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Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

GAISTER (Olivia Salvadori, Akihide Monna and Coby Sey) release their self-titled LP.

The record captures the embodiment of an encounter, one moment of the trio’s ongoing relationship as artists who communicate with each other through sound, voice and music.
After orbiting in the same circles at each other's shows around 2016 in London, Sey and Salvadori eventually crossed paths. In 2017 Sey joined Salvadori’s artistic collective Tutto Questo Sentire on a residency in Capalbio, the southernmost part of Tuscany, Italy, and started working together. Down the line the pair ended up joining with Akihide Monna (of Bo Ningen), performing together in 2019 at Camden Art Centre on Cork Street in London.

When the trio come together something new is created, brought out after laying dormant, like an Icelandic Geysir. The setting of this particular encounter amongst the trio is essential in the album’s sonic palette, process and emotion. The album was recorded in Iceland at
Greenhouse Studios, where the trio formalised a set of intuitions; how nature can provide a guideline in the choices of the instruments, their materials and related rhythms; reflections on the voice as a sculptural element, pure sound and words.

As Akihide has said of the experience during their short and intense recording period: “The sound spontaneously spun out as if we were pulling at each other's hearts and minds with a strange internal connection and sensation. Something pure was brought out.”

‘Gaister’ itself is a made up word, sprung from the German ‘Geist’ to mean ‘spirit’, and made into a sound of its own. A purity, spirit and essence is pulled from the trio, in spite of their varying mother tongues (Italian, Japanese and English), musical genres and identities to create something new. Olivia Salvadori’s operatic vocals run free, flowing and moving in
synergy with Monna’s rhythmic drumming. Sey sings freely with Salvadori, their voices braided together like a waterfall.

This flowing nature is reflected in the album itself, its timestamps and scores are marked by encounters rather than tracks themselves. This album can be considered as one constant piece and a journey of its own that is not foreclosed, in keeping with the band’s ethos of
constant conversation and collaboration.
As Sey speaks of the trio’s relationship: “Olivia, Monchan and I had performed live together once before, several years before this song and this album came to be… and yet, we fully trust each other’s intuition when performing and creating music together because of our unified belief in the ability of sound and music to communicate and connect.”
credits
releases November 1, 2024

Olivia Salvadori: voice
Akihide Monna: voice, drums, percussions
Coby Sey: voice, percussions, synths, wurlitzer

Recorded at Greenhouse Studios in Reykjavik, Iceland

Recorded and producer: Sandro Mussida
Sound engineer: Francesco Fabris
Studio assistant: Domiziano Maselli and Jakob Vasak

Mixing engineer: Kristian Craig Robinson at Total Refreshment Centre, London, UK

Phoenician Drive is a six-piece band from Brussels, blending Western rock with traditional Eastern music into a style they describe as Dune Krautrock. Oud, darbuka, and riq meet distorted guitars and pop textures, weaving connections across the Mediterranean. Inspired by East–West fusions from the 1970s (like Erkin Koray and Orient Express) and the German krautrock scene (Neu!, Can, Faust…), their music explores borderless, hypnotic landscapes rooted in both rhythm and experimentation.

Following a debut EP released on EXAG' Records in 2017, the band put out a self-titled LP and collaborated with choreographer Wim Vandekeybus in 2018. In 2019, Phoenician Drive reimagined their sound in an acoustic format, which they toured extensively for two years throughout the post-Covid period.

Between 2021 and 2022, the group returned to electric instrumentation and recorded Glow, an EP released in June 2023 via EXAG' Records. The release was celebrated with a powerful live show at Brasserie Illegaal in Brussels — a performance captured in the live album Live in Brussels '23. The record channels the band’s raw stage energy and deepens their sonic exploration of trance, tension, and Mediterranean melodies.

Cate Le Bons siebtes Album 'Michelangelo Dying', dessen Entstehung von purer Emotion geleitet wurde, hat das Album, das sie zu machen glaubte, verdrängt. Als Produkt eines alles verzehrenden Herzschmerzes überwanden ihre Gefühle ihren Widerwillen, ein Album über die Liebe zu schreiben, und wurden in diesem Prozess zu einer Art Exorzismus. Herausgekommen ist ein wunderbar schillernder Versuch, eine Wunde zu fotografieren, bevor sie sich schließt - und dabei auch in ihr zu stochern.

Musikalisch gibt es eine Fortsetzung und Erweiterung eines Sounds - eine Maschine mit Herz -, der auf ihren letzten beiden Platten 'Reward' (2019) und 'Pompeii' (2022) Gestalt angenommen hat, da Le Bon zunehmend selbst die Kontrolle über das Spielen und Produzieren übernommen hat. Wenn Gitarren und Saxophone durch Pedale gepresst und Perkussion und Stimmen durch Filter gejagt werden, entsteht ein schillernder, grüner und seidiger Sound, in dem die künstlerischen Eigenheiten von David Bowie, Nico, John McGeoch und Laurie Anderson aufblitzen und wieder verschwinden.

Was übrig bleibt, ist eine sich ständig verändernde, kontinuierliche Einheit, eine Art Songzyklus. Jede Iteration reflektiert die letzte und entwickelt sie weiter. „Jede ist eine Scherbe desselben zerbrochenen Spiegels“: Sie verschiebt sich, glitzert, verbirgt und enthüllt, je nachdem, wie sie im Licht gedreht wird. Letztendlich gibt es, so Cate, „keine Enthüllungen. Keine Schlussfolgerungen. Es gibt keinen Grund. Es gibt nur Wiederholungen und Chaos. Ich habe mir schließlich erlaubt, einen offenen Geist zu haben, um es ohne Widerstand zu erleben, ohne nach einer Offenbarung oder Ordnung zu suchen.“

'Michelangelo Dying' ist eine Übung in der Viszeralität des Lebens, der Liebe und der Menschlichkeit, sowohl für den Hörer als auch für die Künstlerin selbst, und es weiß, was es heißt Halt zu geben, gehalten zu werden aber auch sich ganz und gar allein zu fühlen. „Die Figuren sind austauschbar“, schließt Cate, „aber am Ende bin ich es, der sich selbst begegnet.“

- LP: (Vollfarbige Hülle, 140g schwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle und Download-Karte)

NILS FRAHM and F.S.BLUMM have confirmed the release of their fifth collaborative album, Handling. Containing three tracks but 40 minutes long, it finds the duo advancing from 2021’s dub-influenced 2X1=4, deploying its lessons in ambitious new territory that also nods to earlier collections. Recorded at his studio in Berlin’s Funkhaus, the album will be released by LEITER on vinyl and via all digital platforms on September 19, 2025.

Handling’s three exquisitely detailed pieces are each entitled ‘Leuchter,’ German for ‘candlestick,’ encapsulating the LP’s luminescent glow and rising inner energy. Its scrupulous arrangements exploit a magic cabinet of instruments, among them pianos, celestas and cristal baschets, glockenspiels, guitars and multiple forms of percussion. Their painstakingly engineered improvisations were equally meticulously reassembled in a series of intense editing sessions.

That the duo’s collaboration is built on a friendship and mutual admiration dating back to the early 2000s enables an unusual level of trust, despite both operating in their own distinct manner. “It’s not Frank, it’s not Nils,” they reflect. “We’ve become a new persona.” Handling blends Blumm’s organic chaos with Frahm’s structured intuition, offering a distinct and luminous experience that doesn’t just sound different, but feels like its own evolving world.

“Tunggak Semi” is the third album from Indonesian musician and producer Bambang Pranoto. Originally released in 2000, it’s an exemplary slice of what has become his signature style, a dream-like meditation on aspects of nature, combining elements of accordion, acoustic guitar, flute and percussion. The compositions cross eastern and western notation to inhabit a world of their own, a world between worlds, where harmonies reflect the beauty and joy of nature.

Bambang had a rather atypical entry into music, and studied electronics and telecommunications, before he took advantage of the wave of computer software like Cubase and Protools in the 1990s that enabled him to set about recording his own compositions and soundscapes. After playing in groups, he developed his own approach to constructing his productions. He invites musicians to record interpretations of his themes, which he then pieces together in Protools like a jigsaw puzzle. “The musicians have never even met!” he chuckled on a Skype call.

“Tunggak Semi” refers to the giant trees that appear all over Bali, and their process of renewal and regeneration. “If you cut the tree, and leave the roots, they will grow again. Everytime we cut, they grow again. It’s limitless. This philosophy means there’s always something new coming, whether an idea or music, anything.” This approach has grown out of Bambang’s studies into meditation, including Indian and Chinese scriptures, also Balinese and Indonesian religions. Music, like meditation, is a daily practice, and acceptance of the music and its ‘unfinishedness’, forms a central part of the process.

“We must not just think, but we must also feel, and we must accept that feeling,” explains Bambang, and that’s a step of opening one’s mind to possibility. It seems in keeping with two of Bambang’s musical inspirations, namely Ryuichi Sakamoto and Peter Gabriel, both known for their love of world folk music, and fusion of musical traditions. That’s mirrored in Bambang’s own collage-like approach, recording elements and piecing them together to make something unimagined. While the acoustic sound palette for “Tunggak Semi” is rooted in live recordings, Bambang is not afraid to put the digital technology to good use.

“We have to use the computer as a tool in the best way we can,” Bambang says. “Sometimes people say music is made by people, not by the computer, but it’s just another piece of equipment. What can we compose from this equipment? It’s technology music!”

Written and produced by Bambang Pranoto at interactive garden studio, Depok, Bogor between September and December 2001. 2025 version remastered by Wouter Brandenburg at Brandenburg Mastering.

Double LP pressed on transparent neon pink and opaque neon green vinyl Including exclusive unreleased tracks Holographic gatefold sleeve Reversible artwork concept After months of overwhelmingly positive reviews on the game and half a million streams on the digital album, it is finally time to announce the physical release of the original soundtrack for Sorry We're Closed. Akupara Games, à la mode games and Black Screen Records put every effort into the vinyl that lives up to the one-of-a-kind nostalgic, survival horror game with rich lore, deep characters and multiple endings. While players explore unsettling locations in Sorry We're Closed, they're being haunted by the chilling tracks, created by C.Bedford, Okumura, Devix and Catton Arthur. The soundtrack is as diverse as its artists: From the atmospheric and minimalistic electronic pieces by C.Bedford, who involved in the development of the game, to the full-on hip hop tracks by Okumura, Devix is adding a sensible folk track, while Catton Arthur is finally throwing in some heavy guitars to complete this excentric and highly enjoyable mix. For the vinyl release of the Sorry We're Closed soundtrack, the teams of à la mode, Akupara and Black Screen created a package that has its twists and turns. It comes with colourful neon LPs, transparent pink and opaque green, that are housed in a shiny holographic gatefold sleeve that you can turn around to see a second, alternative artwork.

Sam Prekop"s work over the last 30 years, whether created primarily on his guitar or on his modular synth, is consistent in its powerful melodicism, delicate arrangements and subtle evolution. Prekop"s singular blend of melody, impressionistic lyricism and quietly intricate rhythms are the core of the singular sound of The Sea and Cake. Since 2010"s Old Punch Card, Prekop"s exploration of modular synthesis and electronic atmospheres, has come into its own. Highly skilled at manipulating the sonic interplay, Prekop has established a sytle all his own, his pieces are complex expressing real movement. Harmonies bloom with granular detail and contrary to their machine sources are able to convey emotion. Open Close is an album that captures the flow and energy of a live performance through the lens of a deft craftsman, an equilibrium of intuitive composition and the excitement of possibility.

Nobukazu Takemura"s music is singular in its ability to create a musical sense of childlike wonder and curiosity, with gracefully executed yet complex compositions. His pieces embody an innocence and the intricacies of self discovery that every human is faced with as their worlds become more complex. An acclaimed producer and composer, Takemura is known for his idiosyncratic music and video artistry as well as his prolific collaborations including those with Tortoise, Yo La Tengo, DJ Spooky and Steve Reich. knot of meanings, Takemura"s first proper album in a decade, finds the Japanese artist wrestling with the rise of technological influence on art and culture in the modern era, in tandem with his own relationship to religion, and where those struggles meet. Like the colorful, irregularly shaped glasses on the cover, the album is a mosaic of technicolor elements that come together to form a complete picture, a dense portrait of interconnected struggles and triumphs.

Sam Prekop"s work over the last 30 years, whether created primarily on his guitar or on his modular synth, is consistent in its powerful melodicism, delicate arrangements and subtle evolution. Prekop"s singular blend of melody, impressionistic lyricism and quietly intricate rhythms are the core of the singular sound of The Sea and Cake. Since 2010"s Old Punch Card, Prekop"s exploration of modular synthesis and electronic atmospheres, has come into its own. Highly skilled at manipulating the sonic interplay, Prekop has established a sytle all his own, his pieces are complex expressing real movement. Harmonies bloom with granular detail and contrary to their machine sources are able to convey emotion. Open Close is an album that captures the flow and energy of a live performance through the lens of a deft craftsman, an equilibrium of intuitive composition and the excitement of possibility.

Escalator" by Sam Gopal feat. Motorhead’s Lemmy – A Psychedelic Gem
Released in January 1969, Escalator is the only studio album by the British psychedelic rock band Sam Gopal, led by tabla maestro Sam Gopal himself
Unique both in sound and lineup, the record blends Eastern percussion with psychedelic rock and has garnered cult status—especially thanks to guitarist/vocalist Ian “Lemmy” Kilmister.
This record marks Lemmy’s earliest studio work, before his stints with Hawkwind and of course, Motörhead, making it a vital piece for fans of his legacy.
Incl. Unreleased tracks “Horse/back Door Man”
180 gram vinyl + insert

Still staged in the gritty atmosphere and philosophical weight of post-metal, sludge, and ambient noise, `idsungwüssä' sees Abraham march even further into dissonant and defiant territory. "The three albums are clearly linked together thematically" comments the band, "although, rather than an additional chapter, idsungwüssä is more like a parallel narrative to 'Débris de mondes perdus'. The latter was a jump in time after 'Look, Here Comes the Dark!, whereas 'idsungwüssä' is a jump in space, a journey away from earth. It should be the final piece of this little jolly ride." This album isn't just heavy, it is absolutely drenched in delicious filth, and yet by embracing even more the melodic interludes and melancholic passages, they create a devastating contrast to the wall of power coming from stacked guitars, catastrophic drums and raging, sharp vocals - delivered in Swiss-German dialect. From the patient grandeur of coming extinction, to the chaos and fevered urgency of the aftermath, in `idsungwüssä' Abraham move forward from prophetic lamentation to an elegiac visceral response. The emotional closure of this expression is felt, something final that will leave you speechless and with only one real option; listen to it again.

Still staged in the gritty atmosphere and philosophical weight of post-metal, sludge, and ambient noise, `idsungwüssä' sees Abraham march even further into dissonant and defiant territory. "The three albums are clearly linked together thematically" comments the band, "although, rather than an additional chapter, idsungwüssä is more like a parallel narrative to 'Débris de mondes perdus'. The latter was a jump in time after 'Look, Here Comes the Dark!, whereas 'idsungwüssä' is a jump in space, a journey away from earth. It should be the final piece of this little jolly ride." This album isn't just heavy, it is absolutely drenched in delicious filth, and yet by embracing even more the melodic interludes and melancholic passages, they create a devastating contrast to the wall of power coming from stacked guitars, catastrophic drums and raging, sharp vocals - delivered in Swiss-German dialect. From the patient grandeur of coming extinction, to the chaos and fevered urgency of the aftermath, in `idsungwüssä' Abraham move forward from prophetic lamentation to an elegiac visceral response. The emotional closure of this expression is felt, something final that will leave you speechless and with only one real option; listen to it again.

Trailblazing outlet for forward-thinking Danish Jazz, April Records proudly presents the debut from trumpeter/composer Rolf Thofte; a vivid and personal record that blends lyrical melodies, inventive rhythms, and subtle harmonic exploration. Written while Thofte adjusted to fatherhood - the album captures moments of joy, reflection, and experimentation, brought to life by a handpicked quintet of Denmark"s most exciting young jazz talents. Martha"s Dance is set for release on September 19th, 2025 via April Records. The title track is a tribute to Thofte"s three-year-old daughter - a playful, clapping, goat-hoof-stomping tune in quirky 5/4 that channels the spirit of childhood joy and spontaneity. "It"s just a fun tune to play, and I feel like it really captures Martha"s spirit," says Thofte. "This band came together at a time when I was trying to get a foothold in a new life situation as a father, so it felt perfect to make this the title track." The album moves between moods and textures with elegance: from the rich harmonic language of "Vice Versa" - inspired by Wayne Shorter"s ability to cast simple melodies in shifting harmonic light - to the understated power of "Changing Tides," a piece about imperceptible gradual changes in our lives, nature, and politics. "Bendico," written in 15 minutes as a conservatory assignment, showcases Thofte"s gift for strong melodic statements, while "Dunkelflaute" evokes melancholic Nordic greyness through sparse, emotive phrasing. From the swaggering second-line feel of "The Big 5" to the hypnotic pulse of "All...", the album explores rhythm as both a driving force and a canvas for creative interplay. Throughout, Thofte"s trumpet and flugelhorn lead the ensemble with warmth and clarity. The quintet features some of Copenhagen"s top next-generation players: Andreas Toftemark (tenor saxophone), a powerhouse improviser and composer who brings NYC-honed energy and detail to the group dynamic. Rasmus Sorensen (piano), a rising star of the European scene, known for his sensitive, exploratory playing and fearless interaction. Jakob Roland (bass) and Henrik Holst (drums) - two of Thofte"s oldest musical collaborators - round out the rhythm section with deep swing, taste, and musical empathy.

Den Grundstein für ihre musikalische Karriere legten SPRINTS zweifelsohne mit ihrem Debütalbum 'Letter To Self' im Jahr 2024. Allein in diesem Jahr tourte die Band um Frontfrau Karla Chubb zwei mal durch Europa, UK und die USA. Das neue Album 'All That Is Over' ist ein bemerkenswertes zweites Werk, das die Dynamik der Band noch weiter vorantreibt, noch nuancierter klingt, aber nichts an Rohheit einbüßt.

Während viele Bands nach einer solch hektischen Anfangszeit ausgebrannt wären und eine Pause bräuchten, wurde Karla umso produktiver und kreativer. 'There was just so much happening and so much to process,' erklärt sie. 'I was going through a big break up with my partner who I’d been with for eight years; Colm had left the band; we’d really progressed into being professional musicians, and I was at the start of a new relationship. But then you’d look outside and it’s like the world has never been uglier. I was writing every day because there was so much going on.' In diesem Spannungsfeld aus Wut, Ambitionen und tausend weiteren Gefühlen dazwischen legt 'All That Is Over' die Karten auf den Tisch. Das Album wurde in Tourbussen, bei Soundchecks und in Echtzeit geschrieben. Vor dem Hintergrund einer Litanei von Grausamkeiten - dem Krieg in Nahost, den Waldbränden in Los Angeles, Trumps Executive Order, die die Rechte von Trans-Personen schneidet - versuchen SPRINTS, einer verrückt gewordenen Gesellschaft einen Sinn zu geben.

Das neue Album 'All That Is Over' der irischen Band SPRINTS erscheint am 26. September 2025 via CITY SLANG (in den USA über Sub Pop Records). Im Sommer ist die Band mit Fontaines D.C. bei einigen Konzerten in Deutschland live zu sehen.

Die mit einem GRAMMY ausgezeichnete Singer/Songwriterin und Multiinstrumentalistin Amanda Shires meldet sich mit Nobody's Girl zurück. Produziert von Lawrence Rothman und aufgenommen in den Sound Emporium Studios in Nashville, ist das neue Album Amandas bisher stärkstes Werk. Nobody's Girl ist eine Reise durch Herzschmerz, Verlust, Widerstandskraft, Selbstfindung und Ermächtigung. Auf dem Album sind Amandas ergreifender Gesang und ihre unverwechselbare Fiddle zu hören, untermalt von sorgfältig ausgearbeiteten Songs, die von ergreifend rauen Balladen bis zu rockigen Hymnen reichen.

Since their debut, The Frail Tide in 2007, Australian Progressive Death Metal powerhouse BE‘LAKOR has made a huge impact on the international metal scene, turning heads with their technical-driven yet melodic songwriting. Now, almost 15 years later, the legendary five-piece returns with their new album Coherence (out October 29 via Napalm Records), proving themselves to be on top of their game with their most ambitious project yet! Eight tracks on Coherence display BE’LAKOR’s impressive spectrum of musical abilities, ranging from 12-minute-long journeys on “Much More Was Lost” to the atmospheric, fully instrumental “Sweep of Days”. Coherence is full of details that reveal more and more with every listen of the album: BE’LAKOR are not afraid to focus on extensive, cohesive songwriting while still managing to keep the listener on their toes.!