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The Smile veröffentlichen ihr mit großer Spannung erwartetes Debütalbum "A Light For Attracting Attention" am 13. Mai 2022 digital auf XL Recordings. Die Vinyl- und CD-Veröffentlichung folgt am 17.06. Die 13 Tracks des Albums wurden von Nigel Godrich produziert sowie gemischt und von Bob Ludwig abschließend gemastert. Die Songs werden von Streichern des London Contemporary Orchestra und einer kompletten Bläsersektion zeitgenössischer britischer Jazzmusiker wie Byron Wallen, Theon und Nathaniel Cross, Chelsea Carmichael, Robert Stillman und Jason Yarde begleitet. Die Band, bestehend aus Thom Yorke und Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons of Kemet, hat bereits die Singles "You Will Never Work in Television Again", "The Smoke" und "Skrting On The Surface" veröffentlicht. "The Smoke" wurde außerdem als Dub-Remix des legendären Reggae-Produzenten Dennis Bovell veröffentlicht. Die letzte Single "Pana-vision" von The Smile wurde bereits am 3. April veröffentlicht und lief im Finale der BBC-Serie "Peaky Blinders". Das animierte Video zu Pana-vision zeigt Artworks des Radiohead-Künstlers Stanley Donwood sowie Thom Yorke. Die brandneue Single "Free In The Knowledge" erscheint heute parallel zur Albumankündigung. Das Video zum Song entstand unter Regie von Leo Leigh. Der Song wurde erstmals im Dezember 2021 von Thom Yorke im Rahmen der "Letters Live"-Veranstaltung in der Londoner Royal Albert Hall aufgeführt - dem ersten Auftritt von Thom Yorke seit Beginn der Pandemie. Bei der Vorstellung des Songs widmete er ihn allen britischen Musikerkollegen. Im Januar spielten The Smile drei aufeinanderfolgende ausverkaufte Liveshows innerhalb von 24 Stunden in London. Diese Shows wurden gleichzeitig per Livestream an ein weltweites Publikum übertragen. Die Band beginnt ihre Europatournee Mitte Mai 2022 und wird am 20.05 in Berlin im Tempodrom spielen.

The Miserable Rich aus Brighton veröffentlichen mit OVERCOME ihr erstes neues Album seit 2011 auf dem eigenen Label Rags To Ruin. Geboren als Beweis tiefer Freundschaft und Liebe, entstand das Werk mit Produzent/Engineer Wolfgang Gottlieb (Lotte Lindenberg Studio) und Gastmusikern wie Alabaster de Plume, Jack Kendon (Love Supreme Jazz Festival) und Mike Siddell (The Leisure Society, Hope Of The States, Mumford & Sons). Die 12 Songs versprühen den Charme der mit Streichern versehenen, handwerklichen Musik der Band, ergänzt mit Klavier, Elektronik und Blechbläser. Ihren eleganten Sound zwischen Indie-Folk, Kammerpop und New Orleans-Soul beschreibt Sänger James de Malplaquet - vielleicht etwas flapig - als 'irgendwo zwischen Kruder & Dorfmeister und Supertramp, wo wir schon immer hingehören'.

Endlich können wir das Debüt Album der spanischen Leichenfresser APPARITION ankündigen. Das Trio aus Zaragoza liefert auf 'Fear The Apparation' 8 klassische, nach Gruft stinkende, mächtige Death Metal Songs mit leichter Thrash Metal Note. Wenn Du Bands magst wie wie Skeletal Remains, Sadistic Intent, Malevolent Creation oder Pestilence, dann wirst Du beim Hören von 'Fear The Apparition' Freudentränen vergiessen.

The very prolific ATD Records Founder, Gustavo Lima, brings 5 techno cuts on Tar Hallow for the first release of 2024. Early support by: Amotik, Answer Code Request, Ben Klock, Charlton, Chontane, Gary Beck, Kessell / Exium, Krenzlin, Kwartz, Leiras, Marco Bailey, Nastia, Perc, Steffi, W.I.R.E. and more.

Brötzmann arbeitete im Laufe seiner Karriere mit vielen Künstlern zusammen und nahm regelmäßig neue Landsleute hinzu. Der norwegische Schlagzeuger Paal Nilssen-Love wurde zu einem seiner engsten Verbündeten, nachdem der Perkussionist dem Chicago Tentet beigetreten war. Sie arbeiteten in verschiedenen Kontexten zusammen, unter anderem in diesem unerschöpflichen, schlagkräftigen Duo. Die meisten Alben, die sie veröffentlicht haben, waren Live-Auftritte, aber 2015 haben sie diese beeindruckende Studioaufnahme gemacht. Peter hatte sich eine Kontra-Alt-Klarinette zugelegt und war vom Klang dieses Instruments sehr begeistert", so Nilssen-Love in den Liner Notes. Ich hatte auch mehrere koreanische Gongs gekauft, die ich noch nicht benutzt hatte." Im August dieses Jahres trafen sie sich zu einer zweitägigen Session in Antwerpen, und von Anfang an unterscheidet sich das Stück von vielen ihrer Arbeiten. Die Musik ist weniger hektisch und aggressiv als wir es gewohnt sind, da die Musiker ihre Erkundung neuer Instrumente mit einem kontemplativeren Ansatz teilten. Natürlich bringen sowohl Brötzmann als auch Nilssen-Love hier und da die übliche Energie auf, aber es ist eine echte Offenbarung, sie in Echtzeit neue Klänge ertasten zu hören, sei es, dass ersterer die rheumatische Nasalität der Kontra-Alt-Klarinette liebkost oder letzterer in der anhaltenden Resonanz seiner neuen Gongs schwelgt. Doch auch wenn sie neue Instrumente ausprobierten, waren ihre Beziehung und ihr Engagement so stark und tief wie immer. Terminüberschneidungen verhinderten, dass sie die Produktion des Albums jemals abschließen konnten, aber sie begannen bereits während der Pandemie mit den Planungen dafür. Leider blieb es Nilssen-Love überlassen, das Projekt zu Hause zu betreuen, aber das Warten hat sich gelohnt. Dieses Duo-Album ist ein wichtiges Statement der beiden Musiker. Aber es gibt noch mehr gute Nachrichten: Ein zweiter Teil mit Musik aus derselben Studiosession wird 2024 auf Vinyl erscheinen, zusammen mit einer CD mit Live-Aufnahmen.

FOR FANS OF: SHADOW OF INTENT, LORNA SHORE, FIT FOR AN AUTOPSY
Enterprise Earth gehört zu den gefeiertsten Death-Metal-Bands der Neuzeit. Düsterer, atmosphärischer, grooviger Death Metal der alten Schule mit
modernen Akzenten. Ihre Musik wechselt mit scheinbar müheloser Leichtigkeit von erderschütternden Breakdowns über langsamen Sludge bis hin zu
hämmernden Hochöfen.Mehr als alles andere haben wir den Tod gemeinsam. Diese universelle Eventualität verbindet uns. In einem evolutionären
Sinne sorgt sie für unsere Gleichheit. Ganz gleich, wer man ist, man wird sterben. Enterprise Earth betrachtet den Tod aus einer ganz anderen
Perspektive. Das US-Quartett - Gabe Mangold (Gitarre, Backing Vocals, Produktion), Brian Zackey (Schlagzeug), Travis Worland (Gesang) und Dakota
Johnson (Bass) - wendet sich dem Tod nicht ab, sondern stellt sich ihm mit ihrem fünften Album Death: An Anthology.

FOR FANS OF: SHADOW OF INTENT, LORNA SHORE, FIT FOR AN AUTOPSY
Enterprise Earth gehört zu den gefeiertsten Death-Metal-Bands der Neuzeit. Düsterer, atmosphärischer, grooviger Death Metal der alten Schule mit
modernen Akzenten. Ihre Musik wechselt mit scheinbar müheloser Leichtigkeit von erderschütternden Breakdowns über langsamen Sludge bis hin zu
hämmernden Hochöfen.Mehr als alles andere haben wir den Tod gemeinsam. Diese universelle Eventualität verbindet uns. In einem evolutionären
Sinne sorgt sie für unsere Gleichheit. Ganz gleich, wer man ist, man wird sterben. Enterprise Earth betrachtet den Tod aus einer ganz anderen
Perspektive. Das US-Quartett - Gabe Mangold (Gitarre, Backing Vocals, Produktion), Brian Zackey (Schlagzeug), Travis Worland (Gesang) und Dakota
Johnson (Bass) - wendet sich dem Tod nicht ab, sondern stellt sich ihm mit ihrem fünften Album Death: An Anthology.

Artillery ist keine Band mit vielen Live-Alben. Tatsächlich haben sie in über vier Jahrzehnten nur ein einziges herausgebracht. Bis jetzt. Wenn es schon
passieren muss, dann sollte es etwas Besonderes sein. Hier kommt "Raw Live (At Copenhell)". Aufgenommen im Jahr 2022, gerade nach der
Pandemie-Sperre, auf einem der größten Metal-Festivals in ihrem Heimatland (und einem der größten Metal-Festivals in Europa!), war das Live-Set
der Dänen tadellos. Leider war es auch einer der letzten Live-Auftritte des Schlagzeugers Josua Madsen, der im Jahr darauf bei einem Autounfall ums
Leben kam. Es markiert auch einen Wendepunkt für die altgedienten Thrasher, die sich kürzlich von Sänger Michael Bastholm Dahl und Gitarrist Kraen
Meier verabschiedet haben und sich auf eine neue Ära freuen. Aber verbeugen wir uns erst einmal vor Josuas Monsterauftritt auf der Copenhell 2022
und hören wir uns an, was Artilleries Gitarrist und Gründer Michael Stützer über die Veröffentlichung zu sagen hat.
"Es war das Jahr 2022, als wir das Angebot bekamen, auf einem der absolut coolsten Metalfestivals der Welt zu spielen: Copenhell. In den Jahren
zuvor war alles von COVID-19 zerstört worden. 2022 war also das Jahr, in dem wir aktiv wurden. Große Festivals kontaktierten uns, das deutsche
Fernsehen und so weiter. Rockhard, Sweden Rock, Brutal Assault und Copenhell. Die Bühne mit Bands wie KISS, Metallica, Iron Maiden, Mercyful
Fate, Judas Priest zu teilen, größer geht es kaum. Wir haben uns hingesetzt und beschlossen, das Konzert mitzuschneiden, es sollte so roh wie möglich
sein, so authentisch wie möglich, und die Hoffnung war, die Tracks als Bonus für zukünftige Veröffentlichungen verwenden zu können. Als wir die
Aufnahme erhielten, dachten wir, dass die Aufnahme als Konzert und nicht als Bonustracks veröffentlicht werden sollte."

1976 hatte Michael Hoenig eine kurze Zusammenarbeit mit Manuel Göttsching von Ash Ra Tempel in Berlin; eine 48-minütige Aufnahme einer der Sessions, die 1995 unter dem Titel "Early Water" auf Bernd Kistenmachers Label Musique Intemporelle veröffentlicht wurde. Das Album wurde gestrichen und war lange Zeit nicht erhältlich. Nun wird es endlich eine Wiederveröffentlichung von "Early Water" geben. Michael Hoenig erinnert sich noch: "Während ich an dem Album "Departure From The Northern Wasteland" arbeitete, hatte mich Manuel Göttsching gefragt, ob ich mit ihm für einige Konzerte in Frankreich zusammenarbeiten würde, da seine Gruppe gerade eine Winterpause eingelegt hatte. Wir probten drei oder vier Wochen bei mir zu Hause. Eines Abends bekamen wir einen Anruf wegen einer fehlenden Garantie, woraufhin wir beschlossen, die Tournee abzusagen. Nur zum Spaß spielten wir ein letztes Mal eines der geplanten Sets. Obwohl ich mich nicht daran erinnern kann, eine Aufnahmetaste gedrückt zu haben, hat jemand kürzlich ein Revox-Band mit eben diesem Set ausgegraben. Nach einer digitalen Klangarchäologie wurde es soeben unter dem sehr passenden Titel "Early Water" veröffentlicht." Und Manuel Göttsching fügt hinzu: "Leider wurden einige Konzerttermine nicht rechtzeitig bestätigt und wir mussten die komplette Tournee erst am Tag vor der Abreise nach Frankreich absagen. Dennoch haben wir an diesem Abend unsere letzte Probe "für alle Fälle" aufgenommen. Es ist ein fließendes, harmonisches Stück geworden, das viel von der optimistischen Stimmung des Jahres 1976 widerspiegelt. In den frühen 1980er Jahren zog Michael nach Los Angeles. Als wir uns im November 1994 wiedertrafen, schlug ich vor, dieses alte Stück von uns zu veröffentlichen. Michael nahm das Originalband mit nach Los Angeles, restaurierte es liebevoll und nun, hier ist es wieder!"

Nach den ersten geheimnisvollen, ohne viele Informationen gestreuten Songs „leichter//kälter“ und „Die
Sonne in deinem Zimmer“ dürfte man Edwin Rosen inzwischen auf dem Schirm haben. Diesen anfangzwanzigjährigen Ausnahmekünstler, dessen Songs sich mit ihren stoisch-sehnsüchtigen Eigenproduktionen, psychedelischen Soundscapes und sonorem Gesang gekonnt zwischen New- und Dark-Wave, Post-Punk
und Synth-Pop bewegt. Dass nicht nur Edwin Rosen selbst diese musikalische Melange als neueneuedeutschewelle,
die mittlerweile eine ganze Generation junger Musiker:innen beeinflusst hat, umschreibt, ist dabei nur konsequent. Seine erste Single „leichter//kälter“ schafft es bis auf Platz 6 der Single-Trendcharts und im
November 2023 spielte er seine ausverkaufte Headline Tour.

Nach den ersten geheimnisvollen, ohne viele Informationen gestreuten Songs „leichter//kälter“ und „Die
Sonne in deinem Zimmer“ dürfte man Edwin Rosen inzwischen auf dem Schirm haben. Diesen anfangzwanzigjährigen Ausnahmekünstler, dessen Songs sich mit ihren stoisch-sehnsüchtigen Eigenproduktionen, psychedelischen Soundscapes und sonorem Gesang gekonnt zwischen New- und Dark-Wave, Post-Punk
und Synth-Pop bewegt. Dass nicht nur Edwin Rosen selbst diese musikalische Melange als neueneuedeutschewelle,
die mittlerweile eine ganze Generation junger Musiker:innen beeinflusst hat, umschreibt, ist dabei nur konsequent. Seine erste Single „leichter//kälter“ schafft es bis auf Platz 6 der Single-Trendcharts und im
November 2023 spielte er seine ausverkaufte Headline Tour.

Platz 2 Powermetal SOUNDCHECK 01/24
Die aus Brisbane stammende Band Caligula's Horse hat sich seit ihrer Gründung im Jahr 2011 zu einer der führenden Progressive-Metal-Bands der Welt entwickelt. Mit Charcoal Grace, ihrem 6. Studioalbum, kehrt die Gruppe mit einer Kombination aus roher Rock-Power und immenser emotionaler Tiefe zurück. Charcoal Grace ist aus der statischen Hoffnungslosigkeit geboren, die die Pandemie der Band und einem Großteil der Welt in den letzten Jahren aufgezwungen hat. Es ist ein Album, das mit den Erfahrungen und Ergebnissen dieser Zeit abrechnet und letztlich auf eine Katharsis abzielt - auf eine hoffnungsvollere Zukunft. Der Titel Charcoal Grace wird von der Band als "die düstere Anziehungskraft und seltsame Schönheit von Stille, Schweigen und Verlust" beschrieben. Das kann man im 10-minütigen Eröffnungstrack "The World Breathes With Me" hören, einem Mission Statement für die Hauptthemen des Albums. Musikalisch ist es ein Werk der Kontraste, das sich von der leichtesten Ebbe bis zum schwersten Fluss bewegt. Der zweite Track und die erste Singleauskopplung des Albums, "Golem", befasst sich mit dem Kampf mit der Last der Erwartung durch die Pandemie. Es ist ein schwerer Song mit Schwerpunkt auf Riffs und treibenden Rhythmen. Im Mittelpunkt des Albums steht die vierteilige Suite des Titeltracks, ein 24-minütiges Werk, das die grundlegenden Themen des Albums vertieft: Verbindung, Entfremdung und die Art und Weise, wie die Menschheit unter Zwang handelt. Musikalisch deckt es alle Facetten des Vokabulars der Band ab, von schwerer und dichter, orchestral begleiteter Intensität, die die dunkelsten lyrischen Ideen der Songs verkörpert, bis hin zu sanften, akustisch geprägten Momenten und Introspektion. Nachdem Caligula's Horse in den letzten Jahren nicht in der Lage waren, ihr letztes Album Rise Radiant der Welt zu präsentieren, sind sie nun bereit, Charcoal Grace auf schonungslose Art und Weise unter die Leute zu bringen. Mit diesem Album hat Caligula's Horse ein Statement abgegeben, und sie sind bereit, dass die Welt zuhört. Charcoal Grace ist erhältlich als Gatefold 180g 2LP

tapetopia 004 The Leipzig band Neu Rot represented a singular phenomenon within the alternative music reservoir of the GDR. As with so many bands that cultivated a more sophisticated sound in the late 80s, Neu Rot’s beginnings had been in punk rock. But, with a remarkable rigour against itself, the band steadily worked its way towards post-rock. This thorough process came to fruition in 1988 with the production of the tape “Halt An”. It had been preceded by the band’s struggle for its very own means and their technical feasibility. Neu Rot’s pilgrimage to its own centre was not unimpeded. The band’s name was perceived by the GDR’s cultural watchdogs as an erratic chain of associations between the suspicious word “Neu” and the ideological signal colour red. The band was legal, but its lyrics were deemed illegal. The edition of “Halt An” was somewhere between over fifty and under one hundred copies. Jörg Stein (voc, g, casio sk-1, yamaha ps-2) Karsten Maaß (bg, voc) Anke Mehlhorn (vl, casio sk-1) Henrik Eiler (dr, voc, casio sk-1) Produced by Mike Stolle & Jörg Stein Lyrics by Jörg Stein, except „Sometimes“ and for „Die Schlange“ by Christoph Wielepp Tape artwork by Daniel Schörnig Tape cover photos by Daniel Schörnig Published by Henryk Gericke Liner notes by Henryk Gericke Remastered by Black Flag Mastering/ Friedemann Kootz © Music by Neu Rot except „Sometimes“ (traditional) recorded Oktober 1988, Leipzig Thanks to: Mike Stolle, Adrian Neumann, Nikolaus Michael, Horst Pfaff, Andreas Berger, Christoph Wielepp, Daniel Schörnig and to the unknown roommate Lachmund Christian Andersen, Michael Barthel, Sarah Baumann, Ralph Gabriel, Ronald Galenza, Jakob Geisler, Ulrike Geisler, Gerd Gericke, Elke Grabinski, Gabriele Herzog, Egmont Hesse, Sabine Jansen, Siegfried Männer, Bettina Matten-Gericke, Christian Morin, Frank Siewert, Philipp Strobel, Christoph Tannert, Stefan Widdess, Margarete Wohlan In memory of Michael Pfaff.

Aufbauend auf dem Fundament ihres Debütalbums "Sunyata", ein Titel, der frei übersetzt Leere oder Nichtigkeit bedeutet, präsentiert VIPASSI auf ihrem zweiten Album "Lightless" ihre außergewöhnliche Kunstfertigkeit, ein Album, das sich mit dem zeitlosen Thema von Licht und Dunkelheit beschäftigt.

Benannt nach dem zweiundzwanzigsten Buddha, charakterisiert VIPASSI treffend die Aura der absoluten Hellsichtigkeit der Band. Diese Qualität spiegelt sich in ihrer erstaunlichen technischen Musikalität wider, die sie als instrumentale Superstars auszeichnet. Lightless" ist ein Zeugnis ihrer Entwicklung und zeigt einen Grad an Reife, der im Bereich des instrumentalen Progressive Metal beeindruckend ist.

Was VIPASSI wirklich auszeichnet, ist ihre Fähigkeit, eine fesselnde musikalische Erzählung zu schaffen, die über Worte hinausgeht. Jedes Instrument in ihrem Arsenal ist nicht nur ein Werkzeug, um Töne zu erzeugen, sondern vielmehr ein fein abgestimmtes Instrument in der Sinfonie der Emotionen, die sie schaffen. Der Zuhörer wird in ein klangliches Universum eingeladen, in dem er zum Autor seiner eigenen Geschichte wird.

Die Töne des Fretless-Basses umspülen das Publikum wie sanfte Wellen, beruhigend und einhüllend. Die eklektischen Gitarrensätze, die mit einer Präzision ausgeführt werden, die an das Jenseitige grenzt, schaffen eine dynamische und sich ständig weiterentwickelnde Klanglandschaft. Diese Elemente werden durch das donnernde und komplizierte Schlagzeugspiel wunderbar ergänzt, das der Musik eine dynamische und kraftvolle Unterströmung verleiht.

VIPASSI's "Lightless" ist mehr als nur ein Album; es ist eine Reise, eine Erkundung von Emotionen und eine Einladung, tief in die Gefilde von Licht und Dunkelheit einzutauchen. Es ist ein Beweis für das außergewöhnliche Können der Band und ihre Fähigkeit, eine Leinwand zu schaffen, auf der der Hörer seine eigene lebendige und persönliche Geschichte malen kann. In der Welt des instrumentalen technischen Metals ist VIPASSI ein unübertroffenes Leuchtfeuer der Kreativität und musikalischen Meisterschaft.

Aufbauend auf dem Fundament ihres Debütalbums "Sunyata", ein Titel, der frei übersetzt Leere oder Nichtigkeit bedeutet, präsentiert VIPASSI auf ihrem zweiten Album "Lightless" ihre außergewöhnliche Kunstfertigkeit, ein Album, das sich mit dem zeitlosen Thema von Licht und Dunkelheit beschäftigt.

Benannt nach dem zweiundzwanzigsten Buddha, charakterisiert VIPASSI treffend die Aura der absoluten Hellsichtigkeit der Band. Diese Qualität spiegelt sich in ihrer erstaunlichen technischen Musikalität wider, die sie als instrumentale Superstars auszeichnet. Lightless" ist ein Zeugnis ihrer Entwicklung und zeigt einen Grad an Reife, der im Bereich des instrumentalen Progressive Metal beeindruckend ist.

Was VIPASSI wirklich auszeichnet, ist ihre Fähigkeit, eine fesselnde musikalische Erzählung zu schaffen, die über Worte hinausgeht. Jedes Instrument in ihrem Arsenal ist nicht nur ein Werkzeug, um Töne zu erzeugen, sondern vielmehr ein fein abgestimmtes Instrument in der Sinfonie der Emotionen, die sie schaffen. Der Zuhörer wird in ein klangliches Universum eingeladen, in dem er zum Autor seiner eigenen Geschichte wird.

Die Töne des Fretless-Basses umspülen das Publikum wie sanfte Wellen, beruhigend und einhüllend. Die eklektischen Gitarrensätze, die mit einer Präzision ausgeführt werden, die an das Jenseitige grenzt, schaffen eine dynamische und sich ständig weiterentwickelnde Klanglandschaft. Diese Elemente werden durch das donnernde und komplizierte Schlagzeugspiel wunderbar ergänzt, das der Musik eine dynamische und kraftvolle Unterströmung verleiht.

VIPASSI's "Lightless" ist mehr als nur ein Album; es ist eine Reise, eine Erkundung von Emotionen und eine Einladung, tief in die Gefilde von Licht und Dunkelheit einzutauchen. Es ist ein Beweis für das außergewöhnliche Können der Band und ihre Fähigkeit, eine Leinwand zu schaffen, auf der der Hörer seine eigene lebendige und persönliche Geschichte malen kann. In der Welt des instrumentalen technischen Metals ist VIPASSI ein unübertroffenes Leuchtfeuer der Kreativität und musikalischen Meisterschaft.

Kein anderes Konzert wird auf der ganzen Welt mit so viel Spannung erwartet wie das alljährliche Neujahrskonzert aus Wien. In diesem Jahr wird das Mega-Klassik-Event in über 90 Länder übertragen und von mehreren Millionen Menschen verfolgt.Am Pult des Neujahrskonzerts 2024 steht Christian Thielemann, Chefdirigent der Sächsischen Staatskapelle Dresden und künftiger Nachfolger von Daniel Barenboim an der Berliner Staatsoper Unter den Linden. Thielemann ist den Wiener Philharmonikern seit dem Jahre 2000 musikalisch eng verbunden, und 2019 leitete er erstmals eines ihrer Neujahrskonzerte. Darüber hinaus dirigiert er das Orchester regelmäßig in Abonnementkonzerten im Wiener Musikverein, bei den Salzburger Festspielen sowie auf Tourneen in Japan, China, Europa und den USA. Nach der Referenz-Einspielung eines gemeinsamen Zyklus sämtlicher Beethoven-Symphonien begannen die Wiener Philharmoniker und Christian Thielemann noch während der Pandemie mit der Arbeit an einer Gesamtaufnahme der Symphonien von Anton Bruckner, die im Oktober 2023 bei Sony Classical erschien.Bruckner wird auch im Neujahrskonzert 2024 mit einer dortigen Erstaufführung seiner Quadrille op. 212 geehrt.

Needlepoint live im Konzert! Die wohl beste Progressive-Rock-Band Europas präsentiert ein fantastisches Live-Medley-Album, das klingt, als wäre es direkt aus den 1970er Jahren transportiert worden. 'In Concert' ist eine Reihe von Live-Aufnahmen, die nahtlos miteinander verbunden sind und einige Albumausschnitte der letzten paar Platten sowie neue Jams und musikalische Erkundungen zeigen.
"…Needlepoint präsentieren sich mit nordischem Leichtmut und lassen sanften aber abwechslungsreichen Canterbury Sound sprechen. Musikalische Grenzen sind nicht gesetzt, wenn zwischen Psychedelic Folk, Progressive Folk und Jazz auf und ab getanzt wird. Dabei geben sich Needlepoint melodisch, reflektiert und überlegt." (BetreutesProggen.de)

Mit der Veröffentlichung des Albums 'Kalakuta Show' rächte sich Fela unerschrocken an dem Militärregime, das ihn 1974 angegriffen und brutal behandelt hatte. Die 'Kalakuta Show' war der zweite Angriff dieser Art innerhalb von acht Monaten und ein Versuch der nigerianischen Polizei, die Cause of Justice zu beeinflussen. Nach der ersten Polizeirazzia in Kalakuta im April 1974 wurde Fela vor Gericht angeklagt wegen Besitzes von gefährlichen Drogen und Entführung von "Minderjährigen". Die von der Staatsanwaltschaft vorgelegten Beweise konnten jedoch von der Verteidigung leicht entkräftet werden, die aussagte, dass die in den Räumlichkeiten gefundenen Drogen zur Junction Clinic gehörten, einer staatlich zugelassenen Klinik innerhalb der Republik Kalakuta, die von Felas jüngerem Bruder, Dr. Beko Ransome Kuti, geleitet wurde. Was den Vorwurf der Entführung von Minderjährigen betrifft, so bestritten alle jungen Mädchen, die in Felas Haus verhaftet wurden, minderjährig zu sein und entführt worden zu sein, und sie sagten vor Gericht aus, sie seien aus eigenem Antrieb zu Felas Haus gegangen. Da es keine stichhaltigen Beweise gab, um Fela in diesem vielbeachteten Prozess zu verurteilen, beschloss die Polizei, eine Woche vor der Urteilsverkündung eine zweite Razzia in Felas Haus durchzuführen, in der Hoffnung, dieses Mal Beweise zu finden. Das Ergebnis ist die Schilderung der zermürbenden und brutalen Art und Weise, wie die Polizei ihre Opfer behandelte. Sie führen den Fall auf, und Fela, der mit Kopfwunden und einem gebrochenen Arm vor Gericht erschien, erregte beim Richter mehr Mitleid als das Gegenteil. Eine Menschenmenge von mehr als fünfzigtausend Lagos-Jugendlichen trug Fela vom Gerichtsgebäude im Apapa-Gebiet von Lagos zur Kalakuta Republic - eine Entfernung von etwa sechs Kilometern. Während dieses Jubels kam der Verkehr im zentralen Teil des Festlandes von Lagos für mehrere Stunden zum Stillstand.

"Cross My Heart" is a tribute to the harmonica player and singer James Cotton, one of Boney Fields" heroes and companions on the road, is certainly the most representative track of this thrilling groove mood that authentic blues musicians know how to infuse. Boney Fields possesses that almost funk tone matured enough to tickle our ears and make us tap our feet. By revitalizing, for example, "The Thrill Is Gone" in the spirit of its original author (Roy Hawkins), Boney Fields perpetuates the tradition of spirited orchestras of yesteryears without compromising the modernity of its irresistible tempo. Much more personal than all his previous albums, "Just Give Me Some Mo" is also the expression of introspection, that of a man who remembers without drowning in dark nostalgia. He thinks of the courage of his mother bravely facing obstacles in an unequal America. "Back in the Day" is not a sad song. It makes one stronger and nurtures faith in the future. This melody is certainly the most touching of the six compositions written by Boney Fields. From "Control of you" to "Something" holding me" or "I know yes I Know" he invites us into his intimate biography, the story of a large family shaken by inevitable upheavals that must be faced, the destiny of a combative musician who resists adversity. Boney Fields chose to let his soul speak. This effort of truth had to be supported by the artistic direction of a master. By enlisting Sebastian Danchin for the production of this album, Boney Fields turns to a historian of African-American culture whose keen ear has already won over Little Milton, Mighty Mo Rodgers, Toni Green, and Jean-Jacques Milteau, among others... Their exchanges uncovered a perfect understanding of "Chicago Blues" the brassy vigor of which they experienced firsthand 40 years ago. Surrounding oneself with the right people is quite a challenge. Fortunately, Boney Fields knows how to spot true talents. He was convinced that the Senegalese guitarist Hervé Samb would also be a good musical director. Hadn"t he been the first to highlight the expressive power of this luminous composer and arranger? The enduring vitality of the blues, when narrated with precision and insight, always manages to find its legitimacy. The months of reflection, of questioning, will not have been in vain. They have given substance and depth to this thrilling record which, we wager, will be a milestone. Boney Fields has waited long enough. Does he want more? We will give him more! "Just Give Me Some Mo" will now be a shared leitmotif, that of an insatiable conductor and that of enlightened admirers.

Heinz & Franz was a home recording project by Heinz Havemeister and Frank Bretschneider. The recordings took place in 1987 and ’88 in the DIY studio “Sonnenklang” in Karl-Marx-Stadt (now Chemnitz), always at night. The mixing desk was self-built. 50 copies of the tape were released on Bretschneider’s label klangFarBe. Heinz Havemeister was a guitarist with the Bolschewistische Kurkapelle and co-editor of the art samizdat “LIANE”. Frank Bretschneider is considered an electronic pioneer of the GDR underground scene. He worked in a range of projects, including with the legendary band AG Geige. In 1995, Bretschneider co-founded the Rastermusic label, which cooperated with musician Carsten Nicolai’s noton label. Both labels merged in 1999 to form Raster-Noton, an influential label for experimental music in Germany. Bretschneider’s work has appeared on labels such as Mille Plateaux, Quatermass or Staalplaat.