quête:kos

Following a successful first volume of the newly launched DC4 compilation this summer, Volume 2 arrives featuring four on-point singles from the label’s extended family of artists, alongside a string of label debutants. Heerhorst & PETER PAHN return to the fold following their contribution to ‘Dark Clouds’ with Teenage Mutants, a former Beatport no.1 and highlight of 2023 for the label. Continuing the celestial themes ‘Crystal Sky’ feels like part 2 to ‘Dark Sky’, a lively electro-tinted record driven by dreamy melody lines and chanting vocals that has plenty of peak-time energy. Italian behemoth’s Mind Against debut on Drumcode in collaboration with Tharat, ‘Cloud’ is one of the most interesting releases we’ve heard on the label in recent times, marked by a head-spinning flurry of stuttering, distorted sounds, all the while maintaining a rolling,

intoxicating groove. Rising German artist Kos:mo mints his first release on DC with ‘Samsara', a fierce acid techno cut that takes on a life of its own in the second stanza, equally fit for a film soundtrack as a dancefloor, such is its dramatic arc. OZBEK & Zafer Atabey are mainstays of the Turkish techno and tech house scene, ‘My Culture’ is drenched in attitude, a slick slice of punchy dancefloor grit, with a foot in house, techno and electro, driven by a rapped vocal line.

The Bug Club sind mit einem neuen Album zurück. Seit ihrem letzten Album sind ganze sieben Monate vergangen. Wo waren sie denn? Every Single Muscle, das fünfte Album der Band, ist das dritte, das von Sub Pop, dem angesehenen Label des walisischen Duos aus Seattle, veröffentlicht wird. Seit Very Human Features, das im Juni 2025 rauskam, sind die Lieblinge von BBC 6 Music und KEXP auf ihrer Nonstop-Tour quer über den Atlantik geflitzt, wie sie es früher auf der Severn Bridge gemacht haben. Verschiedene Festivalauftritte im Sommer haben sie davon abgehalten, Urlaub zu machen - wer braucht schon Urlaub, wenn man in Wales lebt? - bis es Zeit war, wieder ins Songwriting-Studio zu gehen. Das ist wahrscheinlich immer noch ein Schlafzimmer in Caldicott, das von einem Windhund namens Ted frequentiert wird (aufgepasst - er taucht in einem der Songs auf). Die Songwriter Sam (Gitarre, Gesang) und Tilly (Bass, Gesang) sind immer bescheiden und behaupten sogar, dass sie während des Songs ,It's Our Manager David" nur ,herumsassen und nichts taten". Das ist eindeutig eine Lüge. Every Single Muscle startet mit ,Miss Wales 2012" voll durch und bezieht sich dabei auf einen Wettbewerb, den sowohl Tilly als auch Sam tatsächlich gewonnen haben. Es ist der erste von vielen Tracks auf dem Album, die weniger als zwei Minuten lang sind, und gibt den Ton für das bisher punkigste Album von The Bug Club an, das sowohl an die kurzen, knackigen Snaps ihrer allerersten Singles als auch an das Grunzen ihrer jüngsten Veröffentlichungen erinnert. Das Album ist so vollgepackt mit Riffs und eingängigen Hooks, dass Sam tatsächlich um Erlaubnis bittet, im zweiten Track ,A Good Day For Dying" ein Solo einbauen zu dürfen. Er bekommt zwei Sekunden Zeit. Glücklicherweise fragt Sam später noch einmal und bekommt mehr Zeit. Auf achtzehn Songs gibt's genug klassisches Gitarrenspiel von Sam und Tilly, um selbst die lautstärksten Bug Club-Fans zufrieden zu stellen und die Behauptung der Band, sie seien ,nur technisch versiert auf ihren Instrumenten", klar zu widerlegen. Dieses Album ist ein Beispiel für effizienten Maximalismus - so wie wenn dein Vater das Auto für den Urlaub vollpackt. Bring mit, was du willst; der Platz ist knapp, aber sie kriegen es irgendwie rein. Zu den Texten: Während ,Very Human Features" hervorragend alltägliche Dinge aufzeigte und ihre Absurdität hervorhob, schauen The Bug Club auf ,Every Single Muscle" genauer auf sich selbst. Allerdings nicht so sehr auf introspektive Weise, sondern eher so, wie ein Außerirdischer ein gefangenes Exemplar auf einer intergalaktischen Trage untersuchen würde. Horrorfilme haben ihr ,Body"-Subgenre, jetzt bekommen auch Garage-Rock-Alben ihres. In einem völlig neuen Sinne des Wortes selbstbezogen, wird die menschliche Form und Verfassung im Laufe des Albums aus jedem Blickwinkel beleuchtet und untersucht. Wir spüren eine surreale Distanz zum Selbst, die den allgegenwärtigen, von Langeweile geprägten Humor hervorbringt; im letzten Song verkündet Sam, dass er ,es satt hat, ein Mensch zu sein". The Bug Club scheinen dem Konzept, ein Mensch zu sein, fast misstrauisch gegenüberzustehen - als wären sie in einem Kostüm aufgewacht, das sie nicht anziehen wollten und nicht ausziehen können. Ist drei die magische Zahl? Wahrscheinlich nicht. Aber Every Single Muscle - das dritte Sub-Pop-Album von The Bug Club - kommt dieser Vorstellung nahe genug, um den durchschnittlichen seltsamen Menschen davon zu überzeugen, dass es so sein könnte.

SML is the quintet of bassist Anna Butterss, synthesist Jeremiah Chiu, saxophonist Josh Johnson, percussionist Booker Stardrum, and guitarist Gregory Uhlmann. Their second album, How You Been, finds the supergroup of prolific composer/producers pushing ever further into the hyperrealist, collectivist approach to music creation nascently explored on their debut Small Medium Large, which was lauded as "awe-inspiring" by Glide, "exuberant" by the Los Angeles Times, and "an exciting milestone" by Pitchfork. As SML has evolved and spread out in space-time, their fluencies, both as an improvising unit in performance and as a production team in the studio, have sharpened. At inception the band inspired disparate but distinctive artist comparisons like Essential Logic, Oval, Herbie Hancock"s Sextant, and electric Miles Davis, as well as assorted genre touchpoints like Afrobeat, kosmiche, proto-techno and new-jazz. With How You Been their work manages to both collapse and explode such derivatives, displaying a new, high resolution version of SML, fully-flowered into a new strain of sound, bound to incite its own copycats in due time.

Nach den jazzigen Library-Klängen der 2023 erschienenen gemeinsamen LP ,Dolphin" mit Greg Foat und Moses Boyd kehrt der venezianische Maestro Gigi Masin zu dem Ambient-Sound zurück, für den er bekannt ist - mit ,Movement", seinem ersten Solo- Album seit ,Calypso" aus dem Jahr 2020 und seinem Debüt bei Sacred Bones Records. Angetrieben von kreativer Neuerfindung und rhythmischer Bewegung bewegt er sich nahtlos zwischen melancholischen MIDI-Klängen, technoider Robotik, groovigen, liminalen Wolkenlandschaften und meeres tiefem Ambient. Seit seinen frühen Anfängen in der Anonymität baute sein Debütalbum ,Wind" aus dem Jahr 1986 langsam eine organische Anhängerschaft im Late-Night-Radio auf, die später noch verstärkt wurde, als ,Clouds" von Künstlern wie Björk, Post Malone und anderen gesampelt wurde. Zu seinen Fans zählen heute Oneohtrix Point Never, Devendra Banhart, Caroline Polachek und der verstorbene Kenny Wheeler. Das neue Album ,Movement" reflektiert Masins Stellung im Pantheon der Ambient-Meister, seine anhaltenden künstlerischen Ambitionen und seine Bestrebungen für eine Szene, deren exponentielles Wachstum er seit ihren bescheidenen Anfängen miterlebt hat. Die LP ist zudem eine Ode an die wörtliche Bewegung, sowohl in der Natur als auch in den körperlichen Ausdrucksformen des Menschen gegenüber dem Klang. Masin strebte danach, Ambient-Musik für Bewegung zu schaffen, nicht im üblichen Sinne von Tanzmusik, sondern ,dynamische Musik, mit einem schlagenden Herzen voller Liebe". Indem er die Assoziation von Ambient mit einsamen Hörerlebnissen und kühler Akademik auflöste, wandte sich Gigi nach außen und kanalisierte etwas Somatisches, das sich mit dem Körper verbindet, nicht nur mit dem Geist. ,Bed on Mars" gibt den titelgebenden Ton für Masins neu entfachte Neugier an, mit kosmischen Atmosphären, die das Gefühl hervorrufen, auf einem neuen Planeten ohne Furcht zu erwachen, während die ergreifende synthetische Trompete und der schwebende liminale Schwebezustand von ,Lost" sich anfühlen, als würde man in einem unbekannten Meer treiben. Noch tiefer in die exzentrischen Beats taucht der himmlische Techno-Funk von ,Deception Dance" ein, der klingt, als würden Sun Electric mit Carl Craig und Kraftwerk jammen. Das strahlende Licht von ,Golden" strahlt Wärme aus und klingt wie der Bossa-Nova-Bruder von Göttschings Balearic- Klassiker E2 E4. Trotz des Todes seiner Frau nach langer Krankheit und des Verlusts seines musikalischen Archivs durch eine Überschwemmung bleibt Gigi im Herzen rein und positiv und legt seine ganze Seele in das Streben nach Schönheit. Als jüngstes Werk einer langsam beginnenden, aber stetig wachsenden Karriere festigt Masin mit ,Movement" weiterhin seinen Platz unter den wahren Ambient-Größen.

Nach den jazzigen Library-Klängen der 2023 erschienenen gemeinsamen LP ,Dolphin" mit Greg Foat und Moses Boyd kehrt der venezianische Maestro Gigi Masin zu dem Ambient-Sound zurück, für den er bekannt ist - mit ,Movement", seinem ersten Solo- Album seit ,Calypso" aus dem Jahr 2020 und seinem Debüt bei Sacred Bones Records. Angetrieben von kreativer Neuerfindung und rhythmischer Bewegung bewegt er sich nahtlos zwischen melancholischen MIDI-Klängen, technoider Robotik, groovigen, liminalen Wolkenlandschaften und meeres tiefem Ambient. Seit seinen frühen Anfängen in der Anonymität baute sein Debütalbum ,Wind" aus dem Jahr 1986 langsam eine organische Anhängerschaft im Late-Night-Radio auf, die später noch verstärkt wurde, als ,Clouds" von Künstlern wie Björk, Post Malone und anderen gesampelt wurde. Zu seinen Fans zählen heute Oneohtrix Point Never, Devendra Banhart, Caroline Polachek und der verstorbene Kenny Wheeler. Das neue Album ,Movement" reflektiert Masins Stellung im Pantheon der Ambient-Meister, seine anhaltenden künstlerischen Ambitionen und seine Bestrebungen für eine Szene, deren exponentielles Wachstum er seit ihren bescheidenen Anfängen miterlebt hat. Die LP ist zudem eine Ode an die wörtliche Bewegung, sowohl in der Natur als auch in den körperlichen Ausdrucksformen des Menschen gegenüber dem Klang. Masin strebte danach, Ambient-Musik für Bewegung zu schaffen, nicht im üblichen Sinne von Tanzmusik, sondern ,dynamische Musik, mit einem schlagenden Herzen voller Liebe". Indem er die Assoziation von Ambient mit einsamen Hörerlebnissen und kühler Akademik auflöste, wandte sich Gigi nach außen und kanalisierte etwas Somatisches, das sich mit dem Körper verbindet, nicht nur mit dem Geist. ,Bed on Mars" gibt den titelgebenden Ton für Masins neu entfachte Neugier an, mit kosmischen Atmosphären, die das Gefühl hervorrufen, auf einem neuen Planeten ohne Furcht zu erwachen, während die ergreifende synthetische Trompete und der schwebende liminale Schwebezustand von ,Lost" sich anfühlen, als würde man in einem unbekannten Meer treiben. Noch tiefer in die exzentrischen Beats taucht der himmlische Techno-Funk von ,Deception Dance" ein, der klingt, als würden Sun Electric mit Carl Craig und Kraftwerk jammen. Das strahlende Licht von ,Golden" strahlt Wärme aus und klingt wie der Bossa-Nova-Bruder von Göttschings Balearic- Klassiker E2 E4. Trotz des Todes seiner Frau nach langer Krankheit und des Verlusts seines musikalischen Archivs durch eine Überschwemmung bleibt Gigi im Herzen rein und positiv und legt seine ganze Seele in das Streben nach Schönheit. Als jüngstes Werk einer langsam beginnenden, aber stetig wachsenden Karriere festigt Masin mit ,Movement" weiterhin seinen Platz unter den wahren Ambient-Größen.

Eingeklemmt zwischen dem Canyon und der Karibik gingen Cathy Hamers zwei privat gepresste LPs in den Hippie-Nachwehen der Me-Decade unter. Aufgenommen 1979 und 1980 bei Threshold Recordings, dem bekannten Bluegrass-Poerhouse aus Roanoke, Virginia, zeigen diese 11 Originalsongs die ganze Bandbreite des kosmischen amerikanischen Regenbogens - von Folk über Country bis hin zu Yacht Rock. Die remasterte LP kommt in einer Tip-On-Hülle mit einem Begleitheft mit Notizen und den wenigen wertvollen Fotos, die aus Hamers kurzer Zeit als Lady des Canyons überlebt haben, voller Träume und ohne Ziel.

Eingeklemmt zwischen dem Canyon und der Karibik gingen Cathy Hamers zwei privat gepresste LPs in den Hippie-Nachwehen der Me-Decade unter. Aufgenommen 1979 und 1980 bei Threshold Recordings, dem bekannten Bluegrass-Poerhouse aus Roanoke, Virginia, zeigen diese 11 Originalsongs die ganze Bandbreite des kosmischen amerikanischen Regenbogens von Folk über Country bis hin zu Yacht Rock. Die remasterte LP kommt in einer Tip-On-Hülle mit einem Begleitheft mit Notizen und den wenigen wertvollen Fotos, die aus Hamers kurzer Zeit als Lady des Canyons überlebt haben, voller Träume und ohne Ziel.

After a series of successful outings alongside sidekicks Ofofo and Zongamin, studio wizard MYTRON turns in his debut solo full-length for Multi Culti World Records. With contributions on Invisible Inc, Calypso, Bongo Joe, Kalahari Oyster Cult, LYO, Codek Records and Earthly Measures, Mytron has carved out a name for himself in a carefully-curated left-field quadrant of the indie-dance galaxy. Tuning his oscillators to myriad sounds — from dub and disco to krautrock — the London-based producer perhaps most notably channels the pristine compositional style of Kraftwerk. While most apparent in the use of vocoder, there’s a consistent efficiency of arrangement that recalls the man-machine in effervescent, idealistic fashion. Mytron manages to keep it simple, funky and musical — whimsical tunes that bop along with analog grit, wilderness, and wonk. There’s a warmth and wit that shine through every synth line, an understated confidence that speaks of years spent tangled in wires and waveforms, with an inclusive sonic eclecticism that flattens hierarchies between genres, geographies, and generations. Each influence is invited to the table, treated not as pastiche but invited to dine and dance in a space where kosmische dub disco and Afro rhythms can coexist without borders. The sleeve design echoes this philosophy: video-feedback patterns hinting at our modern screens, both portals and filters — coloured, distorted intermediaries through which we perceive the world. In the trippiest sense, the record is both reflection and refraction — a sonic mirror held up to an interconnected, glitchy reality. Tailored equally for DJ use and home-listening head trip, the album is meticulous, mischievous and merry.

BanBanTonTon review:

On Mytron’s debut long-player for Multi Culti groovy 21st Century leftfield house gear collides with Daniele Baldelli and Beppe Loda’s hugely influential `80s afro / cosmic. The 9 tracks are chunky, chugging and full of funky, funny noises. Old school B-lines mixing with eccentric electronics. Spinning, spiralling sounds.

Sugar is an electro-pop, vocoder confection, cut from the same sonic cloth as cult classics like Codek’s Tam Tam. Created from tough trap drums, splashing effects and a mutant Giorgio Moroder bass arpeggio. The title track, Propellor, pits Kraftwerk-esque hardware harmonised vocals against a bongo loop and a whistling hook. Playground has simian shrieks surround tumbling tom-toms. Highway Maintenance adds kosmische synths to a dance of woodblocks and buzzing bottom end. Keep On Dubbing is an organ-led, clip clopping percussive canter.

Tracks such as Speaker Can Talk, shot through with disco lasers blasts and recalling Curt Cress’ Dschung Tek, also lift the tempo up, but the bulk of the music here is a mid-tempo, techno drum circle. Squelchy sequences gurgling in and out of programmed percussion. On Quasar, spiky acid edges in and slowly takes over.

Key references that come to mind are Baldelli’s own turn-of-the-2000s Cosmic Sound Project productions, and Wolf Müller’s scene shaking sides on Themes For Great Cites, from around a decade later.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Das zeitreisende Duo Angine de Poitrine aus dem kanadischen Quebec, inspiriert von den größten Rockstars der Welt, ist fasziniert von Hotdogs, Pyramiden und der schieren Grandiosität der Rockmusik. Mit treibenden Drum-Grooves und kunstvoll geschichteten mikrotonalen Gitarren erzeugen Klek und Khn de Poitrine hypnotische Klang- und Bildwelten im psychedelischen Math-Rock-Kosmos. Ihre Live-Session bei KEXP hat bereits Millionen von Aufrufen erzielt – Tendenz steigend. Im Februar 2026 zählt die neue Single "Fabienk" zu den 50 meistgesuchten Songs weltweit auf Shazam. Hinzu kommen in wenigen Minuten ausverkaufte Konzerte, Auftritte auf internationalen Festivals und zehntausende Vinylpressungen, um die Nachfrage zu decken… All das ist vor allem für uns Menschen wichtig. Angine de Poitrine hingegen spielen einfach nur gerne Rock’n’Roll.

Das zeitreisende Duo Angine de Poitrine aus dem kanadischen Quebec, inspiriert von den größten Rockstars der Welt, ist fasziniert von Hotdogs, Pyramiden und der schieren Grandiosität der Rockmusik. Mit treibenden Drum-Grooves und kunstvoll geschichteten mikrotonalen Gitarren erzeugen Klek und Khn de Poitrine hypnotische Klang- und Bildwelten im psychedelischen Math-Rock-Kosmos. Ihre Live-Session bei KEXP hat bereits Millionen von Aufrufen erzielt – Tendenz steigend. Im Februar 2026 zählt die neue Single und Album-Opener "Fabienk" zu den 50 meistgesuchten Songs weltweit auf Shazam. Hinzu kommen in wenigen Minuten ausverkaufte Konzerte, Auftritte auf internationalen Festivals und zehntausende Vinylpressungen, um die Nachfrage zu decken… All das ist vor allem für uns Menschen wichtig. Angine de Poitrine hingegen spielen einfach nur gerne Rock’n’Roll.

Following on from his globe trotting album Noches Sephardies, Coco Bryce keeps it hella international on this here 3 tracker, reworking a Greek rebetiko song about a love that wasn't meant to be, a klezmer party jam and some 80s German synth wizardry respectively.

To celebrate the launch of the 4th and last DLC of Atomic Heart, Kid Katana Records teamed up with Mundfish to bring you this high quality album for the first time on an exclusive double vinyl.

With over 10 million players since its release, and a nomination at the 14th Hollywood Music in Media Awards, Atomic Heart has kept on bringing new content in the game, enriching the players’ experience with new Stories, Threats and Music to pursue the fight for freedom and progress.

The physical edition is a premium 2LP designed in close relationship with the game's creative team: Track selection handpicked by Atomic Heart team, including tracks from Mick Gordon, GeoffPlaysGuitar and Boogrov, and 1 new track (DLC #4 trailer exclusive) 2-colored vinyls with unique red and black “corona” effect: handmade vinyl effect melting red and black colors to shape a unique vinyl color on each product, mirroring the cover art.

Exclusive cover art with mat finishing and glossy effect on the Twin and motorcycle

Kasablanca deliver their long awaited debut album ‘Higher Resolution’. Hitting milestone after milestone over the past five years, Kasablanca has quickly risen through the ranks of dance music must-see acts. Launching into the scene with their first singles in 2020 they struck gold early on with their hit collaboration ‘Run’ alongside Lane 8. With over 40M streams on the track since, the duo hasn’t looked back since. Hailing from Toronto, Canada the band has been explosive over the years since their first ‘Human Learning EP’ in 2020. Most widely known for their enthralling live performances, Kasablanca has played some of the world’s most well-known venues and festivals, like Printworks, Coachella, Red Rocks, Carnival in Brazil and The Gorge to name just a few. Their songs have also been heard worldwide across radio airwaves including features on BBC Radio 1 and Sirius XM (which brought in their #1 hit with ‘Run’) as well as thousands of spins from stations across North and South America, Europe and Asia.

For the first EP on his new label, Planet Strangelove, Job Jobse brings new life to an overlooked balearic house gem: "Pasion," an early '90s deep cut by the Leeds artist Pianoman, inspired by Tangerine Dream's "Love On A Real Train,” aka the most breathtaking synth arp of all time. Alex Kassian, whose sprawling take on Manuel Göttschings's "E2-E4" already showed his fine touch for the kosmische vibe Tangerine Dream embodied, delivers a "Dance Mix" and a "Dream Mix," one packing a club-ready beat, the other drifting weightlessly. London duo The Trip, of the label and party Tesselate, deliver a remix as breezy as it is thumping, all wailing divas, sunkissed pads and shimmering pianos. As for Pianoman's "Analysis" remix, it's a dazzling artifact of the balearic era at its peak, touched by the ineffable essence of its time but sounding just as fresh as its modern reinterpretations.

From the heart of Tamanrasset in South Algeria, Imarhan transcend Tuareg tradition, weaving hypnotic synths into desert blues. The result is a timeless work—deeply respectful of their roots, yet alive with a stirring sense of modernity.

ESSAM is the band’s fourth album, recorded with the same core lineup, but marks a significant shift in their sound and approach. Musically, it marks a departure from the rocky, bluesy, psychedelic Tuareg guitar-driven sound influenced by Tinariwen’s heritage — moving toward something more open, modern, and exploratory.
For the first time, their long-time sound engineer Maxime Kosinetz stepped in as producer. He travelled to Tamanrasset with Emile Papandreou (of the French duo UTO), a multi-instrumentalist who introduced electronic elements by sampling live instruments and reprocessing them in real time with a modular synthesizer — subtly reshaping the band's sonic identity.
The album was recorded mostly live, in one big room at Aboogi Studio — the band’s own rehearsal and recording space in Tamanrasset. The studio, a converted concert hall, has become a kind of cultural hub for the local youth. Friends dropped by during the sessions to contribute handclaps, vocals, and just be part of the energy. It’s a space where people gather, hang out, play dominoes, smoke chicha — a rare communal spot in a city that doesn’t offer many for young people, somewhat like a youth and community center.
This context — the creative shift, the live recording process, the atmosphere around Aboogi — might be interesting threads to explore in the conversation.

Seeking out the inspirational intersection between free improvisation, rave and ancient mysticism, Plants Heal deliver an album of kaleidoscopic, organic beatdowns to Quindi.
Plants Heal is a collaborative project between Dan Nicholls on synths, Dave De Rose on drums and Lou Zon (aka Louise Boer) on visuals. The roots of the project are entwined with Dan and Lou's London-based event Free Movements, which began in 2018 to explore how instrumental music could merge with live electronics and DJ sets. Dave and Dan found themselves playing together frequently at the event and as part of Dave's free improv project Agile Experiments, with their accomplished track records as multi-instrumentalists reaching across many layers of music culture. The particular synergy of their partnership taps into the subliminal, surreal and transcendental soundscapes, but they're reliably anchored by instinctive rhythms and driven by a natural flow-state.
From the tentative steps of their first collaborations, Dan and Dave coalesced Plants Heal as a more pronounced project with Lou's live visuals, culminating in a first self-released album in 2021 and since organically fed and watered through continued performances across adventurous festivals and intimate club spaces. Every incremental step along the path of the project yielded new surprises and the deepening sense of a unique, powerful energy. The trio opted to pour this energy into two days of studio sessions at Sonic Playground Studios in Athens, maintaining their unplanned approach and letting the music and visuals unfold in the moment. The end result is Forest Dwellers, a sincere document of truly free music that uses the rhythmic structure of dance and trance music as a springboard into heightened consciousness.
Throughout the album you can hear hints of the familiar - dub techno shimmers, trip hop boom-bap, kosmische momentum, snarling bass modulation, new age ambience and even the odd sizzle of disco. But none of these references are explicit, and they weave in and out of less placeable expressions deeply bedded into Dan and Dave's sonic practices. The end result is a swirling tapestry of unspooling groove, wide open and agile enough to shift gears mid-flow - just as comfortable letting the propulsion melt away as locking into a four-to-the-floor throwdown. From the slippery syncopation of 'Avena Moon' to the angular bait-and-switch of 'Alien Hardware', 'Yarrow's starry-eyed reverie and the rolling, warm-hearted funk of 'Space Ballad', the Plants Heal sound world is expansive and equally enthusiastic for immediate musical motifs as much as wild abstraction.
Lou's visual practice is an intrinsic part of the project. During performances she improvises with analogue footage from her library run through video mixers and synthesisers, focused on medicinal plants such as yarrow, hawthorn, nettle and thistle. All those plants feature in processed form on the cover of the record, which was designed in collaboration with Lou's brother Arthur Boer. Meanwhile, Lou recorded additional footage in Athens during the recording sessions to feed into the continued cycle of the project's live evolution.
Forest Dwellers' meaning honours this cycle and its reflection of the eternal undulations of the natural world. It's also a sincere tribute to the spiritual importance and radical potential of the dancefloor, drawn from the freedom taught by jazz and dedicated to reclaiming lost ideas about community, agency, bodies and the enduring allure of the unknown.

The Tuff Fluff EP from Joe Koshin channels the spirit of classic Tech House while pushing it somewhere new. Bouncy and full of groove, each track brims with fresh ideas and details that give the EP its own unique character. Born from a shared musical connection between Joe and label
head A for Alpha, Tuff Fluff began taking shape a few years back. After patiently waiting, the record now arrives feeling more relevant than ever - vibrant, groovy, and timeless all at once.
Marking the first release on Alpha’s Trip in two years, Tuff Fluff also celebrates the label’s relaunch, complete with a fresh new look crafted by the legendary Pointless Illustrations. It’s the start of an exciting new chapter for the imprint, setting the tone for what’s to come. Rounding out
the release is A for Alpha’s remix, a darker, moodier take built around the unmistakable sound of the Roland SH-101 bassline, whilst lifted with floaty, luscious pads - the perfect counterpoint to Joe’s bright and bouncy originals.