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Inklusive Shepard Fairey x Dead Pioneers Kollabo-Poster

Femo der ersten Stunde für den Tanzboden - ohne Kompromisse. Kaum ein Jahr lang aktiv und nie über das Delaware Valley hinausgekommen, brachten Eldritch Anisette eine 7"-Single heraus und spielten zwei Dutzend Konzerte, bevor sie aus dem Bandalter herauswuchsen und sechs Momente herzlicher Jugendlichkeit hinterließen, die die Welt neu entdecken kann. 30 Jahre nach ihrem seelenvollen Album ,Complete Fairytales" versammelt die Band ihre fast vergessenen Nick Rotundo Sessions auf einer einzigen LP mit beiliegendem Textblatt, damit man mit den Kids entspannt mitschreien kann.

Post-Hardcore nach Philly-Art. Unzufrieden mit dem metallischen Youth-Crew-Format, verfolgte Frail die wilde, lärmende Wut der Generation X gegen alles und jeden im rasanten Tempo von San Diego. ,No Indus Try" - die erste und einzige Vinyl-Compilation des Quintetts - enthält wichtige Singles für die Labels Yuletide, Bloodlink und Kidney Room sowie seltene Compilation-Tracks aus ihrer Zeit von 1993 bis 1995. Kommt mit 24-seitigen Zine, das die Band in Notizen, Zitaten, Fotos, Flyern und revolutionärer Literatur dokumentiert. Make Your Own Noise.

Seit ihrer Gründung im Jahr 1988 bewegen sich The Telescopes in einer ganz eigenen Umlaufbahn. Vage zwischen Noise, Space Rock, Dream Pop und Psychedelia verortet, hat die Band um Stephen Lawrie ihre Klanggrenzen stets verschoben und sich konsequent jenseits etablierter Strömungen bewegt. Static Charge ist bereits das 19. Studioalbum der Gruppe und zugleich die achte Veröffentlichung bei Tapete Records - ein weiteres eindrucksvolles Kapitel ihrer rastlosen, genreübergreifenden Geschichte. Nach einer dreimonatigen Tour durch Großbritannien und Europa kehren The Telescopes mit einem kompakten, fokussierten Werk zurück. Sieben Songs, überwiegend live eingespielt, entfalten eine rohe, elektrisierte Energie: primitive Beats, Außenseiterklänge und tief vibrierende Frequenzen verbinden sich zu einem widerständigen Sound, der bewusst gegen die Absurditäten der Gegenwart arbeitet. Aufgenommen und produziert innerhalb von zwei Monaten im hauseigenen Butterfly House Studio in Shropshire, präsentiert sich Static Charge reduziert, direkt und kompromisslos. In der aktuellen Viererbesetzung bündeln The Telescopes ihre Kräfte zu einem Album, das zugleich wuchtig, hypnotisch und erstaunlich konzentriert wirkt - Musik, die nicht gefallen will, sondern nachhallt.

Seit ihrer Gründung im Jahr 1988 bewegen sich The Telescopes in einer ganz eigenen Umlaufbahn. Vage zwischen Noise, Space Rock, Dream Pop und Psychedelia verortet, hat die Band um Stephen Lawrie ihre Klanggrenzen stets verschoben und sich konsequent jenseits etablierter Strömungen bewegt. Static Charge ist bereits das 19. Studioalbum der Gruppe und zugleich die achte Veröffentlichung bei Tapete Records - ein weiteres eindrucksvolles Kapitel ihrer rastlosen, genreübergreifenden Geschichte. Nach einer dreimonatigen Tour durch Großbritannien und Europa kehren The Telescopes mit einem kompakten, fokussierten Werk zurück. Sieben Songs, überwiegend live eingespielt, entfalten eine rohe, elektrisierte Energie: primitive Beats, Außenseiterklänge und tief vibrierende Frequenzen verbinden sich zu einem widerständigen Sound, der bewusst gegen die Absurditäten der Gegenwart arbeitet. Aufgenommen und produziert innerhalb von zwei Monaten im hauseigenen Butterfly House Studio in Shropshire, präsentiert sich Static Charge reduziert, direkt und kompromisslos. In der aktuellen Viererbesetzung bündeln The Telescopes ihre Kräfte zu einem Album, das zugleich wuchtig, hypnotisch und erstaunlich konzentriert wirkt - Musik, die nicht gefallen will, sondern nachhallt.

On October 16, 2025, Synapson took over the Olympia for a sold-out anniversary concert, celebrating 15 years of their career. A symbolic night in an iconic venue, in front of a crowd that came to relive the tracks that shaped their journey.

Today, the duo unveils “15 ans à l’Olympia”, a live album recorded during this unique show, a vibrant testament to their stage energy and the evolution of their project.

,Shade Zero" ist das Debütalbum der Flötistin und Komponistin Taiga Ultan, das sich mit dem Verhältnis zwischen Freiheit und Regeln beim Musizieren auseinandersetzt. Anstatt Strukturen abzulehnen, schuf Ultan strenge, selbst auferlegte Systeme und missbrauchte und zerlegte diese dann bewusst. Das Werk basiert auf der Idee, dass Regeln niemals vollständig verschwinden; selbst in freien Spielformen entstehen sie oft stillschweigend und werden durch Gewohnheit gefestigt. Indem er Regeln explizit machte und gegen sie arbeitete, versuchte Ultan, über vertraute Klangwelten und überlieferte Annahmen über Freiheit hinauszugehen. Das Album entfaltet sich in drei miteinander verbundenen Sätzen, beginnend mit virtuosem, tonalem Flötenspiel, das in der klassischen Disziplin verwurzelt ist, sich zu erweiterten Flötentechniken ausdehnt und mit Poesie und persönlicher Reflexion endet. Aufgenommen, abgemischt und produziert von Randall Dunn, präsentiert ,Shade Zero" ein voll ausgearbeitetes künstlerisches Statement einer aufstrebenden Künstlerin mit umfassender klassischer Ausbildung, die heute im ländlichen Maine lebt und arbeitet und damit eine entscheidende Wende hin zu einer selbstdefinierten, prozessorientierten musikalischen Praxis markiert.

Chad R. Matheny veröffentlicht seit 1998 exzentrische, textlich dichte Underground-Popmusik, oft unter dem Namen Emperor X. Nach seinem Studium der Physik, Philosophie und Musikkomposition legte Matheny eine Pause von der akademischen Arbeit ein und verbrachte einen Großteil der letzten zwei Jahrzehnte damit, die Welt mit Bussen und Hochgeschwindigkeitszügen zu durchqueren, um an Orten Musik zu machen, die von einem kleinen, aber vollbesetzten Konzertsaal in Portugal über eine leere Messehalle im Norden des Libanon bis hin zu buchstäblich unterirdischen Metal-Bars in der ganzen Ukraine reichten. Er tourt oft allein mit Gitarre und Synthesizer, teilt sich aber manchmal die Bühne mit Weggefährten wie Ratboys, The Hotelier, The World is a Beautiful Place and I Am No Longer Afraid to Die, Foxing, AJJ, The Front Bottoms und Xiu Xiu. Er produzierte das neue Brian-Sella-Album ,Well I Mean", war Co-Produzent des Sub-Pop-Albums ,Bits" der Jangle-Punk-Legenden Oxford Collapse zusammen mit Eric Topalski von Don Caballero und Storm & Stress und komponierte Videoundermusik für gemeinnützige Organisationen wie Planned Parenthood und SEIU. In den Jahren 2011 und 2012 wurde Mathenys Ambient-Werk ,Keeling Curve" in einer Multimedia-Installation des Fotografen Joel Sternfeld verwendet, die im Rahmen einer Retrospektive im Museum Folkwang zu sehen war.

Zuerst das Wichtigste: Ja, Your Day Will Come an, das zweite Album von Chanel Beads trägt denselben Namen wie sein Debüt aus dem Jahr 2024. Aber es handelt sich um ein völlig neues Werk, nicht um einen zweiten Teil oder eine Neuauflage. Der Titel des neuen Albums ist derselbe wie der des Vorgängers - eine perfekte Zusammenfassung der Zweideutigkeit von Chanel Beads: zu gleichen Teilen ein augenzwinkernder Scherz und eine zutiefst ernste Aussage. Während sich die Songs entwickelten, entdeckte Lavers, dass der Satz eine tiefere Nuance hatte und eine Spannung zwischen Gewissheit und Zweifel hervorrief, die seine Psyche beschäftigte. Wird dein Tag kommen? Wie wird er sein? Wie kannst du dir sicher sein? Während er das Album schrieb, hatten Lavers' Gedanken mehr Raum, um in seinem Kopf herumzuschwirren und sich zu verdrehen, und er fühlte sich oft abgestumpft von einer Welt, die sich absurd grausam anfühlen kann. Die zweite Inkarnation von Your Day Will Come dokumentiert eine klangliche Verschiebung und Weiterentwicklung des Chanel-Beads-Sounds. Dieses Mal ist alles stärker geschichtet, mit mehr eigenständigen Parts und Mitwirkenden. Es entstand in seinem kleinen, spärlich eingerichteten Studio in Brooklyn, wo die Lautsprecher so nah an seinem Gesicht standen, dass er bei jedem Schlag der Bassdrum die Luftwelle spüren konnte. Geiger Zachary Paul tritt präsenter in Erscheinung, während Lavers weiterhin mit der semiotischen Bedeutung von Plug-ins spielt. Auch die ätherische Stimme von Maya McGrory ist erneut auf dem Album zu hören; sie schrieb zudem am majestätischen ,Silver Cup" mit. Die 14 Songs sind ausgearbeiteter und strukturierter - Ergebnis eines kollaborativeren Ansatzes, der Spontaneität und Unvollkommenheit bewusst zulässt. Er folgt der Devise "Wenn es funktioniert, lass es so", nimmt einfach mit dem Mikrofon auf, das gerade zur Hand ist, und baut den Song auf dieser Aufnahme auf. Aus lockeren Treffen ergaben sich Beiträge von Freund*innen wie Tchad Cousins (Urika's Bedroom), Mari Maurice (More Eaze), Anastasia Coope und Bella Litsa. "Dust in the Wind" entstand gemeinsam mit Isaac Eiger von Strange Ranger und Threshold und markiert die erste Co-Autorenschaft außerhalb des Kerntrios aus Lavers, McGrory und Paul. Lavers' fragmentierte Texte sind voller offener Fragen. Er war besonders von der Koexistenz von Nihilismus und Liebe eingenommen und sagte: "Es fühlt sich an, als müsste das eine das andere auslöschen, aber das tut es nicht." Emotionale Sublimierung steht im Mittelpunkt von Chanel Beads, als könne man etwas so fest umklammern, dass es transzendent wird. Your Day Will Come nutzt Traumlogik, um sich mit Liminalität und prekären Erinnerungen auseinanderzusetzen. Es ist geprägt von den Schatten bestimmter Verluste, aber auch davon, wie man sich selbst heimsuchen kann, indem man in alte Gewohnheiten zurückfällt.

Zuerst das Wichtigste: Ja, Your Day Will Come an, das zweite Album von Chanel Beads trägt denselben Namen wie sein Debüt aus dem Jahr 2024. Aber es handelt sich um ein völlig neues Werk, nicht um einen zweiten Teil oder eine Neuauflage. Der Titel des neuen Albums ist derselbe wie der des Vorgängers - eine perfekte Zusammenfassung der Zweideutigkeit von Chanel Beads: zu gleichen Teilen ein augenzwinkernder Scherz und eine zutiefst ernste Aussage. Während sich die Songs entwickelten, entdeckte Lavers, dass der Satz eine tiefere Nuance hatte und eine Spannung zwischen Gewissheit und Zweifel hervorrief, die seine Psyche beschäftigte. Wird dein Tag kommen? Wie wird er sein? Wie kannst du dir sicher sein? Während er das Album schrieb, hatten Lavers' Gedanken mehr Raum, um in seinem Kopf herumzuschwirren und sich zu verdrehen, und er fühlte sich oft abgestumpft von einer Welt, die sich absurd grausam anfühlen kann. Die zweite Inkarnation von Your Day Will Come dokumentiert eine klangliche Verschiebung und Weiterentwicklung des Chanel-Beads-Sounds. Dieses Mal ist alles stärker geschichtet, mit mehr eigenständigen Parts und Mitwirkenden. Es entstand in seinem kleinen, spärlich eingerichteten Studio in Brooklyn, wo die Lautsprecher so nah an seinem Gesicht standen, dass er bei jedem Schlag der Bassdrum die Luftwelle spüren konnte. Geiger Zachary Paul tritt präsenter in Erscheinung, während Lavers weiterhin mit der semiotischen Bedeutung von Plug-ins spielt. Auch die ätherische Stimme von Maya McGrory ist erneut auf dem Album zu hören; sie schrieb zudem am majestätischen ,Silver Cup" mit. Die 14 Songs sind ausgearbeiteter und strukturierter - Ergebnis eines kollaborativeren Ansatzes, der Spontaneität und Unvollkommenheit bewusst zulässt. Er folgt der Devise "Wenn es funktioniert, lass es so", nimmt einfach mit dem Mikrofon auf, das gerade zur Hand ist, und baut den Song auf dieser Aufnahme auf. Aus lockeren Treffen ergaben sich Beiträge von Freund*innen wie Tchad Cousins (Urika's Bedroom), Mari Maurice (More Eaze), Anastasia Coope und Bella Litsa. "Dust in the Wind" entstand gemeinsam mit Isaac Eiger von Strange Ranger und Threshold und markiert die erste Co-Autorenschaft außerhalb des Kerntrios aus Lavers, McGrory und Paul. Lavers' fragmentierte Texte sind voller offener Fragen. Er war besonders von der Koexistenz von Nihilismus und Liebe eingenommen und sagte: "Es fühlt sich an, als müsste das eine das andere auslöschen, aber das tut es nicht." Emotionale Sublimierung steht im Mittelpunkt von Chanel Beads, als könne man etwas so fest umklammern, dass es transzendent wird. Your Day Will Come nutzt Traumlogik, um sich mit Liminalität und prekären Erinnerungen auseinanderzusetzen. Es ist geprägt von den Schatten bestimmter Verluste, aber auch davon, wie man sich selbst heimsuchen kann, indem man in alte Gewohnheiten zurückfällt.

Missoula ist das Instrumental-Rock-Projekt des Schlagzeugers Brooks Wackerman (Avenged Sevenfold, Bad Religion) und des Gitarristen John Konesky (Tenacious D). Ihr Debütalbum ,Death Doula" verbindet metal-lastige Präzision mit melodischen, aufwendig arrangierten Gitarrenläufen und dynamischem, technisch versiertem Schlagzeugspiel. Das Duo liefert straff komponierte, energiegeladene Instrumentalstücke, die sowohl komplex als auch unmittelbar wirken.

Mit Tether veröffentlicht die preisgekrönte Saxophonistin, Improvisatorin und Komponistin Alden Hellmuth ihr neues Album - der kraftvolle Nachfolger zu Good Intentions, das als Debut Album of the Year International beim Deutschen Jazzpreis ausgezeichnet wurde. Hellmuth, Absolventin des renommierten Herbie Hancock Institute, verbindet hier kompositorische Präzision mit einem markanten, modernen Bandsound. Das Herzstück von Tether ist ein seltenes Zwei-Bass-Quartett, getragen von zwei der radikalsten Musiker der LA-Szene: Logan Kane, ein genreübergreifender Bassist zwischen Jazz, Avantgarde und Punk-Funk, und Miller Wrenn, einer der furchtlosesten Improvisatoren der Westküste. An den Drums sorgt Justin Brown für energetische Dynamik - ein herausragender Musiker, der u. a. mit Ambrose Akinmusire, Christian McBride und Vijay Iyer gearbeitet hat. Besondere Gäste wie Paul Cornish, Finalist großer internationaler Klavierwettbewerbe und auf Blue Note veröffentlicht, sowie Yakiv Tsvietinskyi, eine prägende Stimme des modernen ukrainischen Jazz, erweitern den Klang zusätzlich. Tether ist ein energiegeladenes, modernes Jazzalbum, das Avantgarde-Mut, kompositorische Tiefe und unmittelbare Spielfreude vereint. Hellmuths Quartett erschafft eine kraftvolle, eigenständige Klangwelt zwischen Modern Jazz, zeitgenössischer Improvisation und experimentellen Low-End-Texturen.

Gadea’s original soundtrack to In the Beginning, the new animated short film by director Ala Nunu, unfolds across three surreal, yet surprisingly real, stories about people and the world around them: a lunar probe’s tardigrade cargo, 16th-century myths surrounding birds of paradise, and Hong Kong’s pandemic-driven hamster cull. The film is a tonally absurd documentary-fiction essay on anthropocentrism and the human need to control narratives.

This is Gadea’s first musical accompaniment for animation. Collaborating with Marina Herlop on vocals, Gadea’s sonic palette sits somewhere between field-recording minimalism, chamber electro-acoustics, and the more fragile end of speculative composition.

Disco Segreta proudly presents the reissue of one of the most elusive and sought-after gems of underground italo disco, Govindo’s “Ou Ka Vini Com Moin”.

Originally released in 1983 on the obscure “Gala” label and quickly withdrawn from the market, this hypnotic, space-tinged cosmic italo disco bomb remained virtually unknown outside a small circle of hard core italo disco collectors — until now.

Wriitten by Mario Baldoni aka Miro and recorded during a journey across the French Antilles, the track was laid down in Fort-de-France, Martinique, capturing a unique cultural and musical intersection. Its title comes from a typical Martinican Creole expression—”U Ka Vini Co Muè”—meaning “C’mon, come with me.”

The track’s lush arrangement, crafted by Gregorio “Greg” Puccio, is a quintessential snapshot of analog italo disco at its finest: Roland Juno 60, JX-3P, Korg PolySix / Poly800, and LinnDrum LM-1 create a dreamlike, deeply atmospheric soundscape.

For the first time, this edition presents the original 12” full-length versions (vocal/instrumental), alongside the shorter 7” vocal version, remastered directly from the actual analog master tapes, plus two new remixes: the Marcello Giordani Hypnomix – a future electro synth classic from one of Italy’s finest producers and the Miro’s Fort de France Sunset – a balearic downbeat contemporary reinterpretation by the original artist 42 years after.

Mark Jenkin, der BAFTA-preisgekrönte Regisseur, Editor, Drehbuchautor, Kameramann und Musiker, präsentiert auf Invada Records den Score zu seinem neuen Film Rose of Nevada. Das Album erscheint auf einfarbig gelbem Vinyl und enthält ein beidseitig bedrucktes 12"-Inlay. Jenkin nimmt unter britischen Spielfilmregisseuren eine Sonderstellung ein - nicht zuletzt durch seine analoge Arbeitsweise: Alle drei seiner Spielfilme wurden auf 16mm mit einer mechanischen Bolex-Kamera gedreht. Neben seinen vielfältigen Rollen als Autor, Regisseur, Kameramann und Editor zeichnet er erneut auch für das Sounddesign und die Komposition der Originalmusik verantwortlich. Der neue Score spiegelt die im Film angewandten Techniken wider: Analoge Synthesizer ziehen die Hörerinnen und Hörer in nebelhafte, hypnotische Klanglandschaften und feine, subtile Bewegungen hinein. Komponiert, produziert, aufgenommen und eingespielt von Mark Jenkin - unter Verwendung von Synthesizern, Gitarre, Percussion sowie Loops und Effekten - erinnern die Field Recordings an den Kontext, in dem die Musik ursprünglich entstanden ist. Während der Score zwischen ruhigen, ambienten Klangmeeren und aufbrausenden Stürmen oszilliert, behauptet er zugleich seine Wirkung als kraftvolles, eigenständiges Werk. Die physische Veröffentlichung des Scores folgt auf Jenkins dritten Spielfilm: Rose of Nevada, ein Zeitreise-Film, startet am 24. April in den Kinos in Großbritannien und Irland, gefolgt von einer Veröffentlichung auf BFI Blu-ray sowie auf dem BFI Player im Sommer.

,Future Development" ist das dritte Album von Del The Funky Homosapien und war nach seinem Weggang vom Major-Label Elektra sein erstes Solo-Album für sein Independent-Label Hieroglyphics Imperium Recordings. Ursprünglich 1997 auf Kassette veröffentlicht und später 2002 auf CD und Vinyl neu aufgelegt, stützte sich das Album größtenteils auf Dels eigene Produktion sowie Beiträge von Hiero Crew-Mitgliedern A-Plus, Opio und Toure. Der einzige Gastbeitrag auf dem Album stammt von Crew-Mitglied Casual, der Del auf dem energetischen ,Checking Out The Rivalry" begleitet. Klanglich schlägt ,Future Development" eine Brücke zwischen den funklastigen Stilen von Dels Debüt und den dunkleren, futuristischeren Texturen, die er auf ,No Need for Alarm" erkundete. Textlich verfeinert Del sein rasantes Wortspiel mit einer schärferen thematischen Ausrichtung und beschäftigt sich mit dem Leben in Oakland, gesellschaftlichen Beobachtungen und der Hip-Hop-Kultur - alles mit einer Mischung aus Humor, straßenkluger Einsicht und mehrsilbiger Gewandtheit. Letztendlich fängt das Album einen Schnappschuss seiner Entwicklung vom rohen Talent zu einem konzeptionell gereifteren Songwriter ein. Es bleibt ein bedeutendes und unterschätztes Kapitel in Dels Entwicklung, das die frühen Keime der Kreativität und Unabhängigkeit zeigt, die einen Großteil seiner weiteren Karriere prägen sollten.

The Citadel Speaks marks the first recorded statement of ElektrAV as a curatorial imprint.

Rooted in Pamplona’s Citadel —and more specifically within the Arms Hall— this release brings together Alberta Balsam, Boris Divider, Bendiak, Komatssu and µ-Ziq, artists whose practices have resonated within the festival’s ecosystem through a shared sensitivity to space, experimentation and sound as cultural expression. Their contributions are not conceived as documentation of an event, but as part of an ongoing cultural dialogue.

The Citadel is not presented here as a venue, but as an active entity: a space that absorbs, transforms and emits sound. Each contribution responds to that condition, forming a collective statement shaped by place, time and intention.

This first volume initiates a living archive.
What follows is not a catalogue of releases, but a body of work.

Colored Vinyl. The Gaia II Space Corps ist ein Album, das nicht ganz nach Heavy Metal oder Hard Rock klingt, aber eindeutig die Qualitäten dieser Genres aufgreift. Es ist Post-Psychedelic und Pre-Metal und nah an einem echten Classic-Hard-Rock-Album, zumindest so nah die Band Motorpsycho diesem jemals kommen wird. The Gaia II Space Corps ist ein kurzes, knappes, eingängiges und mitreißendes Album, das dort anknüpft, wo die Tracks Stanley und The Comeback vom letzten Album aufgehört haben. Die Instrumentierung besteht größtenteils aus Gitarren, Gitarren und noch mehr Gitarren, doch es gibt auch eine ganze Menge Gesang sowie gelegentlich den einen oder anderen Keyboard-Sound. Vor allem aber ist es Gitarrenmusik, die _ nun ja, rockt! Und zwar heftig!!

A Profound Non-Event, the debut album by Sydney-based three piece Daily Toll, comprises 11 songs traversing three years of forged friendships, collaborative experimentation and a shared love of growing through words and song.

Those attuned to the ever-vibrant Australian underground may already be well familiar with Daily Toll, their consistent live presence since their inception in 2021 embroidered by a handful of (mostly) home-recorded, (mostly) digital self-releases that have steadily accumulated an appreciative following. Initially the project of self taught musician, poet & artist Kata Szász-Komlós(they/them) and Jasper Craig-Adams(he/him), and expended to a three piece with the more recent addition of friend Tom Stephens(he/him), Daily Toll represents the union of three unique creative dispositions, of relationships blooming through the push and pull of creative practice. Mapping the band’s existence through their recorded output is to bear witness to the flux of three people learning to respond to one another and gently ossify into a collective vision that at once calls to mind folk song intimacy, post-punk dynamics and the artful poeticism of an adjacent Flying Nun legacy.

If those earlier recordings reflect a band imagining themselves into being in real time, A Profound Non-Event observes a clear shift in both conviction and approach. Recorded in just three days with Alex Bennett at the purely analogue Sound Recordings studio in Castlemaine and holing up at night in the century old cottage situated beside the studio, sheltering from the late-June wind and rain within walls littered with instruments and microphones, lighting fires to stay warm. Kata describes the experience as defined by “candle light and creative camaraderie”, an idyllic account of a collection of songs that glide with an undeniably warm, easy charm, evidenced in particular in the record’s second half as the tone turns increasingly introspective, the very sound of a cold evening’s drift into night. When contrasted with the moody swirl and sing-song bounce of the opening trio of tracks, there’s clear evidence of a band not simply in the process of becoming, but committed to finding their truth in that process.
Still, if Daily Toll display a reluctance to be wholly defined, then album centerpiece ‘Killincs‘ (positioned in the middle for a reason) might just be their Rosetta Stone. A verbose rumination on unsettled feelings of isolation and longing, exploring the challenges in making peace with one's decisions amidst the uncertainty of an often harsh world and the realisation that some things remain best unresolved - “I have the keys still, but I’ve buried the path”.