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"Graze the Bell" ist eine Sammlung von bewegenden, faszinierenden Solo-Klavierstücken und das bisher reinste Werk von David Moore. Bekannt für seine atmosphärischen Kompositionen mit Bing & Ruth sowie seine Zusammenarbeit mit dem Gitarristen Steve Gunn und Cowboy Sadness, ist dies Moores erstes weit verbreitetes Solo-Klavieralbum. Wie das Albumcover - ein Foto, das Moore von Hand bestickt hat - abstrahiert die Musik persönliche Erfahrungen zu transzendenten Eindrücken. Moore nutzt sein Klavier, um meditativ die Conditio Humana zu erforschen, und macht "Graze the Bell" zu einem Zufluchtsort des Klangs. Im Laufe ihrer zahlreichen Veröffentlichungen haben Bing & Ruth häufig ihre Form und ihren Sound verändert, sich zu einer fünfzehnköpfigen Gruppe entwickelt und sind schließlich zu einer Trio-Konfiguration gelangt. Ihr jüngstes Album ,Species" stellte Moores Farfisa-Spiel in den Vordergrund, während eine nachfolgende EP mit dem gleichen Namen seine Solointerpretationen des Albums enthielt. Dieser lange Prozess der Destillation konzentrierte sich stets auf Moores Kompositionen für das Klavier und sein Verständnis davon. Nach zwei Jahrzehnten gefeierter Ensemblearbeit ist das Erscheinen von ,Graze the Bell" ein Moment, in dem sich der Kreis schließt, eine Heimkehr - nicht einfach zu einem Ort oder einer Zeit, sondern zu einem leuchtenden Zentrum, das beides übersteigt. Einige der Stücke auf ,Graze the Bell" waren ursprünglich für ein Album von Bing & Ruth geplant, wurden aber schließlich als Soloprojekt neu konzipiert. Moore nutzte nur das Klavier und versuchte, die bewährten Methoden, die er im Laufe der Jahre entwickelt hatte, weiter auszubauen. ,Ich möchte mich weiterentwickeln", sagt er, ,und dogmatische Denkweisen hinterfragen." Er öffnete sich aktiv für Experimente und suchte nach einer tieferen Präsenz in seinem Spiel, wobei er seine Beziehung zum Klavier und zum Leben neu bewertete. Moores Musik basiert zwar auf komponierten Noten und schöpft aus Lebenserfahrungen, doch die Quelle seiner Inspiration bleibt eher unbeschreiblich. Indem er Letzteres bewusst pflegte, entwickelte er eine natürliche Fähigkeit, sich in einen tranceähnlichen Zustand zu versetzen. Moore kann sich mit dieser Absicht hinsetzen und ist ,innerhalb weniger Sekunden" ,vollkommen dort". Von der ersten bis zur letzten Note basiert das Album auf dem atemberaubenden Klang eines ,bestialischen" Steinway Model D aus Hamburg von 1987. Dies hängt zum Teil mit seinem subtilen Spielstil zusammen, der manchmal an Stille grenzt. Moores anmutige Herangehensweise gibt dem Klang Raum und offenbart Nuancen des Klaviers, die viele Spieler gewöhnlich ignorieren würden. Solche Nuancen wurden während der Aufnahmen des Albums im renommierten Oktaven Audio in Mt. Vernon, New York, gepflegt. Der Klang des Steinway-Flügels des Studios wurde unter der Produktionsleitung des Grammy-Gewinners Ben Kane mit Unterstützung von Owen Mulholland lebhaft eingefangen. Um Moores experimentellen Ansatz zu unterstreichen, setzten sie Pitch-Correcting-Software kreativ ein, um die verschiedenen Register des Klangprofils des Klaviers zu orchestrieren. Der Ausdruck ,graze the bell" (die Glocke streifen) kam Moore vor Jahren aus heiterem Himmel in den Sinn. Er fand ihn poetisch und blieb ihm im Gedächtnis haften. Moore, der lange Zeit daran geglaubt hatte, dass das Leben eine Reise ist, an deren Ende man etwas erreicht oder ankommt, und dies zunehmend in Frage gestellt hatte, fand zunehmend mehr Sicherheit darin, einfach da zu sein, wo er ist. ,Es gibt keinen Gipfel - und keinen Weg dorthin", schreibt er. ,Nur die Hoffnung, dass wir, wenn wir Glück haben, gelegentlich die Glocke streifen." Und diese Erkenntnis hat er in sein Klavierspiel einfließen lassen. Mit diesem Album hat er sich bewusst dafür entschieden, Eigenheiten, sowohl seine eigenen als auch die des Instruments, voll und ganz anzunehmen. Anmut, subtile Klänge, rohe Gesten und glückliche Zufälle werden hier geschätzt. Die Stickerei auf dem Cover zeigt seine Frau beim Drachensteigen an der Küste von North Carolina. Sie wurde während der Abmischung des Albums über zehn Monate hinweg methodisch mit Kreuzstich gestickt, und viele persönliche Lebensereignisse - traurige und hoffnungsvolle - sind in seine Handwerkskunst eingewoben. Da Moore selbst mit einer bipolaren Störung zu kämpfen hat, dienten sowohl das Album als auch die Stickerei als kathartische Mittel der Meditation für ihn. Moores Klavierspiel enthält eine versteckte Karte persönlicher Erfahrungen, die bezaubernde Wiederholung seiner Melodien navigiert seinen Weg und unseren durch die Skalen des Raums. Moores Musik weckt verborgene Gefühle, erweckt uns und erinnert uns an unser gemeinsames Zentrum. In einer Zeit, in der unsere Menschlichkeit regelmäßig abgelenkt und beeinträchtigt wird, lässt ,Graze the Bell" das Herz erklingen, das wir als unser wahres Zuhause kennen. David Moores "Graze the Bell" wird über RVNG Intl. veröffentlicht - eine spirituelle Heimkehr, wenn man so will.

L. Eugene Methe is an Omaha based singer-songwriter and musician with a discography spanning over twenty years. His last two lyrical based albums were released on Grapefruit Records. As a studio musician he has contributed violin and piano on a diverse group of albums by Simon Joyner, Refrigerator, Mountain Goats, the Renderers, Naturaliste, Expensive People and many more.

Dennis Callaci from the band Refrigerator has released collaborative records with John Davis, Heimito Kunst, Simon Joyner and others as well as a myriad of solo LPs over the last 35 years. He runs the Shrimper record label. His fourth book is out in 2025 on Bamboo Dart Press.

The Last Chance Lottery is a collaborative record featuring the music of Methe and the vocals/lyrics of Callaci. Cinematic and outre in tone, the record does not forsake melody or tunesmithery, but strips much of it bare to paint it with surprising found sounds, abstraction and a balance between what these two fellas do best. The album was mastered by Al Jones as Marginal Frequency to further tightrope those two worlds. Features cover art and liner notes by Callaci.

Redman recently sampled Betty Chung's "Bang Bang" on "LaLaLa" which Canadian edit maestro Jim Sharp adds his magic to on this double sided banger again championed by Japan's 45 King DJ Koco - don't sleep!

Editions Mego is proud to release the new album by Australian producer Jasmine Guffond. Developed over a two year period, Microphone Permission is an unsettling musical journey utilising contemporary tools of communication to display Guffond's ongoing research into online surveillance and sound as a method of investigation.

Source material on Microphone Permission are from various projects Guffond has been working on; a commission to sonify the data of the city of Melbourne, a dance performance about the future sounds of an extinct forest, an installation that sonifies Twitter meta data in real time, a job as a composer for a theatre work about music and feminism by five young female identifying performers in Western Sydney and a site specific installation at the Linachtalsperre dam that employed the harmonic frequencies of electric currents.

The results are a stark, brooding, disorientating journey into a paranoid musical field that sits somewhere between ambient club music and a dystopian soundtrack. Elements of techno, classical music and sound art form a dark intriguing masterwork that questions the nature of invasive, algorithmic and computational listening practices.

For example Microphone Permission refers to the consent we routinely give when installing various apps. onto our smart devices. Inspired by a 2018 scandal in which fans of Spain's most popular soccer team were effectively turned into unwitting spies by granting the La Liga application microphone permission. No matter which make or model, all smart devices are built with a microphone that is by default, forever listening. Listening in these situations often takes on an algorithmic form that enables tech developers to bypass public response to what is intuitively considered invasive practice, that is, traditional modes of eavesdropping such as using the microphone to listen and record audio.

Pullman ist eine im Studio entstandene Akustik-Supergroup, die Ende der 90er Jahre aus der Post-Rock-Szene Chicagos hervorging und Ken ,Bundy K." Brown (Tortoise/Directions in Music), Curtis Harvey (Rex), Chris Brokaw (Come) und Doug McCombs (Tortoise/Eleventh Dream Day) vereinte. Später kam Schlagzeuger Tim Barnes hinzu, wodurch die Kernbesetzung der Gruppe gefestigt wurde. Ihr Debüt bei Thrill Jockey gaben sie 1998 mit "Turnstyles & Junkpiles", einer leisen, live auf zwei Spuren aufgenommenen Sammlung verwobener Gitarrenklänge, die Kritiker mit John Fahey, Leo Kottke und Gastr del Sol verglichen. Ihr Folgealbum "Viewfinder" (2001) erweiterte die Palette um Percussion, subtile elektrische Texturen und Mehrspur-Layering, wobei die rustikale, filmische Zurückhaltung von Pullman beibehalten wurde. Mit beiden Alben wurde die Band zu einem Maßstab für akustische, songorientierte Instrumentalmusik: folkig im Geist, postrockig in der Methode und zeitlos im Klang. Zwei Jahrzehnte später kehrt Pullman mit "III" zurück, einem Album, das von Freundschaft und Widerstandsfähigkeit geprägt ist. Im Jahr 2021 gab Barnes seine Diagnose einer früh einsetzenden Alzheimer-Erkrankung im Alter von 54 Jahren öffentlich bekannt. Trotz seines fortschreitenden Gesundheitszustands begannen er und Brown fast täglich, oft aus der Ferne, mit einem großen Kreis von Mitwirkenden aus Barnes' musikalischer Vergangenheit zusammenzuarbeiten. Was als einzelner Beitrag für eine Compilation begann, entwickelte sich nach und nach zu einem vollständigen Pullman-Album, das zwischen 2021 und 2023 fertiggestellt wurde. "III" wurde von Brown bearbeitet und gemischt, mit frühen Beiträgen von Barnes, und führt die für die Gruppe charakteristische Intimität und Räumlichkeit fort, während es gleichzeitig den Geist der Gemeinschaft verkörpert, der ihre Arbeit seit jeher geprägt hat. "III" ist sowohl eine Fortsetzung der einzigartigen Ästhetik von Pullman als auch ein Beweis für die nachhaltige Kraft der Musik und schwebt mit der stillen Schwere der Erinnerung, der Beharrlichkeit und der Anmut.

The capstone of Miles Davis’ electric period, Agharta reigns as a funk-rock fireball — a blazing comet streaked energy and elan, a fearless organism feasting on adventure and freedom, a seven-headed Godzilla stomping its way through Osaka, Japan. Recorded on February 1, 1975 at Osaka Festival Hall at the first of a two-show stand, the double album offers an endless abundance of surprises and shifts — as well as a road-proven ensemble whose chemistry and abilities equal that of any of Davis’ celebrated bands. If the true measure of jazz is the capacity to adapt to the moment and challenge perception, Agharta is consummate.

Sourced from the original master tapes, housed in a Stoughton gatefold jacket, and pressed at Fidelity Record Pressing in California, Mobile Fidelity’s numbered-edition 180g 33RPM 2LP set of this epic live release presents it in audiophile sound on a domestic pressing for the first time. Offering greater degrees of separation, detail, and richness than the compressed CD editions and more clarity, openness, and presence than older vinyl copies, this version of the 1975 release helps bring the concert stage to your home. Just make sure your turntable and speakers are up to the challenge of Davis and Co.’s explosive performances — and producing the decibels they demand.

Teeming with vibrant colors, tones, and pace, Mobile Fidelity’s reissue captures the hear-it-to-believe-it flow, sweep, and moodiness of the music. Though the group honors looseness and freedom with religious verve, the specificity and scale rendered by this remaster allows you to detect methods behind the alleged madness that are often otherwise harder to discern. This insight extends to the understated changes in volume, harmonics, and phrasings. In many ways, you can listen as Davis himself did that early February evening as he helped coordinate the overall direction and decided on whether to blow his wah-wah-wired trumpet or take a turn on the organ.

Tellingly, Agharta would likely never have been made if not for Davis’ ventures overseas and, specifically, to the Land of the Rising Sun. Having for years faced a backlash on his native soil for his choices to experiment and blow past all known borders, Davis was welcomed with open arms in Japan. The concert documented on Agharta — as well as the day’s later show, captured on the equally exciting Pangea — stemmed from a sold-out three-week tour that would ultimately mark Davis’ final public appearances for years, as he soon settled into semi-retirement and nursed the wounds connected to an unprecedented stretch of restless and relentless output.

For all the band-fueled merit of Agharta — and there’s plenty, given the cast of saxophonist Sonny Fortune, bassist Michael Henderson, drummer Al Foster, percussionist James Mtume, and guitarists Reggie Lucas and Pete Cosey seemingly blasts off to outer space and travels distant galaxies by the time this minimally edited record runs its course — Davis’ own playing often remains overlooked. As critics Richard Cook and Brian Morton observed, it is “often fantastically subtle, creating surges and ebbs in a harmonically static line, allowing him to build huge melismatic variations on a single note.” He attacks like a man on a mission, out to prove naysayers wrong and bent on trailblazing another new path forward. Convention and skeptics be damned.

Noisy and furious, dark and discordant, abstract and off-balance, radical and intense, abrasive and atmospheric, strangely beautiful and hypnotically eccentric: Agharta evades simple description, and refuses to be pinned down in any established category — rock, jazz, punk, ambient, prog, avante-garde, or otherwise. Shot through with trench-deep grooves, screaming riffs, scalding solos, and free-improv leads, its cosmic thrust comes on as the equivalent of an animated pointillist painting comprised of millions of textured dots, dashes, and dabs that hold your attention so raptly you want to revisit the ideas again and again.

Always steps ahead of everyone else, Davis knew what he was doing even when Agharta debuted in Japan before later hitting U.S. markets. Though “Maiysha” and “Theme from Jack Johnson” are identified in the track listing, the record contains a number of uncredited references to other Davis works, including a nod to “So What.” This decision to bypass labels only adds to the art of the reveal — the rare black magic in which Agharta expertly deals.

‘Get A Life, Listen To Autumns’ is a statement that tells you everything you need to know about the quality and attitude of the Irish producer’s latest EP. His DNO debut presents five tracks of steel-studded EBM and industrial run through with his trademark dub aesthetics.

A1 ‘100 Ways To Get Fucked’ — another bold title — struts its stuff to a methodical stomp; strained vocals pulled out of shape and fed back into macabre forms; low-end chugging like some smoke-billowing, grease-slicked machine.
‘Let It Melt’ picks up the pace, making judicious use of the reverse function, while subtle acid chirps and woozy arpeggios provide a chaotic, though not unpleasant, dissonance that induces a feeling of headrush.
‘Petted’ swaggers like sex incarnate, alongside snatches of diva vox and the kind of sweeping space-age pads that Holst might have used had he been born a century later, seemingly taking cues from the hot and sweaty nights of ’80s Chicago.

Over on the B-side, ‘LDRO’ sets its kicks and snares thrusting at full tilt over an inexorable bassline; Autumns’ favourite effect, delay, keeping things squelching like the jellified flesh of a ballistics dummy.
And to finish, ‘God’s Gift’ drops down to a sludgy rhythm — though with surprisingly spritely percussion — to match its tortured guitar, shrieking horns, and deadly subs. A fever dream of twisted metal and hot breath, like the gradual slowing after the climax of debauchery.

Marking a sultry new route for DNO, Autumns’ first for the label is confident, confrontational, and
not to be missed.

Rhythms of postmodern realism at the very bottom of the DNO.

Hip Hop icon and one of the genre’s most distinctive voices, Big L returns with 'Harlem's Finest: Return Of The King', the latest release in Mass Appeal's 'Legend Has It...' series.

Features guest appearances from Nas, JAY Z, Mac Miller, Joey Bada$$, Method Man and more

Atmosphärischer Post-Rock aus dem Chicago der Jahrhundertwende. Das Debütalbum von 90 Day Men für Southern Records erkundet die kantigen Küstenlinien des No Wave mit acht hypnotisierenden Tracks. Diese erweiterte 25-jährige Jubiläumsausgabe enthält ein unveröffentlichtes Album, das in Steve Albini's Electrical Audio aufgenommen wurde, mit Anmerkungen des Toningenieurs Greg Norman und einem neuen Master von Heba Kadry. Wir treffen uns im Jinx.

Beta Wave Vinyl. Atmosphärischer Post-Rock aus dem Chicago der Jahrhundertwende. Das Debütalbum von 90 Day Men für Southern Records erkundet die kantigen Küstenlinien des No Wave mit acht hypnotisierenden Tracks. Diese erweiterte 25-jährige Jubiläumsausgabe enthält ein unveröffentlichtes Album, das in Steve Albini's Electrical Audio aufgenommen wurde, mit Anmerkungen des Toningenieurs Greg Norman und einem neuen Master von Heba Kadry. Wir treffen uns im Jinx.

Feuerschwanz - Methämmer // 2LP Ltd. Edition - Jetzt endlich auch auf Vinyl! Für Sammler und Vinyl-Fans gibt es Methämmer jetzt als: Golden Nugget Doppel-LP 180 g schweres Vinyl Gatefold-Cover limitiert auf 2.000 Stück PO-Start: 02.10.2025 VÖ: 05.12.2025 Mit Methämmer präsentierten Feuerschwanz ihr achtes Studioalbum - und setzen damit einen wichtigen Meilenstein auf ihrem Erfolgsweg. Ursprünglich als augenzwinkernde Mittelalter-Folkband gestartet, zeigt sich hier erstmals der deutliche stilistische Wandel hin zu einem härteren, metallischeren Sound, der bis heute prägend für die Band ist. Während satirischer Humor, Gesellschaftskritik und ausgelassene Festivalstimmung weiterhin fester Bestandteil bleiben, überzeugt Methämmer auch musikalisch mit kraftvollen Riffs, eingängigen Hooks und epischen Hymnen. Einer der Höhepunkte des Albums ist der Song "Schubsetanz", der sich bis heute zum erfolgreichsten Track der Bandgeschichte entwickelt hat - mit über 10 Millionen Streams allein auf Spotify. Gemeinsam mit Titeln wie "Die Hörner hoch" oder der epischen "Krieger des Mets"-Trilogie zeigt der Song, wie gekonnt Feuerschwanz zwischen Parodie, Metal-Hymne und mitreißender Live-Energie balancieren. Methämmer markiert einen klaren Wendepunkt: Mit diesem Album legten Feuerschwanz das Fundament für ihren kometenhaften Aufstieg, der in den Folgejahren mit Chartplatzierungen an der Spitze der Offiziellen Deutschen Charts (Memento Mori, Fegefeuer) seinen bisherigen Höhepunkt fand. Die Band hat sich längst aus der Nische der Spaß-Fraktion befreit und gehört heute zu den erfolgreichsten Acts der deutschen Rock- und Metal-Szene. Jetzt erscheint Methämmer endlich auch als lang erwartete Vinyl-Ausgabe: Die auf nur 2.000 Stück limitierte und nummerierte Golden Nugget Doppel-LP kommt auf hochwertigem 180g-Vinyl im edlen Gatefold-Cover - ein Muss für Sammler, Fans und alle, die die eindrucksvolle Entwicklung dieser einzigartigen Band nachverfolgen wollen. Ein Album mit Kultfaktor - laut, lustvoll, legendär. LIVE: Lords Of Fyre Tour (Zusammen mit Lord Of The Lost) 7 Termine // 02.10. - 18.10. //Berlin - Leipzig - Offenbach am Main - Hannover - Fürth bei Nürnberg - München - Düsseldorf) Ticket: https://feuerschwanz.de/events/

Never Sleep charity tape series focuses on London's pirate radio momentous rise with a true pioneer.

Femme enterpriser DJ Rap holistifies futurism with a cacophony of Ragga, Hardcore and Transatlantic soundscapes. A bass propagation filled with landmark pointillism, matriarchal musicianship and acidic House.

Soundclashing all machismo in sight, rugged mercurial stripped back bedlam for the peak time listener. Complexificating with hypnotic FX, "WHERES THE RAVE" signalling, flawless magnetica and hyperbolic genre splicing. Rap brings the "mood", hybrid soundsystem lashing and method only she fully enablises.

Literally sleeping inside and DJing on Fantasy FM from the age of 16 (you can hear her doing the ads at the start), this mix showcases an incredible time for the burgeoning sounds of the new millenia and the rise of pirate radio across London.

DJ Rap recently released her 6th studio album and is well known for her charity work and love of club culture. A female pioneer in the UK music industry and a long lasting staple in the Electronic history lexicon.

All proceeds go to Four Paws who help Animal Welfare across the UK

Asa Moto hail from Ghent, Belgium — a city where concrete collides with cathedrals. Their music obeys the same law: rhythm wired into noise, melody bent out of shape. No genres. No safe zones.

They’ve taken this across Europe and beyond: festivals like Dour, Best Kept Secret, and Boiler Room Bangkok; clubs that shape the underground including Panorama Bar, Opium, Lux, XOYO. Sacred halls turned into dancefloors, basements stretched to capacity. Wherever they land, Asa Moto rewire the room.

Resident Advisor and the BBC were listening from the start. Altın Gün brought Asa Moto in to produce the critically acclaimed Yol (2021) — the band’s first collaboration with outsiders. Remixes for Polo & Pan, Chloé Thévenin and others spread the same edge further out — each a glimpse of their method, a vision in motion.

All signals run through Studio Martino in Ghent — their own control room for recordings, remixes, transmissions. The records surface on DEEWEE, the label founded by Stephen and David Dewaele of Soulwax/2manydjs — the only one reckless enough to carry them. The next, DEEWEE082 — Music For Disk Jockeys Pt. 1, continues the line — four tracks as proof that Asa Moto refuse limits, because the world refused them first.

Tape

Atsuko Hatano is a contemporay classical Viola player who works with electronics to add textures and layers to her sound. Located in Tokyo, Japan, she is a commanding instrumentalist and composer who constructs innovative compositions with strings and layered electronics.
Cells #5 is an orchestral collection and sequel to her previous album Cells #2 which will also be released on cassette via Imprec’s Cassauna label. Cells #5 required three years to complete and the work features the artist’s signature methodology where the instrumental performances are gradually enveloped by multiple layers of a string orchestration.
When not playing solo Atsuko is extremely active recording, collaborating and playing live with Jim O’ Rourke, Eiko Ishibashi, Mocky, Midori Hirano and many more acts.

Atsuko Hatano: Violin, Viola, Cello, Contrabass, Piano (track 1), Xylophone, Oscillator and Chorus

Guest Musicians:
Eiko Ishibashi: Piano, Marimba, Vibraphone
Yuko Ikoma: Accordion
Natsumi Kudo: Horn and flugelhorn
Icchie: Trumpet, Flugelhorn, Piccolo Trumpet
Tatsuhisa Yamamoto: Snare Drum

Composed and Mixed by Atsuko Hatano. Mastered by Jim O’Rourke. Cover by Saskia Griepink.

C"mon Tigre announces their new instrumental project,Instrumental Ensemble - Soundtrack for Imaginary Movie Vol 1. This album oï¬Çers an alternate view of cinematic music: a soundtrack composed for a fictional film using a challenging and inventive method.This project investigates an alternative approach in which music shapes and guides visual storytelling. It"s the first in a series of albums dedicated to as-yet-unmade films, enabling listeners to explore music as a key component in cinematic narrative. The original story that inspired this music was created in partnership with a large language model, which was taught and instructed in substance and style to best fit the project"s artistic concept. C"mon Tigre works with AI to achieve collaborative harmony while contemplating on the unavoidable future ahead. Each track on the album depicts a scene, delivering stories about humans jugglingpersonal issues and contacts with advanced technology. The end result is a story told by sound and text, designed to immerse listeners in a multisensory universe

Plaque is a young Bristol label which knows what’s what; always worth checking.
Tiny runs so look sharp.

"Founder of KUMP and Meth.O tapes, Lyon’s Marc-Étienne Guibert (AKA Gil.Barte) awakens his new Mert Seger moniker for a shadowy Plaque excursion. Nine slow burners strike from the murk with venomous precision."

Last Retch is a death metal band hailing from Hamilton, Ontario, Canada. Your favourite parts of OSDM - The earworms of Carcass, the driving melodic force of Bolt Thrower, and the sheer brutality of Cannibal Corpse - blended with ease and delivered with memorable ferocity. The band made their initial mark in early 2021 with a well-received demo that showcased their raw and unfiltered sound. In September 2022, Last Retch released their debut full-length album, Sadism and Severed Heads. The album comprises nine tracks, including titles like "Neurosis," "Doomrider," and the title track "Sadism and Severed Heads." The cover art was crafted by the renowned painter Paolo Girardi, adding a visual intensity that complements the band's sound. Continuing their momentum, Last Retch released the Ergotism EP on April 26, 2024. This EP features tracks such as "Scalped En Masse," "Heaving Pieces," "Doomrider II," and the title track "Ergotism." The release solidified their status as a rising force in the death metal scene. In Steel City, Abject Cruelty is unavoidable. Decaying from all angles, Hamilton represents the suffering, plight, fears, and harsh reality of our most vulnerable. Our shared indignation inspired 8 tracks of pure old-school death.