender Gegenentwurf zum sonst vorherrschenden oder zumindest gefühlten Sound-Einheitsbrei im Netz darstellt. Jetzt kommt das Debüt, das all das einfängt: "Fast schon gut ist nicht schlecht" - die Debüt-EP von Fruchtiger Beigeschmack, erscheint bei superpolrecords. Ein Titel mit Understatement, der genau das Gegenteil meint. Fünf Songs, die Indie-Songwriting und Jazz-Offenheit zusammenbringen, ohne sich in Genreschubladen zu verlieren. Die wirbelnde Frontfrau Milena vorne, mit Texten, die nicht ausweichen und längst nicht nur der GenZ aus dem Herzen sprechen. Levi und Felix, die dem Ganzen Raum und Reibung geben, vorgetragen mit unbändiger Spielfreude, die sowohl auf Platte, aber vor allem live zündet. Das ist keine Band, die auf den Durchbruch wartet - sie ist bereits mittendrin, und die Zahlen sprechen für sich: Hunderttausende Streams, ausverkaufte Shows, ein Sommerhit im Feuilleton. "Fast schon gut ist nicht schlecht" ist der Beweis auf Vinyl - das Debüt einer Band, die längst mehr ist als ein Geheimtipp. Diese Zeit braucht einfach einen fruchtigen Beigeschmack.

"Meilenstein der Metal-Geschichte auf Vinyl: Das grenzsprengende Meisterwerk von 1996, das Thrash Metal revolutionär mit indigenen brasilianischen Rhythmen fusionsierte, kehrt als edle Doppel-LP auf klassischem 140g Black Vinyl zurück.


Unerlässlicher Katalog-Bestseller: Ein zeitloser Genre-Klassiker mit absoluten Band-Hymnen wie „Roots Bloody Roots“ und „Ratamahatta“, der in keinem gut sortierten Metal-Sortiment fehlen darf.


Hochwertiges Sammler-Packaging: Aufwendig ausgestattet als 2LP im Doppelklappcover (Gatefold), mit schonenden schwarzen Poly-Lined-Innenhüllen, 4/c-Labeldrucken und auffälligem Marketing-Sticker direkt auf der Folie."

Der Blick auf sein erstes LP-Cover zeigt uns einen 24-jährigen Reinhard Mey vor einer Ruinen-Kulisse nur
mit seiner Gitarre in der Hand. Der Barde und sein Lied, sich selbst begleitend, mehr nicht. Mehr braucht
es nicht. Das ist fast 60 Jahre her und so hielt er es auf bald 2000 Konzerten seiner großen Tourneen
immer. Auf dem ersten Album von 1967 stimmte das nicht ganz; da waren schon ein paar Musiker mit im
Studio. Über 28 weitere Alben hat Reinhard Mey all die Jahrzehnte sehr viel gelungen gewagt, mit großen
Orchestern musiziert, moderne Sounds probiert und seine Lieder mit den Klängen anderer Instrumente
bereichert. Doch das Lied ist das Lied, seine Seele braucht keine Garnitur.
Mit Schatzhauser veröffentlicht der Land und Leute prägende Dichter und Liedermacher fast 60 Jahre
nach seiner ersten LP sein nunmehr 30. Studiowerk; zum ersten Mal seit genau 40 Jahren nicht wie üblich
im Mai, sondern im September und zum ersten Mal überhaupt auch im Studio ganz allein aufgenommen!
Schatzhauser lächelt freundlich, ist weisen und guten Herzens, wie die namensgebende literarische Figur
von Wilhelm Hauff. Er spart nichts aus, den Tod nicht, aber auch nicht das Leben, das Weinen nicht, das
Lachen nicht und vor allem das Lieben nicht.
Wir blicken in melancholische Seelenwinkel und werden auf wundersame Weise doch mit Zuversicht beladen
zurückgelassen.
Das Album deutet auf die Schönheit des Sonnenuntergangs, auch wenn er das Ende des Tages markiert.
Doch ein Sonnenuntergang im Sommer im Norden, erstreckt sich sehr lange. Schatzhauser ist das feinsinnige 30. Album von Reinhard Mey. Vom letzten war hier mit keiner Silbe die Rede!

Space Afrika, das in Manchester und Berlin ansässige Duo aus Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang, schafft rohe, detailreiche und eindringliche Musik mit Anklängen an Ambient, Trip-Hop, Techno und moderne Klassik, wobei es aus den Konturen seiner Stadt weitläufige urbane Dub-Landschaften entwirft. ,Quiet Storm" erweitert ihren Klang und ihre Bandbreite zu einer weitläufigen, kollaborativen Vision, die mit tiefer Geduld und Absicht geformt wurde und ihre eigene Coming-of-Age-Geschichte in eine bewegende Suite kathartischer Abstraktion einbettet. Die Songs spielen auf Spiritualität und die conditio humana an, auf die Spannung zwischen Kühnheit und Sanftheit, Ehrgeiz und hartnäckigen inneren Dämonen. ,Quiet Storm" ist eine Antwort auf den Werdegang des Duos seit der Veröffentlichung von ,Honest Labour" im Jahr 2021. ,Wir haben uns selbst und unsere eigenen Vorstellungen von Identität herausgefordert, insbesondere in Bezug auf Klasse und Diaspora, und wie dies in verschiedenen Musikgenres dargestellt wird. Wir wollten die Charakteristika unseres Projekts durch die Menschen zeigen, mit denen wir zusammenarbeiten wollten", sagt Reid. Inyang merkt an: ,Bei der Entstehung dieses Albums haben wir keine Kompromisse gemacht. Die Idee begann als eine Hommage an die Kunst der Schwarzen. Unsere Kooperationen waren sehr bewusst gewählt, als wir die Grundpfeiler der Geschichte entdeckten." Von der multidisziplinären Natur des Projekts zeugt die Beteiligung des gefeierten Künstlers Glenn Ligon, dessen Werk sich mit schwarzer Identität und Queerness befasst. Ligon, der zu Beginn der Aufnahmen eine zentrale Inspirationsquelle darstellte, stellte sein Werk ,Figure #30" (2009) für das Cover-Artwork zur Verfügung und erklärte sich nach Abschluss der Aufnahmen bereit, dem Projekt seinen Namen zu geben - eine beispiellose Geste dieses wegweisenden Künstlers. Beim Anhören der endgültigen Fassung dachte Ligon an ,Quiet Storm", das Radioformat der 1970er Jahre, das für seine sanfte Late-Night-Programmgestaltung mit Themen rund um Leben und Liebe bekannt war. ,Quiet Storm" führt den Hörer durch verschiedene Szenen, Zwischenspiele und Handlungsbögen, geprägt von dem Gefühl, dass seine Bewegung fließend und seine Figuren flüchtig sind. Monologe vor dem Spiegel setzen sich mit dem Existentiellen und dem Unmittelbaren auseinander: Überleben, Autonomie, Sinn. Das Album beginnt mit dem explosiven, von Streichern begleiteten ,Vanity", bei dem die Grammy-Preisträgerin Axelle Fanyo zu hören ist. Zunächst auf die Spalten eines stillen Raumes fixiert, entfaltet sich ,Vanity" unter Fanyos ausdrucksstarkem Sopran und durchläuft ein breites emotionales Spektrum von erhabener Kontemplation bis hin zu ergreifendem, herzzerreißendem Schmerz. Auf dem gesamten Album werden gesprochene und gesungene Worte sparsam eingesetzt, um eine kraftvolle Wirkung zu erzielen. Die Schönheit und Katharsis von ,MLN" ist ein kollektiver, langsamer Marsch, bei dem der britisch-nigerianische Künstler Tony Njoku mitwirkt, begleitet von Gabriel Evans an Gitarre und Lead-Bass, PIKE aus London am Schlagzeug und GB aus Kopenhagen an Keyboards und Streichern. Der letzte Satz verleiht ,Quiet Storm" seinen krönenden Höhepunkt. ,If This Is Hell" ist in einem einzigen Take als Bewusstseinsstrom des New Yorkers Deuén aufgenommen, dessen nachvollziehbare Spirale geistiger Aktivität von jazzigen, frenetischen Percussion-Klängen begleitet wird. Das Druckventil öffnet sich, als die phasenverschobenen Drums und die scharf beobachtenden, dialogartigen Phrasen abrupt nach der Zeile ,I wonder if that's what heaven's like?" abbrechen. Wir bleiben in der Behaglichkeit des Album-Closers ,Regards" zurück. Regentropfen treffen auf Orgel, Drone, Streicher und Keyboards, während das Nachladen von Waffen dem ruhigen Summen gegenübergestellt wird. Schwer und doch hoffnungsvoll erinnern Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang an ihre bisherige Reise. Als passend geheimnisvolles und mitreißendes Outro für ihr offenes Opus ist ,Quiet Storm" ein Meilenstein: selbst produziert, selbst finanziert und aus purer Tatkraft und Überzeugung entstanden. Durch verzerrte Zeit und schummrigen Dunst ist Space Afrika zweifellos angekommen

Space Afrika, das in Manchester und Berlin ansässige Duo aus Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang, schafft rohe, detailreiche und eindringliche Musik mit Anklängen an Ambient, Trip-Hop, Techno und moderne Klassik, wobei es aus den Konturen seiner Stadt weitläufige urbane Dub-Landschaften entwirft. ,Quiet Storm" erweitert ihren Klang und ihre Bandbreite zu einer weitläufigen, kollaborativen Vision, die mit tiefer Geduld und Absicht geformt wurde und ihre eigene Coming-of-Age-Geschichte in eine bewegende Suite kathartischer Abstraktion einbettet. Die Songs spielen auf Spiritualität und die conditio humana an, auf die Spannung zwischen Kühnheit und Sanftheit, Ehrgeiz und hartnäckigen inneren Dämonen. ,Quiet Storm" ist eine Antwort auf den Werdegang des Duos seit der Veröffentlichung von ,Honest Labour" im Jahr 2021. ,Wir haben uns selbst und unsere eigenen Vorstellungen von Identität herausgefordert, insbesondere in Bezug auf Klasse und Diaspora, und wie dies in verschiedenen Musikgenres dargestellt wird. Wir wollten die Charakteristika unseres Projekts durch die Menschen zeigen, mit denen wir zusammenarbeiten wollten", sagt Reid. Inyang merkt an: ,Bei der Entstehung dieses Albums haben wir keine Kompromisse gemacht. Die Idee begann als eine Hommage an die Kunst der Schwarzen. Unsere Kooperationen waren sehr bewusst gewählt, als wir die Grundpfeiler der Geschichte entdeckten." Von der multidisziplinären Natur des Projekts zeugt die Beteiligung des gefeierten Künstlers Glenn Ligon, dessen Werk sich mit schwarzer Identität und Queerness befasst. Ligon, der zu Beginn der Aufnahmen eine zentrale Inspirationsquelle darstellte, stellte sein Werk ,Figure #30" (2009) für das Cover-Artwork zur Verfügung und erklärte sich nach Abschluss der Aufnahmen bereit, dem Projekt seinen Namen zu geben - eine beispiellose Geste dieses wegweisenden Künstlers. Beim Anhören der endgültigen Fassung dachte Ligon an ,Quiet Storm", das Radioformat der 1970er Jahre, das für seine sanfte Late-Night-Programmgestaltung mit Themen rund um Leben und Liebe bekannt war. ,Quiet Storm" führt den Hörer durch verschiedene Szenen, Zwischenspiele und Handlungsbögen, geprägt von dem Gefühl, dass seine Bewegung fließend und seine Figuren flüchtig sind. Monologe vor dem Spiegel setzen sich mit dem Existentiellen und dem Unmittelbaren auseinander: Überleben, Autonomie, Sinn. Das Album beginnt mit dem explosiven, von Streichern begleiteten ,Vanity", bei dem die Grammy-Preisträgerin Axelle Fanyo zu hören ist. Zunächst auf die Spalten eines stillen Raumes fixiert, entfaltet sich ,Vanity" unter Fanyos ausdrucksstarkem Sopran und durchläuft ein breites emotionales Spektrum von erhabener Kontemplation bis hin zu ergreifendem, herzzerreißendem Schmerz. Auf dem gesamten Album werden gesprochene und gesungene Worte sparsam eingesetzt, um eine kraftvolle Wirkung zu erzielen. Die Schönheit und Katharsis von ,MLN" ist ein kollektiver, langsamer Marsch, bei dem der britisch-nigerianische Künstler Tony Njoku mitwirkt, begleitet von Gabriel Evans an Gitarre und Lead-Bass, PIKE aus London am Schlagzeug und GB aus Kopenhagen an Keyboards und Streichern. Der letzte Satz verleiht ,Quiet Storm" seinen krönenden Höhepunkt. ,If This Is Hell" ist in einem einzigen Take als Bewusstseinsstrom des New Yorkers Deuén aufgenommen, dessen nachvollziehbare Spirale geistiger Aktivität von jazzigen, frenetischen Percussion-Klängen begleitet wird. Das Druckventil öffnet sich, als die phasenverschobenen Drums und die scharf beobachtenden, dialogartigen Phrasen abrupt nach der Zeile ,I wonder if that's what heaven's like?" abbrechen. Wir bleiben in der Behaglichkeit des Album-Closers ,Regards" zurück. Regentropfen treffen auf Orgel, Drone, Streicher und Keyboards, während das Nachladen von Waffen dem ruhigen Summen gegenübergestellt wird. Schwer und doch hoffnungsvoll erinnern Joshua Tarelle Reid und Joshua Inyang an ihre bisherige Reise. Als passend geheimnisvolles und mitreißendes Outro für ihr offenes Opus ist ,Quiet Storm" ein Meilenstein: selbst produziert, selbst finanziert und aus purer Tatkraft und Überzeugung entstanden. Durch verzerrte Zeit und schummrigen Dunst ist Space Afrika zweifellos angekommen

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Brought together by Antoine Rajon through their shared love of modal and free jazz, the four musicians of KOMA embraced the high-wire act of a ""Jazz on the Moment,"" a hallmark of the KOMOS label's Analog Home Session series. These friends, both on and off stage, already play together in other groups, such as AMG for Keïta Janota and Anthony Jouravsky, and OLA TUNJI for Ornella Noulet and Anthony.


For this recording, the new group set up in the living room of a Burgundy home, equipped for the occasion with the finest vintage analog equipment by Christian Hierro, engineer at the ""Back To Mono"" studio in the Drôme region.

With no preparation other than the few hours before starting the tape recorder, KOMA recorded the tracks in the order they appear on the album. Two pure improvisations sit alongside a composition (in two versions) by Keïta Janota, and a composition by vibraphonist Martin Blouet, who was experiencing his first professional recording.


The iconic piece ‘John Coltrane’, composed by bassist Bill Lee, father of Spike Lee, is the only cover on the album. The quartet offers a surprising, almost ambient version, without the rhythm section and epic solos of other recordings. The musicians' love for the music of the ‘supreme saxophonist’ is nonetheless intense.

As a birth certificate on the very day of the group's formation, this ‘no-nonsense’ album allowed this unusual lineup (two saxophonists, a vibraphonist, and a bassist) to present its lyrical and meditative music on numerous stages.

Das Studio in der 122 West Loveland Avenue war für Steve Okonski, den Leiter seines gleichnamigen Trios Okonski", kein unbekannter Ort. Seitdem sich das Label Colemine in Loveland, Ohio, niedergelassen hat, war es Gastgeber für eine Reihe von Bands, die auf der Durchreise waren, darunter auch Durand Jones and the Indications, zu denen alle Mitglieder dieses Trios Verbindungen haben. Nachdem er sich im Winter 2020 etwas Zeit genommen hatte, lud Okonski, der ursprünglich als klassischer Pianist ausgebildet wurde, Michael Isvara Ish" Montgomery und Aaron Frazer ein, an einem Album zu arbeiten, das ursprünglich als beatgetriebene und vollständig komponierte Trio-Instrumentalstücke geplant war. Nachdem diese erste Session mit einigen Improvisationen abgeschlossen war, wurde im Sommer 2021 eine zweite Woche gebucht, um zu versuchen, noch mehr von dieser spontanen Energie einzufangen. Während dieser Session wurden alle Stücke improvisiert und live auf einem Tascam 388 während mehrerer später Nächte im Colemine-Hauptquartier aufgenommen. Sie waren so strukturiert, dass die kollektive Intuition der Gruppe die Melodien und den Verlauf der Musik voll und ganz prägen konnte. Das Album beginnt mit Runner Up", wo eine triumphale und doch melancholische Melodie am Klavier zu einem zurückhaltenderen B-Teil überleitet, der von Schlagzeug und Bass von Frazer und Montgomery getragen wird. Auf deiner Reise durch den Rest des Albums begegnest du einer Fülle von hervorgerufenen und erforschten Emotionen. Die Ruhe, die man empfindet, wenn man nach Mitternacht eine mondbeschienene Straße entlanggeht, die Verbindung zu einer Person, die nur für einen Moment oder ein ganzes Leben in deine Welt tritt, und die Nervosität und Katharsis, die man spürt, wenn man sich auf eine neue, unbekannte Reise begibt. Magnolia" endet mit Sunday", einem Titel, der spät in der Nacht am Ende ihrer ersten Aufnahmesession aufgenommen wurde. Ohne die Spontaneität von Sunday" wäre der Rest von Magnolia" wahrscheinlich nie zustande gekommen. Magnolia" entstand aus dem Herzen und dem Geist derer, die in jenen späten Nächten in Loveland im Studio waren. Es ist der Höhepunkt einer emotionalen und künstlerischen Befreiung, die erst möglich wurde, als die Band sich an ihre Instrumente setzte und gerade deshalb ist das Album introspektiv, meditativ, spirituell und neuartig.

Zuhause ist kein fester Ort. Es ist ein sich wandelnder Begriff, der in der Geborgenheit des Mutterleibs beginnt und sich dann in die Sicherheit der elterlichen Arme verlagert. In der Kindheit erweitert er sich auf Klassenzimmer und Freundschaften. Im frühen Erwachsenenalter entdecken wir unsere Unabhängigkeit und fangen an, Räume zu schaffen, die nur uns selbst gehören. Bei der Vorstellung eines ,Zuhauses für immer" geht es weniger um Beständigkeit als vielmehr um einen Rückzugsort. Dort fallen alle Masken ab, und wir finden zu unserem wahren Selbst. HOME ist ein Album, das auf der einzigartigen Chemie zwischen den Outer-World-Mitgliedern Kenneth Close (Positive No) und Tracy Wilson (Dahlia Seed, Ringfinger, Positive No) basiert - eine farbenprächtige Liebessprache, die synthetische Klänge und Samples mit Schlagzeug, Gitarre, Bass, Keyboards und Gesang überlagert und so die Grenze zwischen moderner Technologie, einer gemeinsamen Geschichte und einer einheitlichen emotionalen Wahrheit verschwimmen lässt. Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Albums ,Who Does the Music Love?" hat sich Outer World von einem Duo zu einer sechsköpfigen Band entwickelt, wobei ,HOME" sich wie der Soundtrack zu einem imaginären Spionagefilm anhört: hochdramatisch und spannungsgeladen, mit verhedderten Bettlaken als Höhepunkt. Hier gibt es keine Grenzen zwischen den Genres, es findet ein Dialog statt zwischen: ,Outernational"-Grooves, italienischen Western-Soundtrack-Komponisten, Hazlewoods Twang-Gitarren, Spectropop-Beat-Girls der 60er, Lagos-Highlife, zeitgenössischen klassischen Chorarrangements, isländischer Avantgarde, Bond-Bösewichten, Kunstobjekten aus der ersten Punk-Ära, östlicher Philosophie und der Kunstschule in Athens, Georgia, in den 80ern - all das ist darin enthalten, verwoben zu einer einzigartigen Stimme.

Kissin' Dynamite veröffentlichen ihr selbstbetiteltes 9. Studioalbum in kompletter Eigenregie. Doch nicht nur die Rahmenbedingungen zum Album zeugen von Ende und Neuanfang. Genau diese beiden Themen wurden auch inhaltlich in den neuen Songs aufgegriffen.

So ist die Single-Auskopplung »Glory Days« eine Stromgitarren-getriebene Reminiszenz an die glorreichen, vergangenen Tage, in der sich inhaltlich jeder einzelne wiederfinden kann. Sommer-Cabrio-Vibes garantiert!
Der Stampfer »I Salute You« kann als eigene Art und Weise des Frontmanns verstanden werden, sich von seinen Fans zu verabschieden. Musikalisch rollt der Titel schwer wie ein Panzer voran und bahnt sich mit triumphierend klingenden Dudelsäcken und prominenter Unterstützung von der Band Saltatio Mortis als Feature-Künstler seinen Weg in die Gehörgänge.
Die ausufernde Rockballade »The Good Goodbye« erzählt vom Schmerz der notwendig gewordenen Trennung, aber auch davon, dass es weitergeht, auch wenn es anders ist, als zuvor.
Im Arena-Rocker »I'll Be« wird ein Schwur geleistet, immer da zu sein, immer präsent zu sein. Der Titel ist wie gemacht für die ganz großen Bühnen.
Das zunächst düster daherkommende »Nothing Breaks Like A Heart« baut sich kontinuierlich auf, bis im Chorus die s.g. Hero-Kadenz ebendiesen zum perfekten Singalong-Refrain macht. Thematisch geht es um leere Versprechungen, die ein gebrochenes Herz nach sich ziehen.
Bei »The Night Is Calling« wird jedes Partyherz höher schlagen. Es ist die perfekte Rockhymne.

Auch optisch hat man bei diesem Langspieler Nägel mit Köpfen gemacht: Das Cover und seine Wirkung erschließen sich dem geneigten Betrachter unmittelbar. Zu sehen ist ein verführerisch roter Kussmund, der eine nicht weniger knallrote, Dynamitstange küsst. Es wurde der Bandname und somit auch gleichzeitig der Albumname bebildert! Das Cover wirkt dabei schon fast ikonisch. Man kann sich das Motiv jetzt schon auf T-Shirts, Taschen, Autos und co. vorstellen.

Zu den brandneuen 6 Songs gesellen sich weitere 7 Titel der ersten zwei Alben des Quintetts. Diese wurden neu aufgelegt und ins typische Kissin-Dynamite-Gewand gepackt. Hier wurde nicht gegeizt:
So bekam ein Song der ersten Stunde »Out In The Rain« prominente Unterstützung von der Band Amaranthe.
Für die geheime Schwabenhymne »Steel Of Swabia« wurde passenderweise Ralf Scheepers von Primal Fear verpflichtet. Außerdem wurde ein gigantisches Gitarrensolo von Dragonforce-Gitarrist Sam Totman beigesteuert.

Die Band versteht es wie keine andere, ihrer Musik einen übergroßen Pathos zu verleihen, der nicht Comedy ist, nicht Welt verbessernd, sondern einfach mitten ins Herz geht! Geile Hooks, knackige Riffs, eingängige Melodien!

Für all das und mehr stehen Kissin' Dynamite.

Spiral code is the second album released on An’archives by the Japanese trio archeus, after 2023’s Kusōzu: Nine Death Stages, and their seventh release altogether. It’s also the most staggering evidence yet of the single-minded pursuit of group-sound explored by Keiko Higuchi (voice, drums, percussion, trombone), Shizuo Uchida (4 strings), and TOMO (hurdy gurdy). For two tracks, “awakening, beyond recurrence” and “where points and lines intersect”, they’re joined by Kiyotaka Moriuchi, an improviser who’s played with the likes of Shoko Numao and Ensemble Shippolly, on percussion and darbuka (a goblet-shaped drum played widely across South East Asia).

Always able to scour magic from both their relationships with their instruments, and their non-idiomatic interplay, on spiral code they’ve widened their net further; the results oscillate from humid and claustrophobic blocks of noise to rivulets of tone coursing across post-volcanic landscapes, and on into simple gestures suspended in arctic space. Spiral code was recorded in a single day, on March 20 th 2025, at a studio in Koenji, Tokyo, the morning session with the original trio, and afternoon and evening session with Moriuchi – the first time archeus have played with a guest musician.

When asked about the music archeus makes together, TOMO is quick to isolate the singular characteristics of their collaboration: “we are trying to explore some new, unknown musical vocabulary every time we play. And what we are trying to achieve from every session is something unique, an interesting chemistry or, I should say, alchemical reaction among the three of us.” You can certainly hear that alchemy in the dynamic arc of their performances, the way they seem to be able to switch on a dime and push the music into unexpected terrain, all while sounding intimately archeus. “We have been playing for many years,” TOMO continues, “so I think that among three of us, we can telepathically sense, feel and understand what each of us is trying to express while we are playing.” It’s telling that guest musician Moriuchi fits so effortlessly into the archeus soundworld, able to hitch a ride on the intimate telepathy of Higuchi, Shizuo and TOMO; “I think he gave us some fresh air to our music,” the latter smiles. But that telepathy extends, even, to the name of the album itself, with all members pointing toward spiral imagery when naming the title track, whether TOMO’s evocation of Kundalini serpent imagery and Caduceus, to the spiral shape of DNA, what TOMO calls “the code of life.” It’s certainly deeply entwined music: spiral code is a helix of sound, a cylindrical coiling of possibility.

In einer Zeit, wo alles immer mehr Digital und von KI dominiert wird, setzt Angelo Kelly auf Authentizität
und zwar auf allen Ebenen.
Die Songs auf dem neuen Album „ALIVE“ wurden komplett von ihm geschrieben, arrangiert und produziert. Wer sich die Texte der Lieder anschaut wird schnell merken, dass sich einiges in seinem Leben
verändert hat. Er öffnet sich in seinen Songs mehr, als er es jemals in einem Interview tun würde. Die Art,
wie dieses Album produziert wurde, könnte auch nicht authentischer sein!
AK: „Mir war es wichtig das Album komplett analog auf einer Bandmaschine aufzunehmen ganz ohne
Computer. Meine Band und ich waren dabei alle im gleichen Aufnahmeraum und haben meine neuen
Songs gemeinsam in „One Takes” aufgenommen. Nichts wurde korrigiert und es gab auch keine Overdubs
/ Zusatzaufnahmen! So sind die Aufnahmen sicherlich nicht perfekt,
und im Radio werden sie höchstwahrscheinlich nicht laufen, aber das ist die einzige Art Musik zu machen,
die mich heute noch reizt und interessiert.“ Das Album wurde dann auch komplett analog auf Band gemischt. Und für alle, die sich dieses Werk auf Vinyl holen: Das Mastering wurde im letzten Schritt von Chris
Bellman analog vollendet.

Released in 1976 on ABC Records, Seed Of Memory is Terry Reid's fourth studio album and marks a significant shift in his musical direction - This 180g vinyl re-issue faithfully replicates the original UK pressing including 4- page lyric insert Produced by Graham Nash, the album was recorded in California after Reid had relocated from Britain, and reflects the influence of the West Coast singer-songwriter scene while retaining elements of rock, blues, folk and soul. All eight songs were written by Reid, whose expressive vocals and guitar work remain central throughout. The recordings are enhanced by contributions from respected musicians including David Lindley on guitar and violin, Ben Keith and Al Perkins on pedal steel, and Graham Nash on harmony vocals. Lyrically, the album explores themes of reflection, spirituality, personal growth and social awareness, with songs such as "Brave Awakening" drawing on Reid's family connections to the mining industry. The relaxed arrangements contrast with the heavier sound of some of his earlier recordings, creating a more atmospheric and melodic style.

"Originally released in 1979 on Sly & Robbie's Taxi label, this album was Black Uhuru's second LP. Recorded at Channel One it set forth a new sound in recorded music technology. The songs blend into dub versions and the mixing is simply stunning. The track Shine Eye Gal also features guitarist Keith Richards"
(but hey, nobody's perfect).

"Hear the meticulous song writing of Michael Rose, joined by Puma Jones & Duckie Simpson, to complete the vocal line-up.

Sly & Robbie and the Taxi Gang created a sublime sonic masterpiece at Channel One studio in Jamaica. They were at their absolute peak of their powers, before being launched as global superstars with Grace Jones.

Black Uhuru went on to be an extremely popular live outfit, touring endlessly around the world, breaking down barriers and making new inroads to territories previously unknown to Jamaican artists.

This Classic reissue is a must for all reggae collectors."

„Ein bisschen Frieden“, „Flieg nicht so hoch, mein kleiner Freund“, „Papillon“, „Ein leises Lied“, „Mit dir vielleicht“, „Allein in Griechenland“ oder „Ich bin zurück“. Diese Hits von Nicole kennt wohl jeder und kann jeder mitsingen.

Nicole ist die die Grande Dame der deutschen Popschlagerszene, seit vielen Jahren auf den größten, schillerndsten Bühnen unterwegs. Aber sie liebt auch die Zurückgezogenheit, um als klassische Singer-Songwriterin an ihrer Musik zu arbeiten. Sie schafft es ehrliche Einsichten und pures Gefühl, in bewegende Songs zu übersetzen, die gerade durch diesen Tiefgang so faszinierend und zeitlos sind.

Vor allem bleibt sie sich treu und weiß ihren unverkennbaren Sound immer wieder ganz behutsam neu und weiter zu denken: Unaufgeregt und immer absolut nah am eigenen Leben, gewährt sie Einblicke in ihr Leben und ihre Weltsicht - passend zu Ihrem schweren Kampf gegen die Krankheit. Sie möchte Mut machen und zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch gegen eine scheinbar nicht zu besiegende Krankheit.

„Ein bisschen Frieden“ bescherte Nicole Millionenverkäufe und Top-Platzierungen in ganz Europa. In den vier Jahrzehnten, die seit diesen ersten Sensationserfolgen der Euro-Gold-Single vergangen sind, folgten zwei Dutzend weitere Longplayer, für die sie gleich 11 Goldene Stimmgabeln sowie 17-mal den ersten Platz bei der ZDF-Hitparade gewann. Auf die Zweitplatzierung beim World Popular Song Festival in Tokio (1983) folgten zudem ein ECHO-Pop in den Neunzigern, mehrfach die Goldene Europa und 2017 der smago! Award.


2024 feierte Nicole Ihren 60. Geburtstag und setzte diesen Trend fort. Das Album „Carpe Diem“ gilt als eines ihrer Besten und wurde mit einem Chart-Eintritt gekürt.

Stillstand hat es für Nicole nie gegeben – auch 2026, nach 45 Jahren auf der Bühne, nicht. Bereits die erste Single „Ich will mehr“ machte deutlich, wohin die Reise geht: nach vorne. Mit ihrem neuen Album „Meine Schätze“ blickt Nicole auf ihre außergewöhnliche Karriere zurück und setzt gleichzeitig ein kraftvolles Zeichen für Aufbruch, neue Wege und echte Lebensfreude.

„Meine Schätze“ produziert von ihrem kongenialen Produzententeam – Achim Meier, Zoran Grujovski und Jens Carstens, ist dabei kein klassisches Best-of-Album. Stattdessen hat Nicole ganz persönliche Songperlen aus 45 Jahren ausgewählt – Lieder, die sie geprägt, begleitet und inspiriert haben. Dazu gehört auch ihre gefühlvolle Interpretation des Don-McLean-Klassikers „And I Love You So“.
Teilweise neu arrangierte Akustikversionen verleihen den Songs eine besondere Intensität und zeigen ihre emotionale Tiefe ebenso wie ihre zeitlose Kraft. Gemeinsam mit musikalischen Weggefährten und Freunden wie Heinz Rudolf Kunze, John Kelly, Johnny Logan, Nino de Angelo und Mickie Krause entstand ein Album, das Mut macht, nach vorne zu blicken und das Leben bewusst zu genießen. Diese positive Energie trägt Nicole mit ihrer unverwechselbaren Stimme – kraftvoll, klar und berührend wie selten zuvor. Eine Nicole, die viele überraschen wird.

Die Botschaften der Songs haben auch nach 45 Jahren nichts von ihrer Aktualität verloren. Sie stehen für Hoffnung, Zuversicht und die Überzeugung, dass gute Musik Generationen verbindet.

Musikalisch präsentiert sich „Meine Schätze“ in einem modernen, frischen Soundgewand. Gefühlvolle Streicher des F.A.M.E.'S. Skopje Studio Orchestra treffen auf einen atmosphärischen Mix aus Folk, Pop und Schlager – eingängig, emotional und voller Tiefe. Ein Klangbild, das bewegt und lange nachhallt.
Besonders bemerkenswert: Die Produktion setzt bewusst auf echte, handgemachte Musik. Statt künstlicher Intelligenz stehen hier authentische Musikerinnen und Musiker, echte Instrumente und ehrliches musikalisches Handwerk im Mittelpunkt – ein klares Bekenntnis zu Qualität, Leidenschaft und echter Emotion.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Mit "1993“ veröffentlichen die Saarländer am 11.09.2026 ihr mittlerweile elftes Studioalbum – zehn neue Songs, roh, ehrlich und direkt aus der Brust. Ohne Umwege! Ohne Ausreden!
Wuchtige Riffs treffen auf eingängige Melodien, getragen vom unverkennbaren Gesang von Frontmann Pascal. Dazu Texte, die nicht gefallen wollen – sondern treffen. Die anecken, provozieren und Haltung zeigen. Kein unnötiger Schnickschnack, keine weichgespülten Floskeln.
"1993“ sagt, was gesagt werden muss – laut, klar und kompromisslos.
Seit Jahren zählen die "KrawallBrüder" zu den prägendsten Bands der deutschsprachigen Rockszene. Auch mit diesem Album machen sie unmissverständlich klar, warum ihr Name Gewicht hat.

Die Songs gehen sofort ins Ohr, bleiben im Kopf – und tragen genau das in sich, wofür die Band steht: Wut, Stolz und Zusammenhalt.
"1993“ ist mehr als nur ein Album – es ist ein Lebensgefühl, das nie verloren gegangen ist. Eine Haltung, die sich durch jeden Song zieht und live genauso explodiert wie auf Platte.
Lückenfüller? Fehlanzeige! Hier kommt ein Album, das brennt!
Die LP erscheint limitiert auf 500 Einheiten auf rot/schwarzem Vinyl in einem Inside-Out Gatefold-Cover.

»Ich bin ein sehnsuchtsvoller Mensch. Innerlich immer in Bewegung«, sagt Annett Louisan.

Die Sängerin ist in Aufbruchsstimmung. Auf ihrem elften Album »Sehnsucht» spürt sie all den bittersüßen Zuständen nach, die uns hoffen und streben lassen. Vor allem aber erzählt Deutschlands große Chanson- und Pop-Sängerin davon, was auf die Sehnsucht folgt. Erfolg und Enttäuschung. Wie leicht und wahrhaftig sie große Themen in ihren musikalischen Miniaturen verdichtet, berührt ungemein. Getragen von ihrer grandiosen unverkennbaren Stimme.

Seit ihrem Debüt im Jahr 2004 mit dem stilprägenden Album ›Bohème« hat sie mehr als 1,5 Millionen Tonträger verkauft. Niemandem mehr muss sie etwas beweisen. Und mit dieser Energie hat sie nun ihr eigenes Label gegründet: Atelier Louisan.

Ab September 2026 geht sie auf große ›Sehnsucht»-Tour und ist immer wieder zutiefst dankbar, wie aufmerksam ihr Publikum zuhört. ›Das sind Leute, die sich Zeit nehmen für Musik, die Anregungen wollen.« Und die bekommen sie. Etwa, wenn Annett Louisan sich radikal entliebt in dem jazzigen ›Ich kann dich nicht mehr sehen». Wenn sie in ›Weltuntergang« mit satirischer Finesse über Hedonismus in multiplen Krisenlagen singt. Oder wenn sie in ›Königin der Nacht» mit wunderbar entschleunigtem Gesang die Macht des Weiblichen beschwört. Das Album endet sehr persönlich mit ›Ich geh nur schonmal voraus«. Mit weicher Wucht befasst sich Annett Louisan mit der eigenen Vergänglichkeit. Ganz nah klingt ihre Stimme da. Ein zartes Vermächtnis für die, die weiterleben. Die Sehnsucht versiegt. Doch die Liebe bleibt bestehen.

»Ich bin ein sehnsuchtsvoller Mensch. Innerlich immer in Bewegung«, sagt Annett Louisan.

Die Sängerin ist in Aufbruchsstimmung. Auf ihrem elften Album »Sehnsucht» spürt sie all den bittersüßen Zuständen nach, die uns hoffen und streben lassen. Vor allem aber erzählt Deutschlands große Chanson- und Pop-Sängerin davon, was auf die Sehnsucht folgt. Erfolg und Enttäuschung. Wie leicht und wahrhaftig sie große Themen in ihren musikalischen Miniaturen verdichtet, berührt ungemein. Getragen von ihrer grandiosen unverkennbaren Stimme.

Seit ihrem Debüt im Jahr 2004 mit dem stilprägenden Album ›Bohème« hat sie mehr als 1,5 Millionen Tonträger verkauft. Niemandem mehr muss sie etwas beweisen. Und mit dieser Energie hat sie nun ihr eigenes Label gegründet: Atelier Louisan.

Ab September 2026 geht sie auf große ›Sehnsucht»-Tour und ist immer wieder zutiefst dankbar, wie aufmerksam ihr Publikum zuhört. ›Das sind Leute, die sich Zeit nehmen für Musik, die Anregungen wollen.« Und die bekommen sie. Etwa, wenn Annett Louisan sich radikal entliebt in dem jazzigen ›Ich kann dich nicht mehr sehen». Wenn sie in ›Weltuntergang« mit satirischer Finesse über Hedonismus in multiplen Krisenlagen singt. Oder wenn sie in ›Königin der Nacht» mit wunderbar entschleunigtem Gesang die Macht des Weiblichen beschwört. Das Album endet sehr persönlich mit ›Ich geh nur schonmal voraus«. Mit weicher Wucht befasst sich Annett Louisan mit der eigenen Vergänglichkeit. Ganz nah klingt ihre Stimme da. Ein zartes Vermächtnis für die, die weiterleben. Die Sehnsucht versiegt. Doch die Liebe bleibt bestehen.

Wer wissen möchte, weshalb Sister Rosetta Tharpe (1915-1973) bis heute als die “Godmother of Rock and
Roll” und “Original Soul Sister” gefeiert wird, muss nur ihr bahnbrechendes Album “Gospel Train” aus dem
Jahr 1956 hören. Wie keine andere verstand sie es, die Intensität des Gospel mit bluesigen Phrasierungen
und rhythmischem Drive zu verbinden. Dadurch schuf sie die musikalischen Grundlagen, die den frühen
Rock ’n’ Roll und die spätere Popmusik prägen sollten. Bei den Aufnahmen für “Gospel Train” ließ sich
die E-Gitarristin mit der kraftvollen Stimme von einer Band mit Jazzmusikern wie dem Bassisten George
Duvivier und dem Schlagzeuger Panama Francis sowie dem Gospel-Vokalquartett The Harmonizing Four
begleiten. Das Repertoire, eine Mischung aus selbst komponierten Spirituals und Gospel-Standards, wird
von Sister Rosetta Tharpe mit der für sie typischen Leidenschaft und rhythmischen Vitalität vorgetragen.

Es ist August 2021... Paula Hartmanns erste Single »Nie verliebt« erscheint und bildet den Auftakt für das gleichnamige, im Folgejahr erscheinende Album-Debüt. Fast forward 2023 und in der Rückschau wird klar: Paula Hartmann trat leise, aber mit Nachdruck ins Scheinwerferlicht der Musikwelt. Die Musik der 22-jährigen Berlinerin in ihrer Essenz zu erfassen, bedeutet, sie zu hören; zu vielschichtig und dicht erscheint das gewebte Netz von Geschichten aus der Großstadt. Und es ist diese Qualität, mit der sich ihre Musik Beschreibungen entzieht: Jedes Wort wohl überlegt, kein Ton zu viel, lässt man sich bereitwillig in das fein gesponnene Geflecht fallen und begleitet Paula Hartmann auf ihrer Odyssee durch den dunklen Westen von Berlin - denn wo noch Licht brennt, da tritt Paula Hartmann die Laternen aus. Mit »kleine Feuer« kündigt die Berlinerin nun ihr zweites Album an und bereits die ersten Singleauskopplungen lassen auf Großes hoffen im März des kommenden Jahres.

,AFRO-DISCO MAKOSSA" ist das erste Album auf Linear Labs, das ausschließlich für die Tanzfläche gemacht wurde, und Younge ist wie kein anderer dafür geeignet, es zu produzieren. Er ist nicht als Außenseiter zum Afrobeat gekommen, um ihm Tribut zu zollen. Über sein Schwesterlabel Jazz Is Dead hat er bereits dazu beigetragen, zu definieren, wie moderner Afrobeat klingt. Seine Sessions mit Tony Allen (Mitbegründer des Genres selbst) und dem Highlife-Pionier Ebo Taylor haben nicht nur sein musikalisches Vokabular geprägt; sie brachten zwei gefeierte moderne Klassiker hervor. "Afro-Disco Makossa" ist das, was passiert, wenn derselbe Künstler eine ganz andere Frage stellt: Was hätte ein ghanaischer Produzent im Jahr '76 gemacht, wenn er sich daran gemacht hätte, eine amerikanische Disco-Platte für seine Heimatstadt zu produzieren? Das Ergebnis ist ein klangliches Patchwork aus Afrobeat, Funk und Disco, gemacht für den DJ jeder Ära.

Alemayehu Eshete, die "Goldene Stimme Äthiopiens", hat sich seit seiner ersten Hitsingle "Seul" 1961 zu einer der prägenden Figuren der äthiopischen Soulmusik entwickelt, der wie kein anderer äthiopischer Musiker die aktuellen Trends der amerikanischen Soul-Szene so konsequent aufgegriffen und adaptiert hat. Diese neue 7" vereint zwei Höhepunkte der Zusammenarbeit zwischen ihm und Jimi Tenors Philophon-Label - remastered. Die Zusammenarbeit zwischen Alemayehu Eshete und Philophon wurde von Listros e.V. Berlin mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes initiiert.

Erscheint auf schwarzem Vinyl.

Ob als Sänger und Gitarrist der benzinbetriebenen Rockband The Almighty, als Frontmann der wiederbelebten Thin Lizzy und ihrer späteren Inkarnation Black Star Riders oder als gefeierter Solokünstler – ihn treiben seit jeher Eigenschaften an, die immer seltener werden: Ehrlichkeit, Leidenschaft und Emotion. Genau diese Qualitäten sowie Warwicks unermüdliche Hingabe zur Musik haben ihm über Jahrzehnte hinweg Erfolge in den Charts beschert, darunter mehrere Top-10-Alben.

Nachdem ihm kürzlich in seiner Heimat Belfast der Lifetime Achievement Award des Ards International Guitar Festival verliehen wurde, baut Warwick sein musikalisches Vermächtnis in diesem Jahr mit seinem elektrisierenden neunten Soloalbum Fire And Vengeance weiter aus. Das Album zeigt einen Musiker auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Auch textlich bewegt er sich auf höchstem Niveau – als Poet der Arbeiterklasse verbindet er in seinen Songs autobiografische, beobachtende, politische, zynische und zugleich zutiefst persönliche Elemente. Für das neue Album arbeitet Warwick erneut mit seinem musikalischen Partner Keith Nelson zusammen, dem ehemaligen Gitarristen von Buckcherry, der bereits das 2025 erschienene Blood Ties mitproduzierte, mitschrieb und einspielte. Darüber hinaus enthält das Album Gastauftritte von Musikern, die mit Def Leppard, Blackberry Smoke, Whitesnake und The High Kings verbunden sind. Fire & Vengeance erschließt subtile neue musikalische Wege, ohne sich jemals von dem kraftvollen, unverwechselbaren Sound zu entfernen, mit dem Warwick sich einen Namen gemacht hat.

Sofie Royer - laut *The Guardian* "einer der faszinierendsten und unterschätzten Popstars Europas, mit fesselnder Stimme und einem eigenwilligen, aristokratischen Glamour" - meldet sich mit einem neuen Album zurück! ,before/after" ist das vierte Studioalbum der österreichisch-iranischen Künstlerin. Es steckt voller Electro-Pop-Ohrwürmer und wurde gemeinsam mit Matt Cohn (SZA, The Weeknd), Jorgen Odegard (Sabrina Carpenter) und Eli Hirsch (Suki Waterhouse) produziert. Nach der Veröffentlichung dreier gefeierter Alben haben sich Songwriting und Produktion der Wiener Musikerin weiterentwickelt: Sie sind komplexer und ausgefeilter geworden, ihre Texte schärfer und humorvoller. *before/after* ist ihr bislang prägnantestes Werk. Es setzt sich mit den Schattenseiten des Künstlerlebens auseinander und verwebt die eigene Selbstreflexion mit kultureller Zeitkritik. Auch wenn sich Sofie von der Lo-Fi-Produzentin zur ernstzunehmenden Popmusikerin gewandelt hat - die bereits als Support-Act für Lana Del Rey, Air und LCD Soundsystem auftrat -, fühlt sie sich nach wie vor nirgendwo so recht zugehörig. Sie nimmt bei ihrer Kritik an der Musikbranche kein Blatt vor den Mund - "Ich bin zu sehr Pop für die Kunstwelt und zu sehr Indie-Liebling für den Mainstream" -, doch am härtesten geht sie mit sich selbst ins Gericht. In zwölf eingängigen Popsongs geht Royer der Frage nach, ob die Konflikte zwischen Vergangenheit und Zukunft nicht eigentlich Kämpfe mit dem eigenen Ich sind. "Wir befinden uns in einem ständigen Kampf zwischen dem Vorher` und dem Nachher`, wir beschäftigen uns intensiv mit diesen beiden zeitlichen Zuständen. Doch indem wir in ihnen gefangen bleiben, stehen wir uns oft selbst am meisten im Weg. Letztlich heißt es im Zustand des Vorher/Nachher immer: Du gegen dich selbst." Für Freunde von Suki Waterhouse, Lykke Li, Smerz, CMAT

Brixton Heights Records proudly presents the brand new single “Sweet Things”, a radiant lovers reggae release that blends classic roots, soulful warmth and contemporary finesse into a timeless feel‑good anthem.

Fronted by the legendary Keith Coley from The Silvertones, this masterfully crafted track features a heavyweight lineup of musicians and producers: Mafia & Fluxy on drums and bass, The Ital Horns on brass, Gavin Tate-Lovery on Saxophone and Gaudi on Piano and backing vocals, co-production and mixing. The track delivers a smooth, romantic groove rooted in classic Jamaican sound while feeling fresh and modern, making it equally at home on sound systems, radio playlists and summer sessions.

The Silvertones’ vocals remain rich, melodic and instantly recognisable, carrying the emotional warmth that has long defined their sound. The arrangement is layered with a bubbling organ, deep bass and tasteful percussions, guitars and keyboard, making The Brixton Heights Orchestra come together to create an irresistible groove.

Mixed and co‑produced by Gaudi at Metatron Studio in London (UK) and mastered at Anchor Studios in Kingston, Jamaica, “Sweet Things” is a celebration of romance, rhythm and authenticity.

In the B‑side the Brixton Heights Orchestra shines through in a full instrumental version of “Sweet Things”. The brass section takes centre stage throughout, weaving into the fabric of the song soaring trumpet lines, expressive saxophone melodies and rich trombone passages.

With the vocal removed, Gaudi shifts the focus on brass work, rhythm section and layered instrumentation, creating a continuum of different phrases, solos and riffs, carefully carved together into a reggae-jazz theme that executes in a cohesive and coherent way.

Mara TK, a golden voiced, Maori-Scottish world-wandering citizen of Aotearoa (New Zealand) announces his debut solo album 'Bad Meditation', released 7th May on Extra Soul Perception. Stepping out on his own, Mara TK is the former frontman of the acclaimed Kiwi future soul trio Electric Wire Hustle. Written and produced by Mara himself, 'Bad Meditation' is his 13 track opus, a deeply personal account of heritage, love, loss and healing.

An alumnus of Red Music Academy in Toronto, Mara TK's work beyond Electric Wire Hustle has seen him collaborate with critically lauded names including Om'Mas Keith of Sa-Ra Creative Partners, Detroit producer and J Dilla collaborator Waajeed, and Steve Spacek.

Extra Soul Perception is a collaboration and community music platform that started life between the UK, Kenya and Uganda but is now continuing to grow and connect independent musicians worldwide. Now with Mara TK added to the roster, Extra Soul Perception has released music by Lex Amor, K15, Maxwell Owin, Lynda Dawn, Hibotep, Karun, Labdi, Faizal Mostrixx and more.

*Nb: The solo version of 'Met At The River' is a digital exclusive only.

LOVE, das neue – und möglicherweise letzte – Album von Dexys Midnight Runners, ist eine leuchtende Sammlung zutiefst persönlicher Geschichten aus Kevin Rowlands Leben: über Familie, Liebe und die Schicksalsschläge des Daseins. Songs aus drei Jahrzehnten treffen auf brandneues Material – von der irischen Einwanderer-Kindheit über einen Brief an seine Enkelkinder bis zur Zeit mit einem sterbenden Elternteil. Liebeslieder im weitesten Sinne, jenseits gängiger Pop-Romantik: keine Wird-sie-wird-sie-nicht-Romanze, sondern etwas Tieferes, das die volle Bandbreite menschlicher Beziehungen und Emotionen abbildet.
„Ich dachte plötzlich: Das sind alles Liebeslieder – nur eben verschiedener Art", sagt Kevin Rowland über die Entstehung des Konzepts. „Da wusste ich: Es muss LOVE heißen." Ein Liebesleben in Songform, erzählt von jemandem, der mit seiner wunderbaren Autobiografie Bless Me Father bereits gezeigt hat, wie offen er über sein Leben sprechen kann.
LOVE ist zugleich das erste Album unter dem vollen Namen Dexys Midnight Runners seit Don't Stand Me Down (1985). Produziert von David Holmes – langjähriger Fan und Wegbegleiter der Band –, mit Songwriting-Unterstützung der langjährigen Weggefährten Sean Read, Mike Timothy und Jim Paterson sowie Streichern von Brian Irving.

Golden Ape Records unleashes another foray from the outer reaches of bass, Luke’s Anger’s - One Machine to Rule Them All EP with a Radioactive Man remix! Available in super limited edition of 100.

His mastery of this one Analogue machine has brought forth a new EP of singular intent, to give the horns, tweeters and woofers of club sound systems a proper workout! Electro rules again - bass to crush bones, drums to jerk your body and synths to rewire your brain. The overall effect is an intense, exhilarating and liberating experience that breathes fresh life into a storied music genre.

He is ably assisted by Keith Tenniswood aka Radioactive Man on remix duties of the track No Undo. He brings to fore his sweet and nasty sides to create a growling bass ridden beast that begins with a blissful promise and then puts the boot into your pleasure zones.

Handle with caution!

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Mit "Hoarse" legten 16 Horsepower 2000 ein Live-Album der Extraklasse vor. Die elf Songs, aufgenommen 1998 in Denver und Paris, zeigen die Band auf der Höhe ihres Schaffens, mehr noch, die hier zu hörenden Versionen der Songs ihrer Studioklassiker "Low Estate" und "Sackloth"n"Ashes" sind nahe der Perfektion. Was für eine Kraft, was für eine Wucht! Von dem von David Eugene Edwards" Akkordeon dominierten Intro des Openers "American Wheeze" braucht es keine zwei Minuten, bis die Band die Hölle losbrechen lässt. 16 Horsepower waren anno 1998 eine Maschine, die alles niederwalzte - nicht brutal, aber immer gewaltig. Dabei blieben sie stets filigran, beherrschten auch die leisen Töne (man höre nur "Bad Moon Risin""!) in gleicher Souveränität wie das volle Brett. Neben dem CCR-Cover gibt es Gun Clubs "Fire Spirit" sowie ein fulminante Version von Joy Divisions "Day Of The Lords". Wer die Band jemals live erlebt hat, weiß um die Magie solcher Momente.