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Psychic 9-5 Club marks the beginning of a new chapter for HTRK. It's an album that looks back on a time of sadness and struggle, and within that struggle they find hope and humour and love. It's Jonnine Standish and Nigel Yang's first album recorded entirely as a duo— former band member Sean Stewart died halfway through the recording of their last LP, 2011's Work (Work, Work).
Though the record is instantly recognisable as HTRK—Standish's vocal delivery remains central to the band's sound, while the productions are typically lean and dubby—they've found ample room for exploration within this framework. Gone are the reverb-soaked guitar explorations of 2009's Marry Me Tonight and the fuzzy growls that ran through Work (Work Work). They've been replaced with something tender, velvety and polished. This is HTRK, but the flesh has been stripped from their sound, throwing the focus on naked arrangements and minimalist sound design.
The album was recorded at Blazer Sound Studios in New Mexico with Excepter's Nathan Corbin, who had previously directed the video clip for Work (Work Work) cut "Bendin." Inviting a third party into their world was no easy decision, but in Corbin they found a kindred spirit. The LP was then refined and reworked in Australia at the turn of 2013, before the finishing touches were applied in New York during the summer.
Of all the themes that run through Psychic 9-5 Club, love is the most central. The word is laced throughout the album in lyrics and titles— love as a distraction, loving yourself, loving others. Standish's lyrics explore the complexities of sexuality and the body's reaction to personal loss, though there's room for wry humour—a constant through much of the best experimental Australian music of the past few decades.
Standish explores her vocal range fully—her husky spoken-word drawl remains, but we also hear her laugh and sing. Equally, Yang's exploratory production techniques—particularly his well-documented love of dub—are given room to shine. They dip headlong into some of the things that make humans tick—love, loss and desire—with the kind of integrity that has marked the band out from day one. Psychic 9-5 Club is truly an album for the body and for the soul.

Red vinyl, limited to 1200 copies worldwide. In late November 2024 Brutus performed three sold-out shows at the legendary Ancienne Belgique venue is Brussels. A year later sees the band celebrate these shows with the release of a complete live concert movie and album from the third of these shows; sixteen songs, ninety-two minutes, this is Brutus 'Live in Brussels'. That run of three shows in Brussels marked the end of the band's touring cycle for latest studio album, 2022's Unison Life: "'Live in Brussels' is what we want to leave behind after three years of touring 'Unison Life' across more than 20 countries and almost 200 shows. We made it together with our close live crew, the same people who were with us on every step of the tour. For us those three nights in Brussels were intense but beautiful. We're proud we managed to capture it like this; a live document where picture and sound work together to put you inside that night".

Clear Red Vinyl. In den späten 1990er Jahren zog Peter ,Sleazy" Christopherson mit Jhonn Balance - seinem Lebens- und Coil-Partner - von London ins ländliche Weston-super-Mare, und schuf ein Umfeld für alles, was ,musick, musick, musick!" heißt, mit einer wechselnden Mitgliedern, darunter Thighpaulsandra. Coil's Coil verdoppelte sich fast, und inmitten dieser fruchtbaren Zeit stellte Thighpaulsandra die einfache Frage: Warum spielt Coil nicht live? Nach einer 16 Jahren Wartezeit, dank des rasanten technischen Fortschritts in Form von MacBooks, DAWs, VSTs und Plug-ins waren Coil in der Lage, ihre Musik auf die Bühne zu bringen, wie sie es sich immer vorgestellt hatten. Mit der Performance konnten sie die Risiken und Freiheiten der Echtzeit-Klangmanipulation, wie Sleazy anmerkt: ,Die Show wird Minute für Minute umgestaltet die Show Minute für Minute... die Richtung ist sehr spontan, nicht so sehr in Jazz-Improvisation, sondern in einer Art Bewusstseinsstrom - Thighpaulsandra brachte uns seine Weisheit, und er konnte uns überzeugen, dass wir es schaffen konnten." Wenn Coil live spielten, waren sie, wie eine Schlange, die sich häutet" alle sechs Monate in etwas völlig anderes; in der Vorbereitung auf das 2004er "Even an Evil Fatigue"-Liveserie vorbereiteten, begannen Coil mit der Arbeit an ihrem nächsten, die Zeit definierenden Meisterwerk Black Antlers. Black Antlers zeigt die späte Coil-Periode: reduzierter, straffer und schlanker. Die Musik wurde rhythmischer, mit einer größeren Betonung auf Beats: ,Die Songs, die wir gemacht haben, sind eher... nicht Rock im eigentlichen Sinne, aber du weißt schon, konventioneller in Bezug auf die Struktur, aber jetzt ist das, was wir tun, eine Art elektronischen' Genre." Der Sound von Black Antlers ist eine mitreißende Energie, die Thighpaulsandras fortschrittliche Synthese, Balances poetische Lyrik und Christophersons Flirten mit Jazz und Ableton-gestütztem PowerBook Maximalismus. Vervollständigt wurde das Trio durch den renommierten Drehleierspieler Cliff Stapleton auf einer ,speziell in Auftrag gegebenen" elektrischen Variante, die sich in die ,seltsame und weltfremde Musik" der Band zu integrieren; der an der Royal Academy of Music ausgebildete Perkussionist Tom Edwards (der auch mit Thighpaulsandra in der der Live-Band von Spiritualized auftrat); und der Spezialist für europäische und nahöstliche Blasinstrumente Mike York an Pfeifen, Bombarde, Duduk und Balalaika.

Zwei Meister-Improvisatoren, die ihre wortlosen Gemälde aus dem Nichts komponieren, erforschen weiter den tiefen Raum der Zukunft/Vergangenheit. Ihre kollaborativen Kräfte sind noch lange nicht auf dem Höhepunkt, und diese Reise führt sie weiter ins Unerforschte. Diese Stücke entfalten sich als offenkundige Geistesblüten. Sie schaffen einen Baldachin aus Klangformen, in dem sie die seltene Sprache der Welterschaffung sprechen. Dies ist nicht einfach nur Musik, es ist eine Reise ohne Karten, Inside. Diese neue LP führt Nelson & Kramer tief unter die Meere der Erde und zieht den Hörer an ihrer Seite hinab, während sie die unbekannten Strömungen erforschen, die die menschliche Vorstellungskraft beflügeln, flüssig, immer in Bewegung und immer im Wandel. Es ist ein Ausflug in die tiefsten Tiefen der Ambient-Musik und ein Neuanfang an dem Ort, an dem das Leben selbst begann. Der Grund des Ozeans hat einen neuen Klang, und er ist atemberaubend schön. ENG Further explorations into the deep space of the future/past by two master-improvisors who compose their wordless paintings out of thin air. Their collaborative powers are nowhere near their peak and this voyage takes them further into the Uncharted. These pieces unfold as revelatory mind blooms. Creating a canopy of sound forms inside which they speak the rarified language of world creating. This isn't just music, it's a journey without maps, Inside. This new LP takes Nelson & Kramer deep under the earth's seas, pulling the listener down beside them as they explore the uncharted currents that fuel the human imagination, fl uid, always moving, and always changing. It is an excursion into the lowest depths of Ambient Music, and a new beginning from the very place where life itself began. The floor of the ocean has a new sound, and it is breathtakingly beautiful.

»Chronotopia« is the second album by composer-performer Elisabeth Klinck. After collaborating closely with artist Oscar Claus to blend her violin playing with electronic soundscapes and field recordings on her 2023 debut Picture a Frame (Hallow Ground), Belgian electroacoustic artist Elisabeth Klinck now turns inward. On Chronotopia, she takes a more song-oriented approach, embracing her voice as a vital counterpart to her violin, intertwining their sounds like threads in a dynamic, multicolored fabric. The record marks an essential turning point in her artistic evolution and opens up a rich internal world. It is a tapestry of sound, emotion, and curiosity spun from—both literally and figuratively—her growing voice.Klinck, who works as a composer and performer in theater, wrote the pieces between tours and recorded the album in the same place as its predecessor, the Spanish Pyrenees. Though the outside world isn’t as explicitly reflected in the recordings as it was the case on »Picture a Frame,« her sophomore album responds to the outside world by capturing both the expansive serenity of the mountains and the frenetic pulse of life on the road. Eschewing her previous, more atmospheric and abstract approach, Klinck creates a landscape that is built on the song and filled with intimacy. Her music feels at once vulnerable and deeply human, balancing the rawness of improvisation with the careful precision of melody-led composition.Klinck describes »Chronotopia« as a playful exploration of time—its fluidity, its constraints, and its influence on how we navigate the world. These notions reverberate through her melodies and lyrics, which dance between moments of shimmering clarity and messy, beautiful chaos. These contrasts are further accentuated by the cunning interplay of voice and violin, which itself reflects the artist’s fascination with duality and transformation. Recorded in both organic and controlled environments, »Chronotopia« blurs the lines between intuition and design. The »time space« into which Klinck invites her audience is a place where sound becomes touch, time bends like light, and every moment carries the thrill of discovery

Jeder, der sich ein wenig mit aktueller elektronischer Musik auskennt, hat den Namen Mechatok, alias Emir Timur Tokdemir, schon einmal gehört. Er machte sich einen Namen durch weltweite Tourneen und eine Reihe von Veröffentlichungen und Kooperationen mit einigen der innovativsten Künstler*innen des letzten Jahrzehnts - darunter Drain Gang (Bladee, Ecco2k, Whitearmor, Thaiboy Digital), Charli XCX und Lorenzo Senni. Oft zurückhaltend im Ausdruck, verbreiteten sich diese Arbeiten sowohl in der Underground-Szene als auch im angrenzenden Mainstream und prägten dabei subtil die Entwicklung von experimentellem Pop und Clubmusik. Tokdemir versteht Mechatok als eine Art Avatar, der es ihm ermöglicht, neue Facetten seiner selbst zu erforschen und dem kreativen Prozess Offenheit und Freiheit zu verleihen. Als Inspirationsquellen nennt er Künstler wie Daft Punk und Gorillaz: zeitlose Figuren, die das Konzept des künstlerischen Projekts selbst zu einem Kunstwerk erhoben. Nach Jahren der Klangforschung als Mechatok präsentiert er nun "Wide Awake" - sein fast schon kaleidoskopisches Debüt-Soloalbum. Die Platte kristallisiert eine sehr persönliche Reise heraus und etabliert Mechatok nicht nur als herausragenden Kollaborateur, sondern als unbestreitbaren Solo-Künstler, der seine Vision voll im Griff hat. Durch die Mechatok-Persona findet er Ausdrucksformen, die paradoxerweise intimer - und zeitloser - wirken. Alles auf "Wide Awake" wird durch eine verspielte, aber zutiefst intuitive Klangwelt und eine Reihe haikuartiger, zentraler lyrischer Themen zusammengehalten. Das Album stellt Fragen nach der Möglichkeit von Authentizität und dem Status von Selbstausdruck im Zeitalter algorithmischer Vereinheitlichung. Mechatok vermeidet utopische Lösungen und entscheidet sich stattdessen dafür, mit seltsamen Mehrdeutigkeiten zu leben und deren schöpferisches Potenzial zu nutzen. Mit Features von Bladee, Ecco2k, Isabella Lovestory, Tohji und anderen deckt "Wide Awake" ein breites emotionales und stilistisches Spektrum ab, bleibt dabei aber stets durch Tokdemirs präzise Vision gefiltert. Das Ergebnis ist ein sorgfältig komponiertes elektronisches Pop-Opus - eine Sammlung süchtig machender, persönlicher Mantras; Fragmente, die gleichzeitig flüchtig und dauerhaft erscheinen.

The album Fuyu Kukan, featuring the track “Midnight Pretenders” recently brought back into the spotlight after being sampled by The Weeknd is set to be
repressed on clear blue vinyl!
Produced by Masatoshi Nishimura of FENCE OF DEFENSE, this innovative album blends elements of new wave and rock with mellow tunes and experimental
sounds.
Originally released in 1983, it has gained renewed popularity in recent years thanks to the global city pop revival.
Tracks like the mellow “I’m In Love” and “Midnight Pretenders”, as well as the cosmic sounding “Hannya”, have captivated a new generation of listeners both in
Japan and abroad.

Born At Midnite ist das Nebenprojekt von Amery Sandford und David Carriere. Das in Montreal ansässige Duo begann Ende 2018 gemeinsam zu komponieren, wobei sie sich strikt an das ,Post-Party"-Prinzip hielten und jeden Song innerhalb eines Abends fertigstellten oder verwarfen. Mit Samplern, Bandmaschinen und einem improvisierten Ansatz beim Songwriting schafft das Duo eine unheimlich vertraute Atmosphäre durch eine ungeschliffene Linse aus dünnem Eis. Die Gruppe spielt mit dem allgegenwärtigen Narzissmus und der Selbstgefälligkeit unserer Zeit und näht dabei eine Art ,Produktplatzierungs-Punk" zusammen, der nicht gesponsert ist. Amery Sandford ist bildende Künstlerin und eine unkomplizierte Popsängerin. Vor kurzem veröffentlichte sie ihr erstes Soloalbum ,Amery - Continue As Amery". David Carriere ist Produzent, Songwriter und Gitarrist in den Bands TOPS und Marci. More of the same dope shit for your wimpy little ear holes.

Die Musik aus Quentin Tarantinos Filmen ist längst Kult - und mit der neuen farbigen Vinyl-Edition von Tarantino Sounds wird diese legendäre Soundwelt jetzt noch einmal besonders zelebriert. Die Compilation vereint ikonische Tracks aus Tarantinos gesamtem filmischen Werk: von Pulp Fiction über Kill Bill bis Once Upon a Time in Hollywood. Mit dabei sind musikalische Größen wie Dick Dale, Johnny Cash, Joe Tex, The Coasters, The 5.6.7.8"s, Dee Clark, Keith Mansfield und viele mehr. Tarantino Sounds entführt in eine Welt aus Surf-Rock, Soul, Rockabilly und Retro-Vibes - genau wie Tarantino sie liebt und inszeniert. Nach der erfolgreichen Veröffentlichung der Standard-CD und der schwarzen Vinyl-Ausgabe folgt nun die farbige Sammleredition - exklusiv für den deutschen Markt und streng limitiert. Ein besonderes Highlight: Die Farbe des Vinyls ist eine Überraschung! Erst beim Auflegen auf den Plattenspieler zeigt sich, welche Farbe du erwischt hast - jede Edition ist ein Unikat und macht das Sammlerlebnis noch spannender.

Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums des ätherischen Albums ,Moonlust" von The Holydrug Couple freut sich Sacred Bones Records, eine Special Art Edition auf Vinyl mit brandneuem holografischem Regenbogen-Laminat-Artwork zu präsentieren. Moonlust wurde ursprünglich 2015 veröffentlicht und markierte eine mutige Weiterentwicklung für das chilenische Duo. Das Album vermittelt ein Gefühl von Sehnsucht und Transparenz und taucht ein in eine spacige, psychedelische Dream-Pop-Welt, umhüllt von romantischen Synth-Leads, popigen, distanzierten Vocals und halluzinogenen Klanglandschaften. The Holydrug Couple sind dafür bekannt, ihre eigene Realität zu erschaffen, und haben eines der revolutionärsten psychedelischen Alben des letzten Jahrzehnts geschaffen. Mit Songs wie ,If I Could Find You (Eternity)", der Sie auf eine zarte Reise durch den Weltraum mitnimmt, getragen von Ives Sepúlvedas Gesang und kaleidoskopischen Synthesizern, und ,Atlantic Postcard", durchdrungen von lebhaften Arpeggio-Ambient-Klängen, ist ,Moonlust" ein Muss für alle Liebhaber des psychedelischen Rocks.

Sampler & Soul - The Originals Behind the Hits (5LP) Diese exklusive Compilation versammelt die Originalsongs, die später in großen Pop-, Hip-Hop- und R&B-Hits gesampelt wurden. Von Betty Wright über Quincy Jones bis zur Lafayette Afro Rock Band - hier sind die musikalischen Wurzeln moderner Urban-Sounds zu hören. Die 5LP-Box bietet eine stilvolle Reise durch Jazz, Funk, Soul und Blues mit Klassikern von Billie Holiday, Nina Simone, B.B. King, Screamin" Jay Hawkins, Ray Charles, Etta James und vielen mehr.

VUO14 delivers a journey through spacey deep techno moods, guided by Kirill Matveev. Side A features two tracks seamlessly blended into one continuous flow, inviting you to either focus on each part individually or let the narrative unfold as a whole.
On the flipside, Rasmus Hedlund takes the listener further into the night, raising the tension with a hypnotic dub excursion. Closing the record, Tm Shuffle reshapes the atmosphere into a bass-heavy, reverberated and house-tinged version - best experienced in front of a powerful sound system.
A versatile record for deep techno selectors and sonic explorers alike.

Manchmal geht einfach alles POP! Fall in Love Again with "Balloon Balloon Balloon"! Unterwerfung. Das ist das Wort, das mir in den Sinn kommt, wenn ich mich mit Kai Slaters Sharp Pins auf den überwältigenden Pop-Planeten begebe. Das Universum funktioniert nur, wenn man sich unterwirft: sich der Liebe unterwirft, sich der Rockmusik unterwirft. Sich der Kraft zu unterwerfen, die von einem Jungen ausgeht, der seine Gitarre schwingt, um makellosen Gitarrenpop zu kreieren, der ins Pantheon der Idole gehört, zu denen er mit diesem Album aufsteigt. Natürlich ist es verständlich, dass man zunächst wütend ist. Alle waren wütend auf Big Star, weil sie den Beatles zu nahe kamen. Und alle werden wütend auf Sharp Pins sein, weil sie dasselbe tun und dann noch Guided by Voices mit ins Spiel bringen. Wie kann er es wagen? Diese Überheblichkeit. Welcher 20-Jährige glaubt, er könne Robert Pollard übertrumpfen? ,Queen of Globes and Mirrors?" Ein Verbrechen. Mit dem noch schlimmeren Verbrechen, Songs zu schreiben, die so rätselhaft zeitlos sind, dass man glauben könnte, sie seien aus einem verlorenen Beatles-Band gestohlen worden. ,I Don't Have the Heart" und ,(I Want to) Be Your Girl" lassen einen wirklich im Unklaren darüber, wann und wo sie entstanden sind. Aber wenn der Lo-Fi-Noise-Pop von "Balloon Balloon Balloon" uns an etwas erinnert, dann daran, dass nur Kai das kann. Mit seiner 12-saitigen Gitarre und seiner unermüdlichen Besessenheit von Popmusik ist Slater einzigartig ausgestattet, um nicht nur von Pollard und Chilton das Erbe anzutreten, sondern auch den Byrds, den Temptations, den Four Tops und allen anderen Künstlern nachzufolgen, die versuchen, die wahre Liebe auf Band zu bannen. Er wendet die Taktik ,um Vergebung bitten, nicht um Erlaubnis" an, wenn er sich bei diesen Größen bedient, und uns bleibt nichts anderes übrig, als Slater zu vergeben, dass er uns diese Rock'n'Roll-Juwelen schenkt, die er aus der Vergangenheit in eine Zukunft katapultiert, die so melodisch makellos und doch kantig und aufrichtig ist, dass wir ihm auch dafür danken müssen, dass er das Genre vor der Bedeutungslosigkeit bewahrt hat. Denn was Slater hinzufügt, ist ganz und gar sein Eigen. Eine unbeschreibliche Sensibilität für das Songwriting, die trotz der zahlreichen Anleihen nur ihm gehören kann. Am Ende des Albums schluckt man jegliche Wut oder Ungläubigkeit, die man vielleicht hatte, und akzeptiert, dass Sharp Pins wirklich so gut sind. Auf diesem umfangreichen, aber niemals überladenen Album erschafft Slater eine Welt voller kleiner Pop-Perlen, die so einfach und dumm gut sind, dass sie uns daran erinnern, dass eine andere Welt möglich ist. Denn es ist nicht nur so, dass die Songs unmöglich aus dem Kopf gehen, was sie auch sind. Es ist Slaters eigene Hingabe an dieses Streben nach dem perfekten Popsong, die uns glauben lässt, dass dies nicht nur möglich ist, sondern auch ausreicht, um dem Leben wieder Form und Farbe zu geben. Fall in Love Again ist keine Empfehlung, sondern eine Verpflichtung. Nicht nur gegenüber einem schönen Mädchen, von denen es auf dem Album viele gibt, sondern gegenüber der Welt selbst. Vielleicht ist es dann möglich, die Zukunft zu erreichen, von der der 20-jährige Slater selbst träumt, aber bis dahin haben wir seine Liebesbriefe an den Rock'n'Roll und die Welt um ihn herum, die uns Gesellschaft leisten.

Damit eins gleich klar ist: Auf FARIN URLAUBs zweitem Album ist erst mal Schluss mit lustig.
Es dauert ganze vier Verse, und ein unmissverständliches „Feuer frei“ legt einem nahe, den Kopf für den
Rest des Albums lieber unten zu halten … und besser isses, denn es wird fortan konsequent mit der Gitarre
niedergemäht, was nicht in geduckter Haltung hinterm umgekippten Esstisch kauert*. Sogar die SkaAnleihen klingen nach Ska-ta-ta-ta-ta.
Und Pustekuchen für jeden, der glaubt, sich am wohlvertrauten Sound durch das hangeln zu können, was
da auf einen niederhagelt.
Da kommt einer eigenständig – aber diesmal nicht allein. FARIN URLAUB schart erstmals Teile seines
„Orchester voll Dynamit“ um sich, das ihn fortan live begleitet: Zwar spielt er – Bläser ausgenommen –
wieder alle Instrumente selbst ein, doch die Damen vom RACING TEAM leihen ihm diesmal ihre Stimmen.
Kein Wunder also, dass AM ENDE DER SONNE schnurstracks auf die 1 ging.
URLAUB hat ein fieses Album in eine fiese Welt geworfen. Eine Welt, über der ein teilnahmsloser Lichtball
prangt, um irdisches Elend unbarmherzig auszuleuchten („Sonne“). Eine Welt, in der man’s nicht einmal
mehr schafft, das Meer romantisch zu verklären („Unter Wasser“), weil man vom eigenen Haushalt mit
Anlauf aufs Maul kriegt („Dusche“), während einer mit dem Schraubenschlüssel rhythmisch auf die Heizung
hämmert.
Die 180-Gramm-Vinyl-Wiederveröffentlichung von AM ENDE DER SONNE erscheint am 21.11.2025 mit
Downloadcode.
*) Das Album ist nicht nur gewaltig, es ist auch großzügig, denn eventuell gibt’s einen Hidden-Track.