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Nehmt Euch einen Moment und lässt Euch die Kataloge dieser Meister des amerikanischen Folk auf der Zunge zergehen: MAGNOLIA ELECTRIC CO., CENTRO-MATIC, SONGS: OHIA, SOUTH SAN GABRIEL. Und lasst uns ganz ehrlich sein: Eine Dosis des künstlerischen Egos und ein wenig Eitelkeit können einen höheren Dienst erfüllen. Auf dieser Kollaboration von Jason Molina und Will Johnson scheint der jeweils andere Künstler sein Gegenüber und dessen Talent zu befeuern und sowohl die Performance als auch die Kreativität auf neue Höhen zu befördern. Im brüderlichen Teilen von Ideen werden Molina und Johnson zwei Poeten unter Poeten, die sich in ihrer Werkstatt daran machen, eine einzige, übergeordnete Elegie zu erschaffen. Der einzigartige Stil und die typische Produktion jedes einzelnen Musikers fügen sich hier zu einer gemeinsamen Schnittmenge zusammen. Der dokumentarische Ansatz eines Jason Molina richtet sich ganz häuslich in den subtilen Störungen und Produktionstricks eine Will Johnson ein, während der kräftige Tenor von Molina einen perfekten Tanzpartner in der sanften Reibeisenstimme von Johnson findet. Während die individuellen Performances hier bereits atemberaubend sind, ist die Zusammenkunft beider das, was den Zauber von "Molina&Johnson" ausmacht.

2026 Repress

For all those who relate “maybe to the wind, because they can feel it, or dirt, because they can touch it. But nothing else.” Like Bobby Cornett (aka Shane), we are all trying to find where we belong.

Belong To The Wind marks Forager Records’ debut release: A lovingly curated collection of crooning psychedelic folk and soul songs gathered from American 45s of the 1970s. The compilation features 10 songs from 10 different acts, each with an indelible story of love, loss, loneliness, and an unrelenting desire to shed the confines of routine existence.

Meet a man named Denny Fast, perched behind a tobacco stained piano in a smokey Michigan lounge. He’s singing of the faded memory of distant hope and better times past. Listen to a portrait of the heartless Texan, told in arrestingly angelic prose by Connie Mims of St. Elmo’s Fire. Contemplate with Snuffy, the honest musings of a failed and misunderstood outsider, daring to hope for change.

Belong To The Wind aims to shed light on the more opaque cuts of these brooding artists. Many of these songs were recorded at the early stages of a career, at a time when experimenting and searching are pursued with reckless abandon. As a result, these songs are aggressively honest and uncompromising. Many have a distinct sense of the lo-fi DIY variety. Others are polished in production. Some are minimal, tentative and vulnerable. What all of these songs share, is a transportive quality. An uncanny ability to take a captive listener on a search for the soul, and a journey into the bellowing fields of easy reflection.

Sit back and enjoy a soft trip through the hazy milieu of a loner’s mind.

Horrorful Heights markiert ein beeindruckendes neues Kapitel im umfangreichen Werk von The Bevis Frond und zeigt die anhaltende Kreativität des Songwriters, Gitarristen und Frontmanns Nick Saloman, der nun in ein weiteres Jahrzehnt als Musiker startet. Seit langem als eine der markantesten Stimmen des britischen Underground-Rock etabliert, verfeinert Saloman weiterhin die Qualitäten der Band aus melodischer Psychedelia, drahtigen Gitarrenepen und Songwriter-Kunst. Einer der zugänglichsten Einstiege in die Bevis Frond Welt, welcher alle Stärken zu einem zusammenhängenden, lebendigen Ganzen vereint. Das Album bewegt sich fließend zwischen klirrendem Psych-Pop, schweren Gitarrenriffs und pastoralen Träumereien. Die Bandbreite des Albums ist groß, aber klar definiert. "Draining The Bad Blood" erinnert an den klassischen Bevis-Frond-Stil melodisch inspirierten Gitarrenpops der 60er Jahre, "Space Age Eyes", eine prägnante neunminütige Odyssee, verweist auf die transzendentalen Erkundungen des elektrischen Miles Davis der 70er Jahre. Der mit Sitar untermalte Titeltrack driftet durch rauchige Psychedelia mit mehrstimmigem Gesang und geschichteten Tablas - ein liebevolles Echo der Headshop-Mystik, mit der Saloman während der gesamten Bandgeschichte gespielt hat. An anderer Stelle verbindet "Mossback's Dream" lysergische Leads mit der treibenden Energie des amerikanischen Hardcore der 80er Jahre und schafft so einen Hybrid, der sowohl zeitlos als auch völlig eigenständig wirkt. Weitere Höhepunkte sind das von den Byrds beeinflusste "Buffaloed", das wirbelnde "Silver Insects" und "That's Your Lot", ein rasantes Feuerwerk melancholischer Euphorie und einer der unmittelbarsten Songs des Albums. Obwohl eklektisch anmutend, ist es ein fokussiertes Porträt von The Bevis Frond im Jahr 2025 - vital, melodisch und frei von Nostalgie. Saloman beschreibt die Sammlung ganz einfach: die besten Songs, die er in den letzten Jahren geschrieben hat, entstanden ohne Zwang und ganz instinktiv. Das Ergebnis ist ein Höhepunkt aus der Spätphase einer der stillsten einflussreichen Underground-Bands Großbritanniens.

Hey Mercedes, formed from members of Chicago's emo band Braid, included Bob Nanna, Todd Bell, Mark Dawursk, and Damon Atkinson. They debuted with a self-titled EP (Polyvinyl Records) in 2000 and followed up with extensive touring and two full-length albums: Everynight Fire Works (Vagrant Records) in 2001 and Loses Control (Vagrant Records) in 2003 along with two more EP's: The Weekend EP (Vagrant Records) in 2002 and Unorchestrated (Grand Theft Autumn) in 2004. Dawursk left at the end of 2001 and was replaced by Mike Shumaker. After 359 shows and several releases, the band disbanded in April 2005.They played a reunion show in 2007 and celebrated the 15th anniversary of Everynight Fire Works in 2016 with a remastered re-release and select live performances. In 2025, the band made their live comeback at Las Vegas's second annual Best Friends Forever Festival and will continue to play more shows in 2026. In March 2026, Polyvinyl Records will reissue the complete Hey Mercedes catalog. With several EPs and albums currently out of print, this release will provide Hey Mercedes fans with the opportunity to obtain every Hey Mercedes title on vinyl.

Christian Fetish - Aura Nera

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Mit "Aura Nera" kehrt Christian Fuchs zu seinen düsteren musikalischen Wurzeln zurück. Inspiriert von Dantes Inferno und dem kosmischen Pessimismus des Philosophen Eugene Thacker steht die "schwarze Luft" als Metapher für eine spürbare gesellschaftliche, politische und persönliche Verdunkelung.
Nach Jahren mit Projekten wie Fetish 69, Bunny Lake, Die Buben im Pelz und dem Black Palms Orchestra reaktiviert Fuchs sein Alter Ego CHRISTIAN FETISH. Aus einer Phase persönlicher Krisen heraus entsteht ein Album, das harte Gitarren wieder mit Elektronik verbindet - jedoch ohne Nostalgie, sondern mit neuen Perspektiven, dekonstruierten Haltungen und existenzieller Dringlichkeit.
Gemeinsam mit langjährigen Weggefährt:innen und markanten Stimmen der österreichischen Musikszene entsteht ein intensives Werk zwischen Industrial, Postpunk und düsterem Pop. "Aura Nera" thematisiert Nihilismus, Schlaflosigkeit, Untergangsängste und fiebrige Leidenschaften - ein kompromissloses Statement in dunklen Zeiten.

feat. Members of Fetish 69, Bunny Lake, Sofa Surfers, Baits, While Miles, BZFOS, Der kleine Tod

What's the first thing you think of when someone mentions Thee Oh Sees? Probably their riot-sparking live show, right? Visions of a guitar-chewing, melody-maiming John Dwyer careening across your cranium, rounded out by a wild-eyed wrecking crew that drives every last hook home like it's a nail in the coffin of what you thought it meant to make 21st-century rock 'n' roll? Yeah, that sounds about right. But it misses a more important point-how impossible Thee Oh Sees have been to pin down since Dwyer launched the project in the late '90s as a solo break from such sorely missed underground bands as Pink and Brown and Coachwhips. (While Dwyer still records songs on his own, Thee Oh Sees is now a five-piece featuring keyboardist / singer Brigid Dawson, guitarist Petey Dammit, drummer Mike Shoun and multi-instrumentalist / singer Lars Finberg.) That restlessness extends to everything from the towering, thirteen-minute title track of 2010's Warm Smile LP to the mercurial moods of 2008's The Master's Bedroom Is Worth Spending a Night In. Now, Thee Oh Sees chase the home-brewed symphonies of Castlemania with the scrappy, high-wire hooks of Carrion Crawler / The Dream. Originally envisioned as two EPs, it was cut live to tape in less than a week at Chris Woodhouse's Sacramento studio in June, reflecting the battering-ram bent of the band's live show better than any bootleg ever could. "As I'm sure most would agree," explains Dwyer, "Castlemania was more of a vocal tirade. This one's meant to pummel and throb." That it does, whether one blasts the slow, speaker-bruising build of "The Dream," the sunburnt organs and dovetailing guitars of "Crack in Your Eye" or the interstellar instrumental "Chem-Farmer," a perfect example of what happens when one takes a well-oiled machine-a gang of rabid road warriors, really-and adds a second, groove-locked drum set to the mix. To listen is to realize that Dwyer's music is as manic as the underground comic inclinations of his artwork; colorful and confusing in a way that's more than welcome. It's downright refreshing, like a slap in the face at 5:00 in the morning. Or, as Dwyer puts it, "You have to leave a mark somehow."

Mahjong Room is the second album Cameron Lew released under the artist name Ginger Root which explores his coming of age and discovery of his own signature sound; self coined as Aggressive Elevator Soul. Self Produced and Performed, this album marked the beginning of Ginger Roots' rise in popularity outside of his Huntington Beach hometown. Lew was still in film school at the time of recording and releasing Mahjong Room. His attention was equally focused on the music videos that were made for singles `Two Step', `Call it Home', `Jeanie', `Mahjong Room', and `Ohio'. Becoming a signature of Ginger Root releases, the video treatments of songs were humor-filled and directed and produced by Lew himself. Catching the attention of other touring indie acts Ginger Root spent most of the fall of 2018 on tour with artists Khrunagbin, Duran Jones & The Indications, The Marias, and Omar Apollo.

Inspired by the long tradition of radical country and folk artists, longtime friends Sally Buice and Molly Rochelson use their passion for literature and storytelling to craft an album that reckons with the current global fever pitch. The album's 12 introspective, thematically and sonically layered tracks chart a transformative pilgrimage through an inextricably connected world. A woman desperate to save her community from a gas pipeline in "Plains of Ohio," a devout grandmother traveling across the world to Yugoslavia in search of the Virgin Mary in "Our Lady," and a trouble- making Bible College misfit in "Loud and Clear" are just a few of the archetypes listeners meet.

The Cincinnati-based duo cut their teeth as teens busking on Market Square in Knoxville, TN. Produced by Eli LoPinto (Chris Stapleton), the duo opted for a bigger sound and the result is a bonafide, left-of-center indie country record. Path of Totality does not shy away from the weight of political strife and catastrophe, opting instead to boldly confront it, bringing to bear the power to unite us all.

Mit Punkrock (1991) markierten Die Goldenen Zitronen ihren entscheidenden Wendepunkt - weg vom Fun-Punk der 80er hin zu einer politisch scharfen, stilistisch mutigen Band. Nach dem Album Fuck You (1990) suchten sie einen direkteren, ehrlicheren Sound - roh, schnell und ohne Studio-Perfektionismus. Gemeinsam mit Billy Childish, dem britischen Garagen-Guru aus Rochester/Kent, nahmen sie die Platte im Januar 1991 in nur drei Tagen auf. Keine Tricks, keine Nachbearbeitung - nur übersteuerte Pegel, Live-Energie und Haltung. Childish klebte die Anzeigen am Mischpult ab, mischte nach Gefühl und erklärte, dass jeder Mix höchstens 30 Minuten dauern dürfe. Das Ergebnis ist ein Meilenstein: ein raues, kompromissloses Album zwischen 60s-Garage, Punk und politischer Dringlichkeit. Songs wie "80 Millionen Hooligans" spiegeln die aufgewühlte Stimmung der frühen Nachwendezeit - Wiedervereinigung, Fremdenhass, Orientierungslosigkeit - und wirken heute wie ein unheilvolles Echo ihrer Zeit. Punkrock wurde zum Kultdokument einer Ära des Aufbruchs und der Widersprüche. 2009 wurde das Album remastered - der rohe Geist blieb, nur klarer denn je. Ungefiltert, übersteuert, unvergesslich - Punkrock, das Statement einer Band, die keine Kompromisse kannte.

Strut Records presents a fresh look at Oblivion Express, the 1971 album that marked Brian Auger’s shift into a new musical frontier. After years spent shaping the sound of British jazz-soul with the Trinity, Auger stepped into the new decade with a leaner, electrified ensemble and a renewed sense of purpose. This record captures the moment that transformation took shape.

Oblivion Express introduced a sound that was distinctly Auger’s own. Rather than echoing the fusion emerging in the United States, Auger developed a language rooted in the UK’s jazz underground, culminating in a spaced out jazz- rock / prog-fusion album awash with larger than life drum fills and Auger’s virtuosic organ playing. Between bassist Barry Dean and drummer Robbie McIntosh the album moves effortlessly between tight, articulated phrases and broader, improvisational passages. The trio’s interplay forms the backbone of the album and sets the tone for the sound that would define the early years of the Express.

Album opener “Dragon Song” launches with a restless drive that immediately signals Auger’s new direction. Auger chose to record this version of John McLaughlin’s piece (his friend and former bandmate in 'The Niddy Griddys') after hearing McLaughlin’s album Devotion during its mix at New York’s Record Plant Studios. Auger was blown away, recalling, “Oh my god, this is amazing. I wanted to record that myself - and I did!”. Pieces like “Total Eclipse” demonstrate the Oblivion Express’ command of dynamic contrast, and title track “Oblivion Express” explores the cinematic and compositional prowess of the group through stripped back, building moments vs. explosive melodic breakdowns. Riff-heavy “The Sword” later became known through Madlib’s usage in 2014 tracks “Yeti Movie” and “Parodies”.

In retrospect, Oblivion Express stands as a jazz leaning, prog-rock masterpiece and foundational moment in Auger’s catalogue. It captures the starting point of a new sound that is more focused, more urgent, and fully committed to the possibilities of jazz-rock at the dawn of the seventies. The album remains a vivid document of a band discovering its identity and setting the stage for the further array of influential releases that would follow.

Kalipo kündigt sein fünftes Solo-Album mit Titelsong ‚Alles' auf Iptamenos Discos an!

Der in Berlin-ansässige Multinstrumentalist Jakob Häglsperger ist seit fast zwei Jahrzehnten einer der umtriebigsten deutschen Produzenten. Neben unzähligen Hits, sechs Alben mit seiner Band Frittenbude und vier von der Presse gefeierten Solo-Alben als Kalipo gründete er nebenbei 2020 - gemeinsam mit Local Suicide - die Band Dina Summer, ein weiteres Nebenprojekt welches seit dem international Wellen macht.

Mit über 30 Millionen Streams und weltweitem Radio-Airplay, verbindet sein Soloprojekt elektronische Intensität mit emotionaler Tiefe irgendwo zwischen Clubkultur und Indie-Ästhetik. Geradlinige, treibende, im Krautrock verwurzelte Beats treffen auf markante, von Electroclash, House und Techno der 2000er und 2010er Jahre inspirierte Melodien.

Mit fünf Soloalben und einem breiten Katalog von Remixen und Singles auf renommierten Labels wie Ki Records, Get Physical, Audiolith Records, Iptamenos Discos und Heimlich hat sich Kalipo einen festen Platz in der Szene erarbeitet. Seine Veröffentlichungen wurden unter anderem von Medien wie TAZ, Spiegel Online, Rolling Stone, Musikexpress, DJ Mag, Mixmag, Tsugi und Resident Advisor gelobt.

Das neue Album kommt mit einer ordentlichen Portion Darkness, schwebenden Gitarren und einem stampfenden Beat daher. Darüber singt Kalipo mal auf deutsch mal auf englisch lässig über das Loslassen von inneren Ängsten, Beziehungen und alltägliche Lasten. Ohne seine Fans zu verschrecken schafft er auch auf ‚Alles' wieder einen stimmigen Spagat zwischen Clubmusik und klassischen Songstrukturen.

Johnny Cash (1932–2003) was a legendary singer-songwriter whose deep voice and storytelling made him one of the most influential figures in American music. Blending country, rock, folk, and gospel, he created timeless songs like “I Walk the Line,” “Ring of Fire,” “Folsom Prison Blues.”, “I Got Stripes,” and “Oh Lonesome Me.” Known as The Man in Black, Cash’s music spoke to themes of love, faith, and redemption, leaving an enduring mark on generations of artists.

San Francisco–born singer-songwriter Ben Kweller returns with Cover The Mirrors, his seventh studio album — and perhaps his most personal work to date. Known in the late ’90s as a member of post-grunge outfit Radish, who were signed to Mercury Records and even counted Nils Lofgren among their fans, Kweller has since carved out a long and prolific solo career rooted in melodic indie rock and unfiltered emotion. Cover The Mirrors is a deeply poignant record, written in honour of what would have been Kweller’s late son Dorian Zev’s 19th birthday. It also marks Kweller’s first release since Dorian’s tragic passing in 2023 — an event that reshaped both his life and his music. Far from retreating into silence, Kweller channels his grief into a collection of songs that explore loss, love, and renewal with raw honesty. “This is the most personal, emotionally raw project I've ever worked on,” he reflects, and every track bears that truth. The album features an impressive roster of collaborators from across the indie landscape: Waxahatchee joins on “Dollar Store,” a sparse and arresting song built on two vocals and a guitar that eventually erupts into a distorted, soaring finale; MJ Lenderman lends his touch to “Oh Dorian,” a tender tribute steeped in warmth and melancholy; Jason Schwartzman resurrects his mid-aughts project Coconut Records for the haunting “Depression”; and psych-rock icons The Flaming Lips appear on the shimmering, otherworldly “Killer Bee.” Musically, Kweller’s craft is as sharp and sincere as ever — intimate yet expansive, stripped-down yet powerful. Cover The Mirrors captures an artist walking through grief with purpose, turning heartbreak into something both fragile and transcendent. It’s the sound of Ben Kweller looking loss directly in the eye — and finding beauty, courage, and connection reflected back. - “One of the great American songwriters” – Jack Antonoff TRACKLIST: A1. Going Insane A2. Dollar Store (feat. Waxahatchee) A3. Trapped A4. Park Harvey Fire Drill A5. Depression (feat. Coconut Records) A6. Don't Cave B1. Optimystic B2. Brakes B3. Killer Bee (feat. The Flaming Lips) B4. Letter To Agony B5. Save Yourself B6. Oh Dorian (feat. MJ Lenderman) Clear Vinyl LP

Squares have been throwing intimate parties through the London underground for the last several years. For their first record, they’ve curated a VA with close affiliates to capture dark sounds that have left a mark. On the A1 is Squares co-founder Guzman with “Tangent”, which is stripped back, ethereal and electro-tinged.

A2 welcomes Terraflow with “Clip”, showcasing his excellent take on proggy trance influences and infectious rhythms. The flipside starts with Oho’s “Wicked”, a pumping, dubby techno roller. Finally, on the B2 is Roto with “Stormrider” which has hard hitting drums and a bassline full of attitude.

Colemine Records freut sich, eine spezielle 10-Jahres-Jubiläumsausgabe von ,Sound of Sinning", dem bahnbrechenden Studioalbum von Monophonics, zu präsentieren. Seit ihrer Gründung im April 2015 tragen Monophonics stolz die Fackel der reichen Musikgeschichte und -kultur San Franciscos durch die Generationen bis in die heutige Musiklandschaft. Sie halten an Traditionen fest, sind aber keineswegs Puristen, sondern spielen ihre eigene Musikrichtung, die als ,Psychedelic Soul" bekannt ist. Auf ihrem vorherigen Album ,In Your Brain" ließ sich die Band von Acts wie den frühen Funkadelic, Sly and The Family Stone und den von Norman Whitfield produzierten Platten der Temptations beeinflussen. ,Sound of Sinning" markierte den Beginn des Wachstums der Band in allen Bereichen. Mit Einflüssen aus Northern Soul, Doo-Wop, Rock ,n` Roll, Psych Pop und Filmmusik zeigen Monophonics ihre Vielseitigkeit, bleiben aber ihren Wurzeln treu. Insgesamt ist es herzliche Musik mit Old-School-Vibes, ohne dabei die Gegenwart aus den Augen zu verlieren. Diese Musik ist geprägt von dem zeitlosen Gefühl, als man noch Songs schreiben und produzieren konnte, die man sich immer wieder anhören konnte. ,Sound of Sinning" wurde von Kelly Finnigan & Ian McDonald produziert und auf einem alten Tascam-Acht-Spur-1/4-Zoll-Bandgerät in den Transistor Sound Studios in San Rafael, Kalifornien, aufgenommen. Seit ,Sound of Sinning" hat die Gruppe das von Kritikern hochgelobte Album ,It's Only Us" (2020) und das Konzeptalbum ,Sage Motel" (2023) veröffentlicht, das sich über 10.000 Mal verkauft hat. Die Band tourt weiter, hat kürzlich eine Reihe von Shows mit dem legendären Lee Fields absolviert und steht vor einer internationalen Tournee für 2025.

Bellbird hat seinen Namen und seine musikalische Inspiration von dem Vogel, der für einen der lautesten und markantesten Rufe im Tierreich bekannt ist. Die Band beschäftigt sich mit Themen wie der Verbundenheit zwischen Musikern, Genres und der Natur. Ihr zweites Album und erstes für Constellation, The Call, ist direkt vom Weißglockenvogel inspiriert, dessen extremer, unverwechselbarer Ruf analysiert und direkt in den explosiv schönen Titeltrack des Albums eingewoben wurde. Das in Montréal ansässige Quartett bestehend aus Claire Devlin (Tenorsaxophon), Allison Burik (Altsaxophon, Bassklarinette), Eli Davidovici (Bass) und Mili Hong (Schlagzeug) begann während der Pandemie bei Park-Jams zusammen zu spielen, inspiriert von der Jazz- und Free-Improvisationsszene, die sich um das Café Résonance gebildet hatte. Aber die vier Montrealer Neuzuzügler fanden erst nach einer Einladung zum Ottawa Jazz Festival 2021 als Bellbird zusammen und haben seitdem ihre Harmonie und ihren gemeinsamen Sound durch jahrelanges Touren und Zusammenspiel verfeinert. Das Quartett geht über sein gefeiertes, 2023 selbst veröffentlichtes Debütalbum ,Root in Tandem" hinaus und setzt auf einen stark kollaborativen Kompositionsprozess. Nachdem sie zuvor die Kompositionsaufgaben aufgeteilt hatten, entstanden die acht Songs auf The Call aus musikalischen Workshops und Improvisationsspielen, wobei sie sich auf Gedichte und Gespräche stützten, die sie während ihrer Aufenthalte außerhalb der Stadt ausgetauscht hatten. Das Ergebnis ist ein kraftvolles, stimmiges Statement, das ihre jazzzentrierte Instrumentierung mit Einflüssen aus Rock, Fusion und Folk verbindet, von Mingus und Eric Dolphy bis hin zu Ornette Colemans Prime Time und Indie-Rock. Ein wesentliches Merkmal ihres Sounds ist, wie sie die üblichen Rollen ihrer Instrumente umkehren, wobei die Blasinstrumente rhythmische Muster und unterstützende Texturen einsetzen, während Akustikbass und Schlagzeug die Form bestimmen. Dieser Ansatz ist ein Mikrokosmos der egalitären Ethik der Band: Sie agieren als echtes Kollektiv, ohne ihre individuellen Stimmen zu opfern. Das Album schafft einen Ausgleich zwischen kraftvollen Kompositionen wie dem Titelsong ,The Call" und Momenten, in denen die Band das Tempo drosselt, um sich der thematischen Einfachheit hinzugeben, wie in ,Soft Animal" und ,Phthalo Green". Im Gegensatz zu ihrem Debütalbum, das in der Stadt erarbeitet, aber auf dem Land aufgenommen wurde, wurde ,The Call" im legendären Hotel2Tango in Montréal von der Toningenieurin Sylvaine Arnaud aufgenommen, die die rohe Energie der Live-Auftritte der Band einfängt. Die Produktion verzichtet weitgehend auf eine traditionelle Ästhetik und setzt stattdessen auf kraftvolle Drums und einfallsreiche analoge Bearbeitung, die die viszerale Wirkung der Musik unterstreichen. Obwohl die Musik oft melodisch reichhaltig und zugänglich ist, scheut sich die Band auch nicht vor ,hässlichen" Klängen und nutzt Multiphonics, gestrichenen Bass und metallische Texturen, um eine Klangpalette zu schaffen, die ebenso eindringlich und naturalistisch wie explosiv ist. Das Album ist sozial und politisch engagiert und ein Beweis für die tiefgründige Musik, die nicht von einem einzelnen Leader, sondern von einem zutiefst einfühlsamen Quartett geschaffen wurde, das als Einheit zuhört, reagiert und kreiert. The Call vermittelt die Gefühle der Band zur Klimakrise und zur globalen Solidarität, wobei einer der zentralen Titel des Albums, ,Blowing on Embers", ausdrücklich einem freien Palästina gewidmet ist. The Call ist ein entscheidender Schritt nach vorne, ein einheitlicher Aufschrei einer Band, die ihre kraftvolle kollektive Stimme voll und ganz gefunden hat.

Voivod wurde 1982 in Jonquière, Quebec, von Sänger Denis „Snake“ Belanger, Gitarrist Denis „Piggy“ D'Amour, Bassist Jean-Yves „Blacky“ Thériault und Schlagzeuger Michael „Away“ Langevin gegründet und nahm eine Reihe von Demos auf, bevor Brian Slagel auf die Band aufmerksam wurde und einen Vertrag mit Metal Blade Records unterzeichnete. Das Ergebnis war das furiose Debütalbum „War And Pain“, das im August 1984 veröffentlicht wurde. Zu dieser Zeit teilten sich alle vier Mitglieder eine Wohnung in Montreal und lebten von 150 Dollar Sozialhilfe pro Woche. Da sie die Schule bereits hinter sich hatten, konnten sie fast jeden Tag proben, was zur Entstehung ihres zweiten Albums „Rrröööaaarrr“ führte. Während der Aufnahme des Albums wurde fast die gesamte Ausrüstung aus dem Proberaum gestohlen. Um Geld aufzutreiben, organisierte die Band zusammen mit ihrem Manager Maurice Richard das legendäre „World War III“-Festival. Dort lernten sie Karl-Ulrich Walterbach kennen, der Voivod davon überzeugte, bei seinem Label Noise Records zu unterschreiben. Nach „Rrröööaaarrr“ von 1986 hieß Voivods zweites Album für Noise „Killing Technology“ und gilt weithin als der größte kreative und klangliche Sprung der Band. Es wurde in West-Berlin unter den wachsamen Augen von Harris Johns aufgenommen und kam 1987 auf den Markt. Weniger hektische Kompositionen wie „Tornado“, „Ravenous Medicine“ oder „Killing Technology“ hoben die Kanadier schnell von ihren Thrash-Zeitgenossen ab. „Rrröööaaarrr„ haben wir mit unserem Tontechniker in einer heruntergekommenen Schule ohne Geld selbst produziert“, erklärt Michael Langevin in dem Buch „Damn The Machine. The Story Of Noise Records“ des amerikanischen Autors David E. Gehlke. „Plötzlich hatten wir ein professionelles Umfeld, ein richtiges Studio mit einem richtigen Produzenten und ein Label, das die Finanzierung sicherstellte. Es ging Schritt für Schritt. Für „Killing Technology“ haben wir vielleicht ein bisschen langsamer gemacht. Wir konnten die Rollen spielen, und es hat viel Abwechslung. Es ist mein Lieblingsalbum und in meinen Ohren die perfekte Mischung aus Thrash, Prog und Hardcore. Es ist definitiv ein entscheidendes Album.“

In der Evolutionsbiologie beschreibt der Begriff ,Spandrel" die Merkmale eines Organismus, die nicht fürs Überleben wichtig sind und keinen offensichtlichen Zweck haben. Das Wort kommt aus der Architektur und bezeichnet die dreieckigen Räume in den Ecken eines Bogens: kleine ästhetische Elemente, die für Symmetrie sorgen und Grenzen markieren. Die Musikerin und Sängerin Evita Manji stellt auf ihrem Debütalbum eine undurchsichtige Frage und fragt sich angesichts eines großen Verlusts, welche Teile von uns zum Durchhalten beitragen und welche vielleicht nur Deko sind. Ihre Tracks, die aus den Dämpfen zeitgenössischer Clubmusik, Barock-Pop und experimentellem Sounddesign zusammengesetzt sind, sind für Manji eine Möglichkeit, ihre Beziehung zur Welt im Allgemeinen und zu sich selbst im Besonderen zu untersuchen, Kontrollsysteme zu zerlegen und die Vernetzung hervorzuheben. Manji ist seit einigen Jahren eine ätherische Präsenz in der Szene und arbeitet als Soundkünstler und Kreativdirektor mit zahlreichen Künstlern zusammen. Letztes Jahr starteten sie ihre eigene Plattform myxoxym, wo sie zwei Singles aus ,Spandrel?" veröffentlichten und eine ambitionierte Fundraiser-Compilation mit Rainy Miller, Palmistry, Cecile Believe und anderen zusammenstellten, um Geld für den griechischen Tierschutzfonds ANIMA zu sammeln. Manji trat weltweit auf Festivals wie Unsound, Lunchmeat und Rhizom auf, spielte in Clubs in Berlin und London und wurde ausgewählt, die Plattform Shape+ im Jahr 2022 zu vertreten. Diese Erfahrungen fließen in ,Spandrel?" ein und helfen ihnen, ein komplexes künstlerisches Gewebe zu weben, das weit unter die Oberfläche des Daseins blickt und versucht, das Unheil des globalen Klimawandels mit Themen wie Selbstverwirklichung, Liebe und körperlicher Autonomie in Einklang zu bringen. Das Album beginnt mit dem Titeltrack, einer einleitenden Zusammenfassung, die die Zuhörer auf das vorbereitet, was sie gleich hören werden. Manjis Gesang schwingt mit einem eingestöpselten Gefühl kybernetischer Melancholie und filtert die Flut von Rhythmen und harmonischen Themen der Welt zu geschmeidigem, clubtauglichem Pop, der von ihrer fortschrittlichen Klangwelt getragen wird. Von dort aus werden wir in die Traurigkeit des atmosphärischen Klagelieds ,Pitch Black" hineingezogen, einer Meditation über den Tod, die tiefe Bässe unter Schichten von choraler Glückseligkeit versinken lässt und an die Kirche und die Tanzfläche erinnert, ohne die Kraft der beiden gegensätzlichen Elemente zu opfern. Ihre Dunkelheit wird in ,Oil Too Much" von innen nach außen gedrängt, einem Kommentar zur Ölindustrie aus der Perspektive des Tierreichs, der gleichzeitig als neonfarbener Ausdruck der zeitgenössischen Depression dient. Aber in ,Body/Prison" klingt Manji am offensten, spricht ehrlich über die dunkelsten Momente ihres Lebens und gesteht ihre tiefsten Gefühle über sengende, von Trance inspirierte Synthesizer und groteske Percussion. ,Spandrel?" ist ein Album, das Zeit braucht, um sich zu entfalten, und Manjis Themen hallen durch eine Geschichte wider, die älter ist als die Popmusik. Es ist tragisch, romantisch und poetisch und weigert sich entschieden, sich von den drängendsten Themen unserer Zeit abzuwenden.

Mit "Eon of Obscenity" erreicht die texanische Brutal-Death-Metal-Band STABBING neue Höhen der klanglichen Vulgarität. Das Album ist gespickt mit unerwarteten Momenten verdrehter Technizität und sinneszerstörender Kraft. Das Debüt des Quartetts beim Label Century Media übertrifft, überrollt und vernichtet die Konkurrenz gänzlich. Mit Tracks wie "Inhuman Torture Chamber" nimmt Sängerin Bridget Lynch ihren Platz als eine der kraftvollsten und markantesten Stimmen des Genres ein und macht ihrem ehemaligen Tourkollegen Ricky Meyer von Suffocation mit dem Track "Nauseating Composition" ordentlich Konkurrenz. Nachdem sie sich in der Underground-Szene einen Namen gemacht haben, mit Sanguisugabogg und 200 Stab Wounds (u. a.) auf Tournee waren und beim Maryland Deathfest und Milwaukee Metalfest bahnbrechende Auftritte geliefert haben, setzen STABBING neue Maßstäbe in Sachen Brutalität - und legen ohne Kompromisse noch eine Schippe drauf.

2026 repress !

Nous'klaer Audio presents Martinou - Chiral, the follow full-length up to his 2021 album Rift. This time nine tracks across two vinyls. An album flowing 'in a way' like Rift, but it's different: More outspoken, heavier sound design and it peaks on a blissful note. ''Open up the blinds and take me there. We'll break the surface tension. We'll dive in. I'm locked in your devotion. You give an inclination to our demise. It will be our exit. To bliss, we'll be its guardian. Once there was love. Clear as glassy water. No ripples, no waves. I followed while you led. Our arrival was warm. Hot, even. Stunning to a startling degree. Hands intwined, frolicking towards the blue. Hours passed, and white heat cede to an orange hue. We cooled down. Red. We rallied. Black. It began. Into the deep darkness we ran. White sand, it has a tendency to get everywhere. Salt water will only dehydrate you more. Shriveled and dry. Scratchy and coarse. More. And then we were lost. Fingers once locked grew distant. Morning, dear. Where have you gone? We looked. A glimpse from afar. Red. We rallied. Shall we share a bottle of wine? Black, lost again. Afternoon, friend. Where were you? Red. Alone. Black. We rallied. Shall we try somewhere new? Sand and salt. Evening, sir. Reservation for one? Reservations a plenty, I say. Evening, miss. Dining alone? Aren't we all? Dining, miss, not dying. Oh, yes, alone. Black. Sand and salt. I found you. No. No. Wait, do I know you? You feel like a dream. Don't touch me. Move along, sir. Who are you? Leave. Who are you? Where did you go? Keep moving. I am, I will. Time to move on. I'm moving! Leave. Don't touch me. Leave. Why are you? Exit. Purple. Orange. Yellow. White. Blue. Morning, dear. Shall we have breakfast? I think I'll sleep some more. But it's our last day. I know. See you downstairs when you're ready. OK. I open up the blinds. A bird breaks the surface tension. Locked in. To Devotion? No. Demise. An inclination. Reverie. Take me there. Where? Exit (To Bliss) '' Text by Gregory Markus