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Blues and Soul Award winner and double MOBO Awards nominee Ronnie Herel is back with his 2nd volume of his excellent compilation series Neo-Soul Sessions. Ronnie, a massively important figure in the UK Black music scene, is a radio presenter with Mi Soul and includes BBC 1xtra in his broadcasting credits. He is a DJ of international renown and was one half of the Quartz production duo which scored memorable hits with Dina Carroll. His undisputed love for and knowledge of the Neo-Soul genre shines through in the Neo-Soul Sessions and this latest, volume 2, is no exception. Featuring tracks from artists such as Vula, Terri Walker, Aname Rose and Slakah the Beatchild, among others, Neo-Soul Sessions volume 2 is a brilliantly curated and pieced together selection of twelve tracks that absolutely nails the beauty of the later releases in the Neo-Soul genre. Played from start to finish the track selection and order is a pre-made DJ set that flows in a way that would soundtrack a dancefloor, a house party and an excellent backdrop of tunes for any time and day of the week. Ronnie's passion for championing independent artists is also evident in his selections here and the compilation serves as a platform for those voices who deserve to break through. The decision to choose six of his favourite tracks to sit alongside six exclusive and unreleased gems means that a light is now shined on every artist featured on the compilation. An absolute must for serious lovers of Neo-Soul, RnB and Black Music, Neo-Soul Sessions volume 2 is released on double vinyl LP and CD formats.

Das Debütalbum der Musiker aus Boston aus dem Jahr 1997. Von Bassist/Sänger/Toningenieur Araby Harrison als ,Junk" bezeichnet, zeigen die acht Songs die Affinität von Jejune zum Pop-Punk und ihre Ambitionen im Bereich Alternative Rock mit jugendlicher Energie. Tauchen Sie ein in einen 30-minütigen geografischen Sampler aus Gilmangaze, Midwest Emo und Masshole Hardcore, remastered und aufgefrischt aus dem originalen, abgegriffenen Atlas. Klebeband nicht enthalten.

Die zweite Emo-Welle atmet den letzten Atemzug des Alternative Rock. Jejunes zweites und letztes Album ,This Afternoons Malady" demonstriert ihre Vorliebe für Midwest Emo durch eine Corganesque-artige Wand aus knurrenden Gitarren. In Zusammenarbeit mit Ted Leo von Chisel produziert, mischen die zwölf Songs von ,Malady" Handklatschen und Herzschmerz zu gleichen Teilen, alle remastered und endlich zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Sie können die Picture Disc nun entsorgen.

Alan Vegas selbstbetiteltes Debüt-Soloalbum kam 1980 raus, zur gleichen Zeit, als Suicide ihr zweites Album "Suicide: Alan Vega and Martin Rev" veröffentlichten. Während Suicides Plattenlabel ZE Records das Duo in Richtung eines synthetischen Disco-Sounds drängen wollte, der von Moroders Produktion von Donna Summers "I Feel Love" inspiriert war, zog es Vega in eine andere Richtung. Er wollte tiefer in die Wurzeln seiner eigenen musikalischen Identität eintauchen, die von Blues, Rockabilly, frühem Rock ,n' Roll und seiner anhaltenden Liebe zu Elvis Presley geprägt war. Vega nutzte die Zeit zwischen den Aufnahmen mit Suicide, um seine selbst geschriebenen Songs auszuarbeiten, begann mit der Produktion seines ersten Albums und trat live auf, um diesen Sound weiterzuentwickeln. Wie auch in seiner bildenden Kunst schichtete Vega Klänge auf minimalistische, dynamische und bewusste Weise. Das Ergebnis war ein einzigartiges Album, das aus rohen Materialien entstand und tief in Vegas künstlerischer Vision verwurzelt war. Tracks wie die klassische Hymne "Jukebox Babe" mit ihrem schwungvollen Rhythmus und ihrer minimalistischen Selbstsicherheit fingen diesen Ansatz perfekt ein und wurden in Frankreich zu einem Hit. "Kung Foo Cowboy" hat einen südstaatlichen Touch und lehnt sich stark an den Blues an, während der goldene Pop-Glanz von "Ice Drummer" mit melodischem, aber klagendem Gesang, marschierenden Trommeln und einem geschmackvollen Mundharmonika-Solo überzeugt. "Bye Bye Bayou" ist ein eindringlicher Mutant-Rockabilly-Song, der den Rock der 50er Jahre mit Vegas exzentrischem Performance-Stil verbindet und später in der Coverversion von LCD Soundsystem aus dem Jahr 2009 neu interpretiert wurde, wodurch Vegas Solowerk einer neuen Generation vorgestellt wurde. In ähnlicher Weise würdigte die Coverversion von "Ice Drummer" durch The Flaming Lips Vegas Außenseitergeist. Jetzt von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erstmals auf Streaming-Diensten verfügbar, wurde Alan Vega von Sacred Bones Records originalgetreu neu aufgelegt, wobei die rohe Intensität von Vegas Originalaufnahmen erhalten blieb und sie gleichzeitig für Hörer auf der ganzen Welt neu zugänglich gemacht wurden. "Alan Vega" ist mehr als ein Solo-Debüt, es ist eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit und Freiheit eines der einflussreichsten und kompromisslosesten Künstler New Yorks. Ohne die intensive Elektronik von Suicide, aber mit Vegas Außenseiter-Energie und Schärfe, übersetzt das Album den frühen Rock 'n' Roll durch einen Art-Punk-Filter, der sich als eigenständiges Kult-Meisterwerk bewährt hat.

Andrew Lloyd Webber’s The Phantom of the Opera is one of the most celebrated musicals of all time, and this original London cast recording from 1986 remains the definitive recording. Michael Crawford’s Tony Award-winning performance as The Phantom and Sarah Brightman’s portrayal of Christine Daaé helped make this the best-selling cast recording in history. Re-issued for the first time in decades, this classic album brings the unforgettable score to a new generation of listeners. From the title song to “The Music of the Night” and “All I Ask of You,” every track reflects the power and beauty that continue to make The Phantom of the Opera a global phenomenon nearly forty years after its debut. Since its premiere, The Phantom of the Opera has been seen by more than 160 million people in 195 cities and has received over 70 major theatre awards. It holds the record as the longest-running show in Broadway history and was the first British musical to debut at number one on the music charts. The recording has been certified Platinum in six countries.

Das französische Duo Lilly Wood & The Prick, bestehend aus Nili Hadida und Benjamin Cotto, prägt seit 2006 die Pop- und Indie-Szene. Bekannt wurden sie zunächst durch ihre Mischung aus Folk, Pop und Elektro, bevor der internationale Durchbruch mit dem Robin-Schulz-Remix von Prayer in C gelang - ein Welthit mit über 1 Milliarde Streams und Diamant-Auszeichnung. Für ihr Debütalbum Invincible Friends erhielten sie den Victoire de la Musique-Preis als "Publikumsentdeckung". Es folgten erfolgreiche Alben (The Fight, Shadows, Most Anything) und weltweite Tourneen, von europäischen Festivals bis nach Australien. Mit CHRISTINA, ihrem fünften Studioalbum, schlagen Lilly Wood & The Prick ein neues Kapitel auf. Produziert von Myd, steht das Album für klare Beats, elegante Hybrid-Sounds und eine kompromisslose Richtung. Der Titeltrack Christina ist mehr als ein Song: Er thematisiert Schönheitswahn und Selbstinszenierung im Social-Media-Zeitalter - verpackt in hypnotischen Electro-Pop. Weitere Highlights wie Swear zeigen die neue Energie des Duos: direkter, moderner und voller popkultureller Wucht.

"Collision Drive" ist Alan Vegas zweites Solo-Studioalbum, das ursprünglich 1981 rausgekommen ist. Während sein Debütalbum den Grundstein für eine rohe, minimalistische Interpretation von Rockabilly und Blues gelegt hat, erweitert Collision Drive" die Palette mit einer raueren, vielschichtigen und ungefilterten Energie. Hier greifen Vegas Texte universelle Themen auf, die in seiner Faszination für das Straßenleben, Science-Fiction, Politik, Comics, Liebe und die Geheimnisse des Universums verwurzelt sind. Es ist ein Album, das vor Gefühl und Rebellion pulsiert und das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen sowie Vegas sich weiterentwickelnde Vision zeigt. Alan erfand sich immer wieder neu, schuf und verfeinerte seine Meisterschaft der Variation und behielt dabei seine eigene unvergleichliche und unverwechselbare Ästhetik bei. Klanglich ist dieses Album dynamischer als sein erstes. Collision Drive" verzichtete auf Drum Machines zugunsten eines Live-Drummers und holte eine Hardrock-Band als Begleitung hinzu, wodurch es eine andere Sichtweise auf Vegas künstlerische Vision bot. Der schmerzhafte Punk-Rockabilly von Magdalena 82" entfaltet sich mit einer hypnotischen Mischung aus Gitarren-Slides und frenetischer Energie, während Vegas Cover von Be Bop A Lula" Gene Vincents Klassiker in ein aggressiv aufgeladenes, manisches Heulen verwandelt. Andere Tracks wie der treibende kosmische Rock 'n' Roll Raver" dringen in Psychobilly-Gefilde vor. Vega war unerbittlich innovativ und beschritt ständig neue Wege. Hier werden wir Zeugen seines vollständigen Aufstiegs in seine eigene Mythologie: teils Rockabilly-Outlaw, teils kosmischer Prediger, teils visionärer Außenseiter. Collision Drive" ist breiter angelegt als sein Debüt, aber genauso kompromisslos und eine mutige und persönliche Erkundung von Klang und Identität. Roh, elektrisierend und bahnbrechend bleibt es ein Kult-Meilenstein des Outsider-Rock und ein Prüfstein für die Entwicklung des Art-Punk und des experimentellen Pop von einer der furchtlosesten Ikonen New Yorks. Collision Drive" wurde von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erscheint nun in einer ehrfürchtigen Neuauflage bei Sacred Bones.

"Collision Drive" ist Alan Vegas zweites Solo-Studioalbum, das ursprünglich 1981 rausgekommen ist. Während sein Debütalbum den Grundstein für eine rohe, minimalistische Interpretation von Rockabilly und Blues gelegt hat, erweitert Collision Drive" die Palette mit einer raueren, vielschichtigen und ungefilterten Energie. Hier greifen Vegas Texte universelle Themen auf, die in seiner Faszination für das Straßenleben, Science-Fiction, Politik, Comics, Liebe und die Geheimnisse des Universums verwurzelt sind. Es ist ein Album, das vor Gefühl und Rebellion pulsiert und das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen sowie Vegas sich weiterentwickelnde Vision zeigt. Alan erfand sich immer wieder neu, schuf und verfeinerte seine Meisterschaft der Variation und behielt dabei seine eigene unvergleichliche und unverwechselbare Ästhetik bei. Klanglich ist dieses Album dynamischer als sein erstes. Collision Drive" verzichtete auf Drum Machines zugunsten eines Live-Drummers und holte eine Hardrock-Band als Begleitung hinzu, wodurch es eine andere Sichtweise auf Vegas künstlerische Vision bot. Der schmerzhafte Punk-Rockabilly von Magdalena 82" entfaltet sich mit einer hypnotischen Mischung aus Gitarren-Slides und frenetischer Energie, während Vegas Cover von Be Bop A Lula" Gene Vincents Klassiker in ein aggressiv aufgeladenes, manisches Heulen verwandelt. Andere Tracks wie der treibende kosmische Rock 'n' Roll Raver" dringen in Psychobilly-Gefilde vor. Vega war unerbittlich innovativ und beschritt ständig neue Wege. Hier werden wir Zeugen seines vollständigen Aufstiegs in seine eigene Mythologie: teils Rockabilly-Outlaw, teils kosmischer Prediger, teils visionärer Außenseiter. Collision Drive" ist breiter angelegt als sein Debüt, aber genauso kompromisslos und eine mutige und persönliche Erkundung von Klang und Identität. Roh, elektrisierend und bahnbrechend bleibt es ein Kult-Meilenstein des Outsider-Rock und ein Prüfstein für die Entwicklung des Art-Punk und des experimentellen Pop von einer der furchtlosesten Ikonen New Yorks. Collision Drive" wurde von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erscheint nun in einer ehrfürchtigen Neuauflage bei Sacred Bones.

Gatefold clear 2LP


Lorna Shore hat unerwartete Höhen erklommen, vor den größten Zuschauermengen ihrer Karriere gespielt und ist buchstäblich durchs Feuer gegangen, um »I Feel the Everblack Festering Within Me« zu veröffentlichen. Das neueste Album des Quintetts aus New Jersey knüpft dort an, wo sie mit dem mittlerweile klassischen »Pain Remains« aufgehört haben.

Während die erste Single des Albums, »Oblivion«, klassische Lorna Shore-Klänge sind, hört man erst in Songs wie dem hymnischen »Unbreakable«, dem pathetischen »Glenwood« oder den triumphalen Gitarrenmelodien von »Lionheart« den Sound von Extreme Metal, der seine eigenen Grenzen überschreitet – geprägt von den Erfolgen auf riesigen Festivals und Arenenauftritten mit Künstlern wie Gojira und Mastodon.

Lorna Shores Aufstieg war schlichtweg atemberaubend, und »I Feel The Everblack Festering Within Me« ist nichts weniger als ihr karriereprägendes Album.

**2010 Grammy Award Winner: Best Traditional Folk Album **

‘Marvelous…exuberant’ - Rolling Stone

Nonesuch Records releases a fifteenth anniversary edition of Carolina Chocolate Drop’s 2010 Grammy Award-winning album Genuine Negro Jig, featuring founding band members Dom Flemons, Rhiannon Giddens, and Justin Robinson. The reissue includes the original album and nine bonus tracks: seven previously unreleased tracks plus a 2025 remaster of ‘City of Refuge’ and a 2025 mix of ‘Memphis Shakedown’. This release marks the album’s first time on vinyl since its original pressing in 2010.

Genuine Negro Jig was released on February 16, 2010, reaching the top ten on the Billboard Folk chart and the top of the Bluegrass chart. It won the 2011 Grammy Award for Best Traditional Folk Album. Produced by Joe Henry, it was the first of three releases on Nonesuch followed by The Carolina Chocolate Drops/ Luminescent Orchestrii EP (2011) and the Grammy nominated album Leaving Eden (2012), produced by Buddy Miller. Widely acclaimed as one of 2010’s best, Genuine Negro Jig appeared in year-end lists of NPR, Paste, and more, and was featured in Rolling Stone’s 25 Best Country-Soul Albums in 2024.

“Genuine Negro Jig remains fresh fifteen years later not only because of the Carolina Chocolate Drops’ influence on American popular culture but also because it’s an excellent record in itself,” says Dr. Dwandalyn Reece and Dr. Steven Lewis of the Smithsonian National Museum of African American History and Culture in the album’s liner notes.

Carolina Chocolate Drops formed after band members Dom Flemons, Rhiannon Giddens, and Justin Robinson met at the Black Banjo Gathering in Boone, NC in 2005. All three trained in the Piedmont banjo and fiddle musical tradition under the tutelage of Joe Thompson, who was one of the last musicians of his era and his community to carry on the southern Black string band tradition. While old-time Southern string music is often associated with Caucasian musicians from Appalachia, Giddens pointed out in an NPR interview that “it seems that two things get left out of the history books. One, that there was string band music in the Piedmont, period. And that Black folk was such a huge part of string tradition.” Carolina Chocolate Drops sought to not only correct this misunderstanding but also to keep the centuries-old string music tradition alive and developing.

The members of Carolina Chocolate Drops, who came from diverse musical backgrounds, shared singing duties and swapped instruments throughout their sets. The band recently reunited for a single show at Rhiannon Giddens’ Biscuits and Banjos festival in Durham, North Carolina in April 2025. In celebration of the 20th Anniversary of the Black Banjo Gathering, the documentary Don’t Get Trouble In Your Mind: The Carolina Chocolate Drops’ Story by Filmmaker John Whitehead was released on Amazon Prime, Apple TV, and YouTube Free4all streaming platforms.

Japanese black metal legends Sigh formed in 1989/1990. The genre-classic debut ‘Scorn Defeat’ followed on Euronymous’ Deathlike Silence Productions in 1993 & with each subsequent release, Sigh grew to become one of the country’s greatest & most revered metal exports. With a journey through the strange & the psychedelic, incorporating a whole eclectic mix of genre styles & experimentation throughout their career, Sigh has remained a vital creative force in the avantgarde field whilst maintaining their old school roots, as witnessed with the stellar 2022 album, ‘Shiki’. 2025 also saw Sigh reimagining their ‘Hangman’s Hymn’ album for a release on Peaceville as part of the band’s 35th anniversary celebrations, in the shape of ‘I Saw The World’s End: Hangman’s Hymn MMXXV’.

Maintaining the core trio of Mirai Kawashima, Shinichi Ishikawa & Satoshi Fujinami & on the back of the epic & darkly symphonic opus ‘Infidel Art’ (1995), Sigh adopted a more boundary-defying approach to their writing, whilst still keeping the dark foundations & traits of the band’s fundamental sound. The result was ‘Ghastly Funeral Theatre’ which surfaced in 1997 & draped in Eastern & horror-based atmospherics, the band also embraced elements outside of metal with what was their most experimental offering to date; utilising instruments such as the saxophone as well as acoustic passages & notoriously drawing comparisons to the moods of bands such as The Beatles at times, featuring catchy hooks & structures in line with the rock music genre, but masterfully woven into Sigh’s unique blackened metal tapestry.

Continuing with Peaceville’s re-issues of Sigh’s classic early ( & until now, hard to find) works, this edition of ‘Ghastly Funeral Theatre’ contains a new master created by Patrick Engel at Temple of Disharmony, featuring a new transfer from the original DAT source.

The release also includes a new interview with main-man Mirai Kawashima conducted by Dayal Patterson of Cult Never Dies, delving into the history & inspirations behind ‘Ghastly Funeral Theatre’.

This edition of ‘Ghastly Funeral Theatre’ is presented on black vinyl.

Japanese black metal legends Sigh formed in 1989/1990. The genre-classic debut ‘Scorn Defeat’ followed on Euronymous’ Deathlike Silence Productions in 1993 & with each subsequent release, Sigh grew to become one of the country’s greatest & most revered metal exports. With a journey through the strange & the psychedelic, incorporating a whole eclectic mix of genre styles & experimentation throughout their career, Sigh has remained a vital creative force in the avantgarde field whilst maintaining their old school roots, as witnessed with the stellar 2022 album, ‘Shiki’. 2025 also saw Sigh reimagining their ‘Hangman’s Hymn’ album for a release on Peaceville as part of the band’s 35th anniversary celebrations, in the shape of ‘I Saw The World’s End: Hangman’s Hymn MMXXV’.

Maintaining the core trio of Mirai Kawashima, Shinichi Ishikawa & Satoshi Fujinami & on the back of the epic & darkly symphonic opus ‘Infidel Art’ (1995), Sigh adopted a more boundary-defying approach to their writing, whilst still keeping the dark foundations & traits of the band’s fundamental sound. The result was ‘Ghastly Funeral Theatre’ which surfaced in 1997 & draped in Eastern & horror-based atmospherics, the band also embraced elements outside of metal with what was their most experimental offering to date; utilising instruments such as the saxophone as well as acoustic passages & notoriously drawing comparisons to the moods of bands such as The Beatles at times, featuring catchy hooks & structures in line with the rock music genre, but masterfully woven into Sigh’s unique blackened metal tapestry.

Continuing with Peaceville’s re-issues of Sigh’s classic early ( & until now, hard to find) works, this edition of ‘Ghastly Funeral Theatre’ contains a new master created by Patrick Engel at Temple of Disharmony, featuring a new transfer from the original DAT source.

The release also includes a new interview with main-man Mirai Kawashima conducted by Dayal Patterson of Cult Never Dies, delving into the history & inspirations behind ‘Ghastly Funeral Theatre’.

This edition of ‘Ghastly Funeral Theatre’ is presented on black vinyl.

The Final Album recorded by Nikki Sudden release posthumously by friends o Now after consultation with all band members and producer John Rivers the album has been re assembled re mixed and re mastered to create the best sound it's ever been o Lavishly designed by Dave Twist includes notes by band members and photos from the sessions o The Lp comes in de luxe gatefold sleeve with printed inner bags o Contains bonus tracks and has been reordered to the last email nikki sent on the subject

Dan O'Farrell & The Difference Engine's fourth album (recorded and produced by Andy Lewis ) arrives at the start of 2026 like a cold, sharp bucket of water in the face. Bracing and troubling - like a tongue returning to a sore tooth - these songs probe life's dark waters: loss of family, faith, community & self- confidence - but also remains empathetic and rousing, ultimately cathartic. Once you've scraped the bottom, the only way is up. Creation is always an act of joyful defiance. Based in Southampton, and formed from the ashes of John Peel-endorsed indie-band Accrington Stanley , the band bring layers of warmth and subtlety to the uncompromisingly lyrical alt-folk songs of Dan O'Farrell, English-teacher by day and angry, leftist complainer by night.

The Just Joans' new album Romantic Visions of Scotland finds the Glasgow band in characteristically melancholic form, pairing shambling indie pop with sharp observations on romantic pratfalls and everyday dis-appointments, all delivered with sardonic Scottish wit, fronted by siblings David and Katie Pope, whose wry lyrics and heartfelt vocals remain at the heart of the band’s distinctive sound.
Originally inspired by a grandiose exhibition title spotted on Glasgow buses in 2019 for a show at the Nation-al Museum of Scotland called Wild and Majestic: Romantic Visions of Scotland, the new album arrives six years later as a collection of semi-autobiographical snapshots from the Central Belt of Scotland. Whilst some of the details have been exaggerated for comic (or tragic) effect, the songs are based on personal experience of mundane failings, bitter regrets and missed opportunities that make up an unremarkable life.
Recurring themes of nostalgia for a bygone era and the fear of being left behind by lovers, friends and peers run throughout the album. Musically and lyrically, the band channels Village Green-era Kinks, with nods to The Television Personalities, The Smiths and Dolly Mixture.
In the past they have always recorded by themselves in a variety of bedrooms, living rooms – and the occasional toilet. For the first time they have abandoned their DIY recording practices to create what songwriter David Pope calls, “a corporate behemoth in an actual studio.” The album was recorded at Chem19 in Blan-tyre with Paul Savage, who is best known as a founding member of local legends The Delgados. He has also produced and recorded the likes of Teenage Fanclub, Arab Strap and Camera Obscura, and has captured a slightly more muscular version of the band while retaining their ramshackle charm.
The album artwork by vocalist and painter Katie Pope depicts Motherwell Train Station – an ordinary, boring place that speaks to the subject matter of the songs, but with a hint of potential escape. As David Pope ex-plains, “For me, the painting reminds me of the ending of Billy Liar in which Billy tries and fails to leave his hometown for the bright lights of London. Half the band also live in Motherwell, so it seemed appropriate.”
Funded by Creative Scotland, the recording allowed the band to bring in bass and cello arrangements, adding depth and a sheen of musical proficiency to their signature sound.
About The Just Joans - The Just Joans were formed in Glasgow in 2005 by songwriter David Pope. Early demos were collected together and released as a loose concept album, Last Tango in Motherwell, in 2006. Chris Elkin joined on guitar and was followed shortly after by David’s younger sister, Katie, on vocals and Fraser Ford on bass. Over the years they have released EPs and albums on WeePOP! and Fika Records and have gained a cult following as Scottish pop miserabilists.
The current line-up consists of Katie Pope (vocals), David Pope (vocals, guitar), Chris Elkin (lead guitar), Fraser Ford (bass), Arion Xenos (keyboards) and Jason Sweeney (drums).
Press Quotes:
“They fit snugly into the scratchy, low budget Scottish indie tradition of The Delgados and Arab Strap… There’s mischief in this miserabilism.” - Mojo 4*s
“Glasgow’s The Just Joans have documented the romantic pratfalls of a generation of indie kids with sardonic wit and a shambling musical style where Stephin Merrit lies down with The Vaselines.” - Uncut
“Funny and sad, it’s the kind of song that made Red House Painters, The Magnetic Fields and The Wedding Present’s early albums so easy to embrace; an unpretentious sharing of relatable gloom.” - Record Collector

Das legendäre Debütalbum der norwegischen Funkateers Xploding Plastix, "Amateur Girlfriends Go Proskirt Agents" (2001), erscheint als Deluxe-Doppelvinyl mit 6 zusätzlichen Bonustracks. Mit ihrer Mischung aus obskuren Jazz-Samples, coolen Beats, melodischem Feeling, einer unkonventionellen Herangehensweise und einer gehörigen Portion Humor schufen Xploding Plastix ihren ganz eigenen Stil. Eine Art älterer Amon Tobin trifft auf Scott Walker in einem verraucht-schmuddeligen Jazzclub. Dazu noch ein Faible für Film Noir, Balearic Beats, Lo-Fi, absolut abgefahrene Sounds – einfach genial! Der NME schrieb damals: "Währenddessen bieten die Norweger Xploding Plastix – zwei Verrückte mit vielen kleinen Boxen und einem schrecklichen Namen – auf dem Jam Festival eine ganz andere Art von Umbruch. Ihr Sound ist ein lauter, desorientierender Future-Jazz-Krach, eine Mischung aus DJ Foods verrückten Drums, Aphex Twins Taktarten und den stimmungsvollsten, cineastischen Passagen von The Herbaliser. Fantastisch!"

Sun I Tafari I / Tashomi Balfour
Tracks 2 + 4 remixed - Mafia & FluxyRecorded and Mixed - Jamtone Studio by Darren Mathers
2020PRODUCED - CHANNEL ONE SOUND SYSTEM