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Soundgarden feiern das 20-jährige Jubiläum ihres bahnbrechenden Albums Superunknown mit einer neuen LP-Ausgabe des Meilensteins, bestehend aus zwei 180-Gramm-Vinylen im aufklappbaren Cover, auf denen sich die 16 Tracks der ursprünglichen Doppel-LP befinden.

Superunknown gilt als Soundgardens Meisterwerk. Mit ihm definierte die Grunge-Band aus Seattle 1994 den Alternative-Rock neu und stellten Weichen in der Musikgeschichte.

Die Albumtracks 'Black Hole Sun' and 'Spoonman' gewannen 1995 zwei Grammy-Awards. Superunknown war ebenfalls in der Kategorie Best Rock Album nominiert. Es wurde in den USA mit fünffachem Platin-Status ausgezeichnet, hat weltweit um die neun Millionen Exemplare verkauft, und ist damit Soundgardens kommerziell erfolgreichstes Album. 2003 reihte das Rolling-Stone-Magazin es in seine Liste der 500 Greatest Albums of All Time ein und platzierte es unter den 100 Greatest Albums of the Nineties.

Hier kommt eines der wichtigsten Rock-Alben der 1990er im Original-Doppel-LP-Format zurück, auf 180-Gramm-Vinylen im aufklappbaren Cover.

Just as you were getting your head straight coming off the 21st Trip … Brown Acid dose # 22 drops, continuing to fry your mind in a revolving trap-door Twilight Zone alternate world of early hard rock… populated by real life characters so far out they can look like a cheesy wedding band but sound like Blue Cheer! Uncanny! This music comes at you from many angles. Teens in a garage colliding with booze, drugs and girls for the first time, lounge lizard hustlers with snazzy stage clothes and fuzz boxes… gnarly backwoods troublemakers meet blow dried glam rock wannabes here, seamlessly clobbering your head with sound rather than each other! An electric post-psychedelic bar brawl for your mind awaits, unfasten your seat belt, crank it up and fly! Sounds Synonymous "Babylon" out of Flint, Michigan 1969 rip the devastating Blue Cheer classic a new one, immediately swarming you with organ swells and distortion before collapsing into a tuff funk groove, a psychedelic James Brown vibe shot through with dirty howling fuzz guitar, vocals nailing the messed up but confident relaxed sneering attitude of the original Cheer eruption. The Bumps "Shining" from Seattle 1969 resides right at the transition of ‘60s psych into early prog, well constructed, no diluting things artsy fartsy style, a compelling heavy riff, spacious vocal harmony hook floating above a turbulent take on getting your shit together and shining like a star. Fat chance, but you can dream, the band did and their dreams kick ass across time to right now or you wouldn’t be here.

Coulda been a hit back then, definitely a hit now. Riverside "Farmer" explodes out of Austin, Texas 1974, economical but brilliantly structured riffs and power chords, intense dynamic tension/release, fantastic screaming leads over shifting angles of attack during the middle break… it’s all here with a detached confidence in the vocal that swaggers back in time to the late ‘60s in its proto-heavy psych adjacent assault. Cincinnati Joe & Mad Lydia "Get It Together" for real in Cincinnati, Ohio 1970. The song says everything you need to know: “You may think that you’re the very best, miles and miles ahead of the rest, but be sure when you’re put to the test you get it together!” These words are deployed in a manner similar to Peter Green’s “Oh Well”, intermittently stated between killer gnarly guitar and gushy organ attacks. Bar band heaven and hell rolled up into one big ball, the vocals get all the way out there! Straight Up "Fire" takes the monster 1968 Crazy World Of Arthur Brown hit into faithfully executed but surreally minimalist territory, Minneapolis, Minnesota 1974. Genius version of a key song that presciently cuts to the chase regarding Brown Acid’s incinerations of psychedelic idealism, you’re gonna burn, burn, burn… as that moment climaxes you can gawk at their preposterous flashy lounge band stage outfits and realize side one must end because everything is totally scorched into eternity. Scrap Iron "Poopsie" is a primitive two chord stomper with spiraling fuzz and organ riffs, singer marking his territory caveman style. “Poopsie, you’re my woman” he commands, but gets weirdly insecure she’ll blow him off at the altar by the end of each verse. Snarly wah-wah ices this toxic cake out of Carteret, New Jersey 1973. Focused delivery so single-mindedly crude it creates an inescapable instant brain-worm. Lady "Live Show Tigers" is amongst the most potently life affirming trash rockers you’ll ever hear, one outrageously triumphant but fiercely sloppy anthem about living it up like a star, strutting the stage glammed up New York Dolls drag style but with a Dictators sense of humor. Tasty slightly off kilter guitar leads all through, going serendipitously berserk on the fade. Picture disc single out of L.A. 1980. Fantastic fun rock star rock at a very raw local street level where any time is party time.

Killer Frog "Hard Times" on Masochist Records from Chicago, Illinois 1972 takes less than two minutes, an action packed James Gang style bar band rocker with a bit of punky sneer in the face of misfortune. These guys never even heard of flower power. They are killer frogs. Good Humore "Killer" does kill in stripped down hard rock trio style, Warren, Michigan 1976. No frills guitar, bass and drums groove tight, snaky primordial riff, snarly licks. “She’s a killer of a woman, knows just what she’s doing…” The singer knows she’s a femme-fatale roadhouse predator but she’s so hot the inevitable wreckage seems a bargain. Ride it out like the extended jam on the fade knowing she’ll be back for more! Sarawest "Space Rider" winds up the 22nd Trip lost in a twisted two chord space adventure from the point of view of an alien visiting our planet seeking knowledge but finding out we are stupidly destroying ourselves, so he gotta split sneering back at us like we wasted his time “I got no time for loving… I wanna be a space rider, space rider”. Toronto, Canada 1974, a vibe lurking in some strange but funny void between late ‘60s outsider garage psychedelic rock complete with reverb-y acid guitar leads and late ‘70s retro-futuristic D.I.Y wisecracking from inner space… taking the piss out of outer space!

Just as you were getting your head straight coming off the 21st Trip … Brown Acid dose # 22 drops, continuing to fry your mind in a revolving trap-door Twilight Zone alternate world of early hard rock… populated by real life characters so far out they can look like a cheesy wedding band but sound like Blue Cheer! Uncanny! This music comes at you from many angles. Teens in a garage colliding with booze, drugs and girls for the first time, lounge lizard hustlers with snazzy stage clothes and fuzz boxes… gnarly backwoods troublemakers meet blow dried glam rock wannabes here, seamlessly clobbering your head with sound rather than each other! An electric post-psychedelic bar brawl for your mind awaits, unfasten your seat belt, crank it up and fly! Sounds Synonymous "Babylon" out of Flint, Michigan 1969 rip the devastating Blue Cheer classic a new one, immediately swarming you with organ swells and distortion before collapsing into a tuff funk groove, a psychedelic James Brown vibe shot through with dirty howling fuzz guitar, vocals nailing the messed up but confident relaxed sneering attitude of the original Cheer eruption. The Bumps "Shining" from Seattle 1969 resides right at the transition of ‘60s psych into early prog, well constructed, no diluting things artsy fartsy style, a compelling heavy riff, spacious vocal harmony hook floating above a turbulent take on getting your shit together and shining like a star. Fat chance, but you can dream, the band did and their dreams kick ass across time to right now or you wouldn’t be here.

Coulda been a hit back then, definitely a hit now. Riverside "Farmer" explodes out of Austin, Texas 1974, economical but brilliantly structured riffs and power chords, intense dynamic tension/release, fantastic screaming leads over shifting angles of attack during the middle break… it’s all here with a detached confidence in the vocal that swaggers back in time to the late ‘60s in its proto-heavy psych adjacent assault. Cincinnati Joe & Mad Lydia "Get It Together" for real in Cincinnati, Ohio 1970. The song says everything you need to know: “You may think that you’re the very best, miles and miles ahead of the rest, but be sure when you’re put to the test you get it together!” These words are deployed in a manner similar to Peter Green’s “Oh Well”, intermittently stated between killer gnarly guitar and gushy organ attacks. Bar band heaven and hell rolled up into one big ball, the vocals get all the way out there! Straight Up "Fire" takes the monster 1968 Crazy World Of Arthur Brown hit into faithfully executed but surreally minimalist territory, Minneapolis, Minnesota 1974. Genius version of a key song that presciently cuts to the chase regarding Brown Acid’s incinerations of psychedelic idealism, you’re gonna burn, burn, burn… as that moment climaxes you can gawk at their preposterous flashy lounge band stage outfits and realize side one must end because everything is totally scorched into eternity. Scrap Iron "Poopsie" is a primitive two chord stomper with spiraling fuzz and organ riffs, singer marking his territory caveman style. “Poopsie, you’re my woman” he commands, but gets weirdly insecure she’ll blow him off at the altar by the end of each verse. Snarly wah-wah ices this toxic cake out of Carteret, New Jersey 1973. Focused delivery so single-mindedly crude it creates an inescapable instant brain-worm. Lady "Live Show Tigers" is amongst the most potently life affirming trash rockers you’ll ever hear, one outrageously triumphant but fiercely sloppy anthem about living it up like a star, strutting the stage glammed up New York Dolls drag style but with a Dictators sense of humor. Tasty slightly off kilter guitar leads all through, going serendipitously berserk on the fade. Picture disc single out of L.A. 1980. Fantastic fun rock star rock at a very raw local street level where any time is party time.

Killer Frog "Hard Times" on Masochist Records from Chicago, Illinois 1972 takes less than two minutes, an action packed James Gang style bar band rocker with a bit of punky sneer in the face of misfortune. These guys never even heard of flower power. They are killer frogs. Good Humore "Killer" does kill in stripped down hard rock trio style, Warren, Michigan 1976. No frills guitar, bass and drums groove tight, snaky primordial riff, snarly licks. “She’s a killer of a woman, knows just what she’s doing…” The singer knows she’s a femme-fatale roadhouse predator but she’s so hot the inevitable wreckage seems a bargain. Ride it out like the extended jam on the fade knowing she’ll be back for more! Sarawest "Space Rider" winds up the 22nd Trip lost in a twisted two chord space adventure from the point of view of an alien visiting our planet seeking knowledge but finding out we are stupidly destroying ourselves, so he gotta split sneering back at us like we wasted his time “I got no time for loving… I wanna be a space rider, space rider”. Toronto, Canada 1974, a vibe lurking in some strange but funny void between late ‘60s outsider garage psychedelic rock complete with reverb-y acid guitar leads and late ‘70s retro-futuristic D.I.Y wisecracking from inner space… taking the piss out of outer space!

Rhythmus ist die erste Sprache. Ein Puls, der irgendwo beginnt - in einer Maschine, in Händen, als Gedanke. MINCKA existiert in dem kreativen Prozess, der sich daraus entwickelt: ein Dialog zwischen Struktur und Chaos. Entstanden als Idee zwischen einem Schlagzeuger und einem Produzenten, lädt MINCKA heute Produzentinnen, Musikerinnen und Kreative gleichermaßen dazu ein, dem Projekt immer neue Formen zu geben - als etwas, das sich stetig weiterentwickelt.Alles beginnt als Skizze: ein Fragment oder eine Kadenz, die scheinbar ins Leere führt - bis das Live-Schlagzeug übernimmt und der Groove die Richtung vorgibt. Mal festgezurrt in unerbittlichen Beats, mal verträumt und schwer greifbar. Wie der Soundtrack zu einem Fiebertraum, mit Echos von Mo' Wax ebenso wie von International Anthem.Von dort aus öffnet sich ein Raum, in dem Musiker frei auf das reagieren, was bereits existiert. Klänge werden zerschnitten und neu zusammengesetzt, wie Filmszenen, die ihre Bedeutung erst im Schnitt erhalten. Eine passende Analogie für den Hintergrund des bosnisch-niederländischen Schlagzeugers Sergej Kreso, der zugleich ein vielfach ausgezeichneter Dokumentarfilmer ist. Gemeinsam mit dem niederländischen Produzenten Subp Yao initiierte er MINCKA. Doch eines wird durch diesen Ansatz schnell klar: MINCKA ist kein Duo.Statt einer einzelnen Vision wurden unterschiedliche Musikerinnen und Kollaborateurinnen (aus Seattle, Peking, Maastricht, Essex, Amsterdam, Heerlen und Uden) eingeladen, mit der Musik in einen Dialog zu treten. Ihre Antworten und klanglichen Abzweigungen prägten den Sound von Beginn an. Kollaboration ist das Wesen von MINCKA. Und ebenso der Kontrast: Mensch und Maschine. Organisch und elektronisch. Freie Improvisation und meticulousche Präzision. Wertschätzung für Low-End-Theorien.Es ist ein Sound im permanenten Wandel, der sich weigert, in eine Schublade gesteckt zu werden. Stattdessen tritt er die Schublade ein, zerreißt die Überreste und baut aus dem, was bleibt, eine vollkommen neue Collage.Selbst jetzt, da die Musik veröffentlicht wird, ist MINCKA nicht abgeschlossen. Der Dialog geht weiter und lädt jeden ein, MINCKA mitzugestalten, indem über Stems der eigenen Musik Produzentinnen und Musiker*innen zur Verfügung gestellt werden. Was du hörst, war es nicht. Was es werden wird, ist noch offen. Diese Veröffentlichung ist erst der Anfang._ MINCKA

Auf insgesamt 100 Stück limitiert. Rhythmus ist die erste Sprache. Ein Puls, der irgendwo beginnt - in einer Maschine, in Händen, als Gedanke. MINCKA existiert in dem kreativen Prozess, der sich daraus entwickelt: ein Dialog zwischen Struktur und Chaos. Entstanden als Idee zwischen einem Schlagzeuger und einem Produzenten, lädt MINCKA heute Produzentinnen, Musikerinnen und Kreative gleichermaßen dazu ein, dem Projekt immer neue Formen zu geben - als etwas, das sich stetig weiterentwickelt.Alles beginnt als Skizze: ein Fragment oder eine Kadenz, die scheinbar ins Leere führt - bis das Live-Schlagzeug übernimmt und der Groove die Richtung vorgibt. Mal festgezurrt in unerbittlichen Beats, mal verträumt und schwer greifbar. Wie der Soundtrack zu einem Fiebertraum, mit Echos von Mo' Wax ebenso wie von International Anthem.Von dort aus öffnet sich ein Raum, in dem Musiker frei auf das reagieren, was bereits existiert. Klänge werden zerschnitten und neu zusammengesetzt, wie Filmszenen, die ihre Bedeutung erst im Schnitt erhalten. Eine passende Analogie für den Hintergrund des bosnisch-niederländischen Schlagzeugers Sergej Kreso, der zugleich ein vielfach ausgezeichneter Dokumentarfilmer ist. Gemeinsam mit dem niederländischen Produzenten Subp Yao initiierte er MINCKA. Doch eines wird durch diesen Ansatz schnell klar: MINCKA ist kein Duo.Statt einer einzelnen Vision wurden unterschiedliche Musikerinnen und Kollaborateurinnen (aus Seattle, Peking, Maastricht, Essex, Amsterdam, Heerlen und Uden) eingeladen, mit der Musik in einen Dialog zu treten. Ihre Antworten und klanglichen Abzweigungen prägten den Sound von Beginn an. Kollaboration ist das Wesen von MINCKA. Und ebenso der Kontrast: Mensch und Maschine. Organisch und elektronisch. Freie Improvisation und meticulousche Präzision. Wertschätzung für Low-End-Theorien.Es ist ein Sound im permanenten Wandel, der sich weigert, in eine Schublade gesteckt zu werden. Stattdessen tritt er die Schublade ein, zerreißt die Überreste und baut aus dem, was bleibt, eine vollkommen neue Collage.Selbst jetzt, da die Musik veröffentlicht wird, ist MINCKA nicht abgeschlossen. Der Dialog geht weiter und lädt jeden ein, MINCKA mitzugestalten, indem über der eigenen Musik Produzentinnen und Musiker*innen zur Verfügung gestellt werden. Was du hörst, war es nicht. Was es werden wird, ist noch offen. Diese Veröffentlichung ist erst der Anfang._ MINCKA

Manchmal hörst du eine Band, die sich gleichzeitig neu und vertraut anfühlt, und das lässt dich innehalten. TV Star ist so eine Band. In den letzten Jahren hat die fünfköpfige Band aus Seattle-Tacoma, Washington, still und leise an ihrer Stärke gearbeitet - EP für EP, Show für Show -, bis ihr lang erwartetes Debütalbum ,Music For Heads" rauskam und klar machte: Sie haben sich zu etwas Besonderem entwickelt. Eine Mischung aus jangly-psych, Garage-Grit und Soft-Focus-Tiefe; diese Songs leuchten von innen heraus mit einer beeindruckenden Originalität. In einer Zeit, in der so viel Musik in algorithmischer Gleichförmigkeit verschwindet, klingt TV Star trotzig menschlich. Auf den zehn Tracks der LP schärft die Band ihre Instinkte, die sie über die Jahre verfeinert hat - sie kombiniert zeitlose Pop-Sensibilität, psychedelisch angehauchten Jangle in der Tradition von The Brian Jonestown Massacre, punkige Rhythmussektionen und Vocals, die mit der Wärme von Mojave 3 dahinschweben, um etwas ganz Eigenes zu schaffen. Mit Music For Heads greifen sie nicht nur auf die Musik der Vergangenheit zurück, sondern treiben eine neue Welle voran. Die Band wurde 2020 aus der gemeinsamen Bewunderung für den Psych-Rock der 90er Jahre, klassischen Shoegaze und Alt-Country-Underdogs gegründet. Der Startschuss fiel, als jemand die Kassette ,Electriclarryland" der Butthole Surfers aus dem Jahr 1996 von der Wand nahm und auf den Track ,TV Star" zeigte. Was folgte, war weniger die Gründung einer Band als vielmehr die Entstehung eines kleinen Ökosystems. Ashlyn Nagel (Gesang, Keyboard), Bryan Coats (Gitarre), Che Hise-Gattone (Gitarre), Mark Palm (Bass) und Tucker Devault (Schlagzeug) brachten ihre eigenen Instinkte, Eigenheiten und musikalischen Hintergründe mit ein, bis die Songs schließlich nach allen gleichzeitig klangen. Aufgenommen in einer Reihe gemütlicher Studios im Nordwesten - The Unknown in Anacortes und ein paar Verstecken in Seattle - ist ihr Debütalbum ,Music For Heads" eine Mischung aus klirrender Gitarrenmusik, psychedelischem Pop und authentischem Indie-Rock, ohne sich ganz auf einen Stil festzulegen.

Grand Theft war eine einmalige Explosion von Heavy-Rock-Wahnsinn aus Seattle im Jahr 1972. Was als augenzwinkernder Seitenhieb auf die Bombastik von Bands wie Grand Funk Railroad begann, entwickelte sich schnell zu etwas Rohes, Echtem und ganz Eigenem. Dave Barohs knurrende Gitarrenriffs, Kevin Marins donnernder Bass und Phil Klitgaards ursprüngliches, aber präzises Schlagzeugspiel schnitten wie eine knallende Peitsche in einer stürmischen Nacht durch die Luft. Ihre einzige LP, die in einer einzigen chaotischen Session aufgenommen wurde, fängt einen Moment ungefilterter Energie ein. Tracks wie ,Scream (It's Eating Me Alive)" und ,Closer to Herfy's" entstanden aus koffeinreichen langen Nächten, Insiderwitzen, scharfem Verstand und einer neuen Hingabe an die Aggressivität. Mit Radio-DJ/Manager Burl Barer, der das Chaos lenkte, erlangte das Album regionale Bekanntheit, einen ,Dream Date"-Promo-Wettbewerb und sogar Lob von Lester Bangs. Live-Auftritte waren selten - spontane, ohrenbetäubende Blitzauftritte -, aber die Legende von Grand Theft wuchs noch lange nach der Auflösung der Band weiter. Was als flüchtiger Scherz begann, wurde zu einer Proto-Metal-Kuriosität, einer Wildcard im Deck des frühen 70er-Jahre-Rock. Grand Theft bleibt ein Zeugnis des ungezähmten Geistes des Rock und ein Urschrei angesichts der Konvention.

20-jähriges Jubiläum: Erweiterte und remasterte Vinyl-Neuauflage des epochalen Debüts von Band of Horses, dem Indie-Rock-Klassiker "Everything All The Time" aus dem Jahr 2006. Diese erweiterte Ausgabe kommt im Klappcover und einer Bonus-LP mit seltenem und unveröffentlichtem Material, alles frisch gemastert von JJ Golden und gepresst auf opakem gelbem Vinyl. Musikalische Transzendenz zu erreichen, ist echt schwierig. Wenn es klappt - ein großes ,wenn" -, dann passiert das ganz natürlich, und vielleicht weiß das niemand besser als Band of Horses, deren bahnbrechendes Debütalbum ,Everything All The Time" auch nach zwanzig Jahren noch genauso lebendig und, wenn man so sagen darf, transzendent wirkt wie bei seiner Veröffentlichung im Jahr 2006. Gitarrist und Sänger Ben Bridwell gründete Band of Horses 2004 in Seattle, nachdem er fast zehn Jahre lang bei Carissa's Wierd, den melancholischen Lieblingen des Nordwestens, gespielt hatte. Carissa's Wierd machten wunderschönen orchestralen Pop, dessen Songs unerschrockene Geschichten von Herzschmerz und Verlust erzählten, gewürzt mit defätistischem Humor. Band of Horses entstand aus den Überresten dieser beliebten Band, getragen von Bridwells warmer, halliger Stimme und seinen holzigen, verträumten Songs, die vor Spannung, Sehnsucht und Hoffnung nur so strotzen. Mit einem neuen Vertrag bei Sub Pop und einer Reihe großartiger Songs im Gepäck nahm die Band ihr Debütalbum "Everything All the Time" mit Produzent Phil Ek in den Avast Studios in Seattle auf. Mal rau und episch (,The Great Salt Lake"), mal zart und nachdenklich (,St. Augustine", ,Monsters") - "Everything All The Time" ist ein Album, das wunderschön von zerbrechlichen Höhen und Tiefen geprägt ist. Das ist Teil des Genies von Band of Horses: Sie schaffen intelligente, klassische Bewegungen innerhalb ihrer Songs und meistern dabei eine perfekte Balance zwischen Verzweiflung und Hoffnung, Ruhe und Manie, Liebe und Angst. Und natürlich gibt es da noch die massive Single ,The Funeral", die zu einem prägenden Song dieser Ära wurde und weiterhin neue Generationen von Fans und Künstlern gleichermaßen inspiriert. Neben unzähligen Film- und TV-Platzierungen wurde der Song von Kid Cudi gesampelt und vom renommierten Produzenten und Multi-Instrumentalisten Gryffin in einen 2025 Dance Edit verwandelt, der allein in kürzester Zeit 2,5 Millionen Streams ergattert hat. Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums des Albums präsentieren Sub Pop und Band of Horses nun die definitive Momentaufnahme der Band zur Zeit von "Everything All The Time". Für diese Jubiläumsveröffentlichung wurde das Album komplett remastered, das Artwork überarbeitet und zu einer Gatefold-Hülle mit Liner Notes von Phil Ek erweitert. Begleitet wird das Album von einer zusätzlichen LP mit Bonustracks, darunter die Tour-EP von 2005, eine Fundgrube bisher unveröffentlichter Studio- und Live-Tracks sowie Raritäten wie ,The End's Not Near" (zu hören in The O.C.) und eine Demoversion von ,The Funeral".

Mia Zapata was the greatest rock singer of her time. She may have likely been the greatest blues singer in punk rock history, the woman who married the 78 and the '78. Tragedy did not make this true. Mia Zapata made this true, and the ferocious, spring-loaded shrapnel frame that was built around her by Andy Kessler (guitar: metronomic and furious), Matt Dresdner (bass: fluid, punching, beat-addicted and melodic), and Steve Moriarty (drums: martial and explosive) - who, with Mia, combined to form The Gits - made it true. The Gits were formed at Antioch College in Yellow Springs, Ohio in mid-1986, grabbing and swapping pieces of art, thrash, noise, punk rock, classic rock, and all the sorts of magical silly and bookish jingle bells that an old-school liberal arts education handed you; for the next few years they worked on turning it all into something tough, sensitive, both brutal and kind. Andy, Matt, Mia, and Steve moved to Seattle in middish 1989, landing in a house on Capitol Hill where they (and fellow travelers) wood-shedded and rehearsed for the next few years. The Gits put out three EPs in 1990 and '91 before signing with C/Z Records and releasing their first full-length album, Frenching the Bully. Seattle quickly claimed the quartet as their own and embraced the Gits blend of ferocious fangs and soft heart, the slug/slap of the guitars, and the gorgeous, soft underbelly of the poetic emotions. These qualities not only fit in with the doe-eyed/sharp-clawed grunge ethos but earned the Gits the respect of their peers, including Nirvana, who tapped them to open a major local show in 1990. Then other stuff happened, and their frantic, confessional barbed-heart snowball began rolling up hill very, very fast; the Gits "quickly" (hah! After half a decade learning to implode and explode hearts and stomping their boots on manifold beer-softened, Marlboro-weeded wood stages!) inspired rapture, awe, and the levitation that happened when peak emotion meets peak grindage in front of amps spitting out something that sounded like the mad marriage of Bolan swagger and Dischord tension_ all fronted by a genuinely incomparable woman who held her heart in her mouth and shared it, in all its celebration and fear, without hesitation. The Gits were an angry, inflamed slinky fully in tune with and tuned by the Bessie Patti Smith of her time, truly the only singer who could summon Joplin, Poly Styrene, Sam Cooke, Iggy Pop and Ian MacKaye all in the same goddamn song. In 1993, less than four weeks after accepting an offer from Atlantic Records, Mia died. I leave it at that, because this is not about death; it's about an extraordinary life. I do not say, "You should have been there," I say, "We are lucky so many of us were, and I am so glad we have this extraordinary evidence of the power and gifts of Mia and the Gits that you now can hold in your hands." And I note that Frenching the Bully, this extraordinary testament to the soul, shock, fury and feeling of the Gits, has been long out of print on vinyl and CD, and this new edition - remastered by legendary Seattle engineer Jack Endino - joyfully rectifies that. -Tim Sommer

This release resurrects a long-lost cornerstone of Seattle's early grunge history, showcasing Bundle of Hiss, featuring future Mudhoney and TAD guys and singer Jamie lane, one of the genre's missing links. Between 1986 and 1988, when Seattle was still a circuit of small clubs, four-track tapes and bands sharing drummers and singers, Jack Endino went in to record one of the most solid - and most unfairly invisible - outfits of that scene: BUNDLE OF HISS. Two sessions (1986 at Reciprocal and 1987/88 at Audio Design) fell into limbo, stored in the basement of Mudhoney-Drummer Dan Peters and for years they were a kind of pre-grunge legend, everyone knew they existed, but there was no record, until Loveless Records from NYC released both on CD. The second one, Audio Design Sessions, now sees the light of vinyl for the first time, just as it should have come out in the late '80s: a basement document turned into a collectible artifact. For those who want real grunge, not the domesticated version. It gathers the core of those 1987-1988 recordings done by Endino: the moment when the band is tighter, darker and closer to what the press would later call the "Seattle sound": minor-key melodies, thick fuzz, vocals on the edge, and that mix of hard rock, punk and Sabbath-like heaviness we'd later hear in Mudhoney, TAD or early Soundgarden. And Jack Endino himself summed up these sessions: "Vintage Seattle grunge from one of the original practitioners_ I always felt sad that this hard-working band never managed to get a record out and was almost lost to history. It was a pleasure -and a technical pain!- to resurrect all this." Kinda key release of the early grunge days, first-generation material, recorded by the scene's producer, at the exact moment Seattle was shifting from noisy punk to that heavy, shadowy rock that later blew up. It sounds raw, young and dangerous: this is not a polished compilation, it's a snapshot of the scene.

*13 ripping songs totalling 33 minutes from the original 20-song 65 minute master reel tapes, recorded in early February 1978 for producers Flo & Eddie, the night before DMZ (the raw-assed pre-Lyres outfit that never made it!) spent 3 days trapped by a blizzard recording their Sire album. **4 page insert with info, pics and Rick Coraccio's ultra-detailed journal on how it all went down! ***LP includes DOWNLOAD CODE Kapital Ink zine: "In the annals of R&R history, as far as local American rock'n'roll scenes go, Boston is hardly ever looked upon in the same shining light as, say, NY, Detroit, San Francisco or even Austin or Seattle. Unlike those other towns, there's never even been a definitive book about the scene. Maybe it's because Boston is a perennial hard-luck place (just witness the Red Sox) with a serious New York inferiority complex hanging over its head. Boston is ignored by the industry at large, despite the fact that the city has spawned countless heavyweights in both a commercial (Aerosmith, Boston, the Cars) and aesthetic (Modern Lovers, Real Kids, Mission Of Burma) (Crypt editor note: and DMZ!! and LYRES!!) sense. Boston was the first US city to directly reflect the influence of the Velvet Underground, as epitomized by the Modern Lovers, who've proven to be almost as influential in their own right. Fast forward to the days of hardcore, and Boston was one of the pre-eminent strongholds of shave-head mania, shoring up its rep as an angry, intolerant New England outpost. Naturally the town has produced more than its share of local legends: Willie Alexander (who actually was in the Velvet Underground, albeit when the band was on its Lou Reed-less last legs); Jonathan Richman (geekus supremus no small thing considering the subsequent indie hordes, to whom he's a savior); and most of all, the great Real Kids, (Crypt editor note: and DMZ!! and LYRES!!) who could've been the equivalent of the MC5, Stooges or Flamin' Groovies in the annals of American rock if it hadn't been for a series of bad breaks but let's not get into that because it'll only reinforce Boston's eternal self-pitying plight. The fact is, the scene in Boston was more or less built by a string of bands who are so organically-interconnected that it seems like an act of God."

A Larum, the debut album by singer and actor Johnny Flynn, was recorded in Seattle and is one of those rare albums that immediately creates its own world - Originally released on Vertigo Records in May 2008, this re-issue faithfully replicates the original 2LP release's pop up gatefold sleeve and is pressed on 180g vinyl Backed by his band The Sussex Wit, the album's songs were likened to the work of Fairport Convention and Bert Jansch by Rolling Stone.

Flynn has been described as "a musical prodigy turned Shakespearean actor, with the soul of a poet," and his songs offer a sweet gentility in an increasingly loud time. Close mic'ed and intimate, Flynn cast his eye over romance, religion and celebrity. A Larum became something of a beacon for the burgeoning folk scene at the time, with fellow travellers such as Mumford & Sons, Laura Marling and Noah and the Whale. Since A Larum, Flynn has carved out a singular path as both a critically acclaimed musician and award- winning actor. He has released a string of celebrated albums including Been Listening, Country Mile, and Sillion, continually evolving his sound while maintaining his signature storytelling. As an actor, he's earned accolades for roles on stage and screen, notably portraying David Bowie in Stardust and starring in films like Emma (2020) and Netflix's The Dig. He also composed and performed the beloved theme song for the BAFTA-winning series Detectorists, where his evocative music became inseparable from the show's gentle, melancholic charm. ...

Seattle born and raised brothers. Since forming in 2020, everything has fallen into place as it should for the Brudi Brothers, a direct byproduct of their desire to create and play, wherever and however. Shortly after signing to Mom+Pop earlier in 2025, they released their single, “Me More Cowboy Than You,” a tongue-in-cheek jab at the “cowboy craze” and its subsequent poseurs, which went viral, reaching more than 1.4 billion views and 60 million streams.

On their folkier “Motherland,” the Brudi Brothers detour through a nostalgic recollection of the days when love was freer, meditations on how time is fleeting, and a reverence for the souls who have come and gone, held by their interwoven harmonies and guitars.

"Enter: The Conquering Chicken" ist das zweite und letzte Studioalbum von The Gits. Die Sängerin, Texterin und Frontfrau der Gits, Mia Zapata, wurde 1993 in Seattle ermordet, während die Band ein paar Wochen lang an dem Album arbeitete. Produziert von der Band und ihrem langjährigen Freund Scott Benson, kam "Enter: The Conquering Chicken" 1994 bei C/Z Records raus. The Gits gründeten sich 1986 am Antioch College in Ohio und zogen 1989 zusammen nach Seattle, als die lokale Szene langsam bekannt wurde. Obwohl ihr rauer, blueslastiger Punk, der von Mias unvergesslicher Stimme getragen wurde, nicht ganz in das Schema ihrer Kollegen aus dem Pazifischen Nordwesten passte, fand die Band sofort einen festen Platz und eine große Fangemeinde. "Enter: The Conquering Chicken" zeigt The Gits auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft. Aufgenommen am Ende einer ausverkauften Westküsten-Tournee, waren sie in Höchstform. Kreativ, inspiriert und angetrieben von der Aussicht auf ein neues musikalisches Kapitel, das man in diesen Aufnahmen hören kann. 2003 von Jack Endino neu abgemischt, zeigen Songs wie "Bob (Cousin O.)", "Guilt Within Your Head", "Seaweed", "Sign of the Crab", "The Drinking Song" und Mias atemberaubende Interpretation von Sam Cookes "A Change is Gonna Come" eine deutliche Weiterentwicklung nach ihrem erfolgreichen Debütalbum "Frenching The Bully" von 1992. ",Sign of the Crab' war der letzte Song, den wir als Band zusammen geschrieben haben", sagt Bassist Matt Dresdner. "Basierend auf Andys teuflischer Komposition und Mias brillanten, gruseligen Texten war die Musik kraftvoll, komplex und voller lustiger, verdrehter Wut. Die Songs auf Chicken geben nur einen kleinen Einblick in das, was wir damals gemacht haben." Dieses seit langem vergriffene Meisterwerk des Seattle-Punk wurde 2024 von Jack Endino für Sub Pop Records remastert und ist auf farbigem Vinyl mit neuem Artwork und Liner Notes von Tim Sommer erhältlich, der treffend schreibt: "The Gits waren eine wütende, hitzige Band, die voll und ganz im Einklang mit der Bessie Patti Smith ihrer Zeit stand und von ihr beeinflusst war, der einzigen Sängerin, die Joplin, Poly Styrene, Sam Cooke, Iggy Pop und Ian MacKaye in ein und demselben verdammten Song vereinen konnte."

Limitierte Sub Pop Loser Edition auf rotem Vinyl. Die Maxi-Single 12", mit "Eternity's Pillars" auf der A-Seite und den zwei Stücken "Raise the Chalice" und "Reverential" auf der B-Seite, ist das erste Werk von sunn O))) für Sub Pop. Es besteht aus drei brandneuen Tracks, die vom legendären Duo Stephen O'Malley und Greg Anderson geschrieben und eingespielt und von Sunn O))) und Brad Wood gemeinsam produziert wurden. Brad Wood hat das Material 2025 in den Bear Creek Studios in Woodinville und Sea Grass in Los Angeles aufgenommen. Die Tracks auf dieser Maxi-12"-Platte sind die ersten offiziellen Studioaufnahmen von Sunn O))), auf denen nur das ursprüngliche Kern-Duo mit stark gesättigten E-Gitarren und Synthesizern zu hören ist. Sunn O))) hat jedem Schritt und Aspekt der Aufnahme, jedem Ton und jeder Sättigungsstufe, jeder Verstärkungsstufe und jedem Lautsprecher, jedem Arrangement und jeder Harmonie extreme Aufmerksamkeit und Sorgfalt gewidmet. Der Wald im Pazifischen Nordwesten ist das Leitbild. ,Eternity's Pillars" ist nach der Fernsehsendung aus der Mitte der 1980er Jahre benannt, die von der Jazz-Visionärin und spirituellen Guruin Alice Coltrane Turiyasangitananda kreiert und moderiert wurde und sich auf ihren unerschütterlichen Glauben an die Fähigkeit der Musik konzentriert, spirituelle Transzendenz zu erreichen. ,Raise the Chalice" ist nach einem Schlachtruf benannt, den die Hardcore Legende des Nordwestens, Ron Guardipee, Mitte der 1990er Jahre oft ausstieß. ,Reverential" zollt denen, die vor uns mit den schwersten Lasten kamen, Respekt und lobt sie lautstark, wobei Musik und Kunst als Materialien für einen Antiphon dienen. Das Cover zeigt das Duo in den Wäldern nordöstlich von Seattle, aufgenommen durch die Linse von Charles Peterson, der für seine ikonischen Fotos der Musikszene von Seattle und klassische Albumcover von Soundgarden, Mudhoney und anderen bekannt ist.

Nie zuvor veröffentlichte Live-Aufnahme aus dem Penthouse Jazz Club in Seattle vom 12. und 19. August 1967 mit dem Pianisten Rahn Burton, dem Bassisten Steve Novosel und dem Schlagzeuger Jimmy Hopps. Diese mitreißende Musik wurde ursprünglich vom Radio-DJ Jim Wilke für den Radiosender KING-FM aufgenommen. Übertragen von den Originalbändern, restauriert und gemastert von Matthew Lutthans im The Mastering Lab. Die limitierte Deluxe-Edition mit 2 CDs enthält ein umfangreiches Booklet mit seltenen Fotos und Liner Notes von Jan Persson, Tom Copi, Rolf Ambor und anderen, neu in Auftrag gegebene Liner Notes der Autoren John Kruth und May Cobb sowie Interviews und Testimonials von Saxophon-Ikonen wie James Carter und Chico Freeman, dem Posaunisten Steve Turre, Dorthaan Kirk, Adam Dorn – Sohn des langjährigen Kirk-Produzenten und -Förderers Joel Dorn – und anderen.

Following the success of Highly Refined Pirates' forward-thinking guitar gymnastics and Menos El Oso's groundbreaking glitch rock, Seattle's premier pop revisionists Minus The Bear dug into some of rock music's most ostentatious years for inspiration for their 2007 album, Planet of Ice. The title alone conjures images of Yes's Relayer album art, and the influence of the elder statesmen's symphonic scope can be felt throughout Planet of Ice's lush and intricate arrangements. You can also hear the band channel the ominous instrumental interplay of Lamb-era Genesis on "Dr. L'Ling", the deceptively savvy musicianship and pristine production of Steely Dan on "White Mystery", and the tightrope walk between ethereal space and pre-metal riffage of Pink Floyd's "Echoes" on "Lotus". Not that Minus The Bear completely abandoned their earlier style_elements of Menos El Oso's sample-driven technique can be heard on the lead single "Knights". But the heart of the song ultimately belongs to the haunting Fripp-esque guitar lines spliced between verses. After being out of print on record since 2010, Suicide Squeeze is proud to reintroduce Planet of Ice's creative marriage of classic motifs and modern musical wizardry with a vinyl remaster courtesy of Bernie Grundman.

Jessika Kenney ist Sängerin, Komponistin, Autorin, Klangkünstlerin und Lehrerin, deren Engagement für Improvisation, Poesie und Klangforschung eine einzigartige Perspektive hervorgebracht hat. Ihre Erkundungen von Klang, Raum und der Metaphysik des Klangs wurden in vielen Kontexten und an vielen Orten präsentiert, darunter in der Seattle Public Library, im Nottingham Contemporary und im Benton Museum. Zu ihren Kollaborationen und Projekten gehören eine umfangreiche Diskografie mit Eyvind Kang, das letzte aufgezeichnete Vokalwerk von Alvin Lucier, Auftritte mit Melati Suryodarmo, die Komposition der Vokalmusik für A24s Midsommar und die Chorleitung für SUNN O)))'s Monoliths and Dimensions. Jessika Kenney, bekannt für ihren einzigartigen Umgang mit der Stimme, hat in den letzten zwei Jahrzehnten neue Klangwelten geschaffen, die auf intensiven Studien, rituellen Praktiken und einer ungezähmten Ausdruckskraft beruhen. Von ihren gefeierten Kollaborationen mit Eyvind Kang bis zu ihrer Vokalkomposition für A24s ,Midsommar" bewegen sich Kenneys Arbeiten an der Schnittstelle zwischen dem Heiligen, dem Klangvollen und dem Unsichtbaren. Auf Uranian Void wendet sich Kenney nach innen und spürt den Konturen von Erinnerung, Resonanz und Wahrnehmung nach. Mit verschwommenen Sinuswellen, Hydrofonaufnahmen, einem Ghazal von Hafez und Originaltexten ist das Album eine Meditation über Liminalität, in der Schimmer und Schatten gleichermaßen vibrieren. Kenneys Stimme webt sich durch alles hindurch: manchmal flüsternd, manchmal strahlend , immer präzise. ,Dieses Album ist eine Übung in Transparenz innerhalb der Dunkelheit", erklärt Kenney. ,Es geht darum, offen zu bleiben für Zweifel , für Nachhall, für das, was jenseits unserer Wahrnehmung liegt." ,Uranian Void" wurde von Randall Dunn (SU NN O))), Kali Malone, Annea Lockwood) produziert und aufgenommen, dessen charakteristische räumliche Details und Tiefe dem Album seine immersive Klangarchitektur verleihen. Jeder Ton, jeder Atemzug und jede Resonanz wird mit Intimität und Dimension wiedergegeben und verstärkt Kenneys Erforschung von Präsenz und Abwesenheit. Fragmente, die während Besuchen in Spokane, ihrem Elternhaus, aufgenommen wurden, bilden die Grundlage des Albums. Im Studio transformiert, werden diese zu beschwörenden Vierzeilern - leise, aber eindringlich - die den subtilen Puls von Ort, Zeit und Körper offenbaren. Echos der Vergangenheit verschmelzen mit der Gegenwart , als ob die Wände selbst sich erinnern und mitschwingen würden. Uranian Void ist Musik für Schwellenbereiche - eine Einladung, sich mit dem Unsichtbaren und Kaum hörbar. Mit dieser kraftvollen und poetischen Aussage bestätigt sich Kenney als eine der visionärsten Vokalistinnen der Gegenwart.

Seine Musik war immer spontan, mitreißend und voller Energie, trotzdem hat Blue-Note-Legende Horace
Silver zu Lebzeiten nur ein einziges Livealbum veröffentlicht. Das ändert sich jetzt dank eines bislang
unveröffentlichten Konzertmitschnittes!
Im August 1965 glänzte der Pianist mit einer innovativen Besetzung im Penthouse-Jazzclub in Seattle,
mit Woody Shaw an der Trompete, Joe Henderson am Tenorsaxofon, Teddy Smith am Bass und Roger
Humphries am Schlagzeug. Der erst jetzt entdeckte Mitschnitt erlebt seine Weltpremiere unter dem Titel
”Silver In Seattle: Live At The Penthouse”. Darauf feuert die Band unter anderem kochende Interpretationen von Silver-Klassikern wie ”Song For My Father”, ”Cape Verdean Blues” und ”The Kicker” ab.
Die 180g-LP im Gatefold-Sleeve und die CD im Digipak enthalten beide ein ausführliches Booklet mit
seltenen Fotos von Francis Wolff, Burt Goldblatt, Jean-Pierre Leloir und anderen plus Linernotes des
renommierten Jazz-Experten Bob Blumenthal sowie Interviews mit und Statements von Schlagzeuger Roger
Humphries, den Silver-Band-Alumni Randy Brecker und Alvin Queen, dem aufstrebenden Pianisten Sullivan
Fortner und weiteren.

Blang Records are thrilled to announce another two vinyl album re-releases from Jeffrey Lewis's back catalogue: The debut classic The Last Time I Did Acid I Went Insane (originally Rough Trade 2001) and The critically acclaimed 4th album 12 Crass Songs (originally Rough Trade 2007). The Last Time I Did Acid I Went Insane (VV001LP) : The fragile poetry and lo-fi warmth of JL's home-recorded debut paint vivid scenes of downtown Manhattan life with cracked sincerity, comic book absurdity and charm. This groundbreaking album continues to charm listeners but has completely run out of stock. Press Quotes: "Jeffrey Lewis: `The Last Time I Did Acid I Went Insane' - Best Indie Album of 2002; like his drawings, his music is witty, animated and true." - New York Daily News "Bizarre but brilliant_ slugging it out to be New Rock capital of the universe, Jeffrey Lewis could well be New York's ace in the hole."- Uncut "Modestly brilliant." [Critic's Choice]- The Village Voice "He claws through the bullshit and pretence ingrained in society. [Jeffrey Lewis' work] _should be cherished."- TimeOut London "Jeffrey Lewis isn't simply a singer, but a creative comic mastermind_ brilliant_ a staggering work of_ genius." - (9 stars of 10) Addicted to Sound Blang Records and Jeffrey Lewis have history: before Blang was a label, it started life as a live night at the 12 Bar Club in Denmark Street, hosting many a set of the NY Antifolk artists over on UK shores, including Jeffrey Lewis. Now 20+ years since Jeffrey first played Blang. Native New Yorker Jeffrey Lewis is a comic book writer/artist and a musician. A cult hero birthed from the now infamous antifolk movement that sprung up on Manhattan's Lower East Side in the 90s, Jeffrey has released dozens of albums showcasing his unique blend of bleakly witty observations, scratchy, lo-fi punk and croaky folk/anti-folk, all firmly rooted in a strong DIY sensibility. Jeffrey and his band have toured the world multiple times over, released albums on Rough Trade, Moshi Moshi and Don GIovanni Records, and have been featured by NPR, The History Channel, The NY Times and more.