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Teresa Rotschopf, a musician and composer from Vienna, presents her second solo album, »Currents and Orders« – a radical, delicate, yet grandiose sonic journey between experimental pop, new music, and improvised composition. The album will be presented live on August 27 as part of the »Pop-Kultur« festival (silent green, Berlin) and at the »ORF RadioKulturhaus« (Vienna) on 12 September.

»Currents and Orders« was recorded in an unusual location: a stalactite cave in Styria, Austria. Together with a small group of musicians (Maria Gstättner: bassoon, contraforte; Alex Kranabetter: tuba, trumpet, French horn; Patrick Dunst: saxophone, duduk; Florian Klinger: marimba, vibraphone, glockenspiel, cymbals, gong, stalactite; Patrick Pulsinger: gong, stalactite; Ulrich Schleicher: gong) and in co-production with Patrick Pulsinger, Rotschopf recorded the album in June 2023 – deep underground, far from daylight, but all the closer to archaic sounds and resonances.

The cave becomes not only an acoustic stage, but also a symbolic space of memory, retreat, and transformation. The album comprises four pieces – including two large-scale tracks:
- the opening, mantra-like title track »Currents and Orders« (over 10 minutes)
- the final, free-jazz, expressive »I Open My Gates (for You)« (over 20 minutes)

With a minimalist structure, choral voices, vibraphone, percussion, and wind instruments, fragile yet powerful soundscapes emerge, whose spatial depth is also palpable through the cave reverberation.

Rotschopf first developed the desire to record in a cave in the summer of 2022. What began as a visual and sonic image became a concrete project – supported by the Austrian Cave Association. In June 2023, Rotschopf and her musicians spent three days in a cave in the Styrian forest. Almost a kilometer of cable was laid, and equipment and instruments were carried deep underground. Rotschopf describes the recording situation as a kind of return to herself: »I descended into this cave, as if I could descend into myself, into my own womb ... What we did in the cave could just as easily be called ›recording music,‹ but it could also be called ›remembering‹ – remembering the earth, the cave, and humanity.«

»Currents and Orders« is an album like a ritual: haunting, atmospheric, bold in its form, and deeply rooted in both physical and emotional space. Music that takes its time, uses space, and pushes boundaries.

The pre-release single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (release: July 17, 2025) is accompanied by a striking music video shot by Antoinette Zwirchmayr on 16mm film: Teresa Rotschopf holds a real owl in her hand – an image that is as magical as it is enigmatic.

Label owner Martin Hossbach read a review of Rotschopf's first solo album, »Messiah,« in 2018 and contacted the artist. Joint releases followed, including a drone album on the sub-label Martin Hossbach Score and a Pet Shop Boys cover version on Martin Hossbach Cover.

Teresa Rotschopf, Musikerin und Komponistin aus Wien, präsentiert mit »Currents and Orders« ihr zweites Soloalbum – eine radikale, zarte und zugleich groß angelegte Klangreise zwischen experimentellem Pop, Neuer Musik und improvisierter Komposition. Das Album wird am 27.8. im Rahmen des Festivals »Pop-Kultur« (silent green, Berlin) und am 12.9. im »ORF RadioKulturhaus« (Wien) live vorgestellt.

»Currents and Orders« entstand an einem ungewöhnlichen Ort: in einer Tropfsteinhöhle in der Steiermark, Österreich. Gemeinsam mit einer kleinen Gruppe von Musiker:innen (Maria Gstättner: Fagott, Kontraforte; Alex Kranabetter: Tuba, Trompete, Waldhorn; Patrick Dunst: Saxophon, Duduk; Florian Klinger: Marimbaphon, Vibraphon, Glockenspiel, Becken, Gong, Stalakmit; Patrick Pulsinger: Gong, Stalakmit; Ulrich Schleicher: Gong) und in Ko-Produktion mit Patrick Pulsinger nahm Rotschopf das Album im Juni 2023 auf – tief unter der Erde, fern von Tageslicht, dafür umso näher an archaischen Klängen und Resonanzen.

Die Höhle wird nicht nur zur akustischen Bühne, sondern auch zum symbolischen Raum der Erinnerung, des Rückzugs, der Transformation. So umfasst das Album vier Stücke – darunter zwei großformatige Tracks: - das eröffnende mantraartige Titelstück »Currents and Orders« (über 10 Minuten) - das finale, free-jazzig-expressive »I Open My Gates (For You)« (über 20 Minuten)

Mit minimalistischer Struktur, Chorstimmen, Vibraphon, Schlag- und Blasinstrumenten entstehen fragile und zugleich mächtige Klangwelten, deren räumliche Tiefe auch durch den Höhlenhall spürbar wird.

Der Wunsch, in einer Höhle aufzunehmen, kam Rotschopf im Sommer 2022. Was als visuelles und klangliches Bild begann, wurde zu einem konkreten Vorhaben – unterstützt vom Österreichischen Höhlenverein. Im Juni 2023 begab sich Rotschopf mit ihren Musiker:innen drei Tage lang in eine Höhle im steirischen Wald. Fast ein Kilometer Kabel wurde verlegt, Equipment und Instrumente tief unter die Erde getragen. Rotschopf beschreibt die Aufnahmesituation als eine Art Rückkehr in sich selbst: »Ich stieg in diese Höhle hinab, so als ob ich in mich selbst hinabsteigen könnte, in meinen eigenen Schoß [...] Was wir in der Höhle taten, könnte man ›Musik aufnehmen‹ nennen, genauso gut aber auch ›Erinnern‹ – Erinnern von Erde, Höhle und Menschsein.«

Currents and Orders ist ein Album wie ein Ritual: eindringlich, atmosphärisch, mutig in der Form und tief verwurzelt im physischen wie emotionalen Raum. Musik, die sich Zeit nimmt, Raum nutzt und Grenzen sprengt.

Die Vorab-Single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (VÖ: 17.7.205) wird begleitet von einem eindrücklichen Musikvideo, das Antoinette Zwirchmayr auf 16mm-Film drehte: Teresa Rotschopf hält darin eine echte Eule auf ihrer Hand – ein Bild, das genauso magisch wie rätselhaft wirkt.

Labelbetreiber Martin Hossbach las im Jahr 2018 eine Rezension des ersten Rotschopf-Soloalbums »Messiah« und nahm Kontakt zu der Künstlerin auf. Es folgten gemeinsame Veröffentlichungen – etwa ein Drone-Album auf dem Sub-Label Martin Hossbach Score und eine Pet-Shop-Boys-Coverversion auf Martin Hossbach Cover.

Neue Auflage, Fu Manchus komplette Performance 2003 beim Roadburn Festival, ein legendäres Fu-Set mit den Klassikern "Squash That Fly", "Hell On Wheels", "Boogie Van" und "King Of The Road". Die Band fand die professionellen Originalaufnahmen, die direkt vom Soundboard aufgenommen wurden, und hat diese speziell für diese Veröffentlichung mastern lassen. Scott Hill, Leadsänger/Gitarre von Fu Manchu kommentiert: "Roadburn im Jahr 2003 zu spielen, war ein Riesenspaß! Es war das Jahr, bevor wir "Start The Machine" herausbrachten, und wir spielten zum ersten Mal auf dieser Tour ein paar Songs davon live. Einer der Songs, der auf diesem Live-Album zu hören ist, "I Wanna Be", ist ein anderes Arrangement als das, was dann auf der Studio-Veröffentlichung gelandet ist". 2025er Pressung als rot-gelbe- blauees Splatter-Vinyl!

Matt Watts (1987–2024) was born in Philadelphia, in the USA. He recorded his first songs along the banks of the Missouri River in Montana when he was 15, touring the north-western states extensively as a young troubadour. He arrived in Belgium at the tender age of 19 and grew into a full-fledged singer-songwriter that combines a profound respect for the folk tradition with contemporary influences.

His solo album, Songs from a Window, was released in 2014 by Starman Records and received glowing praise in the press.

Matt Watts played dozens upon dozens of shows in the Benelux, often together with Stef Kamil Carlens and Nicolas Rombouts. While his predecessor Songs from a Window was a true solo album, How Different It Was When You Were There includes personal stories by Watts that have been subtly seasoned with wonderful musicians such as Nathalie Delcroix, Bjorn Eriksson, Geert Hellings (Stanton, Guido Belcanto), Maarten Moesen (Guido Belcanto), and bassist and this album’s producer, Nicolas Rombouts (formerly with Dez Mona, Stef Kamil Carlens, The Colorist, Guido Belcanto, and many others).

One of the highlights of this album, which truly showcases Matt Watts’ awakening, is “Many a Friend Too Kind”: a fabulous duet with Stef Kamil Carlens. Watts also performed in Zita Swoon Group’s production, The Ballad of Erol Klof. Sadly, Matt Watts passed away in June 2024.

MORE QUOTES

“Watts, who washed up in Belgium, sings his personal, poetic lyrics in a high, whispering voice that immediately brings Nick Drake to mind.” 4/5 **** (De Standaard)

‘This is an album full of sincere sentiment and stimulating, evocative stories in fine songs that have been beautifully coloured by Watts and his band, and on which he brings the narrative aspect to the fore more than ever.’ (daMusic)

‘Sensitive songwriter, exceptional storyteller... Introverted, dark, more country, less Nick Drake.’ (OOR)

‘This is real, raw, authentic. Well done, Matt, very well done.’ (Keys And Chords)

‘And no matter how young Matt Watts may be, the singer/musician writes timeless songs reminiscent of those by David Blue and John Martyn...’ (Rootstime)

‘Matt knows how to strike that chord in the same way as Cohen, which immediately moves you. From the beginning to the end of this record.’ (Gigview)

‘A singer-songwriter who believes in simplicity (not a note too many), but grabs you by the scruff of the neck from the start and confronts you with the painful beauty of romance.’ (Luminous Dash)

‘Let's be honest here: Belgium has simply become too small for an album like “How Different It Was When You Were There”. Song material of this calibre deserves a much, much wider audience!’ 4.5***** (ctrl.alt.country)

If any album could conjure up the revolutionary spirit of Jamaica in the mid 1970’s, Tapper Zukie’s invincible M.P.L.A. set would surely be a fighting contender. The coming together of great rhythms and meaningful lyrics in a time of unrest in the country seemed to have made the album all the more urgent and relevant. As time would tell it would also prove to be a lasting success, not only with the hard core reggae fans but also their punk counterparts. Who embraced its militant themes and crossed the album over to a whole new audience. Tapper Zukie (b. David Sinclair, Kingston, Jamaica.) had already returned from a trip to London England by the mid 70’s .Initially sent with help from his parents, brother Blackbeard and producer Bunny ‘Striker’ Lee to remove the youth from his troublesome ways on the streets of Kingston, Jamaica. He had performed some live shows in London and made some recordings for Larry Lawrence, that produced his debut ‘Jump and Twist’. Alongside other recordings that would emerge as his ‘Man A Warrior’ set. But feeling homesick he had returned to Jamaica in 1974 to work with Bunny Lee. His work would consist of arranging sessions and collecting payments to bodyguard, the now very successful producer. His frustration of Bunny Lee’s reluctance to record him led him cutting ‘Judge I Oh Lord’ for producer Lloydie Slim. Bunny Lee’s then recording of Tapper’s ’Natty Dread Don’t Cry’ and its subsequent release aboard, led to an altercation between Tapper and producer. The police had to be called and an offer to provide the singer with a set of rhythms put this matter to rest. The eight rhythms and a further two from Jo Jo Hookim and Ossie Hibbert alongside some free studio time at King Tubby’s Studio would result in the M.P.L.A album.

The rhythm provided by Jo Jo Hookim was a Channel One studio cut by The Revolutionaires based on Little Richards ‘Freedom Blues’ and provided the backdrop to M.P.L.A. The Ossie Hibbert rhythm again cut at Channel One based on The Royals ‘Pick Up The Rockers’ would provide the backdrop to Tapper’s ‘Pick Up The Rockers’. These and the remaining Bunny Lee rhythms, were all cut in a one hour session, at King Tubby’s Studio. ’Don’t Get Crazy’ cut on a rhythm based on the Joe Frazier rhythm to Tony Brevett’s ‘Don’t Get Weary’. ‘Go De Natty’ cut on Cornell Campbell’s ‘Please Be True’, originally a cut to Alexander Henry’s ‘Please Be True’. ‘Stop The Gun Shooting’ runs over Horace Andy’s ‘Skylarking’.’Ital Pot’ cut on Johnny Clarke’s version of Burning Spear’s ‘Creation Rebel. ‘Marcus’ see’s Tapper professing over Johnny Clarke’s ‘Poor Marcus’ .’Chalice To Chalice’ pulls on Johnny Clarke’s ‘Give Me a Love’,’ Don’t Deal With Babylon’ answers Junior Ross and The Spears ‘Babylon Fall’ and ‘Freedom’ rides on the great rhythm of Junior Ross and The Spears ‘Liberty’. An outstanding album cut by one of Jamaica’s finest DJ’s and producers the mighty Tapper Zukie. We hope you enjoy this now timeless set.

Issued in May 2000, Toploader’s debut album was a major success, reaching number four on the UK chart and going multi platinum within a matter of months. It was mostly written by lead singer and keyboard player Joseph Washbourn, with the exception of ‘Just Hold On’ and the huge worldwide hit ‘Dancing In the Moonlight’, which had been a success across the pond for King Harvest in 1972. A retro-sounding record upon release, with an impressive vitality and soulfulness, it remains a highly enjoyable experience; an album that evokes some of the best sounds of the 1970s and blends them all together with great skill.

Released by Hegoa Records and Night School Records.
Greatest Heads is the fourth album by the radical Basque- Berlinesque group Al Karpenter. A deconstruction of structured “rock” music, here Al Karpenter re-imagine “the band” to explore the intersection between Free music, afro-beat, the avant garde and gonzo rock.
If Theodore Adorno wrote “To Write Poetry after Auschwitz is Barbaric” in 1949, Al Karpenter attempts to answer the difficult question today; what kind of music can be done in the face of a genocide? Álvaro Matilla, Marta Sainz, Enrique Zaccagnini & Mattin’s response to the planet’s slipping into a vortex of hate is to create a music ecstatic, a music of protest bursting with multiple musical languages and glossaries, full of overlapping histories and thrilling tensions.
Greatest Heads posits a plurality of musics both in opposition and intertwined: Al Karpenter play rock instruments pulled apart in the studio in post-production. Distorted rhythm chunks bit-crushed and dissipated, segments of freedom oppressed by waves of sound invading from every direction. The interplay between the chief instrumentalists and renowned, storied sound artist Mattin creates something akin to ESP freedom-seekers Cro Magnon playing in Miles Davis’ early 70s groups, The Los Angeles Free Music Society tightening up into a clenched fist of plunderphonics and runaway percussion.
We Are All Karpenters opens Greatest Heads with the most straight-forward song refrain of the record accompanied by a band that soon crash into eruption, imagining Sun City Girls in full free rock mode.
The modulating synth sound soon sucks the band into its wake to create a spine-chilling climax of distorted sound, made fully orgasmic with mastering engineer Rashad Becker’s attention to detail. On Izugarrizko Buruak (Greatest Heads), Matilla intones in Basque over a mangled distorto-beat. A Brand New Astraphobia creates a black space for a heavily processed guitar to blow up before falling to earth at night, a gentle figure serenading the coming end.
On Side B, the band begins by being masticated by a brutal phaser, squelching and stretching the music into new territories. The overt message of Stop The Genocide! is besieged by violence before Worm City aggressively samples the ghosts of soul music, mixing in noise bursts, prepared piano and swiping, abstracted sound. Epic closer Perfect Love feels like a beat poetry performance on a burnt world, still grasping for community, for home, for some sort of human love. A Mad love, then; an angry love fuelled by solidarity and collaboration.
The band’s cascading layers of references and polyglottal musics attempt to create the perfect lover, alive with rage and disorientating ecstasy: Al Karpenter.

LP-Box mit fünf Original-Studioalben von 1965.
(AAA) Remastered und direkt von den originalen analogen Mono-Bändern von Kevin Gray geschnitten.

Fünf Original-Studioalben, aufgenommen in einer Woche im August 1965 in New York City: Boppin', Smokin', Groovin', Comin' On, Cool Burnin' sind zum ersten Mal seit über 50 Jahren wieder auf Vinyl erhältlich. Für diese Aufnahmen, die einen Wendepunkt in seiner Karriere markieren, hat Chet Baker eine Band der Superlative um sich geschart: George Coleman, Kirk Lightsey, Herman Wright und Roy Brooks spielen alle auf diesen aufregenden Sets, die ursprünglich bei Prestige Recordings erschienen sind.

New Land hatte vollen Zugang zu den originalen analogen Monobändern, und Kevin Gray hat sie neu gemastert und geschnitten (AAA), um ihnen eine frische Klangfarbe zu verleihen. Das Herzstück dieser Box ist ein Buch mit einem unglaublich detaillierten Essay von GRAMMY® Nominee James Gavin, der die wahre Geschichte hinter diesen Aufnahmen mit Interviews der Beteiligten verbindet. Illustriert mit seltenen Fotos und Ephemera ist dies der bisher tiefste Einblick in diese Aufnahmen.

Chet Bakers Prestige-Aufnahmen aus dem Jahr 1965 markieren eine Übergangsphase - seine Rückkehr in die USA nach einer Zeit in Europa und einer Auseinandersetzung mit dem Rechtssystem. Diese Sessions zeigen ihn in einem raueren, expressiveren Ton, der aber immer noch von seiner charakteristischen lyrischen Schönheit durchdrungen ist. Die Aufnahmen entstanden auf dem Höhepunkt der Hard-Bop-Renaissance von Prestige Records und zeigen Baker zusammen mit dem Saxophon-Titanen George Coleman, der gerade mit Miles Davis auf Tournee war. Das Ergebnis ist ein rauer, swingender Quintett-Sound, direkt, gefühlvoll und ungeschminkt.

Nach Jahren des Umherziehens in Europa und scheinbar endlosen persönlichen Turbulenzen kehrte Chet in die USA zurück, um diese Sessions aufzunehmen. Ohne die jugendliche Unschuld seiner frühen Tage an der Westküste spielt Baker mit einer dunkleren, introspektiven Note - sein Horn singt immer noch, aber jetzt seufzt es auch.

Zusammen mit einer starken Rhythmusgruppe aus New York verbinden diese Aufnahmen die Eleganz des Cool Jazz mit der rauen Direktheit des Hard Bop der Ostküste. Baker zeigt sich hier von seiner menschlichsten Seite - zerbrechlich, lyrisch, ungefiltert.

Dies sind nicht einfach nur Aufnahmen aus Chets Spätzeit - sie sind ein Dokument seiner Neuerfindung. Für Sammler schließen sie eine wichtige Lücke zwischen seiner ikonischen Cool Jazz Ära der 1950er Jahre und seinen düsteren europäischen Sessions der 1970er Jahre.

Vier Jahrzehnte, nachdem der Song das College-Radio erhellte und die bemerkenswerte Karriere von R.E.M. begründete, sendet „Radio Free Europe“ ein brandneues Signal aus. Angeführt wird diese 5-Track-EP vom ursprünglichen Produzenten der Band, Mitch Easter, der auch die letzten beiden Studioalben von R.E.M., Accelerate und Collapse Into Now, produziert hat. Angeführt wird die EP von einem bisher unveröffentlichten 2025er-Remix des GRAMMY-Gewinners Jacknife Lee (Taylor Swift, U2, The Killers, Weezer). Abgerundet wird das Set durch vier seltene Kassetten-Demos von 1981, darunter „Wh. Tornado“ und ‚Radio Free Dub‘, die beide ihr digitales Debüt feiern. Die Radio Free Europe 2025 EP wird digital und als limitierte 10-Zoll-Pressung auf Vinyl erhältlich sein.

Wortgewaltig, rockig, wütend, melancholisch. Eigentlich, wie man ihn kennt – und doch ist einiges anders. Oder besser: direkter.

Heinz Rudolf Kunzes 47. Album ist ein gereiftes, meisterliches Spätwerk über die großen Themen des Lebens: Liebe, Alter, Herkunft, Vergänglichkeit, Krieg, Identität. Aber auch der Zustand unserer Gesellschaft, der politische Diskurs, das Auseinanderdriften – Kunze bleibt nicht an der Oberfläche, sondern taucht tief. Dabei gelingt ihm der seltene Spagat: Nachdenklichkeit ohne Pathos, Kritik ohne Bitterkeit, Emotionalität ohne Kitsch.
Musikalisch trägt ihn ein homogener, gewachsener Bandsound – mal kraftvoll, mal filigran, stets songdienlich. Produziert wurde das Album erneut von Udo Rinklin, mit dem Kunze in den letzten Jahren eine kreative Hochphase erreicht hat.
Angebot und Nachfrage“ ist Reise, Rückschau, Kommentar und ein mutiges Bekenntnis zu Sprache, Haltung und Musik. Ein Werk mit Persönlichkeit und Relevanz – nicht nur für Fans, sondern für alle, die in Musik mehr suchen als nur Unterhaltung.

Limitiert auf 1000 Stück – ein echtes Sammlerstück!

Die exklusive Fanbox zu Heinz Rudolf Kunzes 47. Studioalbum „Angebot und Nachfrage“ ist so besonders wie das Werk selbst: Wortgewaltig, rockig, wütend, melancholisch – Kunze zieht alle Register seines Könnens.

Diese einmalige Edition enthält:
• das neue Album auf Doppelvinyl und CD,
• ein handsigniertes Hardcoverbuch mit 40 Seiten Fotos & bisher unveröffentlichten Texten,
• eine exklusive Single-Vinyl zum 40-jährigen Jubiläum von „Dein ist mein ganzes Herz“.


Heinz Rudolf Kunzes 47. Album ist ein gereiftes, meisterliches Spätwerk über die großen Themen des Lebens: Liebe, Alter, Herkunft, Vergänglichkeit, Krieg, Identität. Aber auch der Zustand unserer Gesellschaft, der politische Diskurs, das Auseinanderdriften – Kunze bleibt nicht an der Oberfläche, sondern taucht tief. Dabei gelingt ihm der seltene Spagat: Nachdenklichkeit ohne Pathos, Kritik ohne Bitterkeit, Emotionalität ohne Kitsch.

Musikalisch trägt ihn ein homogener, gewachsener Bandsound – mal kraftvoll, mal filigran, stets songdienlich. Produziert wurde das Album erneut von Udo Rinklin, mit dem Kunze in den letzten Jahren eine kreative Hochphase erreicht hat.

Angebot und Nachfrage“ ist Reise, Rückschau, Kommentar und ein mutiges Bekenntnis zu Sprache, Haltung und Musik. Ein Werk mit Persönlichkeit und Relevanz – nicht nur für Fans, sondern für alle, die in Musik mehr suchen als nur Unterhaltung.

Joviale machen Musik, die sich wie eine Show anfühlt; das Drama liegt in der Spannung zwischen Pop-Impuls und etwas Zerebralem und Sinnlicherem. Die multidisziplinären Künstler aus dem Norden Londons waren als Theaterkind aufgewachsen und machen sich nun ihre prismatische kreative Ausdruckskraft medienübergreifend zunutze, indem sie Komponenten von bildender Kunst, Performance und Musikaufnahmen zu einer einzigartigen Welt zusammenfügen. "Mount Crystal", das von Joviale zusammen mit John Carroll Kirby (Steve Lacey, Frank Ocean, Solange, Kacey Musgraves), Jkarri (PinkPantheress, Nia Archives, Natanya)und Kwaku Konadu produziert wurde, ist ein aufstrebendes, konzeptionelles Album. Die Songs sind elektrisch und gefühlvoll, gespickt mit jazzigen Experimenten, rhythmischem Rock und lebhaftem Sounddesign, alles realisiert mit einer Reihe von Mitwirkenden wie Sam Wilkes, Carter Lang und Will Miller. Im Jahr 2021, nach ihrer EP "Hurricane Belle", die erste Aufmerksamkeit von Pitchfork und Crack Magazine auf sich zog, zogen sie sich still zurück, um zu lernen und sich weiterzuentwickeln. Im Jahr 2025 kommen sie hinter dem Vorhang hervor: ursprünglich als Theaterstück konzipiert, strotzt "Mount Crystal" nur so vor Leben - Gefahr, Humor und dem menschlichen Geist - und beschwört einen metaphysischen Aufstieg, der über das Audioformat hinausgeht. Mit Plänen die Vision als Live-Set und mehr zu manifestieren, stellt Joviale den Kurs vor: "Die Überlieferung von Mount Crystal ist geprägt von der Verkörperung von Sehnsucht, Gefahr und Verzweiflung. Eine gespiegelte Dimension in einer fernen Realität, in der nichts ungesagt bleibt. Diese Kapitel sehnen sich danach, die Illusion des Vergnügens zu zerstören, indem sie den unerbittlichen Schmerz, den ich in meinem Bemühen zu lieben erfahren habe, verleugnen und die süßesten Melodien mit den süßesten Freunden umarmen."

When NYC-based experimental dance punks Guerilla Toss, active since 2011, were in Vermont recording their new full-length album You're Weird Now, frontwoman Kassie Carlson would prepare what she called 'punk lunch': a communal meal made by raiding the studio fridge for whatever was left and assembling a sandwich from the most random ingredients imaginable. Regularly joining punk lunch were two legends from their own corners of the weird music world: Stephen Malkmus (Pavement, The Jicks) and Trey Anastasio, Phish guitarist and owner of The Barn; the recording studio where Guerilla Toss were making You're Weird Now, with Malkmus in the producer's seat. Engineer Bryce Goggin, who has worked with Malkmus since Crooked Rain, Crooked Rain, and Ben Collette, Phish's longtime engineer at The Barn, were also part of the crew. While the idea of the guy from Phish and the guy from Pavement sitting around with Guerilla Toss, congenially assembling sandwiches from random foodstuffs dug up from the depths of a studio fridge, might seem absurd, it also makes total sense. Because really, if there's any band that serves as the natural bridge between slacker punks who saw Pavement way before you did, wild-eyed wooks who've seen Phish more times than you ever will, and even the eccentrics in '90s drip following former GT tourmates Primus-it's Guerilla Toss. A band so imaginative and unapologetically themselves, they're basically the real-life manifestation of a utopian, post-snob world where all musical ideas are worthy of expression and everyone is welcome. You're Weird Now powers this message. Guerilla Toss' fifth album and second for Sub Pop is a hugely creative and joyful statement about the joy of creativity. With You're Weird Now Guerilla Toss reclaim the word "weird" for everyone brave enough to let their freak flag fly and stay true to their artistic vision no matter what-a way riskier act than it's ever given credit for, and one that requires a certain amount of serene self-confidence that it takes time and effort to cultivate and sustain. And they do so with the enthusiastic support of their musical predecessors: a standout moment arrives with "Red Flag to Angry Bull," which builds to a campfire sing-along-worthy outro featuring Malkmus and Carlson duetting over a chatty, classically Phish-y (there's really no better word for it) solo from Anastasio. The band hopes the message of You're Weird Now will resonate not only with music heads but anyone who struggles with feeling weird in a world where it will always be hard to be different. At the end of the day, it's all about the spirit of punk lunch: there's room for everyone because music is for everyone. "Everyone loves and appreciates music," says Carlson. "If you don't like music, you're kind of an asshole." That's not weird-that's just true.

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

On the cover of 8 Tips for Full Catastrophe Living, the new album by Asher White, The Statue of Liberty is in pieces but not destroyed - in progress, being built, not yet complete. Her torch is on the ground, her head somewhere out of frame. Before she was a symbol, she was metal, and living, sweating people riveted her together. The spirit of de/construction characterizes 8 Tips, White's 16th LP overall and first since signing to Joyful Noise. Like White's previous albums, 8 Tips for Full Catastrophe Living darts boldly among varied musical styles. Doom metal splits open into bossa nova; psychedelic rock and power pop flip into industrial techno. Each song emerges from its composite parts in the studio: White doesn't draft or demo before recording, but builds out her pieces sculpturally, sound by sound. "It's forever collage, forever assemblage," she says of her music. "To me, it has more to do with J Dilla, L.A. beat, and musique concrète than pop songwriting." The record's quick turns and vivid contrasts reflect White's cultural voraciousness. A writer, painter, and sculptor as well as a musician, she gathers materials constantly, always digging for new ideas in every possible form. The films of Claire Denis, the novels of Clarice Lispector, and the memoirs of Eve Babitz all funnel into White's reflection of 21st century disaster capitalism. 8 Tips is also White's first album to have been mixed outside her Providence studio; after recording it herself, she brought tracks to Seth Manchester (Lightning Bolt, Battles, The Body) who gave the album its brawny, unruly charge. "I was interested in making something that serves dually as a self-help book and a chronicle of self-destruction," says White. Overlaying autobiography onto character vignettes, 8 Tips for Full Catastrophe Living wrenches open the idea of apocalypse - an abrupt disaster rained down on uncomplicated innocents - and peers inside at its bursting, devastated particulars. Apocalypse is slow and uneven. Nations falter as do individual people, clinging fast to their old, dilapidated self-preservation strategies. What saved you in the past might destroy you in the future. Flip it around, shake yourself loose, ruin the person you've known yourself to be, and you might get the chance to become something else. "There have been so many end times, many other apocalypses." White says. "People were writing self-help tips, and people were partying." We have survived catastrophe before. Out of the ruins, people made work - art, books, culture. "I was interested in making something that sounds like a self-help book, but it's actually about self-destruction," says White. "In full catastrophe living, you just have to do a bunch of whippets. This album is mostly about doing whippets. I'm not even kidding."

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Vom "Klassik-Star der Gen Z" zum Pianisten der Stunde: Louis Philippson "My Way"Nur sieben Monate nach seinem Debüt "Exposition" beleuchtet "My Way" die rasante Entwicklung des jungen Pianisten, Social-Media-Stars und Moderators Louis Philippson vom "Klassik-Star der Gen Z" (Süddeutsche Zeitung) zu einem der Pianisten der Stunde. Vom britischen Sender Classic FM wurde Louis als einziger deutscher Künstler in die "Top 30 artists under 30 in 2025" aufgenommen, während BR-Klassik erklärte: "mit Louis Philippson hat die klassische Musik einen neuen Rockstar gefunden." Auch auf den 12 restlos ausverkauften Konzerten seiner Debüt-Tour im Mai 2025 und bei den Arena Shows der "Night of the Proms" im Winter 2024 begeisterte er tausende Menschen für die Klassik auf seine eigene Weise. Daran knüpft Louis Philippson mit seinem Album "My Way" an. Aufgenommen mit dem MDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Dirigent Ben Palmer, verbindet es neue Originalkompositionen mit neuen Bearbeitungen bekannter Themen aus der Klassik oder Filmmusik für Solo Piano sowie Piano und Orchester. Zu den neuen Werken zählen unter anderem der virale Hit "Beethoven Virus" für Klavier und Orchester, "Show Waltz" für Klavier und Orchester, "Supernova" für Klavier, Sopran und Orchester, sowie mehrere Solostücke für Klavier. Unter den neu interpretierten Klassikern finden sich das mitreißende Medley "Dancing Bee" für Klavier und Orchester, "Cornfield Chase" für Klavier und kleines Ensemble, sowie eine Bearbeitung von Themen aus den Vierjahreszeiten mit dem Titel "Vivaldi Storm". Key Dates: • 6th June: German public broadcaster MDR broadcasting a studio concert featuring the MDR Radio Symphony Orchestra (reach 1 Mio)Pre-oder start and 1. Single "Für Elise"• 23rd July: German public broadcaster ARD "3nach9" talk show (reach 1 Mio)• 11th Sept: German public broadcaster TV gala ARD Deutscher Radiopreis - 2 performances live (reach 1 Mio +)• 12th Sept: German public broadcaster TV gala MDR Goldene Henne - Performance (reach 2 Mio)Album Release • September: pitch for ClassicFM Gala London • 26th Sept. German public broadcaster MDR Riverboat Talkshow (reach 2 Mio)• October - November: Concerts in GSA in venues up to 3,000 cap (e.g. Hamburg CCH / München Prinzregententheater / Düsseldorf Tonhalle etc.)• 6th Dec: German public broadcaster ARD charity show Ein Herz für Kinder (reach 3 Mio)• Dec: concert at Royal Albert Hall London • Spring 2026: Europa-Tour mit Konzerten in Paris, Benelux, Polen, Spanien usw.In the making: documentary about his life similar to Anastasia Kobekina

Released in 1995, Afraid of Sunlight earned a 5-star review from Q-Magazine, was named one of its Recordings of the Year and ranked in Prog Magazine’s 100 Greatest Prog Albums of All Time. Its lyrical focus delves into the darker sides of fame and celebrity, making it one of the band’s most introspective and enduring works.

Released in 1985, Misplaced Childhood includes the hit single ‘Kayleigh’, hit #1 in the UK and stayed in the charts for 41 weeks. As the band’s first concept album, Misplaced Childhood explores themes of lost love, sudden success, acceptance and the fading innocence of youth.

*Long overdue reissue of the first album by The Hanging Stars to coincide with their tour support slot with Edwyn Collins – initial 300 copies come with 12 x 12 print*

“In late-Sixties California, the Byrds and Flying Burrito Brothers combined traditional country music with hippy rock to great success. The influence lingered and whatever cultural relevance it has this is a delightful, transporting listen” – The Times 4/5

London-based psych-folk outfit The Hanging Stars re-release their much-loved debut album Over the Silvery Lake on Crimson Crow. Blending folk pastoralism with swampy 60s Americana, they sound like the missing link between the California desert sun and the grey skies of London Town. The album was recorded between LA, Nashville and Walthamstow, with each of these vastly different places leaving an indelible mark on the songs.

Now signed to the Loose Records label and fronted by London-based songwriter, singer and guitarist Richard Olson (The See See, Eighteenth Day of May), The Hanging Stars are essentially a loose collective of people who weave together a blissed-out psychedelic tapestry. The rest of the core band is made up of Sam Ferman on bass and Paulie Cobra on drums, Horse on pedal steel and Patrick Ralla on banjo, guitar. They jam rather than write and hang out rather than rehearse, harnessing a kind of tipsy euphoria resplendent with luscious arrangements and glorious vocal harmonies.

During 2015, prior to this album’s original release the band released two critically acclaimed singles via The Great Pop Supplement (both of which also appear on the album). “Golden Vanity” was premiered by The Line of Best Fit who said; “you'd be forgiven for thinking you'd just unearthed a rare deep cut from the late 60s/early 70s boom of psychedelia infused Americana” and “The House on The Hill” was described by The Guardian as; "a hazy, desert-dream of a song, nicely sharpened with steely-eyed guitars, Mersey-laced harmonies and just a whiff of the Gun Club”.

There are a number of allusions to nature and the weather on the album, borne in part out of the contrasting surroundings in which it was produced. The band’s fascination with Americana led them to record some of the material Stateside, laying down some of the parts at Battle Tapes Studios in Nashville (Lambchop, Paperhead), as well as at Vision Quest Studios in Los Angeles with Rob Campanella. His work with The Quarter After, The Brian Jonestown Massacre, Beachwood Sparks The Tyde, and GospelbeacH was a perfect match to capture their sound and they even had San Franciscan legend Chrystof Certik step in on lead guitar for a couple of tracks.

Following the LA recordings, a trip to the Californian desert provided the core notion of what they wanted to produce - a shard of light that they clung on to whilst recording the rest of the album in the significantly more rain-soaked atmosphere of Walthamstow, London, under the watchful eye of Brian O'Shaughnessy at Bark Studios (The Clientele, Comet Gain). As the band explained at the time: “Ultimately we hope you can hear both the sand and the rain in this record.”

The Hanging Stars place themselves firmly as part of a long folk tradition encompassing European and North American influences – as a continuation rather than a pastiche of these styles. This is the sound of a band really coming in to their own, fully formed and in no doubt of their vision. With Over the Silvery Lake they succeeded in producing a record, which has the country, blues and folk traditions at its heart.

Die ersten fünf Jahre von Karate, verpackt im klassischen Numero-Stil und kommentiert von Frontmann Geoff Farina. Diese Collage aus DC-Posthardcore, De Stijl und Django Reinhardt umfasst auf fünf LPs ihr selbstbetiteltes Debütalbum, In Place of Real Insight", The Bed Is In The Ocean", 7"-Singles aus dieser Zeit und eine bisher unveröffentlichte Demoaufnahme aus dem Jahr 1993. Insgesamt 41 Geschichten aus dem späten Millennium über nächtliche Radtouren um 2 Uhr morgens, Punk-Hauspartys, Nacktbaden, unglückliche Tattoos und Pendeln auf der Interstate 95, allesamt remastered von den Originalbändern und verpackt in robusten Tip-On-Hüllen für den anspruchsvollen Karate-Fan.

David Bowie 6. I Can’t Give Everything Away (2002 - 2016) is the sixth in a series of box sets spanning Bowie’s career from 1969. The eighteen-piece vinyl box set is named after the closing track on ★ (BLACKSTAR), Bowie’s final studio album. The box sets include newly remastered versions (except ★ and No Plan), with input from David’s co-producer Tony Visconti.

Exclusive to each of the box sets are Montreux Jazz Festival and Re:Call 6. The former was recorded on the 18th of July 2002 at the prestigious Montreux Jazz Festival and among the 31 tracks features a full performance bar one song of one of Bowie’s most revered albums, Low.

Re:Call 6 features 41 non-album / alternative versions / b-sides and soundtrack songs, including tracks never previously available on vinyl.

An accompanying 84 page book features previously unseen notes, drawings and handwritten lyrics from Bowie and photos by Sukita (who took the set’s cover shot), Jimmy King, Frank W. Ockenfels 3, Markus Klinko, Mark ‘Blammo’ Adams and more as well as memorabilia, technical notes about the albums from co-producer Tony Visconti and design notes from Jonathan Barnbrook.

18 LP Box Set:
84-page hardback book
Heathen (Remastered) (1LP)
Montreux Jazz Festival (4LP) (Previously unreleased)*
Reality (Remastered) (1LP)
A Reality Tour (Remastered & Re-sequenced) (3LP)
The Next Day (Remastered) (2LP)
The Next Day Extra (Remastered) (1LP)
★ (Blackstar) (1LP)
No Plan (1LP)
Re:Call 6 (Non-album singles, edits, single versions, b-sides and soundtrack music) (Remastered) (4LP)*

Im Februar 2024 kamen Tav Falco und seine unvergleichliche Band Panther Burns ins Sam Phillips Recording Studio in Memphis, Tennessee, um ihr 14. Studioalbum "Desire On Ice" aufzunehmen. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Falcos Originalkompositionen, die seine gesamte Karriere umspannt und mit ausgewählten Songs verschiedene Phasen der 45-jährigen Karriere von Panther Burns neu beleuchten. Neben der aktuellen Besetzung der Band, darunter Gitarrist/Produzent Mario Monterosso, sind auf dem Album auch ehemalige Mitglieder von Panther Burns und Zeitgenossen wie Jon Spencer, Reverend Horton Heat, Kid Congo Powers, Bobby Gillespie und andere zu hören. Inspiriert von Künstlern, deren Vision und Musikalität gereift sind, gräbt dieses Werk die Unterströmungen einer Psyche aus, die für die Dekonstruktion mythischer Themen wie unerwiderte Liebe, Bruder gegen Bruder, verlorene Fälle und brennende Villen bekannt ist. "Desire On Ice" ist ein momentaner Ausschnitt aus unmittelbaren, schrägen Balladen, die bereits in die Zukunft geschleudert wurden.

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

lim. Colored Vinyl Edition (Oxblood)

Part 2 of our series of official reworks of The Warmer Music catalogue
For this new 12 Inch we are still in the warm Michael Franks land. A full MF compilation will be coming later.
After our first 12 Inch with DoctorSoul Reworks, we now return with more smooth, high class Edits/Reworks by 3 outstanding modern producers of soulful/jazzy dance vibes.
Michale Franks is one of the most prolific musicians of the Californian Westcoast/Jazz/AOR/Yacht scene, the one and only Michael Franks, who approved personally the new version. Over the languorous course of 33 years and 16 albums, Michael Franks has mesmerized an international legion of fans with his one-of-a-kind artistry. Seamlessly weaving lyrics of stunning sensuality, wit, reflection and literary eloquence over music that tastefully utilizes top shelf shadings of jazz, soul, pop, chamber and music from around the globe. His music was covered by countless international stars, like The Carpenters, Shirley Bassey, Rin

Formed in the early 1980s, Primal Scream paid their indie rock dues and experimented with their sound for almost a decade before finding their feet with the era-defining dance/rock hybrid Screamadelica album. It spawned their first hit singles, ‘Loaded’, ‘Come Together’ and ‘Movin’ On Up’, after which they became a chart regulars for over a decade. This carefully curated 17-track collection, first issued in 2019, covers their fascinating journey from 1986 to 2000, taking in their most successful period but also detailing the evolution of their sound before they broke into the mainstream.

Includes 4-page booklet
Featuring "Heartstrokes" and "Bedside Radio"
Quadruple platinum certified album
Limited edition of 666 numbered copies on blue coloured vinyl

Metal Rendez-Vous is the fourth studio album by Swiss hard rock/heavy metal band Krokus, originally released in 1980. It marked the debut of vocalist

Marc Storace and became the band's international breakthrough. The album features energetic, riff-driven songs such as “Heatstrokes,” “Bedside Radio,” and

“Tokyo Nights,” blending classic hard rock with the rising heavy metal sound of the early 80s.

The album was a commercial success, reaching four times platinum certiciation in Switzerland. “Heatstrokes” hit No. 1 on the British Heavy Metal Charts, while “Bedside Radio”

received international airplay, helping the band build a strong following across Europe and North America.

Metal Rendez-Vous is available as a limited edition of 666 numbered copies on blue coloured vinyl and includes an original 4-page booklet with lyrics.

"Irritating Post Punk New Wave Kraut Disco Trash Duo from Switzerland in Glitter Tights and Spandex Wigs with obscure and high potential Dancing Beats and and songs that stick in your brain like chewing gum". It's their fifth' full lenght amd second for VVR! DIE GROSSE KUNST DER REDUKTION: BLIND BUTCHER ist ein abstraktes musikalisches Künstler/Musiker-Duo aus Luzern der Schweiz, welches Glitzer-Leggings trägt und das Gesicht hinter einem Leuchfarben-Spandex Vorhang versteckt. Ihre Ästhetik und Outfits werden angefertigt von Corinne Odermatt, aber vor allem überzeugen sie durch ihre Musik, die einem, wenn mensch sie live erlebt, nicht aus dem Staunen herauskommen und perplex im Raum stehenlässt. Wie zwei obskure Kreaturen von einer anderen Galaxie treiben sie ihren Disco Beats durch den Raum, oder wie hier durch die Rille einer Vinyl-Schallplatte. Aufgenommen wurde diese zweite Produktion für Voodoo Rhythm beim renommierten Swamp Land Studio in Toulouse Frankreich mit Lo Spider (Destination Lonely) und gemastert in Detroit von Bill Skibbe at Third Man Mastering. Das Coverfoto und Artwork entwarf Ralph Kuehne. Classic black Vinyl LP 180g including Booklet and free Download Card

"DAVID BOWIE 6. I CAN’T GIVE EVERYTHING AWAY (2002 – 2016): Das Finale einer Ära
Am 12. September 2025 präsentiert Parlophone Records mit DAVID BOWIE 6. I CAN’T GIVE EVERYTHING AWAY (2002 – 2016) das sechste und finale Boxset, das Bowies Karriere von 2002 bis 2016 beleuchtet. Dieses umfassende Set ist als 13-CD-, Digital- und audiophiles 18-teiliges Vinyl-Boxset erhältlich.
Benannt nach dem bewegenden Schlusstitel von Bowies letztem Studioalbum ★ (BLACKSTAR), enthält die Box neu gemasterte Versionen seiner Alben Heathen, Reality, A Reality Tour, The Next Day und The Next Day Extra, sowie die Originalversionen von ★ (BLACKSTAR) und No Plan. Alle Remasterings entstanden unter Mitwirkung von Bowies langjährigem Co-Produzenten Tony Visconti.
Ein absolutes Highlight ist das bisher unveröffentlichte 31-Track Live-Set vom Montreux Jazz Festival aus dem Jahr 2002, das eine nahezu vollständige Performance von Bowies hochgelobtem Album Low beinhaltet. Dazu kommt Re:Call 6 mit 41 seltenen Non-Album-Tracks, B-Seiten und Soundtrack-Beiträgen, von denen viele erstmals auf CD oder Vinyl erhältlich sind.
Schon jetzt ist die „New Killer Star (Sessions @ AOL Live Version, 23.09.2003)“ als digitale Single verfügbar.
Die physischen Boxsets werden durch ein umfangreiches Begleitbuch ergänzt, das unveröffentlichte Notizen, Zeichnungen und handschriftliche Songtexte von David Bowie sowie seltene Fotos und Memorabilia enthält. Technische Anmerkungen von Tony Visconti und Design-Notizen von Jonathan Barnbrook runden den Inhalt ab. Die CD-Box bietet Mini-Vinyl-Reproduktionen der Originalalben mit goldfarbenen CDs, während die Vinyl-Box auf audiophilem 180g-Vinyl gepresst ist."

Ursprünglich 1985 veröffentlicht, ist „Misplaced Childhood“ das dritte Studioalbum von Marillion – ein Konzeptalbum, das lose auf der Kindheit des Sängers Fish basiert. Mit den Singles „Kayleigh“, „Lavender“ und „Heart of Lothian“ erreichte das Album Platz 1 in Großbritannien und schaffte es in Deutschland, der Schweiz, den Niederlanden und Norwegen in die Top 10. Es wurde seitdem im Vereinigten Königreich und in Deutschland mit Platin und in der Schweiz mit Gold ausgezeichnet.

Mutant, in partnership with Back Lot Music and Focus Features are proud to present the premiere physical release of David Holmes masterful score to Steven Soderbergh's latest thriller BLACK BAG. Ever since their first collaboration on OUT OF SIGHT, and throughout their OCEANS-trilogy, Holmes and Soderberg create an energy and verve with their productions. BLACK BAG is no outlier; percussive and inventive, and vibey throughout, this score is equal parts pulse-pounding and seductive. Playfully underscoring spy-tropes with kitchy 60's intrigue instrumentation and modern electronic sensibilities, Holmes has crafted something truly unique.

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

After delighting fans of all ages with the surprise children's hit "Long Legged Larry," underground hip-hop icon Aesop Rock returns with "Roadwork Rappin'," a joyful ode to construction vehicles and the kids who love them. Inspired by the fascination many children have with bulldozers, front loaders, and cranes, the track delivers clever rhymes and vivid descriptions in classic Aesop fashion_this time with a whimsical twist. Over a minimal beat with a bouncing bass line that evokes the lumbering roll of oversized construction tires, Aesop celebrates the sights and sounds of work zones, bringing dump trucks and backhoes to life with vivid wordplay. The song is part educational, part imaginative world-building, capturing the wonder of watching giant machines reshape our surroundings. What makes it shine is Aesop's funny and wildly specific wit, packaged in a format that's approachable for younger listeners but still rewarding for longtime fans. With "Roadwork Rappin'," Aesop continues to expand his creative universe in unexpected ways, proving once again that his pen knows no bounds. Whether it's blaring from a car seat playlist or sparking nostalgia in adults who once chased garbage trucks down the block, this track is a joyful celebration of curiosity, machinery, and the poetry hiding in plain sight.

Pop-punk veterans Teenage Bottlerocket are primed to release their new LP Ready to Roll, the band's first full length for Pirates Press Records. "This time around, there was no big concept, no pressure. We just wrote songs that felt good to play," explains bassist Miguel Chen. "That freedom brought something fresh. It reminded us why we started doing this in the first place. The vibe is all about reconnecting with the joy of making music together. "The band returned to The Blasting Room in Fort Collins, CO, with Andrew Berlin behind the board & Jason Livermore overseeing the final master. "The Blasting Room is like home for us," says Miguel. "Working with Andrew and Jason is always a smooth ride-they know how to pull the best out of us." Fans got their first taste of what's to come via the lead single "She's the Shit." Ray Carlisle wrote the song for his wife Rachel, who he says "loves to give me a hard time-she rolls her eyes when I rock out in front of the mirror, makes fun of the music I love, and calls me an old man when I bring up movies she's never seen. And I totally love her for it." As for the song, Ray says, "It kicks the door open. It sets the tone for the whole record-fast, catchy, and not taking itself too seriously. Just the way we like it." This back to basics approach carries through the album, making it equally satisfying for longtime fans & newcomers alike. "Whether it's your first TBR album or your tenth," says Miguel. "There's something here for you." It's packed with everything you'd expect from TBR with a few surprises the band think you'll love - including a couple of songs where Miguel steps up to the mic for his first-ever lead vocals! "We're lucky to still be here, making music with our best friends, and connecting with people who get it," sums up Miguel. "Ready to Roll is exactly what it sounds like-we're stoked, and, in a way, we're just getting started."

Pop-punk veterans Teenage Bottlerocket are primed to release their new LP Ready to Roll, the band's first full length for Pirates Press Records. "This time around, there was no big concept, no pressure. We just wrote songs that felt good to play," explains bassist Miguel Chen. "That freedom brought something fresh. It reminded us why we started doing this in the first place. The vibe is all about reconnecting with the joy of making music together. "The band returned to The Blasting Room in Fort Collins, CO, with Andrew Berlin behind the board & Jason Livermore overseeing the final master. "The Blasting Room is like home for us," says Miguel. "Working with Andrew and Jason is always a smooth ride-they know how to pull the best out of us." Fans got their first taste of what's to come via the lead single "She's the Shit." Ray Carlisle wrote the song for his wife Rachel, who he says "loves to give me a hard time-she rolls her eyes when I rock out in front of the mirror, makes fun of the music I love, and calls me an old man when I bring up movies she's never seen. And I totally love her for it." As for the song, Ray says, "It kicks the door open. It sets the tone for the whole record-fast, catchy, and not taking itself too seriously. Just the way we like it." This back to basics approach carries through the album, making it equally satisfying for longtime fans & newcomers alike. "Whether it's your first TBR album or your tenth," says Miguel. "There's something here for you." It's packed with everything you'd expect from TBR with a few surprises the band think you'll love - including a couple of songs where Miguel steps up to the mic for his first-ever lead vocals! "We're lucky to still be here, making music with our best friends, and connecting with people who get it," sums up Miguel. "Ready to Roll is exactly what it sounds like-we're stoked, and, in a way, we're just getting started."

"Half Of It" ist ein Konzeptalbum, von Anfang bis Ende. Traurigkeit, Verlust und Trauer sind die Themen, die Jaimi aufgreift, durchdenkt, vertont und in eindringliche Worte packt. Er agiert dabei im Geiste von Ryan Adams" "Heartbreaker" oder Bon Ivers "For Emma, Forever Ago", Alben, die sich auf ihre Art mit den benannten Themen auseinandersetzen. "Meine Platte "Half Of It" ist genau das - eine Platte, auf der ich eine Bestandsaufnahme meiner Gefühle mache, mich mit ihnen auseinandersetze, sie verarbeite und schließlich über meine Erfahrungen schreibe. Es ist bei weitem das verletzlichste Album, das ich bisher gemacht habe, und dementsprechend war es für mich ein sehr kathartisches Album." ergänzt der Künstler. "Half of it" ist nichts für Zartbesaitete: Es ist ein intensives Hörerlebnis, das den Hörer auf eine sehr persönliche Reise einlädt. Jaimi trägt sein Herz auf der Zunge und gibt einen intimen Einblick in seine persönliche Reise. "Half of it" ist der perfekte Begleiter für jeden, der sich von einem geliebten Menschen verabschieden musste. Wie schon auf den Vorgängern Back Road und Allen Keys & Broken Bits spielt er versiert und eingängig mit Blues, Soul, Rock und Songwriter Versatzstücken. Und doch ist es diesmal anders, denn es ist ein sehr persönliches, reflektierendes Album, mit dem er die letzten Jahre aufarbeitet. Ein Album, das textlich tief in die Seele des Musikers blicken lässt.

Sticking a dirty thumb in the eye of fate, our third collaboration sees this marrow deep family malarky turn official as Pace Yourself teams up with YS’s own imprint ERF REC for a split release. As if our status as minor celebrities and footnotes of the underground could level off no further: the unification no one asked for is here. Sticking it to the man, handing your arse to ya on plate; cauterising infected suburban minds world over.

Burn is the second YS album and written as a direct follow-up album to Brutal Flowers. If their first album was an exercise in the incremental, a construction of poise and patience, Burn, should be taken way the fuck at it’s word: it quite literally finds catharsis in twisted reverse. Birthed out the malignant kick found in deconstruction and chaos. Evil twin, psychotic younger sibling, call it what the hell you like. It might take you a moment to get the lay of the land in this darkly mutated world. Like a bug eye’d native first confronted with a zippo, the hit is radical and instant: a new way for the world to go up in smoke.

Splice the Seattle slacker scene with the spliffhead soundsystem culture of the 90s Bristol trip-hop scene, then cross-breed that with the DIY optimism and glee in creation found in the cut-and-paste worlds of skate, graffiti and hiphop, now run that through the skitzo basement mind of John.T. Gast and you’re close to the kind of scorched earth and spiked suburbia that birthed Burn.

Dunno quite what YS have been ingesting of late but this massively twisted LP touches on a host of gloriously fucked totemic underground sources while not sounding much like any of them. It has the ballsy swagger and hard flipping of the script as Massive Attack’s seminal Blue Lines. Indeed, the eponymous album tracks sound similar - the opener ‘Burn’ is like a hard nosed jammed out redux of ‘Blue Lines’. Getting into a kind of slow-spinning overdubbed maximal euphoria ending with mumbled downer vocals, struggling to conceal their tongues in their cheeks there’s an air of paranoia and proto-conspiracy theory. It’ll leave you scratching your head, feeling like you’ve stepped into a New World Order governed by a cacophony of drop outs, dope fiends and apocalyptic stoners. A cracked out world somewhere between Richard Linklater’s movie Slacker (1990) and Marc Singer’s Dark Days (2001).

The rest of the album parts like a tongue on a wine glass: Smith and Mighty, Bandulu, ambient Luke Slater records, Wah Wah Wino, Nurse with Wound, Land of the Loops, Placid Angels, Adrian Sherwood, Urban Tribe and DJ Shadow can all be heard in momentary splatters - but Burn like other works by YS, is its own ritual beast. ‘Moth’, a track which has been knocking about the underground deejai circuit for many moons, is a real raw chopped and screwed slice of stoner erotica that reeks of obsession and unrequited desire. Elsewhere, on tracks like ‘Switch’, ‘Trying’ and ‘Drift’ the throughline from Brutal Flowers can be heard. Underneath the driving heavy gravity the trademark emotional intimacies of YS linger: eternal recurrence, ghosts of static and shortwave, worn memories of the playful and painful sort. The brief moments where flashes of orchestral ambience get out from underneath the swagger are so pure, personal and unguarded that for a moment they leave you completely lonesome. In the album’s closer ‘End’, you can hear the fleeting promise and DIY possibilities of an analogue world and embers of ash that flutter in its wake: where it seemed, for a brief moment, that collective of DJs, engineers, rappers, graffiti artists and skate crews were emerging from the streets, giving the middle fingers to the system, before just as quickly disappearing back to the doldrums of obscurity. ‘End’ is a bittersweet ode to early soundsystem culture, MCs and pirate radio - an out of step time where for a moment the underdogs and weirdos seemed to be kicking on the door of something bigger.

A veritable teenage doof suite dosed with desire, claustrophobia and deviance. Burn is a good old howl at the moon: lonely, raw, and out for blood; basement style exegesis at its best. A thump to the gut, a stud through your blood. A dubbed-to-death classic straight out of the annals of nowhere. A perfect post card from oblivion. A bleak, bold and personally ferocious vision of tomorrow and tomorrow and tomorrow.

This is everything that record collectors skip dates for. Fuck the scene and keep that shit underground. That’s what it is all about. Know what I mean, if you do? You’re in…

Requiescat Record is the new EP by New Brutalism, a minimal rock quartet formed in Knoxville, Tennessee, in 1998. The band comprises vocalist Shane Elliott, guitarist/vocalist Matt Hall, bassist/vocalist David Basford, and drummer Carey Balch. The three-track release - "088," "087" and "089," in keeping with their strict numerical naming convention - was recorded in 2021 by the late, great Steve Albini at Electrical Audio, and mastered by Bob Weston at Chicago Mastering Service in 2025. For the band, "less is more" became a guiding principle - channeled through an unwaveringly raw, direct, and honest approach to sound. Out of partly sound, partly aesthetic, mainly a thirst to build, New Brutalism performs on aluminum instruments built by the band members. They chose the material because itE¼s lighter than steel, more consistent than wood, and easy to machine. Above all, itE¼s precise - and thereby, can produce precise music. In 2021, New Brutalism entered Electrical Audio to record Requiescat Record. Named after a Latin term meaning a prayer for the repose of a dead person, Requiescat Record retroactively became a dedication to AlbiniE¼s memory. The band acknowledges that so much of the aesthetic, interests and sounds they admired are a product of his influence and the circle of artists around him. His death instigated a state of urgency. A desire to act became more pressing, to strike more often, and usher in a new era of productivity. Shattered and kinetic, forgedby time and tragedy, with god-given sonicquality, Requiescat Record may acknowledge the dead, but this music feels ever so alive.

Requiescat Record is the new EP by New Brutalism, a minimal rock quartet formed in Knoxville, Tennessee, in 1998. The band comprises vocalist Shane Elliott, guitarist/vocalist Matt Hall, bassist/vocalist David Basford, and drummer Carey Balch. The three-track release - "088," "087" and "089," in keeping with their strict numerical naming convention - was recorded in 2021 by the late, great Steve Albini at Electrical Audio, and mastered by Bob Weston at Chicago Mastering Service in 2025. For the band, "less is more" became a guiding principle - channeled through an unwaveringly raw, direct, and honest approach to sound. Out of partly sound, partly aesthetic, mainly a thirst to build, New Brutalism performs on aluminum instruments built by the band members. They chose the material because itE¼s lighter than steel, more consistent than wood, and easy to machine. Above all, itE¼s precise - and thereby, can produce precise music. In 2021, New Brutalism entered Electrical Audio to record Requiescat Record. Named after a Latin term meaning a prayer for the repose of a dead person, Requiescat Record retroactively became a dedication to AlbiniE¼s memory. The band acknowledges that so much of the aesthetic, interests and sounds they admired are a product of his influence and the circle of artists around him. His death instigated a state of urgency. A desire to act became more pressing, to strike more often, and usher in a new era of productivity. Shattered and kinetic, forgedby time and tragedy, with god-given sonicquality, Requiescat Record may acknowledge the dead, but this music feels ever so alive.