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"Co-produced by Jerry Finn (Rancid, Green Day, Jawbreaker) and Butch Vig (Nirvana, Smashing Pumpkins), Sing the Sorrow retains the Bay Area outfit’s signature aggression and pathos – forging ever forward into uncharted territory like the virtuoso guitar intro of “The Leaving Song Pt. 2” or the industrial-leaning break and Dead Can Dance-worthy outro of “Death Of Seasons.”
Meanwhile, from its sublime intro through beautifully subdued verses and infectious choruses, first single “Girl’s Not Grey” is a standout that both recalls AFI coming into its own on 2000’s The Art Of Drowning and hints at a myriad of future directions. For the purists, “Dancing Through Sunday” and “Bleed Black” come strapped with generous chant-along opportunities and heavy-as-hell, bolt-tight riffs and rhythms. And as with virtually every track on Sing The Sorrow, these are all imbued with alternately brooding and celebratory lyrical imagery of rebirth, resurrection, apocalypse, all somehow deeply personal – in other words, classic AFI.
“When you’re playing a style of music that doesn’t really fit anywhere, you run a risk. You’re challenging people to leave their niche, to leave their predetermined ideas of what they’re supposed to like. Luckily, we have a lot of people who just focus on the music and appreciate us for what we are. So we get fans from all different genres of music, the jocks, the spooky kids, skaters, college kids, punk rockers, hardcore kids, metal kids, all that.” — Davey Havok"

"Dunya", der Titel von Mustafas meisterhaft ausgearbeitetem und atemberaubend zärtlichem Album, bedeutet aus dem Arabischen übersetzt so viel wie "die Welt mit all ihren Fehlern". Ein hochtrabendes Thema für einen jungen Songwriter, aber wie bei jedem Thema, das im Mittelpunkt der Arbeit des sudanesisch-kanadischen Künstlers steht - von religiöser Hingabe bis zu Kindheitstraumata, von Bandengewalt bis zu romantischer Intimität - nähert er sich durch eine persönliche Sichtweise. Er mischt Genres und Stimmungen, verwebt romanhafte Details in einprägsame Folksongs und hat ein Album geschaffen, das sich wie eine Reihe persönlicher Durchbrüche anfühlt, die einer nach dem anderen eintreffen. Was zuerst an Mustafas Musik auffällt, ist seine Art zu schreiben: ein einfacher, durchdringender Ton, der jede Geschichte so roh und ernsthaft wirken lässt wie die Worte eines Liebesliedes. Mit seinem leisen Vortrag, der seine Umgebung zum Schweigen bringen kann, entwickelte sich Mustafa schnell vom Wunderkind, das in seiner Heimatstadt Toronto Gedichte rezitierte, zu einer Kraft, die hinter den Liedern steht und Popsongs schreibt. Auf "Dunya" ist er zu einem eigenständigen Autoren gereift. "Ich versuche, das gewöhnliche Leben im Ghetto zu bewahren und zu feiern", beschreibt Mustafa seine lyrische Inspiration. Die Songs, in denen er sein Aufwachsen und seinen weiteren Lebensweg beschreibt, sind gleichermaßen entwaffnend in ihrer Einfachheit und vielschichtig in ihrer emotionalen Bandbreite. Durch die Zusammenarbeit mit Aaron Dessner, Rosalía, Clairo, Nicolas Jaar und anderen sowie Mustafas langjährigem kreativen Partner Simon Hessmann offenbart die Musik eine selbstbewusste, unverwechselbare Stimme, die noch nie so massenkompatibel geklungen hat.

Oxblood & Gold Vinyl. Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet. Eine spezielle farbige Vinyl-Edition wird auf "Oxblood"-Wachs (A/B-Seite) und "Gold"-Wachs (C/D-Seite) gepresst.

Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Recorded in 1956 for the EmArcy label, Vaughan joins with Hal Mooney and his orchestra to dive head-first into a collection of iconic ballads and standards. Opening with Billy Strayhorn’s “Lush Life”, Vaughan weaves her way through the set, which showcases her at her best. Rodgers & Hart’s “My Romance” is a notable performance, and the raw emotion in “I’m Afraid the Masquerade Is Over” is palpable. Verve’s Acoustic Sounds Series features transfers from analog tapes and remastered 180-gram vinyl in deluxe gatefold packaging.

Katy Perry meldet sich mit ihrem neuen Album „143“ zurück!
Mit insgesamt 115 Milliarden Streams und weltweit über 70 Millionen verkauften Alben und 143 Millionen Tracks ist Katy eine der meistverkauften Musikkünstlerinnen aller Zeiten! Was uns erwartet: Kühne,
überschwängliche und gute Dance-Pop-Musik mit der symbolischen Zahl 143 als numerischer Ausdruck der
Liebe, dessen Message sich durch das ganze Album zieht.
„143“ ist ab 20. September auf Vinyl, CD und digital erhältlich.

Der mit dem GRAMMY Award ausgezeichnete globale Superstar Nelly Furtado hat ihr lang ersehntes, neues
Studioalbum ”7” angekündigt. Das Album stellt ihr bisher persönlichstes Werk dar und präsentiert sich als
Höhepunkt einer vierjährigen künstlerischen Neuentdeckung. Mit über 20 Milliarden Streams, 35 Millionen
verkauften Alben weltweit und mehreren Nummer-1-Hitsingles ist Nelly Furtado eine unbestrittene Ikone,
deren innovatives Songwriting eine Ära geprägt und die Popmusik verändert hat.

James Bay ist zurück mit neuer Musik und veröffentlicht sein viertes Studioalbum „Changes All The Time“!
Das Album inklusive seiner Single ”Up All Night” Feat The Lumineers & Noah Kahan ist nun erhältlich
als CD und Vinyl.

Der vierfache GRAMMY©-Award-Gewinner und dreifache CMA Entertainer des Jahres, Keith Urban, veröffentlicht sein 11. Studioalbum”HIGH”!
Die brandneue Sammlung von 11 Songs enthält ”GO HOME W U” (mit Lainey Wilson), ”CHUCK TAYLORS” und die Hitsingle ”MESSED UP AS ME”. Es zeigt Urbans außergewöhnliche Talent als Sänger,
Gitarrist und Songwriter.

Inspiriert von Naturlandschaften und dem Nachdenken über Zeit, Hoffnung, Gemeinschaft und Geduld,
wurde die einzige Aufnahme des Werks - auf ¼-Zoll-Magnetband, wobei die digitalen Dateien dauerhaft
gelöscht wurden - eingepflanzt, um zu wachsen und von der Erde genährt oder ”neu zusammengesetzt” zu
werden, bevor sie exhumiert und freigegeben wurde. Zu jeder Tagundnachtgleiche gab der Komponist nach
und nach eine Reihe von Hinweisen preis, nach denen die Fans und seine Plattenfirma suchen konnten.
Sollte es nicht gefunden werden, würde der Komponist in 3 Jahren zurückkehren, um es selbst auszugraben.
Ende 2022 wurde das Band bei einer Suche von Victoria und Dan Rhodes gefunden. Das Album wird nun
zur Frühlings-Tagundnachtgleiche in einer besonderen Zeremonie digitalisiert, die auf Film festgehalten und
veröffentlicht wird, und zwar genau so, wie es aus der Erde klingt, wobei die Natur an der Komposition
mitgewirkt hat. Die endgültige Partitur wird dann fertiggestellt und von Live-Musikern bei besonderen
Konzerten im Vereinigten Königreich, in Europa und in Amerika aufgeführt.

Mit Seeing schlägt Tord Gustavsen ein neues, komplexes Kapitel in seiner Reihe gefeierter Trioaufnahmen
auf, die er 2003 mit dem heute als Klassiker geltenden Album Changing Places begonnen hat. Die neue
Aufnahme mit ihren kompakten, konzentrierten Liedformen „spiegelt meine persönliche Entwicklung wider,
ich werde älter und konzentriere mich mehr und mehr auf das Wesentliche im Leben und in der Musik“,
sagt der norwegische Pianist. Mit fünf Eigenkompositionen, zwei Choräle von Johann Sebastian Bach,
einem traditionellen norwegischen Hymnus sowie dem englischen Kirchenlied „Nearer My God, to Thee“
aus dem 19. Jahrhundert taucht Tord zusammen mit seinem langjährigen Wegbegleiter Jarle Vespestad
am Schlagzeug und Steinar Raknes am Kontrabass tief in seine unverwechselbare Mischung aus Jazz,
Blues, Gospel, skandinavischer Volks- und Kirchenmusik ein. „Die Melodien wertschätzend“, wie Tord
es ausdrückt, schöpft das Zusammenspiel der Gruppe Kraft aus der Zurückhaltung und baut die Musik
geduldig auf ihre Höhepunkte hin auf, während Gustavsen, ein wahrer Meister des Trio-Formats, das Ganze
mit seinem feinen Anschlag und seiner ganz speziellen subtilen Gospel-Glut prägt.

Das Best Of Album von Christina Stürmer zum ersten Mal auf VINYL, als LIMITED EDITION, 2 LP
mit zwei unterschiedlichen Vinylfarben passend zum Artwork, Gatefold und bedruckten Innensleeves. Auf
”Gestern.Heute. verewigt die charmante Österreicherin ihre Klassiker und persönlichen musikalischen Highlights. Von Radiohits wie ”Ich lebe” oder ”Millionen Lichter” bis hin zu Balladen wie ”Mama Ana Ahabak”
oder ”Mehr als Perfekt” nehmen die Titel den Zuhörer mit auf eine kleine feine Zeitreise.

"Discover Thomas Dutronc's new album. 4 years after ""Frenchy"", Thomas Dutronc is back with new songs tinged with guitar, catchy rhythms, joie de vivre and nostalgia. Included is the new self-titled single ""Il n'est jamais trop tard"". Reviews in London Macadam, R2 and L’Echo
Ads London Macadam R2 and L’Echo"

Aesthetically, Ed Schrader’s Music Beat hates to tread water. At the same time, the Baltimore-based two-piece of vocalist Ed Schrader and bassist Devlin Rice won’t force their songs to fit a preconceived style. “The next album’s always gotta be different from the last one. We’re different people from record to record. So, writing authentically to ourselves will always bring our work to a place that we haven’t been to yet,” Rice said. Schrader added, “We’re terrified of turning into AC/DC. We never want to be married to one scene or time or sound. We want to be the Boba Fett of bands! Constantly altering the way in which we make records has been pretty key in that process.”
For Orchestra Hits, the band’s latest, that alteration was welcoming longtime musical comrade Dylan Going into the fold as a co-writer and co-producer. A songwriter in his own right, a guitar sideman for ESMB on their last two tours, and a collaborator with Rice in the noise riffage band Mandate, Going had both a unique vision and an intimate familiarity with the ESMB vibe.
“Dylan came to every show we’ve ever played in New York—no matter how weird it was,” Schrader said. “He’d be standing there ready to move an amp or feed us barbecued cactus after the gig and toss on some Golden Girls so we could decompress. It felt like family as soon as we began working, but I honestly had no idea how damn good he was at tossing out these hooks.”
According to Schrader, the songs “just poured out of us” over the course of a highly caffeinated three-day weekend in a tiny room in Devlin’s house while his cat, Sandy Goose, screamed continually. “It was like three kids hiding from the world to get into some lovely mischief,” they said. The lack of external pressure in the process gives Orchestra Hits an almost paradoxical vibe. For all of the album’s layers, that mix live and sequenced instruments, it never loses the raw energy of a small handful of friends in the same room plugging in, cranking up, and playing until they pass out.
Lyrically, the album finds Schrader, now 45, meditating on experiences in their youth to make sense of the present moment. “We are not into the garden,” Schrader wails on the relentless “Roman Candle,” a song about the sad debacle of Woodstock ’99, and a direct response to Joni Mitchell’s “Woodstock,” a utopian ode to hippie idealism. A 19-year-old Schrader, having snuck into Woodstock ’99 through a hole in the fence, was there the night members of the crowd used candles intended for a vigil for victims of the Columbine High School massacre to set fires all over the grounds. Even before the fires, Schrader remembered feeling disconnected from the music, the nostalgic cash grab, and the meatheads in the crowd. After watching a press tower collapse, they boarded a random shuttle bus and were dropped off near a Denny’s. “It was a far cry from the Garden of Eden,” Schrader said. “That experience defined what I didn’t want to be a part of, and yet America is more like Woodstock ’99 than ever.”
With percolating synthesizer arpeggios, and climbing bass grooves, “IDKS” is the album’s dance-floor slapper. “’IDKS’ is a funny one,” Schrader said. “We already had a pretty satisfying suite of songs when Dylan was packing up to head back to New York, but he missed the train because of a freak snowstorm. Realizing he’d be stuck in town another day, he says to me, ‘Here’s this other weird thing I have.’ It was ‘IDKS.’ The hooks were so good I felt like Homer Simpson at a free donut convention. I just dove right in, and we cranked that baby out in like 20 minutes.”
Lyrically, “IDKS” is a letter from the true self to public-facing self. “It’s an angry song,” Schrader said. “Because the public-facing self is always looking for an easy escape, but it forces the true self into a cage. I honestly thought my lyrics were corny and was about to change them, but Dylan was digging it just the way it was. So that’s what you hear.”
With the soaring “Daylight Commander,” the band went against all of their musty-basement-bred instincts. “I went full High School Musical with the vocals,” Schrader said. “At first it felt almost embarrassing, but I remember reading somewhere that Bowie recommended always floating a little bit above your comfort zone, and that’s what we did here.” The song is part exercise in absurdity and part pop Trojan horse. “If ever we had a ‘Shiny Happy People’ moment, I guess this is it,” Schrader said.

Reissue of this italo disco classic from 1984 with Flemming Dalum and DJ Tin Tin remixes.

GLACIAL TOMB are set to leave their mark on 2024 as they prepare for the release of their second full length studio album, Lightless Expanse. The Denver, CO trio have embraced the foundations of sludge-corrupted death and black metal from their debut album while leveling up instrumental technicality and nuanced song writing. Glacial Tomb’s unique blend of “sludge-corrupted blackened death metal” sets them apart from the bulk of modern extreme metal outfits. Featuring Ben Hutcherson of Khemmis on guitar and lead vocals, the group has made a name for itself as a devastating force whose releases have received critical acclaim. Careening from hardcore-tinged death plod to full-on D-beats to a cavernous blackened grind with a nitro tank of blasts, Denver's Glacial Tomb, deliver the goods with their Prosthetic Records Debut, Lightless Expanse.

Auf seinem zweiten und zugleich letzten Album für Impulse! Records ging der Trompeter in die Vollen: mit
einer erstklassig besetzten und von Wayne Shorter geleiteten größeren Formation, die gelegentlich Streicherverstärkung erhielt, und einem abwechslungsreichen Repertoire, das nahtlos Standards mit Originalen
von Hubbard verknüpfte.

From the first bars of the immediately recognizable ‘Alamode’, this album is an explosion of beauty. This first sextet iteration of Art Blakey’s Jazz Messengers includes a young Wayne Shorter (tenor saxophone), Lee Morgan (trumpet), Curtis Fuller (trombone), Bobby Timmons (piano) and Jymie Merritt (bass). The band ferociously pushes the pace with each track, leaving no prisoners in their wake. This Verve By Request title is pressed on 180-gram vinyl at Third Man in Detroit.

Am 4. August dieses Jahres hätte Louis Armstrong seinen 123. Geburtstag gefeiert. Ist es nicht wonderful,
dass ein Musiker 53 Jahre nachdem er den Planteten Erde verlassen hat, mit seiner Musik noch immer
endlos viel Freude verbreitet? Auch im Zeitalter des Streamings werden seine Songs monatlich noch immer
in hohen zweistelligen Millionenzahlen gehört!
Für Freunde der guten alten LP und CD bringt Verve Records jetzt mit “Wonderful World: The Best
of Louis Armstrong” eine kultig-nostalgisch gestaltete Compilation heraus, die das „Best“ im Titel wirklich verdient! Neben dem globalen Mega-Hit “What A Wonderful World” sind zwölf weitere Louis-Perlen
vertreten, darunter “A Kiss To Build A Dream On,” ‘La Vie En Rose,” “Hello, Dolly!” und zwei Duette
mit Ella Fitzgerald, “Cheek To Cheek” und “Dream A Little Dream of Me”.

Apostrophe (’), das wohl populärste Album im Katalog von Frank Zappa, war durchgehend ein Bestseller.
Es war Zappas erste Goldene Schallplatte in den USA und erreichte Platz 10 in den Billboard 200 Charts.
Die Single ”Don’t Eat The Yellow Snow” schaffte es ebenfalls in die Billboard Top 100 Hits und erreichte
Platz 87. Der Erfolg von Apostrophe(’) verhalf Zappa zu einem neuen Bekanntheitsgrad, und im Laufe
der Jahre war das Album für die meisten eine erste Anlaufstelle, wenn sie seine Musik entdeckten.
Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums haben Zappa Records und UMe eine 1-LP-Vinylversion in Goldmetallic
erstellt, die von Bernie Grundman neu gemastert wurde.

Pat Benatars Platin-Debütalbum, neu remastered! Enthält den Durchbruchshit und die Hymne „Heartbreaker“ sowie „I Need A Lover“ und „We Live For Love“.

Zur Feier des 10-jährigen Jubiläums von Catfish and the Bottlemen’s Debütalbum The Balcony werden
neue Formate veröffentlicht. Das ursprünglich 2014 veröffentlichte Album wurde in Großbritannien mit 2x
Platin ausgezeichnet.
Diese Jubiläumsveröffentlichung mit umgekehrtem weißem Artwork enthält Singles wie ’Homesick’ und
’Rango’ und ist als erweiterte Ausgabe auf 2LP-Ultraclear-Vinyl, erweiterter 1CD und Kassette erhältlich,
die neben dem seltenen Bonustrack ’ASA’ auch eine Auswahl bisher unveröffentlichter Akustikversionen
von ’Kathleen’, ’Cocoon’ und ’Pacifier’ enthält.

The Balcony (10 year anniversary) - Debut and breakthrough record The Balcony has become a career-defining album for Catfish and the Bottlemen, with Double Platinum status and 9 BPI Certified Singles including ‘Cocoon’ and ‘Kathleen’, it was originally released through Communion/Island Records on 15th September 2014. Written by Van McCann and produced by Jim Abbiss, the collection of songs on this album showcase McCann’s talent for posing everyday, easily identifiable observations through his lyrics. The album’s success and the many sold out shows resulted in a Brit Award for British Breakthrough Act. The expanded album will be available on a collector’s 7” boxset, a beautiful black slipcase housing 7 discs, each with original artwork, and a tracklist that includes the full The Balcony album plus bonus tracks ‘Hourglass (Ewan McGregor Version)’ and ‘ASA’ This boxset will be numbered and limited to 2,000 copies worldwide. LTD 2LP - In celebration of the 10 Year Anniversary and after their biggest headline shows to date this Summer, The Balcony will be released on limited edition ultra-clear 2LP with inverted white artwork and 6 bonus tracks including a selection of previously unreleased acoustic versions of ‘Cocoon’, ‘Kathleen’ and ‘Pacifier’, ‘Rango’ (single version), ‘Hourglass’ (Ewan McGregor version) and rare bonus track ‘ASA’ available on a vinyl 12” for the first time after the original pressing of the limited edition 7” single 10 years ago.1CD - In celebration of the 10 Year Anniversary and after their biggest headline shows to date this Summer, The Balcony will be released on limited edition 1CD with inverted white artwork. This CD features the full album, plus a selection of previously unreleased acoustic versions of ‘Cocoon’, ‘Kathleen’ and ‘Pacifier’, ‘Rango’ (single version), ‘Hourglass’ (Ewan McGregor version) and rare bonus track ‘ASA’ available on CD for the first time after the original pressing of the limited edition 7” single 10 years ago.

Multi-Platinum Certified indie pop artist Dayglow announces his highly anticipated debut album, titled DAYGLOW, will be released this autumn via olydor in UK The album was fully written, performed, recorded, produced, and mixed by Sloan Struble himself in his Malibu home studio. Last month, the artist, multi-instrumentalist, producer, and all-around creative kicked off a new chapter with his latest single and summertime anthem “Every Little Thing I Say I Do.” The nostalgically catchy song recalls the best of the early 2010’s indie and alternative music scene yet remains uniquely Dayglow. Since bursting onto the scene, he’s sold out headline tours around the globe and graced festival stages including Lollapalooza, Bonnaroo, Austin City Limits, Firefly Music Festival, Outside Lands, Reading & Leeds, Corona Capital, and more. His live performances have shined everywhere from The Tonight Show Starring Jimmy Fallon and The Late Show With Stephen Colbert to Austin City Limits TV. Along the way, he picked up critical acclaim from Billboard, NPR, UPROXX, American Songwriter, NME, Euphoria Magazine, and Ones To Watch to name a few.

Requiem is the stunning new album from Keshi. Made in Houston, LA, New York, and Tokyo, these 13 songs showcase Keshi’s incredible skills as a writer, producer and performer, and fulfil his vision to make an album that is made to be performed in arenas. This LP is pressed on classic black vinyl and housed in a standard jacket, with an 11”x11” insert featuring lyrics and credits. Additionally, this limited edition run of vinyl includes a classic OBI strip around the jacket.

Anyone who’s overcome mental, physical, emotional, or spiritual barriers will relate deeply to Soraia’s music. Their instrumentation and lyrics showcase tragic romance, awakened passion, fiery desire, and lost identity - yet their message is ultimately filled with a consistent foreboding of hope. It's the band's drive to empower the listener to make the change they choose that helps Soraia stand apart, defining them not simply as a rock n' roll band, but even more: a hard-rocking force of nature.

Debut album from Los Angeles duo Los Yesterdays - Sweet Soul music meets Mexican Folklorico

"Sweet soul music - also known as lowrider oldies on the West Coast, rolas and souldies - are typically early 60s-style tunes that emphasize vocal harmonies. Most songs are slow-to-midtempo, many are ballads, and the sub-genre is generally stripped down compared to the highly produced Motown hits of the time....there is a generations-long appreciation for sweet soul music among California’s Latino communities. Eastern Los Angeles teens.... helped foster a love of sweet soul in the early 60s by covering soulful ballads by artists like James Brown... Those sounds....were kept alive by record collectors and people who spent evenings cruising along East Los boulevards." - Los Yesterdays are a Chicano soul band from Los Angeles based around the creative collaboration between Gabriel Rowland and Victor Benavides. They began working together when Rowland - a drummer by trade, then creaky and exhausted from waking up at dawn to work construction - decided to channel those struggles into song. He contacted Benavides, a former bandmate of Rowland’s deceased brother, to record the soul ballads that Southland Chicanos call “oldies.” Los Yesterdays filter love-struck R&B crooning through guitar-strumming Mexican balladeering; the result is something that sounds like the Los Angeles of yesterday and today - the indelible, immovable Los Angeles of cruising Whittier Boulevard, of cold drinks on the porch on blazing summer nights, of watching a blue-orange toxic sunset and wondering if they are thinking about you. Los Angeles changes; Los Angeles stays the same. Los Yesterdays have changed, outgrown their childhood barrios and the bands of their early 20s and their private garage hermitude; Los Yesterdays are Frozen In Time.

Y2K! is a sugar rush of playful sensuality and unbothered cool—a true representation of the Bronx baddie herself. Ice Spice, born on January 1st, 2000, brings the Y2K vibes and undeniable beats that will make you want to party like it's 2000, before you had to worry about your late-night social media going viral. Ice Spice lives up to her name, bringing straight fire to your speakers this season.

On her new album Alva, singer, musician, activist and cultural icon Mari Boine offers glimpses into a childhood which she abandoned when she chose to leave behind a strict religious upbringing in order to pursue a life of activism.

The new studio record reflects on finding the balance the between her, the at times lonely, mission to share the culture and histories of the Sámi people through music to people across the world, and her personal journey and relationships. The poignancy of the record
reaches an emotional high on the mournful “Mu eadni” (Mother of Mine), wherein Mari laments her own relationship with her mother. She is also found reflective on “Oainnestan” (Glimpses), when looking at the relationship she has with her son.

Alva reflects the “willpower” of its name, and takes the listener on a musical journey of exhilarating momentum, spurred along by a full band. There’s an emancipated energy that is also reflected in the music, soaring to new heights over vast imagined landscapes of the
tundra of Northern Norway.

George Strait kommt zurück mit seinem 31. Studioalbum Cowboys And Dreamers!
Als der unangefochtene König der Country-Musik hat George Strait mehr als 105 Millionen Alben verkauft
und über 60 bedeutende Unterhaltungsindustriepreise sowie unzählige Nominierungen erhalten. Zudem ist
er der einzige Künstler in der Geschichte, der über drei Jahrzehnte hinweg jedes Jahr einen Top-10-Hit hatte.
Zum Album findet der Hitmacher folgende Worte: „Ich widme diese Platte meinem langjährigen Manager und Freund Erv Woolsey und meinem langjährigen Fiddleplayer und Freund Gene Elders, die am
selben Tag, am 20. März 2024, gestorben sind sowie meinem langjährigen Freund und Roadmanager Tom
Foote, den wir am 29. April 2024 verloren haben. Ich werde all die schönen Zeiten, die wir zusammen
hatten, nie vergessen. Mögen sie in Frieden mit unserem Herrn Jesus Christus ruhen.“

Hier ist das Debütalbum von MIKA, Life In Cartoon Motion 2LP auf 180-Gramm-Vinyl mit neu gemastertem
Sound. Es enthält die Hits „Grace Kelly“ und „Love Today“ sowie den bei den Fans beliebten Hidden Track.
Das Album ist ab dem 06.09.2024 auf verfügbar.

New York’s Sarah Kinsley is fascinated by creating imaginary worlds and alternate realities. We all need an escape. To that end, Sarah’s first album is called Escaper, and to which world you choose to escape is ultimately your own decision. This is vibrant, bold, beautiful music that confronts death and loss, the decimation of old friendships, romantic love’s shortcomings compared to the love shared with close friends, and fraught relationships that flourished and then fizzled. It sounds hugely confident, a real body of work. “A huge way of how I get through life and pain and horrible experiences is through the creation of these spaces where you can become someone else as a distraction—as a means to solving grief,” Sarah says. She works through it all as if the centerpiece of an epic poem, with high drama melodies and huge sweeping choruses.

„Hole Erth“, das achte Studioalbum von Chaz Bear als Toro y Moi, ist der bisher unerwartetste und kühnste Schritt des Genre-Veränderers. Bear taucht kopfüber in Rap-Rock, Soundcloud-Rap und Y2K-Emo ein. Das Album vereint hymnischen Pop-Punk und melancholischen Rap - zwei Genres, die sich heute mehr denn je gegenseitig beeinflussen - und enthält die meisten Features, die jemals auf einem Album von Toro y Moi zu hören waren. Ein Gefühl der Nostalgie schleicht sich in fast jede Toro y Moi-Veröffentlichung, aber Angst ist eine Emotion, die Bear nie absichtlich so erforscht hat, wie er es hier tut. Tracks wie „Tuesday“ kanalisieren ein spezifisches, aber für immer nachvollziehbares Gefühl von pubertärem Unbehagen. Ein verzerrtes Gitarrenriff führt zu einem sich wiederholenden Refrain, der an missverstandene Teenager erinnert, die laut - vielleicht zu laut - singen, während sie mit dem Fahrrad durch amerikanische Vorstädte fahren. Diese Vorahnung ist auch in „HOV“ zu hören, allerdings nicht ohne mit lustigen Zeilen wie „Romance is so cold / My advice? To Bring a coat." zu verblüffen. Bear hat die Energie, ist sich aber bewusst, dass seine Energie nicht ewig hält. In einer Zeit, in der das Internet in immer schnellerem Tempo mehrere Genres miteinander verschmilzt, schafft Bear das seltene Kunststück, mit dem zeitgenössischen alternativen Hörer Schritt zu halten. Das Herz von Toro y Moi ist es, sich ständig zu verändern, sich weiterzuentwickeln und zu experimentieren. Auf „Hole Erth“ fordert Bear sich selbst heraus, umarmt aber auch die unzähligen Klänge und Epochen, die ihn geprägt haben, während er neue Welten zusammenschmettert.

Akons erstes Studioalbum, ”Trouble”, wurde am 29. Juni 2004 veröffentlicht.
Mit Hits wie ”Lonely”, ”Bananza (Belly Dancer)” und ”Locked Up” erreichte das Album Platz eins der
Albumcharts in den USA, Großbritannien, Frankreich, Deutschland, Dänemark und Australien.
In den USA wurden 1,6 Millionen Exemplare verkauft, was Akon in den Ruhm katapultierte und ihm einen
Platz im Guinness-Buch der Rekorde als weltweit meistverkaufter Künstler für Master-Klingeltöne sicherte!
Zur Feier des zwei Jahrzehnte alten Jubiläums wurde ”Trouble” zum ersten Mal seit seinem Debüt
wiederveröffentlicht.

Campo's debut album, released in 2012, was a milestone in the new South American music scene. The brainchild of Juan Campodónico - one of the creators of Bajofondo - combines sophisticated pop, electronica, and South American roots, uniting past and present in a unique way. Neo-cumbia, tango, and candombe shake hands with Britpop, soul, and trip-hop in a timeless album. A place where indie rock intersected with the great Latin bands of the 1950s, fringe genres like cumbia villera were transformed into sophisticated music, tango joined alternative pop, and track music became contemplative and landscaped. Juan Campodónico has a long artistic career (Peyote Asesino, Bajofondo) and extensive experience as an artistic producer on some fundamental records of Uruguayan and South American music (Jorge Drexler, Cuarteto de Nos, No te Va Gustar among others). In 'Campo' is a very heterogeneous group of composers, performers and instrumentalists from different genres and geographical locations (Jorge Drexler, Martín Rivero, Ellen Arkbro, Pablo Bonilla and Verónica Loza, among others). 'Campo' was based on the song format, jumping the limits of the Río de la Plata, immersing himself in rhythms, genres and forms of South American songs from the past and present, seeking the link with pop, rock and electronic music. The album -which received nominations for the American Grammys, the European MTV Awards and the Latin Grammys- broke schemes and prejudices. He brought together opposite worlds such as cumbia and britpop, songwriters and dance music, or bolero and electropop, finding beauty and sophistication in unexpected places.