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Laconic Zero is a one man music machinery aka Trond Harald Jensen. Utilizing Commodore 64 programming combined with a heavy wall of distorted bass, Laconic Zero produce complex dagger-stabs of metaldriven chiptunes. Sun to Death is a killer presented on smoked orange vinyl, CD and Cassette. Laconic Zero has shared stages with Lighning Bolt, the famed Sonic Youth and Swans producer Martin Bisi and collaborated with the late music prodigy Joey Hopkins.

For his last solo record ‘Through a Room’, Bill Nace shifted his usual saturated guitar sound and added tapes, hurdy gurdy, doughnut pipe, bird calls and the mysterious Japanese taishōgoto. Setting up for the final night of his three day residency at OTO with only the taishōgoto soundchecked, Nace hoped that Parker would arrive with his small soprano as its opposite. “I’ve been interested in state change, you know, playing until there’s a shift in time.” Known for his development of multiphonics to produce a constantly shifting pattern, Evan Parker has evolved an instantly recognizable sound - his work the soprano most distinct. Happily, it was the soprano Evan brought with him and as soon as the two start to play they entwine - taking off in a double helix of keys and reed primed for endless reconfiguration. Space warps under the velocity of playing, the pitch rising unrelentingly. It felt like unending lift off in the room, sheer energy until the last note makes remember your feet have been on the floor the whole time. Total time bending shredding.

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"They had never played together before. They had never even met each other before this springtime 2024 concert at London’s Café Oto.

Evan Parker, circular breathing maestro of the saxophone, a legend in the universe that is Free Improvisation since the late 1960s and Bill Nace, one of the most intriguing experimental “noise” guitarists of the 1990s/2000s underground scene.

For those of us who have been enamored by the live and documented work of both these gents, this Café Oto duo was a must-hear event. It could have gone anywhere musically and that would have been totally fine. Particularly with Evan having a history of being thrown into a variety of challenging collaborations throughout his career, employing the learned elegance of trust in his own sensitivity to listening, responding, leading, following, sparring, intertwining, dialoguing, creating in the instant and, essentially, dignifying the non-hierarchical grace of chance.

The aesthetics of socialist consideration in Evan Parker’s playing, in his community of expanded and personal technique, for a younger player such as Bill Nace, strikes an exemplary model. This notion of respect would be entirely the reason Nace, when offered a residency at the most critical “new music” room in England, would request to play in duo with Parker.

Bill Nace came to prominence mostly during the apex of experimental music activity in and around Western Massachusetts in the early days of the aughts, with a focus on visual art and free improvisation guitar action. He could be found in the daytime hours, his head hanging down over a notepad, penning fine-tuned illustrations and abstract line drawings, while in the evenings he’d be attending any number of basement noise gigs, many of which he’d be participating in. His guitar style came across as being informed as much as by the physicality of his writing utensils in friction to the page as it was to his hearing and redefining of radical recordings ranging anywhere from the Black Unity Group to Black Flag.

Utilizing various metal files and other small cylindrical objects Bill would allow his guitar and amplifier to be in tandem with the improvisatory movements of his body as the instrument balanced, intentionally and, at times, precariously, upon his lap. The performances came across thrilling and daring and they would be mostly in the context of venues nothing more than a low-ceilinged damp and dank New England basement, a clutch of people hanging onto rusty pipes or sitting up on dilapidated washer/dryer machines, the shards of Bill’s “file guitar” sounds ringing out like the most alive music on Earth.

By the time Bill reached Café Oto in early 2024 he had relocated to Philadelphia all the while releasing a succession of collaborative LPs on his Open Mouth label to present his developing progression of solo and collaborative work. He also would find himself considerably engaged with playing the electric taishōgoto, a keyboard-activated string instrument from Japan which can exist as a one, two, four, five, or six string oblong sound object. Bill’s approach to the taishōgoto would not be too unlike his approach to the traditional electric guitar, though no outboard implements such as files, sticks, and rocks are utilized. The similarity would lie wholly with Bill’s full immersion of high velocity action-playing where, with the taishōgoto, an electric drone beauty occurs. The flurry of sonics and resultant harmonics emanating from the amplifier (which Bill opts to dial into with borderline loud-as fuck volume settings) furthers the meta-mantra properties of the instrument in an astounding display of drone dynamism.

This sound world of Bill’s two-stringed taishōgoto on this Café Oto night worked beautifully with Evan Parker’s improvisatory saxophone conceptions. The duology achieved instant lift off at ground zero only to find it’s eventual finale as if it were organically ordained. Time seemingly morphed from its ancient human construct of control, rendered inconsequential to the torrential transcendence of the room wildly activated by the magic resonance of the multi-directional pan-spatial sonance of the music as if it were some beatific blessing. It was one of those nights where art as a liberating force of spirit gifted the listeners with an offering of exaltation and joy. It was entirely mystical and mind blowing. A night of Total Music."

Thurston Moore, London, 2025

The project is co-led by Copenhagen-born saxophonist Andreas Toftemark, a European Jazz Master and recipient of the Bent Jædig Prize, whose career has taken him from the Conservatorium van Amsterdam to The New School in New York. He is joined by Benny Benack III, the multi-award winning Emmy-nominated trumpeter and vocalist lauded for his charismatic performances with the likes of Christian McBride, Chad Lefkovitz-Brown, Peter Bernstein and more. Rasmus Sorensen adds a vital piano voice, fresh from winning a Danish Music Award in 2024 and releasing Balancing Act (2024) featuring modern drum icon Kendrick Scott. On bass, Finnish talent Kaisa Mäensivu - leader of her own project Kaisa"s Machine - brings international credentials shaped at the Sibelius Academy, Manhattan School of Music, and festivals including Pori Jazz. Completing the lineup is New York drummer Joe Peri, a Grammy-winning artist featured on Tony Bennett & Lady Gaga"s Love for Sale and a familiar face at Birdland, Mezzrow, and other NYC institutions. Together, they craft Roadmap - a set of originals born from tours around the Copenhagen Jazz Festival and honed on the road. Each member contributes compositions: from Toftemark"s modal-driven title track and brisk swinger What Gets You to Peri"s hard-hitting opener Icebreaker, Mäensivu"s funk-tinged The Lemur, and Sorensen"s harmonically dense New York Attitude. The quintet also delivers moments of intimacy, with Again - a co-write between Toftemark and Benack - adding lyrics penned on tour and sung with understated warmth. As Benack reflects: "When I play with Andreas, I"m thinking of Joe Henderson and Kenny Dorham, of Clifford Brown and Harold Land. But this isn"t just a revival of a classic hard bop record-the heart and soul of it is the Copenhagen-New York connection."

Nach gefeierten Auftritten bei den BBC Proms, im Kölner Dom und auf der New York Fashion Week veröffentlicht die Organistin, Chor-Leiterin und Influencerin Anna Lapwood ihr aktuelles Album Firedove jetzt auf Vinyl. Neben den beliebtesten Stücken des Albums sind auch zwei neue Stücke dabei, die extra für die Vinyl aufgenommen wurden: "Nimbus" von der indonesischen Komponistin Eunike Tanzil und eine Toccata von Eugène Gigout.Für ihr Album "Firedove" hat Anna Lapwood neue Arrangements zeitgenössischer Stücke von u.a. Hans Zimmer, Rachel Portman oder Alan Menken aufgenommen. Dabei ist Anna Lapwood nicht nur an der Orgel zu hören, sondern leitet bei den Stücken "Come to Me", "Firedove" und "Make You Feel My Love" auch den Chapel Choir of Pembroke College Cambridge. Beim Stück "Flight" wird Anna Lapwood von der Saxofonistin Jess Gillam begleitet. "Firedove" wurde in den Nachtstunden im Nidaros Dom aufgenommen, einer spektakulären gotischen Kathedrale aus dem 11. Jahrhundert in Trondheim, Norwegen."Ich wollte ein Album schaffen, bei dem die Hörer nie genau wissen, wohin es als nächstes geht. Es gibt viele kleine 'Easter Eggs', die man nicht erwarten würde - so der erste Auftritt des Chors. Ich habe das Gefühl, dass ich endlich gefunden habe, was ich als Künstlerin sagen möchte. Ich bin sehr stolz darauf", erklärt Anna Lapwood.Als roter Faden durchzieht "Firedove" das Motiv des Fliegens und der Entfaltung - ein Sinnbild für Anna Lapwoods künstlerische Entwicklung. Sie ist ein Phänomen. Mit der Orgel der Royal Albert Hall, an der sich fast jede Nacht übt, begeistert sie eine neue Generation von Musikfans auf Instagram und TikTok für ihr gemeinhin als altmodisch geltendes Instrument. Sie hat sich damit nicht nur Millionen Fans auf Social Media erspielt, sondern wurde auch zu Kollaborationen mit Bonobo, MRAYE, Florence & The Machine und Aurora eingeladen. Selbst Tom Cruise besuchte sie bei einer ihren nächtlichen Proben, was zu einer spontanen Orgelstunde führte. 2024 wurde sie für ihr Debüt-Album "Luna" mit einem Opus Klassik ausgezeichnet. Neben ihrer Tätigkeit als Organistin wurde sie mit 21 Jahren zur Musikdirektorin am Pembroke College in Cambridgeshire ernannt und war damit die jüngste Person, die jemals diese Position an einem College der Universitäten Oxford oder Cambridge innehatte und leitete neun Jahre lang deren Chöre.

DOUBLE VINYL
The full album on vinyl for the first time, packaged with the classic original Designers Republic artwork


ABOUT
To celebrate the 20th anniversary, Collabs 3000: Metalism, the original classic pure techno album and first full-length collaboration between techno innovators Chris Liebing and Speedy J, is remastered and reissued via NovaMute.

Originally launched by Speedy J (aka Jochem Paap) as a platform for 12" collaborations with other artists, the Collabs series laid the groundwork for what would become one of techno's most compelling partnerships. The first release with Chris Liebing, Collabs 300 (featuring 'Trick_' / 'Treflon_'), landed in 2004 to a rapturous response; its machine-funk intensity and unmistakable breakdowns helped define the sound of early 2000s techno whilst revealing a writing and production chemistry that demanded a larger playground for their work.

That creative spark ultimately manifested in Collabs 3000: Metalism, a landmark record for techno. Combining the pair's mastery of subversive electronics and peak-time techno, the album remains a career highlight for both artists: a smouldering collision of taut techno rhythms, sonic abstraction, and, as the title suggests, robust metallic beats.

The 20th anniversary edition of this timeless techno masterpiece has been fully remastered by Liebing himself and is available on CD and for the first time on vinyl across 2 discs.

Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.

Fire of God's Love ist das legendäre Album der australischen Nonne Schwester Irene O'Connor aus dem Jahr 1973 - eine aufrichtige, gefühlvolle und unbewusst psychedelische Songfolge, die der Selbstreflexion und dem Erwachen des inneren Geistes gewidmet ist. Das Album ist eine Sammlung von originellen spirituellen Folksongs, die von O'Connor geschrieben und mit Gitarre, E-Orgel, Drumcomputer und ihrer engelsgleichen Stimme interpretiert wurden. Es wurde von ihrer Mitschwester und Toningenieurin Sister Marimil Lobregat auf erstaunlich futuristische Weise aufgenommen und abgemischt. Freedom To Spend bietet die erste autorisierte Neuauflage dieses heiligen Grals seit 1976; das Album wurde mit Sorgfalt und Bedacht aus den besten verfügbaren Quellen restauriert und remastered. Als junge römisch-katholische Nonne im Orden der Franziskanerinnen von Maria begann Schwester Irene 1953 ihre musikalischen Aktivitäten, als sie von Sydney in ein Kloster in Singapur zog und begann, Kinder mit Lernschwierigkeiten zu unterrichten. Nachdem sie sich eine Akustikgitarre zugelegt und drei einfache Akkorde gelernt hatte, blühten Irenes Lieder dank der Begeisterung der Kinder auf. Durch einen glücklichen Zufall arbeitete ein Elternteil eines Schülers bei einem kommerziellen Radiosender in Singapur, und Irene wurde eingeladen, im Studio des Senders aufzutreten und aufzunehmen. Sie ging hin, trug ihre Ordenstracht und hatte ihre Gitarre dabei, und nahm dort 1965 ihren ersten eigenen Song auf. Unter dem Pseudonym Myiriam Frances, um innerhalb ihres Ordens anonym zu bleiben (,Nonnen machten so etwas nicht", bemerkte O'Connor), veröffentlichte Phillips Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Platten von Schwester Irene. Im Kloster in Singapur lernte Schwester Irene Schwester Marimil Lobregat kennen, eine Mitbrüderin aus dem Franziskanerorden, die Anfang der 1960er Jahre von den Philippinen auf die Insel gezogen war. Mehr als ein Jahrzehnt später trafen sie sich, wie durch göttliche Fügung, in einem anderen Kloster in Point Piper in Sydney wieder. Marimil, ebenfalls Musikerin und Klangenthusiastin, arbeitete als Audio- und Videotechnikerin beim Catholic Radio and Television Centre in Homebush im Westen Sydneys. Schwester Irene, die treu an ihren musikalischen Fähigkeiten feilte, und Schwester Marimil schmiedeten den Plan, sich an mehreren Sonntagnachmittagen im Zentrum zu treffen und die Lieder zu komponieren, die später auf ,Fire of God's Love" erscheinen sollten. Die Lieder von ,Fire of God's Love" werden von Schwester Irene mit ihrer engelsgleichen Sopranstimme gesungen (mit Texten in Englisch, Latein und Malaiisch) und von Schwester Marimil produziert und auf einem Teac 3340S 4-Spur-Tonbandgerät aufgenommen. Marimil trug maßgeblich dazu bei, die unheimliche Jenseitigkeit zu zaubern, die das Album durchzieht. Die kristallklare Stimme von Schwester Irene wird exquisit von einem schimmernden Mosaik aus Hall und analogen Synthesizer-Klängen umhüllt, während sie wie eine Glocke in der Dunkelheit erklingt und so lange nachhallt, bis die Wahrheit oder das Göttliche erscheint. Themen wie Barmherzigkeit, Gnade, Licht und Geheimnis werden von sanften Akustikgitarrenklängen und ewigen Pianotönen untermalt, die sich langsam auf vibrierenden Fäden drehen. Bei den Songs mit Keyboards spielte Schwester Irene alle Parts live in Echtzeit, einschließlich der Basspedale. Die Drum Machine wurde von derselben Orgel erzeugt, die sie spielte, und gleichzeitig ausgeführt. All dies trägt zu einer Atmosphäre erhöhter Präsenz bei, einem organischen Blitz, der tief aus dem Unterbewusstsein kommt. Entstanden aus Ideen, die in einem ruhigen Kloster und abgeschieden von weltlichen Einflüssen entstanden sind, wird der liturgische Rahmen des Albums durch die innige Hingabe zweier Schwestern gefiltert - ihre eigene Interpretation von Popmusik, befreit von Anmaßung und oberflächlichem Glamour. Der Titel des Albums stammt, wie viele seiner Songs, aus einem Bibelvers, in diesem Fall Lukas 12:49. Aber Schwester Irene und Schwester Marimil haben ihn in einen Raum gebracht, in dem alle spirituell Suchenden die Übertragung oder: ungewöhnliche Hermeneutik schätzen können. Die Texte sprechen universelle Bedürfnisse, Wünsche und Sehnsüchte an: ewige Liebe und Zuneigung, ein Ende der Einsamkeit, eine neue Form der Erleichterung, Befreiung von der Angst vor dem Tod. Anstelle von Hymnenformeln bedient sich Schwester Irene, vielleicht unbeabsichtigt, der damals modischen Folk- und Psychedelic-Musik, um eine Predigt zu halten, die sich wie Liebesbriefe an eine göttliche Präsenz liest und über jede formale Religion hinaus zur Seele spricht. ,Fire of God's Love" ist ein inspirierendes Archiv früher elektronischer Experimente zwischen zwei befreundeten Frauen und Mystikerinnen, eine Dokumentation ihrer göttlichen Energie, die auf disziplinierte Weise kanalisiert wurde. Bei seiner Erstveröffentlichung war es weder ein durchschlagender Erfolg noch ein Misserfolg, sondern wurde vor allem mit Neugierde aufgenommen. Die beiden haben nie wieder gemeinsam Musik gemacht, und in den 50 Jahren seitdem zieht ihre einmalige Zusammenarbeit weiterhin Zuhörer an, die sie in Plattenläden entdecken (sei es die Originalpressung von Phillips oder die klanglich überlegene Neuauflage von 1976 bei Alba House Communications) oder eher über YouTube, als zufällig entdeckter und heiß diskutierter Kultklassiker. Heute lebt Schwester Irene in Sydney, Australien, und freut sich, dass ein neues Publikum in ihrer Musik mit Schwester Marimil einen Sinn findet. Ihre Geschichte ist ein Beweis dafür, dass man nicht viel braucht, um ein visionäres, zeitloses Album zu schaffen: ein Tonbandgerät, Freundschaft und ,The Fire of God's Love", um den Weg in die Zukunft zu ebnen. Das kann ein spiritueller Freund sein oder ein irdischer Begleiter direkt neben einem. Sister Irene O'Connors ,Fire of God's Love" wird am 14. November über Freedom To Spend auf Vinyl, CD und als digitale Ausgabe veröffentlicht.

Delsin invites you to submerge into the prismatic electronica of Xenia Reaper. Across nine tracks of exquisitely rendered sonics, the shadowy producer engages in the time-honoured craft of introspective sound manipulation, folding gaseous pads into dissected breaks and running heavyweight machine pulses through achingly beautiful synthesis. The sound is sharply realised, modernist music that revels in the finegrain detail afforded by technology, but never at the expense of warmth and charm. It's nuanced electronica for deep listening, but it also hits on an instinctive, physical level.

Going Up, originally released in 1983, is one of the most curious and enduring records from British studio mavericks The RAH Band. Long out of print, it now sees its first ever vinyl reissue courtesy of Shocking Music and Rush Hour.

Led by super-producer, arranger, and multi-instrumentalist Richard Anthony Hewson, The RAH Band has always existed just outside the mainstream. Blending jazz-funk, sci-fi synth pop, and cosmic lounge, their sound never quite fit the mould. That might explain the cult status they’ve held ever since. Beloved by Balearic heads, rare groove collectors, and adventurous synth diggers, Going Up is perhaps their most influential record.

At the centre of it all is the intro track “Messages From The Stars”, the band’s runaway cosmic hit. A spacey, retro-futurist groove that has become a viral favourite in recent years, it now boasts hundreds of millions of streams, with a new generation discovering it through TikTok and YouTube. But it was originally just one track on this understated 1983 album.

The rest of Going Up is just as compelling, filled with dusty drum machines, off-kilter instrumentals, woozy vocals, and that unmistakable early '80s charm. It is a snapshot of a band in transition, blurring the lines between leftfield pop, sci-fi funk, and home-brewed synth experiments.

Out of print for over 40 years, Going Up finally gets the reissue treatment it deserves. Restored and remastered, and still sounding like nothing else.

The special one! Mr. G’s productions are distinctive, deep, driving and, above all, a listen to behold. Like the man–machine interface between hypno house and roots techno, he manages to unite dance floors either through his High Mass–like live sets full of swing, grit and soul, or simply through other DJs playing his records.
Blessing Running Back for the second time, Mr. G’s Reconnection EP is the result of a serious dive into his vaults.
City Heat (G’s Underground Dub) is a picture-perfect example of his skill to groove without a doubt: raw, funky and fabulous. Serendipity and Work on the flip side complete this picture. Decades of record buying, music making and a love supreme for this culture rolled into one. Made yesterday, released today, and it will still sound great tomorrow. A personal gift from Mr. G’s archive to Running Back.

Unfolding ist Jessica Moss' meditativstes und klagendstes Soloalbum und vielleicht das erste in der jahrzehntelangen Diskografie der Violinistin und Komponistin aus Montreal, das man zu Recht als Ambient bezeichnen kann. Die ehemalige Mitglied von Silver Mt Zion und Black Ox Orkestar schöpft aus Postklassik, Drone, Minimalismus, Industrial/Metal, Power Electronics, Klezmer und anderen Folk-Traditionen. Es handelt sich hierbei nicht um abstrakte Ambient-Musik; vielschichtige Violinenmelodien, elektroakustische Bearbeitungen, intermittierende Stimmen und Percussion von Tony Buck, dem Schlagzeuger von The Necks, bringen zutiefst emotionale, genreübergreifende Kompositionen hervor, die von einem Geist der Suche und Beschwörung geleitet sind und sich in einer vorherrschenden Atmosphäre von Beschwörung und trauernder Zurückhaltung entfalten. Die Untrennbarkeit von Persönlichem und Politischem hat sich für Moss in den letzten zwei Jahren immer stärker herauskristallisiert. Als Kernmitglied der Montrealer Sektion von Musicians For Palestine hat sie mehrere Benefizkonzerte mitorganisiert und gespielt und im Frühjahr 2024 das Soloalbum For UNRWA veröffentlicht (das über 800 Unterstützer fand und Tausende von Dollar einbrachte). Später im selben Jahr zerbrach ihre langjährige Fernbeziehung aufgrund politischer Differenzen. In enger Zusammenarbeit mit dem Produzenten Radwan Ghazi Moumneh (Jerusalem In My Heart) entstanden ,Unfolding" in den letzten zwölf Monaten, dem zweiten Jahr des Völkermords in Palästina, als direkte Reaktion auf unser kollektives Miterleben, unsere kollektive Trauer, als Portal zur kollektiven Trauer, als Suchscheinwerfer durch unsere inneren Wettersysteme, auf der Suche nach einander in der Dunkelheit. Moss bewegte sich bereits in Richtung einer erhöhten Fragilität und einem tiefen Zuhören, ihre Musik wurde zunehmend langatmig und zeremoniell. Trotz der stark gesunkenen finanziellen Rentabilität von Tourneen wurde ihre Hingabe, Raum zu schaffen, Verflechtungen herzustellen und eine Verbindung zu einem intimen Live-Publikum aufzubauen, zu ihrem kreativen Leitstern, ihre Solo-Praxis wurde durch ihr Engagement und die Kommunikation in diesen Räumen geprägt. Die jüngsten politischen und persönlichen Umwälzungen haben diese ritualisierten, reparativen musikalischen Prozesse nur noch verstärkt. Die beiden langen Stücke auf der ersten Seite von Unfolding verkörpern diese Sensibilität. ,Washing Machine" verwebt Schichten von Streicherdrones und Filigranarbeit, sanft verzerrt durch Verzerrerpedale und Verstärkung, wobei unentzifferbare, ausgeblasene Sprechstimmen den Mix zeitweise als fragmentarische Palimpseste verhüllter Rezitationen und unbeschreiblicher Gefühle umhüllen. Der Ursprung des Stücks liegt in einer Telefonaufnahme einer europäischen Waschmaschine, die Moss aufnahm, als sie neben ihr saß, mit gebrochenem Herzen auf dem Badezimmerboden, und Trost fand, indem sie eine Melodie zu den mechanischen Obertönen der Waschmaschine summte, die ihren Zyklus durchlief. Das Herzstück des Albums, ,One, Now", beginnt als zarte Anrufung mit Basspuls, Glockenspiel und Glocken, gezupften Saiten und traurigen Lead-Violinenlinien, die von jüdischen und arabischen Modi beeinflusst sind. Umgebungsgeräusche, Feldaufnahmen und wortlose Gesänge werden hinzugefügt, während sich Violinenmelodien überlagern und zu einer hypnotisierenden Drone-Landschaft verschmelzen: eine halb improvisierte, lebendige Komposition, die durch Tony Bucks pinselstrichartiges Schlagzeugspiel und Moumnehs ,Schrei in die Leere" am Ende noch weiter belebt wird. Die zweite Seite ist ein vierteiliges Werk mit dem Titel ,no one / no where / no one is free / until all are free", das sich durch Umgebungsgeräusche, elegische postklassische Streicher und verzerrte harmonische Drones zu einem Höhepunkt aus liturgischer Orgel, rituellen Glocken und schimmernden elektronischen Spuren entwickelt, der die Bühne bereitet für den letzten Song des Albums: die erschütternde Chor-Komposition ,until all are free", eine weltliche Hymne, die aus Jessicas mehrspurigen Gesangsaufnahmen besteht (die sie aber gerne mit anderen im Konzert singen würde). Unfolding ist ,einem freien Palästina in unserer Lebenszeit" gewidmet. Danke fürs Zuhören.

Machines of Our Disgrace marked the return of Circle of Dust, the groundbreaking industrial project from Klayton, best known to many as the producer and artist behind Celldweller.

Pressed for the first time on vinyl, this Definitive Edition 2LP includes the brand new songs "Invisible World" and "Digital Messiah" along with a printed inner sleeve featuring full lyrics and artwork.

Westerman’s 3rd album, A Jackal’s Wedding, became a document of leaving and arriving, ongoing transformation, and the liminal spaces between shadows and the lights that cast them. The collaboration with producer Marta Salogni (who mastered An Inbuilt Fault) created a woozy and dreamier work than the 2 previous Westerman albums. Recorded in a 17th century mansion, converted into an art space on the island of Hydra; the album reflects the chaos and limits of the space and uses it as a collaborator.

Fin" is the fourth album by Spanish band Exnovios, a group that has been described as a blend of Spacemen 3 influences and the best of Spanish '60s pop. The new dozen songs that make up their fourth LP happily shifts away a bit from to the usual unbeatable formula of this Pamplona-based quartet (garage reverbcore as if sung by Spanish legends Juan y Junior) and add new and fascinating layers-at once fresh yet entirely logical in the evolution of such a unique band within the local scene. Exnovios' new collection of songs wasn't created in a rehearsal space or recorded in a single week in the studio. Rather, it was composed and rehearsed slowly in bedrooms and living rooms-songs that were later brought into the studio with the idea of finishing building them there. Over the course of nearly a year, the band approached each song one by one, in a handcrafted manner, alongside their trusted ally, producer Guillermo Mutiloa. The result is a treasure trove of songs, perhaps more psych-folk than ever, as acoustic pieces abound-full of exquisite melodies without abandoning the consciousness-expanding journeys that have made Exnovios a cult favorite: from the instant classic 'Nubes' (with its very Byrds-like harmonies and gorgeous twelve-string acoustic guitar), to the delightful Big Star-style fiction of 'El cine se queda en silencio', or even the fabulous cover of Stephin Merritt's 'Tú tú tú tú.' These are often drumless tracks, perhaps with some light percussion, always featuring detailed and exquisite arrangements of guitar, electronics, percussion, and even touches of strings. And despite the reduced presence of drums (which, along with the laid-back recording approach, makes this almost Exnovios' "White Album"), fans of the band's legendary fuzz-guitar reverbcore sound won't be disappointed: there's the psychedelic 'Viaje Alucinante', full of their classic riffs; their brutal cover of Psychic TV's 'Godstar' (drenched in echo and eccentric vocal effects); and the perfectly crafted 'Naves Misteriosas', which pulls off the impossible feat of sounding like 'Cerca de las Estrellas'-era Los Pekenikes in the verses, Phil Spector in the chorus, and the Ramones in the post-chorus. And there's much more: percussion reminiscent of the most 'baggy' Primal Scream on the brilliant 'Aún no es tarde'; love lyrics wrapped in an exquisite drum machine soaked in reverb and Suicide-style Farfisa on 'Ha venido a quedarse'; the beautiful two-chord electronic Christmas carol 'Ya es Navidad'; and that lysergic waltz that sings of the peace brought by karmic revenge, carried along by waves of fuzz and delay, titled 'El día del juicio final.' "Fin" reveals more sides and nuances of Exnovios than ever before-a festival of eclectic styles that all remain true to the musical vision that has defined them over the past decade, with their melodic powers at the peak of their talent.

Westerman’s 3rd album, A Jackal’s Wedding, became a document of leaving and arriving, ongoing transformation, and the liminal spaces between shadows and the lights that cast them. The collaboration with producer Marta Salogni (who mastered An Inbuilt Fault) created a woozy and dreamier work than the 2 previous Westerman albums. Recorded in a 17th century mansion, converted into an art space on the island of Hydra; the album reflects the chaos and limits of the space and uses it as a collaborator.

"Love it! Electronic wonkiness at its finest" - Richard Norris (The Grid)

TEA, CAKES AND THE (WO)MAN MACHINE

Curtain Twitcher could only have emerged from Sheffield.
A female electronic duo whose corrupted downtempo post Balearic chug pulses and wobbles, throbs and twitches - full of fat noises and bolshy Moogery.
It's human and appealingly analogue. More Delia Derbyshire's Radiophonic Workshop than DAF, More Tangerine Dream than Depeche Mode. Not your average bloketronica.

Frankly this music doesn't behave itself in any way you might expect. Plugged in post rave pop can be far too orderly. Music should be messy. Even on occasion revealing a tune your mum could hum.

"Leap The Dips" emerged from machine jamming with a creative freedom that only comes from friendship. That friendship is a musical one but it's also real and genuine: "We’ll talk about pretty much owt if you provide the tea and cakes".

2024 Reissue

“Tubby did three original dub albums, ‘Dub From The Roots’. ‘The Roots of Dub’ and the third is ‘Brass Rockers’ with Tommy McCook ‘pon the flying cymbals. Where he mixed it with the horn going in and out in a dub way and one named ‘Shalom Dub’ you can call Tubby’s too because he mixed the versions as they were off forty fives’’
Bunny ‘Striker‘ Lee

King Tubby and Producer Bunny ‘Striker’ Lee are intertwined in the birth of Dub Music. After discovering a mistake that made a ‘serious joke’ ( more of which later...) they went on to release the first pressings of this new musical genre namely ‘Dub Music’. Tubby’s vast knowledge of electronics and Bunny’s vast catalogue of rhythms would lay the foundations of what today is taken as a standard... the Remix / Version cuts to an existing vocal tune.

Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock was born in Kingston, Jamaica on 28th January 1941 and grew up in the High Holborn Street area of downtown Kingston. He studied electronics at Kingston’s National Technical College and also on two correspondence courses from the U.S.A... When he had qualified Tubby began repairing radios and other electrical appliances in a shack in the back yard of his mother’s home. His work in the early days included winding transformers and building amplifiers for Kingston’s Sound Systems. Tubby built his first Sound System in 1957 playing jazz and Rhythm & Blues at local weddings and birthday parties. His reputation as a man who knew and understood both electronics and music grew steadily and as the sixties drew to a close. Tubby purchased his own basic two track equipment. He installed this alongside his dub cutting machine, a home made mixing console and his impressive collection of Jazz albums in the back bedroom of his home at 18 Dromilly Avenue which he christened his music room.

Tubby and Striker were at Treasure Isle Studio’s one day while Ruddy from Spanish Town was working with the engineer Byron Smith....

“Tubby and myself was talking when Ruddy was cutting some dub but Smithy (engineer) made a mistake through we were talking and forgot to put in the voice. It was two track recording in those days. Ruddy said ‘No Man! Make it stay! and so they cut the rhythm. When I went over to Ruddy’s that Saturday night a dance was in progress and when they played the vocal to the tune... then he said we’re going to play ‘Part Two’. They never called it ‘Version’..and then he played the rhythm track. The song was a catchy song and everybody started to sing along and the deejay started to toast so everything went down well. On Monday morning I went up and I said ‘Tubbs the mistake we made was a serious joke.It mash up Spanish Town! The people went wild. So you have to start to do that now ‘cause when the man put on the ‘Part Two’ everyone start singing this song. It played about twenty times. I said you try Tubbs!’...Well the next Saturday night now when Tubby strung up down the farm U Roy said he’s going to play ‘Part Two’ but Tubby did it different now. He started with the voice then dropped it out and let the rhythm run and then he brought in the voice in the middle and from there Tubby started to get really popular.’’
Bunny ‘Striker’ Lee

Dynamic Sounds upgraded to sixteen track recording in 1972 and Tubby purchased, again with the help of a deal brokered by Bunny Lee. The old four track equipment and the MCI console from their Studio B. The four tracks now gave him far wider scope to work with and he began to create a new musical form where the bass and drum parts were brought up while the faders allowed Tubby to ease the vocal and rhythm in and out of the mix. It was only a matter of time before Tubby’s dub plate experiments began to make it on to vinyl and the first ever long playing King Tubby releases would feature a collection of his mixes to a selection of Strikers rhythms. So please sit back and enjoy this historic set of sounds. Lovingly restored and with a few extra gems added to the CD Editions. These releases were the first to carry the name of King Tubby and the first to credit the great musicians that contributed so much to the rhythms that made these albums possible.

Soulwax 's first new album in 8 years, entitled "All Systems Are Lying" and set for October 17th release. Available on CD & various 2LP fromats . The campaign will kick off July 9th with a double single “All Systems Are Lying / Run Free”, album announcement + pre-order launch. Since 1995, David and Stephen Dewaele have consistently pushed the boundaries of music into new and innovative territory by diversifying into many different guises. They are a band (Soulwax), djs (2manydjs), a record label (DEEWEE) and a sound system (Despacio, created along with James Murphy from LCD Soundsystem).

They are also widely renowned as one of the most innovative remix and producer teams around. They have released 7 studio albums to date, including the critically acclaimed ‘Any Minute Now’ and ‘Nite Versions’. Some of their already cult remix credits include the Grammy nominated “Work It” by Marie Davidson, as well as Peggy Gou, Fontaines DC, Roisin Murphy, Robyn, Arcade Fire, The Rolling Stones, Tame Impala, Metronomy, Daft Punk, The Gossip, Hot Chip, MGMT and Warpaint, among many others.

Stephen and David Dewaele are familiar to millions as 2manydjs, a project which undoubtedly moved the needle for modern DJing. Alongside like-minded allies such as Erol Alkan, Tiga and Jacques lu Cont, 2manydjs swept international dancefloors into delirium, gifting a rock ‘n roll attitude to club culture.

"Rumah Sakit 25" vereint das Debütalbum von Rumah Sakit und ihre lange vergriffene EP Travels In Constants in einem außergewöhnlichen Paket. Die Band hat sich erneut mit Bob Weston zusammengetan, um die Original-Masterbänder sorgfältig zu remastern. "Rumah Sakit 25" enthält neues Cover-Artwork von alten Freunden und Mitarbeitern, Jeremiah Maddock und Marty Anderson. Die umfangreiche 180-Gramm-Gatefold-2xLP in Audiophile-Qualität enthält vollfarbige Innenhüllen mit Hunderten von bisher unveröffentlichten Fotos, die die inspirierte Anfangszeit der Band dokumentieren, sowie ein massives 24-seitiges Kunstbuch im Format mit bisher unveröffentlichten Kunstwerken von Maddock. Es ist ein exquisites Werk, das eine Band meisterhaft einfängt, die letztendlich die nachfolgenden Künstler inspirierte und deren spätere Zusammenarbeit mit Foals, Pinback, Sweep the Leg Johnny, Sleeping People und HEY!TONAL unterstreicht, wie einzigartig vielfältig und produktiv Rumah Sakit wirklich waren. Rumah Sakit war eine vierköpfige Rockband aus San Francisco, Kalifornien. Die Gruppe begann 1998 Gestalt anzunehmen, nachdem Gitarrist John Baez, Bassist Kenseth Thibideau und Schlagzeuger Jeff Shannon alle von Redlands nach San Francisco gezogen waren. Nachdem Gitarrist Mitch Cheney schnell hinzukam, war die Band komplett und entschied sich für den Namen Rumah Sakit - eine wörtliche indonesische Übersetzung von ,Krankenzimmer" (alias Krankenhaus) - und einen Sound, der die frenetische Energie von King Crimson aus der "Red"-Ära mit einer meditativen Melodik verband, die in starkem Kontrast zu den meisten ,Math-Rock"-Bands dieser Zeit stand. Bald darauf betrat Rumah Sakit zum ersten Mal das Studio, um ihr gleichnamiges Debütalbum aufzunehmen. "Rumah Sakit" wurde 1999 im ehrwürdigen Music Annex Studio in zwei etwas geheimen Nachtsessions mit den Studio Praktikanten/guten Freunden/angehenden Toningenieuren Jay & Ian Pellicci aufgenommen. Das Album entstand nach einer ,No Tricks"-Philosophie, die den Ansatz der Band beim Spielen und Aufnehmen ihrer Musik prägen sollte. Aufgenommen vollständig live ohne Overdubs in nur wenigen Takes, nutzte die Band die Kunst, die natürliche Präsenz des Raumes und die strategische Platzierung der Geräte, um die reinste und genaueste Darstellung dieser Songs in diesen Momenten einzufangen. In einer Zeit, die schnell durch die aufkommende Popularität von ProTools und akribisch manikürten, maximalistischen Mixes verändert wurde, war die Welt von Rumah Sakit eine erfrischende Atempause. Ein Jahr später, im Herbst 2000, flog Rumah Sakit den renommierten Chicagoer Toningenieur und Shellac-Bassist Bob Weston nach San Francisco, um zwei kurze Tage lang eine neue EP im schäbigen Tiny Telephone Recording aufzunehmen. Diese EP wurde Teil der Abonnement-CD-Reihe ,Travels In Constants" von Temporary Residence (neben Veröfffentlichungen von Mogwai, Low, Explosions In The Sky, Eluvium und MONO). Abgesehen von der Originalauflage von 1.000 CDs, die für Abonnenten reserviert waren, waren die Studioaufnahmen auf Travels In Constants bis jetzt nie wieder erhältlich.

Many Amerindian cultures share the belief that the future lies behind us, while the past is what we face ahead. This challenge to Western chronology is, however, rooted in common sense: the open possibilities of what is to come are, in theory, what we cannot see—the uncertain—whereas the events that have already happened unfold before our eyes and are available for us to learn from.



This second album by Chilean producer, live performer, and DJ Valesuchi could be described as an experiment with time through music. Some years after relocating to Rio de Janeiro, she released Tragicomic LP (2019) on MAMBA rec—a label founded by the boundary-pushing Brazilian party Mamba Negra—and the self-released EP Cascada (2024). In both works, we can already appreciate her musical imprint: rhythmic and emotional timbral lines—wet, filtered, mathematical,

devotional, multilingual, fantastic, and unreal. However, in Futuro Cercano (Discos Nutabe, 2025), we can hear a leap: the sedimentation of her lived experiences in electronic communities across Latin America, her search for a universal yet personal language to convey emotion and new spiritual meaning, finds in this release a consistency and spontaneity that is rarely heard these days.



In a time when all cultural expression is not only expected to be taggable, but is also increasingly produced from templates that precondition our perception—favoring categorization and connections to works or scenes of the past—the tracks on this album are generically unclassifiable. They represent an openness to experiment without prejudice with electronic instruments and rhythms that are asancestral as they are futuristic. They publicly reveal an intimacy born from the compositional process, a bond formed through the encounter—sometimes tense, sometimes harmonious—between human will and that of the machines themselves. Or, as Valesuchi put it, "cyborging my friendship with the machine and becoming a tempest." Tempest as an eruption of the unknown into the present, the result of opening oneself to a nearly meditative state to uncover the deepest feelings through improvisation on cybernetic feedback and loops. And in that improvisation, to develop “técnicas para estirar o medir el tiempo”

“techniques to stretch or measure time” as she sings in 22, the album’s first track. “Connecting knowledges” as a portal to access that future so near it lies behind us, and to anticipate it as intuition and prospection.



That’s why Futuro Cercano is more than just electronic music: it is a technological ritual, an immersion into the secrets that machines hold as artifacts of human and non-human knowledge, as mysterious objects that allow us to connect with our own otherness—the personal alien hiding beneath the skin that opens us up to uncertainty as possibility rather than catastrophe.