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Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

Off The Record (faitiche 39), the new album by French collagist Roméo Poirier, is an amusing romp through the discarded history of recording studios. It contains fourteen miniatures based on accidental recordings of studio talk, revealing things that were never meant for the public: we hear instructions from studio staff, scraps of talk between musicians, or just microphones being adjusted, as well as false notes, false starts: everyone stops. Start again: 1, 2, 3, 4!

Poirier’s approach recalls Accumulation, an artform practiced by Arman, Jean Tinguely and Daniel Spoerri that involved piling up everyday items into assemblages. The objects themselves often remained unaltered, the artistic gesture consisting in the careful curating of a distinctive selection. Poirier’s audio collages explore similar terrain. The fourteen pieces on Off the Record combine more than a thousand found sounds from studio archives into complex miniatures. The audio content of these outtakes is twisted, stretched, cut, reassembled, slowed down and accelerated. Voices cut into a microgroove, from a very old recording, intertwine with digital voices gleaned from YouTube. All of them in dialogue, engaging the listener with the impression of being part of a new music group.

Poirier uses the mundane routine of setting up before the actual recording gets underway to tell a universal story about working in a recording studio. And he manages something few achieve, transforming specialist knowledge into a narrative whose beauty goes far beyond its immediate subject. It speaks to everyone, because the story is told in a musical language that is open and accessible, evoking magical images reminiscent of Oz – a world consisting less of events than of camp hallucinations, captured in grainy black-and-white photographs. En passant, Poirier shows us how the notion of material accumulation can produce great art.

Written and produced by Roméo Poirier, mastered by Stephan Mathieu, photos by Roméo Poirier, graphic design by Tim Tetzner.

Tauche ein in die magische Klangwelt von Olafur Arnalds: Found Songs kehrt zurück - erstmals als transparente Vinyl-Edition! Ursprünglich 2009 auf schwarzem Vinyl veröffentlicht und lange vergriffen, erscheint dieses intime Meisterwerk nun in einer streng limitierten Neuauflage. Die sieben Stücke entstanden in einem außergewöhnlichen Projekt: ein Song pro Tag, sieben Tage lang - direkt geteilt mit der Welt. Zwischen zarten Klaviermotiven, subtilen Elektronik-Elementen und kammermusikalischer Tiefe entfaltet sich ein eindrucksvolles Porträt eines jungen Komponisten, der die Grenzen zwischen Klassik, Pop und Ambient neu definiert. Found Songs ist ein poetisches Zeitdokument - roh, ehrlich und voller Gefühl. Ein Muss für alle, die Musik als Kunstform erleben. Step into the delicate sound world of Olafur Arnalds: Found Songs returns - for the first time ever on clear vinyl! Originally released in 2009 on black vinyl and long sold out, this intimate masterpiece is now reissued in a strictly limited edition. Born from a unique project - one song per day for seven days, shared instantly with the world - these seven pieces blend fragile piano, subtle electronics, and chamber textures into a deeply personal portrait of a young composer redefining the boundaries between classical, pop, and ambient. Found Songs is a poetic time capsule - raw, honest, and profoundly moving. A must-have for those who experience music as art.

Fabio Nobile is a drummer and multi-instrumentalist who has been active on the music scene for over 25 years. Today, his musical
exploration draws from the deep roots of Afro traditions and the expressive freedom of jazz—two musical cultures that are an integral
part of his identity.
Sankofa Soul is a musical project born from the encounter between jazz, African traditions, and the search for a profound connection
between past and present. The term “Sankofa” comes from the Akan language (spoken in Ghana) and means “to go back and fetch what
is good” —an invitation to look to the past to better understand the future.
In an era where music is evolving at a rapid pace, Sankofa Soul looks to a rich and multifaceted cultural heritage, while also embracing a
modern voice—a universal call to reconnect with our European origins through the lens of African legacy.
Each track on Sankofa Soul reflects Fabio Nobile’s experiences, studies, and roots, forming a dialogue between past and present, the
sacred and the profane, individuality and community.
Sankofa Soul is a heartfelt tribute to West Africa, with a special focus on Nigeria.
Zuma Rock leads us into the rich and ever-changing soundscape of West Africa—a space where tradition meets innovation, and rhythm
tells stories older than words. Here, the legacy of Fela Kuti’s Afrobeat pulses through every beat, anchoring the music in political fire and
deep ancestral roots. At the same time, the unmistakable horn section weaves a vibrant fusion of Afro-Funk and Jazz. In Zuma Rock, we
enter a dialogue between past and present—a musical return to the source.
And then appears Kalakuta Republic, a heartfelt homage to the self-declared commune that was home to the legendary Fela Kuti—a
reminder not to forget the rebellious spirit of the Kalakuta Republic. This track gives voice to the very essence of Afro-jazz, wrapped in a
hypnotic 12/8 rhythm that echoes ancient African traditions. Its immersive pulse blends seamlessly with jazz’s boundless expressive
freedom, creating a vibrant, compelling dialogue suspended between ancestral roots and modernity.
Landed in Lagos and I Read the Stars naturally embrace the distinctive sound of Manu Dibango, while Say Your Prayer Now reminds us
how the evolution of Jamaican reggae—and its cultural and musical foundations—remains deeply linked to Mother Africa.
This is Sankofa: the soul’s journey back to the past to move forward.

Nach vier erfolgreichen EPs veröffentlichen LOKI ihr Debut-Album Cyan. Mit facettenreichen Inspirationen von Phoebe Bridgers oder Big Thief über Bon Iver und James Blake bis hin zu 80er Ikonen wie Tears for Fears, lässt LOKI keine Langeweile aufkommen. Cyan ist ein Album, das die Reise selbst feiert. Es geht nicht um Ankommen, sondern um die kleinen Umwege: Die Musik entstand teilweise in den eigenen vier Wänden, mal zu Besuch bei Freunden oder beim Urlaub auf dem Land. Die Band erhielt Unterstützung vom Saxophonisten Malte Ahlborn, während Constantin "Coco" Kopp als Produzent mitgewirkt hat. Das Mastering wurde von Lars Kruse und Robin Schmidt übernommen. Cyan ist eine Ode an die musikalische Vielseitigkeit der achtköpfigen Band und das bisher größte Kapitel einer Reise, die noch lange nicht zu Ende ist.

Frontmann Simon Neil erklärt:
„Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren – wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?“

Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar.

Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst – aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte.

Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort.

Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe – zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz – wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetztist?

Frontmann Simon Neil erklärt:
„Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren – wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?“

Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar.

Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst – aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte.

Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort.

Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe – zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz – wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetztist?

Born from a chance encounter in a Villejuif squat over a decade ago, Ciccio & 2mo have cultivated a singular musical language through spontaneous and genre-defying collaborations — notably around cult French band Cheveu.
The duo brings together two key figures from the fringes of the European underground: Olivier Demeaux (aka 2mo), a pioneer of France’s electronic avant-garde, leading projects like Heimat and Accident du Travail (Teenage Menopause, Bruit Direct), known for his explorations across lo-fi synthwave, spectral post-punk, and drone-infused textures; and Francesco Pastacaldi (Ciccio), a jazz-punk drummer and member of the explosive trio Jean-Louis and the angular groove unit Abacaxi (Carton Records), also a longtime collaborator of the maverick performer Fantazio.
Their debut album 24 96 (The Trilogy Tapes, 2021), born from a series of abrasive studio improvisations, was followed by a sold-out show at London’s Café OTO. That performance, released as Maremoto, captured the duo’s raw, physical energy in its purest form.
Since then, Ciccio & 2mo have brought their visceral live act to stages across Europe — from Sonic Protest in France to the Meakusma Festival in Belgium, where their live set was released as Live at Meakusma Festival 2024.
Now, the duo returns with Bouc & Rouages, a bold and hallucinatory second album commissioned by Hublotone. This new opus introduces three singular voices into the mix: operatic singers Léa Trommenschlager and Bianca Iannuzzi, and genre- blurring rapper Pauline Sampler (aka Frizzy P, known for her work with M. Cole). The result is a soundscape in constant tension — pulsing drum machines, organic percussion, saturated synth layers, and hypnotic, looping riffs.
Equal parts physical and disenchanted, the music of Ciccio & 2mo traces a thrilling, unstable path through noise psychedelia, industrial memory, and experimental pop.
Imagine Cosey Fanni Tutti rubbing up against pop, with Charles Hayward (This Heat) on drums — and you’re getting close.

Am 26.09.2025 erscheint beim feinen Wiener Indie-Label Voller Sound endlich das heiß erwartete Debüt-Album der New-New-Wave-Band Parc de Triomphe - als Vinyl mit grell-pinken Farbtupfern. Eine Reminiszenz an die 1980er- und 1990er-Jahre. Auf dem selbstbetitelten Album setzen sich Jörn Brien und Florian Knabenschuh in gewohnt düsterer Elektro-Pop-Manier mit der eigenen Vergangenheit auseinander. Themen wie Einsamkeit, Verletzlichkeit und die Angst vor Umbrüchen werden aufgehellt von Farb- und Hoffnungsschimmern. Druckvoll, treibend, wütend Musikalisch geht es bass- und beat-lastig zur Sache. In den oft tanzbaren Stücken werden der druckvolle Basslauf und die treibenden Beats von der markanten Stimme und einem ebenso einprägsamen Gitarrensound begleitet. Manchmal schrille, oft wütende, dann wieder ruhige, kühle Synthie-Klänge unterstreichen die Anleihen beim New Wave der 1980er. Passend zu den Texten, die sich nicht zuletzt mit DDR, Wende und den nachfolgenden Baseballschlägerjahren in Ostdeutschland auseinandersetzen. Aber keine Sorge vor zu viel Vergangenheit und Nostalgie. Im Gegenteil: Frei nach dem Bandmotto "Krawall! Elektro! Pop!" schlagen die Musiker mit ihrer melancholisch-düsteren Musik und den aufwühlenden, lyrischen Texten eine Brücke ins Hier und Jetzt. Die erzeugten Emotionen bewegen Jung und Alt. Radio-Airplay, Charts und TV Mit der EP "Harte Zeiten" haben Parc de Triomphe Ende 2023 ein erstes Ausrufezeichen gesetzt. Mit Airplay auf FM4, zahlreichen Konzerten und einem TV-Auftritt sowie Platzierungen in den Austrian Indie-Charts konnte sich die Band in der Wiener Indie-Szene schon einen Namen machen. Der Song "Westradio" lief beim beliebten Berliner Sender radioeins. Auf Spotify kommen die bisher vorab veröffentlichten Singles jeweils auf Tausende Streams. Auf dem Album "Parc de Triomphe" finden sich insgesamt 12 fein produzierte (Alf Peherstorfer) Songs, die eingängig, aber nie langweilig sind, straight, aber auf ihre Art trotzdem schräg. "Geschmackvoll, eingängig und wundervoll" FM4-Moderator Andreas Gstettner-Brugger schrieb zur Single "Harte Zeiten": "Die beiden deutschen Musiker, die sich in einem Wiener Park kennengelernt haben, produzieren hier einen geschmackvollen, eingängigen und wundervollen Song, der mich an Tocotronic, frühe Blumfeld und diverse Krautrockbands erinnert." Fazit: Fans deutschsprachiger Musik, die den New-Wave-Sound der 1980er-Jahre im modernen Gewand feiern und dem Indie-Sound der frühen 1990er-Jahre nicht abgeneigt sind, sollten "Parc de Triomphe" auf ihre Plattenteller legen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Frank Sinatra gilt als erster und ohne Zweifel größter Pop-Star aller Zeiten. Daran, dass er auch eine
Jazzgröße war, erinnert diese Doppel-LP mit zwei großen Kollegen. Sie enthält seine Zusammenarbeit mit
zwei Giganten des Jazz auf den inzwischen legendären Alben “It Might As Well Be Swing“ mit Count Basie
und ”Francis A. & Edward K.“ mit Duke Ellington.
Diese beiden Jazz-Höhepunkte Frank Sinatras Karriere erscheinen hier erstmals zusammen als hochwertige Doppel-LP, neu remastert von den Archivbändern und in einer attraktiven Gatefold-Hülle, die seltene
Fotos und die damalige Grafik der Originalhüllen beinhaltet.
Das erste der beiden Alben, ”It Might As Well Be Swing“, erschien erstmals im August 1964. Sinatra
sang darauf zum zweiten Mal nach dem Hit-Album ”Sinatra-Basie“ (1962) zehn Stücke begleitet von Basie
und seinem Orchester. Es war Sinatras erstes von Quincy Jones, einem weiteren Jazz-Giganten, arrangiertes
Studioalbum. 1968 erschien das Album ”Francis A. & Edward K.“, das Sinatra erstmals mit Duke Ellington
und seiner Big Band zusammenbrachte. Zu Ellingtons Orchester gehörten damals Jazzlegenden wie Johnny
Hodges, Cootie Williams, Cat Anderson und Paul Gonsalves. Billy May, der langjährige Arrangeur von
Sinatra, orchestrierte das Album.

Trailblazing outlet for forward-thinking Danish Jazz, April Records proudly presents the debut from trumpeter/composer Rolf Thofte; a vivid and personal record that blends lyrical melodies, inventive rhythms, and subtle harmonic exploration. Written while Thofte adjusted to fatherhood - the album captures moments of joy, reflection, and experimentation, brought to life by a handpicked quintet of Denmark"s most exciting young jazz talents. Martha"s Dance is set for release on September 19th, 2025 via April Records. The title track is a tribute to Thofte"s three-year-old daughter - a playful, clapping, goat-hoof-stomping tune in quirky 5/4 that channels the spirit of childhood joy and spontaneity. "It"s just a fun tune to play, and I feel like it really captures Martha"s spirit," says Thofte. "This band came together at a time when I was trying to get a foothold in a new life situation as a father, so it felt perfect to make this the title track." The album moves between moods and textures with elegance: from the rich harmonic language of "Vice Versa" - inspired by Wayne Shorter"s ability to cast simple melodies in shifting harmonic light - to the understated power of "Changing Tides," a piece about imperceptible gradual changes in our lives, nature, and politics. "Bendico," written in 15 minutes as a conservatory assignment, showcases Thofte"s gift for strong melodic statements, while "Dunkelflaute" evokes melancholic Nordic greyness through sparse, emotive phrasing. From the swaggering second-line feel of "The Big 5" to the hypnotic pulse of "All...", the album explores rhythm as both a driving force and a canvas for creative interplay. Throughout, Thofte"s trumpet and flugelhorn lead the ensemble with warmth and clarity. The quintet features some of Copenhagen"s top next-generation players: Andreas Toftemark (tenor saxophone), a powerhouse improviser and composer who brings NYC-honed energy and detail to the group dynamic. Rasmus Sorensen (piano), a rising star of the European scene, known for his sensitive, exploratory playing and fearless interaction. Jakob Roland (bass) and Henrik Holst (drums) - two of Thofte"s oldest musical collaborators - round out the rhythm section with deep swing, taste, and musical empathy.

Toko's in-house all-star Si Brad brings forth three fresh jams for the long running UK institution, ensuring record bags are festival fit and nightclub-ready for party season.

Opening with a glitzy, contemporary disco jam, 'Doublestar' provides wide-screen glitterball action with a dazzling instrumental track, busy with key changes and chord progressions that'd make Patrick Adams blush. Sure to have fellow peers like Another Taste and Perpetual Singers checking their wing mirrors, the track is rich with musical decadence - orchestral strings, punchy synth licks and frenetic live bass all shining through this highly dynamic arrangement.

'Compress' moves swiftly into beefy house territory; Si's patented full fat, cushion soft bottom end providing just the low frequency support for a wide array of warehouse-ready bleeps, vocal snips and rave motifs set to cause a whole manner of chaos and confusion come 2AM in the club. A master of functional intricacy, Brad's multi-layered compositions thread together more elements than other producers would care to consider, manifesting almost effortless and involuntary body movement which belies the complexity of the track and is sure to have the dancefloor in a spin.

Concluding with a beautiful piece of Balearic-boogie-beatdown, and with Attaboy muscling in on proceedings; 'Faro Sunset's dreamy and expansive moods cascade over a loose, conga-laden groove glued to the spot with a rugged b-line. Instantly conjuring memories of grilled calamari and poolside play, and sure to garner repeat plays across the familiar party paradises of the Adriatics and beyond; it finds the crew dialling into a deliciously languid vibe that's in contrast to the immediate urgency of the preceding tracks yet retains, assuredly, the sonic trademarks of the producer's hand.

Another unmissable addition to Toko's storied catalogue!

Der norwegische Saxophonist Bendik Giske steht an der Schwelle zu seinem dritten Soloalbum und kennt sich selbst gut. Mit seinem neuen, selbstbetitelten Album befindet er sich in seiner Blütezeit als Künstler: selbstbewusst in Bezug auf seine Stimme und seine Fähigkeiten, beflügelt von Kritikerlob aus allen Ecken - einschließlich zweier norwegischer Grammy-Nominierungen - und einer Welle von Zuhörern überall. Mit der Wahl von Beatrice Dillon als Produzentin des Albums - die britische Elektronikmusikerin ist eindeutig eine Weggefährtin in der Praxis des originellen ästhetischen Ausdrucks - ist ihr Einfluss unmittelbar und deutlich spürbar. Gemeinsam entfernen sie eine Schicht des Melodismus und konzentrieren sich auf Muster und Rhythmus, um eine andere Dimension seines faszinierenden Sounds hervorzuheben. Da er wieder mit Einzelaufnahmen arbeitet, ohne Overdubs, nur mit Saxophon und seinem Körper, sind der hallige Raum und der liebliche Glamour verschwunden. Für Giske kommt das Ergebnis einer musikalischen Nacktheit von ganz vorne gleich - jedes Detail, jedes Röcheln und Schnaufen ist hörbar, nichts wird verdeckt, nichts ästhetisiert. Die Leute schauen vielleicht weg, wenn es nicht so schön ist, aber was übrig bleibt, fühlt sich präsenter und stärker an. Es ist konfrontativ, verlangt mehr Aufmerksamkeit, aber durch seine Körperlichkeit - man kann seinen Körper in der Musik hören und fühlen - versetzt es einen in einen Flow-Zustand, irgendwo zwischen Ekstase, Hochgefühl und spirituellem Erwachen. Es ist sehr menschlich, aber es gibt auch eine starke Spannung - die es immer geben wird, wenn man um Existenz und Gültigkeit kämpft - elegant illustriert durch Florian Hetz' eindrucksvolle Fotografien des Künstlers zu der Veröffentlichung. Zum Teil ist Giske von Judith Halberstams The Queer Art of Failure inspiriert. So sehr er auch von seiner Ausbildung und Teilnahme am Umfeld des Jazz-Konservatoriums profitiert hat, führte ihn sein Weg doch weit über dessen Grenzen hinaus. Die Arbeit an diesen neuen Erkundungen mit seinem Instrument war ein zehnjähriger Prozess, in dem er das, von dem er wusste, dass es letztlich nicht passte, abstreifte und das klangliche Territorium seiner gelebten Erfahrung fand. Daraus entstanden Systeme, die Studien von Tempo und Proportionen ermöglichten, ein Ausgangspunkt für einen immersiven improvisatorischen Ansatz, der jahrelange musikalische Erkundungen abbildet. Es ist der Klang von sozialer Emanzipation durch den meditativen Puls und die Geschwindigkeit der Zirkularatmung und den Tanz des Körpers, insbesondere der Finger, der Zunge und der Lippen. Giske weiß, dass Musik ein mächtiges Werkzeug sein kann, um Menschen zusammenzubringen und Ideen zu finden, und die Langlebigkeit seines Projekts ist vor allem ein Aufruf zu Fürsorge, Zusammengehörigkeit, Geschichtenerzählen und der Fähigkeit, sich für eine gemeinsame Sache zu versammeln. In aller Ernsthaftigkeit ist BendikGiske ein Vorschlag für Wahrhaftigkeit und Existenz, ein Raum für jemanden, der sein tiefstes Selbst ausdrücken kann.

Honour's debut album is a ligament stretching from Lagos to London and to New York, curling across the diaspora and brushing the darker hues of blues, hip-hop, free jazz, ambient, gospel with Christian mythology and Yoruba folklore. As cinematic as it is painterly, Alàáfíà is a meditation on themes of life, death and love that pulls inspiration from the unexpected poetic profundity of casual conversations, field recordings, literature, ephemera, or personal archives. The result is an impressionistic vision in Black and Blur that both exhausts and implicates language_substantiating a mythos proposed by Fred Moten that sublimates boundaries between everywhere and nowhere; history and the present; the individual and the universal. Alàáfíà delineates a gothic landscape cut by overdriven beats, swooping orchestral blasts, choral bursts and ear- splitting fuzz, where the fleshly and spiritual realms commune. Dedicated to Honour's late grandmother, the title track began to take form after their last embrace and remains steeped in her influence and spirit_a tape-saturated composition that starts in Lagos and ends in London's smoke-stained cityscape, the song's dream-like quality developed out of the artist's grief and PTSD coping with this loss. Beneath the stretched guitar drones and stuttering loops, their grandmother's shared faith bubbles to the surface. "When Angels Speak of Love," borrows its title from two works by Sun Ra and bell hooks, respectively. Sculpting echoes of praise music into disorienting spirals perforated with syrupy DJ Screw-inspired breaks and sharp splinters of melancholic guitar, "When Angels Speak of Love" engages a conceptual dialogue with the spirits of both late thinkers, folding them into Honour's pantheon of ancestral guides. The album's ninth track, "Giz Aard ($uckets)," is a dirge of regimented drums which anchor this somber melody as it whirls into a blizzard of heartache, uncertain if its consequence will be death or eternal joy. The album's sole lyrical offering, "Pistol Poem (Lead Belly)," begins with a darkly humorous bar, "He went thru hell and back/ came back/ 2 get the strap," that swells into a haunting allegory based on the life of Philip "Hot Sauce" Champion. A modern take on the Blues, Honour's lyrics reify the artist's status as a student of both literature and popular culture, crossbreeding the artist's clever wordplay with additional references to Richard Pryor, Robert Johnson, Kelly Rowland & Bryon Gysin. Setting core principles of hip-hop, R&B, jazz and gospel music to atemporal soundscapes and compositions, Honour crafts a record that marinates in its own knotty contradictions. The ghosts that sit on the artist's shoulders have never been more tangible than with this emotive debut.

This is Music: The Singles, ist ein Kompilationsalbum der englischen Alternative-Rock-Band The Verve:
Richard Ashcroft (Gesang), Pete Salisbury (Schlagzeug), Simon Jones (Bass) und Nick McCabe (Gitarre).
Ursprünglich wurde das Album im November 2004 veröffentlicht und enthielt zwei Nicht-Singles, die aus
den Aufnahmen zu ihrem dritten Album Urban Hymns stammten: „This Could Be My Moment“ und
„Monte Carlo“.
2024 markiert den 20. Jahrestag der Veröffentlichung eines Albums, das nie auf Vinyl gepresst wurde,
und unter der Leitung der Gruppe ersetzt diese längst überfällige Neuauflage die Bonustracks durch die
kraftvollen Singles aus dem 2008er Reunion-Album Forth - ’Love is Noise’ und ’Rather Be’ - und enthält
auch die zweite Single ’She’s A Superstar’ (1992) in ihrer ursprünglichen, achteinhalbminütigen Form (statt
der fünfminütigen Bearbeitung). Somit repräsentiert das Album nun die komplette Geschichte der Singles
von The Verve.
Benannt nach der sechsten Single der Band, der ersten aus ihrem zweiten Album A Northern Soul, dokumentiert es auf brillante Weise die Kraft der relativ kurzen, aber epochemachenden Reise von The Verve
durch den musikalischen Kosmos.

Annahstasia kündigt ihr Debütalbum „Tether“ an, das am 13. Juni über drink sum wtr erscheint. Gleichzeitig mit der Ankündigung veröffentlicht sie die neue Single „Villain“.

Annahstasia sagt über die neue Single: „Wir alle bestehen sowohl aus Schatten als auch aus Licht. Aus irgendeinem Blickwinkel sind wir alle der Bösewicht der Geschichte gewesen, wir versuchen alle unser Bestes und verhandeln ums Überleben.“ Die Single wird von einem atemberaubenden Musikvideo begleitet, bei dem Adam Davis Regie führte und in dem die schwarze Rodeo-Community in Tulsa, Oklahoma zu sehen ist.

„Meine Karriere war eine Lektion in Geduld“, sagt Annahstasia, die ihre musikalische Sprache zwischen den Flammen der Intimität und Unabhängigkeit über verschiedene Leben, Orte und Wiederholungen hinweg kultiviert hat, verlorene und gewonnene Lieben, Erwartungen, die sich entzogen und neu geschaffen wurden. Die Nähe der aufstrebenden Troubadourin zur Liebe für und von anderen, in der Gesellschaft im Allgemeinen und tief in sich selbst, leitet den Geist ihrer gefühlvollen, poetischen Folk-Songkunst. Die Liebe ist die elementare Konstante neben ihrer unverwechselbaren Stimme, die die Musik der Singer-Songwriterin seit ihren ersten autodidaktischen Aufnahmen prägt, als die damals 17-jährige Annahstasia Enuke entdeckt und in die Zwänge einer Industrie gedrängt wurde, die ihre größten Stärken beinahe erstickt hätte. Künstlerische Widerstandsfähigkeit, Dankbarkeit und Hingabe haben „Tether“ hervorgebracht, Annahstasias Debütalbum, das auf dem kunstorientierten Indie-Label drink sum wtr erscheint. „Tether“ ist eine Sammlung von strahlenden Torch Songs, orchestralen und astralen Hymnen, die sich wie gelebt anfühlen und aus der menschlichen Erfahrung und dem Spektrum der Liebe stammen. Annahstasia hat die Stücke von „Tether“ langsam und mit tiefer Absicht zusammengesetzt; sie hat diese Lieder mit auf Reisen genommen, sie für Freunde und Fremde gesungen und sie im Laufe der Zeit zusammen mit ihren persönlichen Offenbarungen weiterentwickelt. „Der Song ist geschrieben, und dann muss ich mit ihm leben und sehen, ob ich wirklich glaube, was ich sage“, erklärt sie. Sie brachte ihr Material zu den Sessions in den berühmten Valentine Studios in Los Angeles mit und wurde dabei von den Produzenten Jason Lader (ANOHNI and the Johnsons, Frank Ocean, Lana Del Rey), Andrew Lappin (Cassandra Jenkins, L'Rain, Luna Li), Aaron Liao (Liv.e, Moses Sumney, Raveena) und einer Reihe versierter Musiker unterstützt, darunter die Gäste Aja Monet und Obongjayar. Die Aufnahmen erfolgten instinktiv, nur in Live-Takes, um das Gefühl des Raums und die Gemeinschaft der Musik einzufangen. Das Sequencing war ebenso essenziell; sie kam zu einem Fluss mit wechselnden Energien und ergreifenden Bögen. Die Instrumentierung schwillt an, mal zurückhaltend, mal üppig, und durch jedes Arrangement klingt Annahstasias Stimme wahrhaftig, offenherzig und frei. Lyrisch umarmt Annahstasia die Nuancen der Poesie und lädt die Zuhörer ein, sich auf die bedeutungsvollen Worte einzulassen, ob sie nun über Romantik oder soziale Konstrukte sinnieren.



“A once-in-a-generation vocalist writing haunting love songs” – NME



“Annahstasia’s grace and wisdom promises to leave a lasting impression this year and beyond.” – Clash



“Her flawless voice draws you into a world of feeling, whilst her beautiful, naturalistic songwriting spellbinds you into staying.” – Wonderland