Search:r 88

Only the first plate of the LP. (AB side)

New Zealand drum & bass titans The Upbeats have galvanized the global turbulence and turmoil during COVID to create their most explorative and emotionally heavy album to date "Not Forever". Featuring the likes of Fat Freddys Drop frontman Joe Dukie, Jordan Dennis, Levine Lale, Sylvee, Syrene Favero and US MC don Armanni Reign, "Not Forever" is unlike anything the duo has released before. Written in a different way, approached from another perspective, created with a newfound love for the creative process and the scene at large; It's a whole new side to the duo who have continually pushed themselves and their sound into the unknown...

Im klassischen, nicht-popkulturellen Sinne bezieht sich der Begriff "Schamanismus" in erster Linie auf die spirituellen Praktiken der indigenen Völker Sibiriens. Schamanen interagieren als Beschützer ihrer Gemeinschaften über veränderte Bewusstseinszustände mit der Geisterwelt. Auf ihrem Album "Songs of the Shaman" interpretieren NYTT LAND traditionelle schamanische Gesänge und Zaubersprüche der mandschu-tungusischen Sprachgruppen unter Sibiriens Ethnien. Bei diesen Liedern kommen sehr alte musikalische Techniken wie Kehlkopfgesang und Trommeln zum Einsatz. Alle Gesänge wurden in der jeweiligen Originalsprache aufgenommen. Damit will die Band deren ursprüngliche Kraft bewahren, die auch aus der Intonation sowie dem Sprachrhythmus der Worte entsteht. Diese Sammlung alter Magie in Form von Geisterbeschwörungen, Abwehrzaubern und Segensprüchen wurde sorgfältig ausgewählt und schließt Schadflüche bewusst aus. NYTT LAND sind eine rituelle nordische Folk-Band, die das Ehepaar Natalya und Anatoly Pakhalenko im August 2013 in der westsibirischen Stadt Kalachinsk gründete, welche am Ufer des Flusses Om und als Station der Transsibirischen Eisenbahn errichtet wurde. Nach drei in Eigenregie veröffentlichten Alben, "Nytt Land" (2013), "Hávamál" (2015) und "Scopun: Songs from the Elder Edda" (2016), erschien im Jahr 2017 mit "Fimbulvinter" ihr Debüt bei einem Label, auf das kurz darauf das Album "Oðal" (2018) folgte. Während NYTT LAND auch weiterhin Werke in Eigenregie veröffentlichten, traten die sibirischen Elemente in ihrer Musik auf ihrem dritten Label-Album "Ritual" stärker als jemals zuvor in den Vordergrund.

Im klassischen, nicht-popkulturellen Sinne bezieht sich der Begriff "Schamanismus" in erster Linie auf die spirituellen Praktiken der indigenen Völker Sibiriens. Schamanen interagieren als Beschützer ihrer Gemeinschaften über veränderte Bewusstseinszustände mit der Geisterwelt. Auf ihrem Album "Songs of the Shaman" interpretieren NYTT LAND traditionelle schamanische Gesänge und Zaubersprüche der mandschu-tungusischen Sprachgruppen unter Sibiriens Ethnien. Bei diesen Liedern kommen sehr alte musikalische Techniken wie Kehlkopfgesang und Trommeln zum Einsatz. Alle Gesänge wurden in der jeweiligen Originalsprache aufgenommen. Damit will die Band deren ursprüngliche Kraft bewahren, die auch aus der Intonation sowie dem Sprachrhythmus der Worte entsteht. Diese Sammlung alter Magie in Form von Geisterbeschwörungen, Abwehrzaubern und Segensprüchen wurde sorgfältig ausgewählt und schließt Schadflüche bewusst aus. NYTT LAND sind eine rituelle nordische Folk-Band, die das Ehepaar Natalya und Anatoly Pakhalenko im August 2013 in der westsibirischen Stadt Kalachinsk gründete, welche am Ufer des Flusses Om und als Station der Transsibirischen Eisenbahn errichtet wurde. Nach drei in Eigenregie veröffentlichten Alben, "Nytt Land" (2013), "Hávamál" (2015) und "Scopun: Songs from the Elder Edda" (2016), erschien im Jahr 2017 mit "Fimbulvinter" ihr Debüt bei einem Label, auf das kurz darauf das Album "Oðal" (2018) folgte. Während NYTT LAND auch weiterhin Werke in Eigenregie veröffentlichten, traten die sibirischen Elemente in ihrer Musik auf ihrem dritten Label-Album "Ritual" stärker als jemals zuvor in den Vordergrund.

Limited 2025 Repress
Black Truffle is pleased to announce the release of Ichida, the first release from the duo of two important yet often underappreciated musicians, Eiko Ishibashi and Darin Gray. Ishibashi is a singer-songwriter, keyboardist, drummer, and multi-instrumentalist, known in Japan both for her own elaborately conceptual solo albums and for her frequent collaborations with figures such as Jim O'Rourke, Merzbow, and Phew. Darin Gray is a bassist and multi-instrumentalist known for a multitude of collaborations (with O'Rourke and Loren Connors, among many others), for On Fillmore, his cinematic post-exotica project with Glenn Kotche, and as one half of Chikamorachi with Chris Corsano, one of the finest free-jazz rhythm sections around. Presenting the entirely of a live set performed at Tokyo's Super Deluxe in March 2013, the set begins as a duet for Ishibashi's flute and Gray's upright bass. Calmly melodic yet harmonically inventive, with shades of 'spiritual jazz', the pair's acoustic ruminations are gradually joined by Ishibashi's lush electronics, which randomly flicker between chords in a manner recalling the classic work of David Behrman. As the electronics build into a gloomy fog of slowly cycling loops, Gray lays his bass aside and turns to making strangely mournful interjections on a mouthpiece. Eventually Ishibashi moves to the piano, enveloping the audience in rippling pools of sustained, octave-doubled melody, provided by Gray's bass with a fluid and dynamic foundation. For much of the second side, both Ishibashi and Gray turn to electronics, ultimately arriving in a bizarre space of melancholic arpeggios and random sputter and sizzle, oddly reminiscent of 70s outsider prog acts like Wapassou. An uneasy coda of rich piano chords ends the set. Captured in warm room ambience and beautifully mixed by Jim O'Rourke, Ichida is a rare combination of improvisational acumen and emotional directness, both adventurous and immediately accessible.

Die weltbekannte Pianistin Hiromi veröffentlicht ihr 13. Studioalbum OUT THERE, eine lebendige Darbietung elektrisierenden Fusion-Jazz. Unterstützt von ihrer Band Hiromi’s Sonicwonder umfasst das Album
Adam O’Farrill (Trompete mit Pedalen), Hadrien Feraud (Bass) und Gene Coye (Schlagzeug) und folgt auf
die Veröffentlichung von Sonicwonderland (2023). Erhältlich als 2-LP, CD und digital. Hiromi hat auf den
renommiertesten Jazzfestivals der Welt gespielt und wurde unter anderem von der New York Times, NPR,
NPR Music und der Washington Post gefeiert.

Das Debütalbum des britischen DJs, Produzenten und Multiinstrumentalisten Lawrence Hart.

Harts Stil verbindet seine technisch versierten Fähigkeiten mit emotionalen Vibes und Dancefloor-Treibstoff und schafft so einen Sound, der sowohl für den Club als auch für das Eintauchen in die eigenen vier Wände geeignet ist. Das 12-Track-Album ist emotional ein Garagenalbum, euphorisch und therapeutisch. Es ist eine Reise durch cineastische Melancholie, schwebende Synthies und Momente der Zerbrechlichkeit, gespickt mit Sprachsamples. Tech-Wizard Lawrence Hart, der allein schon durch seinen Großvater, den berühmten Computerpionier Geoff Tootill, eine wissenschaftliche DNA hat, wurde schon als Kind zum klassischen Musiker ausgebildet. Bereits mit 15 Jahren sprach er an einigen der renommiertesten Musikschulen New Yorks vor und studierte dann Jazztrompete am SUNY Purchase College bei berühmten VertreterInnen des Fachs. Er spielte an der Seite von Größen wie Bob Mover (einem ehemaligen Kollegen von Charlie Mingus und Chet Baker) auf den Bühnen der Jazzclubs New Yorks. Bald entdeckte Hart die elektronische Musik und das Clubbing für sich.Seine Fähigkeiten als Produzent entwickelte er während der Zusammenarbeit mit dem Double Six/Domino-Künstler George FitzGerald, mit dem ihn eine langjährige musikalische Beziehung verbindet. Bis heute hat Hart Solo-Singles, EPs und Remixe auf Hotflush, Attack Decay Sweet Release, LG105 und seinem eigenen Label SSEM veröffentlicht.

LEPER COLONY kreuzen den deutschen und schwedischen Death Metal Stil mit klassischen Einflüssen aus der US-Szene. Die Band entstand aus der langjährigen Freundschaft und der gemeinsamen Liebe zum Death Metal der alten Schule, die den deutschen Sänger Marc Grewe und den schwedischen Gitarristen Rogga Johansson dazu brachten, im Jahr 2020 ein gemeinsames Album zu produzieren. Das Duo holte sich CONSUMPTION-Schlagzeuger Jon Skäre und Lead-Gitarrist Kjetil Lyngahug (PAGANIZER) ins Boot, um das selbstbetitelte Debütalbum aufzunehmen, welches im Jahr 2023 veröffentlicht wurde. Das Werk wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen positiv aufgenommen. Es wurde schnell klar, dass es sich bei LEPER COLONY keineswegs bloß um ein weiteres "Superprojekt" handelte, sondern dass eingefleischte Death Metal Fanatiker mit einer Vielzahl von frischen Ideen aufwarten. Marc Crewe hat sich als ehemaliger Frontmann von MORGOTH, und später mit INSIDIOUS DISEASE sowie ASINHELL einen klangvollen Namen in der Szene erworben. Gitarrist und Bassist Rogga Johansson prägte den schwedischen Death Metal in einer Reihe von Bands wie PAGANIZER, RIBSPREADER und REVOLTING entscheidend mit. WOMBBATH-Gitarrist Håkan Stuvemark übernahm mittlerweile die Leadgitarre und Jon Rudin wurde ebenfalls als neues Mitglied verpflichtet. Der britische Schlagzeuger ist unter anderem von MONSTROUS und DEAD SUN bekannt. Mit "Those of the Morbid" geben LEPER COLONOY allen Old School Death Metal Fans exakt das brutale und kompromisslose Album, auf das sie lange warten mussten!

Bekannt als der Haupttänzer der globalen Superstar-Gruppe BTS, veröffentlicht jhope sein zweites Album mit dem Titel ’HOPE ON THE STREET VOL.1’ - jetzt zum ersten Mal auf auf Vinyl! Mit dieser Veröffentlichung erzählt j-hope von seinen bescheidenen Anfängen als Teil einer Street Dance Crew und den Weg zu BTS. Der Inhalt des Albums umfasst: Äußere Hülle, innere Hülle, Vinyl, Fotobuch, Schlüsselanhänger aus Papier (je 3), Fotokarte, Filmfoto und Textkarte (je 6).

Panos Alexiadis is a sound artist based in Athens, Greece, active in the field of contemporary electro-acoustic music. He founded and co-curated the tape label Thalamos, a home for exploratory sounds, where some of his own works also found their place. Marking a return after a period of (sonic) reflection, Cestrum Nocturnum is an album of remembrance and renewal. Through a lattice of self-sampled piano, fragmented voices, field recordings, and transient digital traces, Alexiadis composes a space of warmth—an electronic tapestry woven from the ephemeral. Across six pieces, sound unfolds like memory: layered, textured, dissolving at the edges yet leaving an imprint. A meditation on the cyclical nature of being and the often unnoticed beauty that quietly persists, even in the darkest hours. Cestrum Nocturnum is both a shelter and a signal.

--

The night has a thousand eyes,
And the day but one;
Yet the light of the bright world dies
With the dying sun.

The mind has a thousand eyes,
And the heart but one:
Yet the light of a whole life dies
When love is done.

Francis William Bourdillon, 1899

--

All music composed, recorded & mixed by Panos Alexiadis
Spoken word on 'But One' & ‘Follower' by Fotini Stamatelopoulou
'The Night Has a Thousand Eyes' poem by Francis William Bourdillon
Mastered by Christophe Albertijn

Zuul supplies pressure control’s debut release, Routine Machine.

Following releases on Exarde and White Scar, the Laik label-head’s signature sound takes a menacing turn. In a departure from his usual output he delivers a grizzly 5 tracker filled with EBM, New Beat and Wave affined floor-fillers; all fraught with tension, straight out of the Kirkstall strip.

Fitting for peak-time, warm-ups and rub-downs, the EP is filled with snarling, left-of-centre bombs. All reminiscent of the golden-era sound forged in Frankfurt and Ghent circa 88-91, with new-school stylings for the modern day working disk-jockey.

Constructed exclusively for dark and discerning dance floors.

You can run, but you can’t hide.

Credits:
All music by Ollie Burgess
Pressing and distribution by by One Eye Witness
Design by Al Robertson
Mastering by Marco Pellegrino
Words by Josh Bayat

Remixed by Brad Wood (Sunny Day Real Estate, Touche Amore) and mastered by Brad Boatright.

Forced Down was first created by Amenity vocalist: Mike Down and Pitchfork drummer: Joey Piro. The band was completed by vocalist Rob Base as well as members of other San Diego hardcore alumni including Scott Bartoloni from Heroin.

Full of idealism, love and anger the band recorded (2) vinyl 7”s including their swansong double-7”: “Stifle”. The Forced Down mission statement reads: “As the social values in our society become more set in stone, the individual is forgotten. When what the individual stands for goes against the ideas of the masses, and is considered a threat to order, be it right or wrong—they are forced down— disciplined to maintain "the order" Some conform, some resist, some fall, and they are forgotten”…. "time to rise from our knees and live on our feet"

RIP: Mike Down.

The Crippled Flower was a post-punk band from Düsseldorf - and they arrived late. However, unlike many young, unsuspecting, hairsprayed hopefuls from that time, in 1985 they could sense that the end of their era was approaching. They knew too much to want to take the world by storm. They were four individualists searching their own way. Each of the band members only found their calling after the time that they had spent together – but that's exactly what makes The Crippled Flower still seem really interesting today, this static energy that does not discharge, but is simply there.

Searching dreamers should sound like that and that's what they were. Singer Phil Elston, for example, had brought his love of Kraftwerk from England to Düsseldorf. Even his bandmates found this strange, but they were also entangled in their own longings. This is because the times were still so crazy and these searchers were "on fire". A fire that glows in the band's recordings.

Listening to the songs today, The Crippled Flower sound like they are hugely at the height of their game; think of Wire, Felt, Scritti Politti or Minimal Compact. The variety of musical themes, as well as different soundscapes, which the band created can only be listened to in amazement. Often, it is only Phil Elston's Sprechgesang that confirms that this is really the same band. However, it was back in 1985 when, importantly, the catalyst that brought the musicians together - the short lived eclectic record store "Heartbeat" in Düsseldorf Bilk - occured. It was there where post-industrial and pop, melodic minimal music and sound attacks awaited those who wanted to discover music by artists and bands they did not yet know.

Cassette releases. All recorded on 4-Track. The Crippled Flower succeeded in this medium. Firstly, with a cassette just entited The Crippled Flower, working from project-like studio recorded sketches. Four more tracks from the short-lived band appeared in 1986 on "A Heartbeat Rendezvous“. A demo tape submitted to Les Disques du Crépuscule, however, did not lead to a worldwide career and so, unfortunately, it was soon over.

Stefan Krausen moved on to the follow-up project Deux Baleines Blanches with Stefan Schneider, which, in 1994, gave rise to the band Kreidler. Krausen was already drumming with the I-Burnettes on AtaTak and much later he studied painting in Munich. Nina Ahlers moved from Düsseldorf to Paris to study art, because in the 80s it was still the case that Paris was the destination of choice for those really wanting to become an artist – and that's what she did. Her work is characterized by a non-academic minimalism focusing on everyday objects. Stefan Schneider remained connected to music. Only Phil Elston, who helped sabotage fox hunts in England and wrote these observant lyrics about environmental destruction and time travel, seems to have escaped the social-media world. Whether he found Kraftwerk-fulfilment in Düsseldorf or moved on disillusioned remains a mystery to us. And somehow this also fits in with that peculiar, special band. - Oliver Tepel, Köln 2025 (Translation by Philipp Elston)

DESERTED FEAR haben sowohl ihr Songwriting als auch den Sound und das musikalische Können mit "Veins of Fire" erneut auf eine neue Stufe gehoben. Die Ostdeutschen sind ihrer Marke zwar wie gewohnt treu geblieben, aber sie haben ihren ausgefeilten Melodien und dem Schlagzeugspiel ein hörbares Upgrade verpasst. Obendrein konnte Frontmann Manuel "Mahne" Glatter seine stimmliche Spannweite noch einmal vergrößern. In den Texten von "Veins of Fire" reflektieren DESERTED FEAR über die aktuellen Themen unserer Gesellschaft, doch ohne jegliche Predigt oder Forderung nach Konformität. In ihren Songs spiegelt sich eine Welt voller Unsicherheit, Ungerechtigkeit und wachsenden Spaltungen. Der Aufstieg von DESERTED FEAR ist ebenso bemerkenswert wie spannend. Als sich das Death Metal Trio im thüringischen Eisenberg gründete, konnten Gitarrist und Vocalist Mahne, Gitarrist, Hauptsongwriter und Produzent Fabian Hildebrandt sowie Schlagzeuger Simon Mengs kaum ahnen, dass sie an der Spitze der deutschen Szene landen würden. Bereits das Debütalbum "My Empire", das die schwedische Legende Dan Swanö produzierte, schlug im Jahr 2012 beim Death Metal Publikum wie eine Bombe ein. DESERTED FEAR brachten neben brachialer Kraft, donnernden Riffs, einem hämmernden Schlagzeug und heftigem Gesang von Anfang an auch ein intensives Gespür für packende Melodien mit. Daher war es nur folgerichtig, dass sich das Gewicht mit jedem folgenden Album weiter auf die melodische Seite verlagerte - ohne dass dabei der nötige Biss verloren ging. Sämtliche Studioalben, "Kingdom of Worms" (2014), "Dead Shores Rising" (2017), "Drowned by Humanity' (2019) und "Doomsday" (2022), erwiesen sich als beeindruckende Meilensteine einer steilen Karriere.

DESERTED FEAR haben sowohl ihr Songwriting als auch den Sound und das musikalische Können mit "Veins of Fire" erneut auf eine neue Stufe gehoben. Die Ostdeutschen sind ihrer Marke zwar wie gewohnt treu geblieben, aber sie haben ihren ausgefeilten Melodien und dem Schlagzeugspiel ein hörbares Upgrade verpasst. Obendrein konnte Frontmann Manuel "Mahne" Glatter seine stimmliche Spannweite noch einmal vergrößern. In den Texten von "Veins of Fire" reflektieren DESERTED FEAR über die aktuellen Themen unserer Gesellschaft, doch ohne jegliche Predigt oder Forderung nach Konformität. In ihren Songs spiegelt sich eine Welt voller Unsicherheit, Ungerechtigkeit und wachsenden Spaltungen. Der Aufstieg von DESERTED FEAR ist ebenso bemerkenswert wie spannend. Als sich das Death Metal Trio im thüringischen Eisenberg gründete, konnten Gitarrist und Vocalist Mahne, Gitarrist, Hauptsongwriter und Produzent Fabian Hildebrandt sowie Schlagzeuger Simon Mengs kaum ahnen, dass sie an der Spitze der deutschen Szene landen würden. Bereits das Debütalbum "My Empire", das die schwedische Legende Dan Swanö produzierte, schlug im Jahr 2012 beim Death Metal Publikum wie eine Bombe ein. DESERTED FEAR brachten neben brachialer Kraft, donnernden Riffs, einem hämmernden Schlagzeug und heftigem Gesang von Anfang an auch ein intensives Gespür für packende Melodien mit. Daher war es nur folgerichtig, dass sich das Gewicht mit jedem folgenden Album weiter auf die melodische Seite verlagerte - ohne dass dabei der nötige Biss verloren ging. Sämtliche Studioalben, "Kingdom of Worms" (2014), "Dead Shores Rising" (2017), "Drowned by Humanity' (2019) und "Doomsday" (2022), erwiesen sich als beeindruckende Meilensteine einer steilen Karriere.

35 Years of Evil Existence ist ein Live-Album, das die Essenz von ROTTING CHRIST einfängt. Von Klassikern wie "The Raven", "Demonon Vrosis" und "666" bis hin zu älteren Stücken wie "Among Two Storms" (1997) oder sogar "The Sign of Evil Existence" (1993) ist diese außergewöhnliche Performance, die in der Großartigkeit des Lycabettus Theaters in ihrer Heimat aufgenommen wurde, eine monumentale Hommage an ihre unermüdliche Reise über die Jahre.
Stell dir fast zwei Stunden heftige und unnachgiebige Hingabe vor, eine musikalische Pilgerreise durch ihre geschichtsträchtige Karriere - von den rauen, ursprünglichen Hymnen ihrer frühen Tage bis zur symphonischen und gotischen Grandiosität ihrer jüngsten Kreationen.
Erhältlich auf Vinyl, verewigt diese Veröffentlichung eine Nacht, in der rohe Emotionen und rituelle Intensität in einer Symphonie aus schwarzer Harmonie zusammenfielen. Brüder und Schwestern des Metals, erlebt den wahren Geist des Metals, wie ihn die legendären ROTTING CHRIST verkörpern.

35 Years of Evil Existence ist ein Live-Album, das die Essenz von ROTTING CHRIST einfängt. Von Klassikern wie "The Raven", "Demonon Vrosis" und "666" bis hin zu älteren Stücken wie "Among Two Storms" (1997) oder sogar "The Sign of Evil Existence" (1993) ist diese außergewöhnliche Performance, die in der Großartigkeit des Lycabettus Theaters in ihrer Heimat aufgenommen wurde, eine monumentale Hommage an ihre unermüdliche Reise über die Jahre.
Stell dir fast zwei Stunden heftige und unnachgiebige Hingabe vor, eine musikalische Pilgerreise durch ihre geschichtsträchtige Karriere - von den rauen, ursprünglichen Hymnen ihrer frühen Tage bis zur symphonischen und gotischen Grandiosität ihrer jüngsten Kreationen.
Erhältlich auf Vinyl, verewigt diese Veröffentlichung eine Nacht, in der rohe Emotionen und rituelle Intensität in einer Symphonie aus schwarzer Harmonie zusammenfielen. Brüder und Schwestern des Metals, erlebt den wahren Geist des Metals, wie ihn die legendären ROTTING CHRIST verkörpern.

"Otra", das siebte Studioalbum der norwegischen Avantgarde-Metaller IN THE WOODS... mag für all jene Hörer überraschend sein, welche die permanente Evolution der Band aus der südnorwegischen Stadt Kristiansand seit den frühen Neunzigern nicht weiter verfolgt haben. Die Songs auf "Otra" sind bemerkenswert eingängig und melodisch, wobei auch im aktuellen Sound von IN THE WOODS... immer wieder progressive Elemente und gelegentlich auch raue Erinnerungen an die harsche Vergangenheit der Norweger aufblitzen. "Otra" hebt sich von der Masse der Heavy-Veröffentlichungen durch seine herausragenden Kompositionen ab, die von jahrelanger musikalischer Erfahrung zeugen und mit einer täuschenden Leichtigkeit daherkommen. Inhaltlich erzählt "Otra" persönliche Geschichten aller beteiligten Musiker, die durch den namensgebenden Fluß verbunden sind, der sich 245 Kilometer lang durch den Süden Norwegens schlängelt und in der Heimatstadt der Band in den Skagerrak mündet. Den Namen IN THE WOODS... braucht man Freunden von Avantgarde und Black Metal kaum vorstellen. Ihre Eckdaten innerhalb der Szene sind wohlbekannt: Die Norweger zählen zu den Bands, die an der Entwicklung des nordischen Black Metal in den frühen Neunzigern beteiligt waren und den Sound eines starken Subgenres maßgeblich mitgeprägt haben. Ihr Erstlingswerk "Heart of the Ages" (1995) gilt zu Recht als einer der frühen Klassiker des Genres. Doch IN THE WOODS... haben sich nie auf ihren Lorbeeren ausgeruht und stießen bereits mit den Nachfolgewerken "Omnio" (1997) sowie "Strange in Stereo" (1999) in neue Klangdimensionen vor. Nach einer langen Unterbrechung zwischen den Jahren 2000 und 2014 kehrten die Norweger mit dem neuen Sänger James Fogarty zurück, der bis zum Dezember 2021 am Mikrofon stand. Mit einer runderneuten Besetzung, unter anderem nun mit dem Sänger Bernt Fjellestad, nahmen IN THE WOODS... mit dem Album "Diversum" (2021) erneut eine Kursänderung vor. Mit "Otra" demonstrieren die mittlerweile aufeinander eingespielten Norweger die volle Stärke und künstlerische Reife von IN THE WOODS... in der dritten Inkarnation. Dieses spannende und packende Album steckt voller glorreicher Details und überraschender Wendungen, die sich nach und nach in vielen Durchläufen erschließen.

Bryan Beller's (Joe Satriani, Aristocrats, Dethklok) epic progressive double concept 2019 album feat. 26 all-star musicians now on Blue Swirl 2LP in gatefold jacket available! Bassist/composer Bryan Beller (The Aristocrats, Joe Satriani, Dethklok, Steve Vai) presents a sweeping, epic-scale modern progressive double concept album that asks the question: When the storm comes for us, the big one after which things will not be the same, who are we and what do we become in those defining moments? What do we keep, and what do we let go? "Scenes From The Flood" employs an all-star cast of 26 musicians to explore themes of ambition and loss, intentionality and reality, hope and disillusionment. It uses every second of its 18-song, 88-minute running order to tell an emotionally consuming and unforgettable musical story. Produced and composed by Bryan Beller (except "Angles & Exits," composed by Janet Feder), mixed and mastered by Forrester Savell. "Scenes From The Flood" is performed by: Christopher Allis, Bryan Beller, Nili Brosh, Paul Cartwright, Darran Charles, Julian Coryell, Mike Dawes, Janet Feder, Guthrie Govan, Ray Hearne, Gene Hoglan, Mike Keneally, Jamie Kime, Fred Kron, Teddy Kumpel, Jake Howsam Lowe, Evan Mazunik, Nate Morton, Rick Musallam, Mike Olekshy, Griff Peters, John Petrucci, Matt Rohde, Joe Satriani, Rishabh Seen, Joe Travers, Leah Zeger.

Denzel Curry's forthcoming King Of The Mischievous South Volume 2 finds him presenting a sequel to the project, and bringing back the sound, that helped launch his career. While the first installment of King Of The Mischievous South was performed from the perspective of his Raven Miyagi persona, a name bestowed upon him by Raider Klan founder SpaceGhostPurrp, Volume 2 finds Curry operating under his Big Ultra persona -- an elevated version of Raven Miyagi that is bragadocious and revels in the success that Curry has seen over the last decade of his career. Creating King Of The Mischievous South Volume 2 has been a goal of Curry's for some time, though his earliest attempts to do so ultimately morphed into other projects, namely his 2016 album Imperial and 2020's 13LOOD 1N + 13LOOD OUT. It wasn't until he stopped overly attempting to create Volume 2 that its songs started to emerge naturally. 

Given the project's sound, which pays homage to the great musical heritages of the South -- from Memphis to Houston and Curry's own South Florida -- its features include the region's greats, both old and new, as well as others whose style is indebted to the South's musical legacy. Features include fellow former Raider Klan member Key Nyata, Memphis stalwarts Juicy J and Project Pat, Texas' Maxo Kream, That Mexican OT and Mike Dimes, North Carolina’s TiaCorine, Atlanta's 2 Chainz and Kenny Mason and South Florida's Ski Mask The Slump God and PlayThatBoiZay, as well as ASAP Ferg and ASAP Rocky, among others. The project more broadly and the intentional inclusion of Rocky and Ferg is Curry's attempt to show what could have been had relationships not soured with SpaceGhostPurrp, fulfilling the promise that existed at the rise of their respective careers in the early 2010s.  

With all of the otherworldly adventures Denzel has taken listeners on over the course of his last few conceptually-driven albums, this project serves as a showcase for the fun, spontaneity and technical mastery that has made him one of rap's most in-demand talents over the course of the last decade. 

Die vierköpfige Band aus Columbus, Ohio in den Vereinigten Staaten ist seit langem für ihre kraftvolle Mischung aus treibenden Rhythmen, melodischem Gesang und eindringlichen Klanglandschaften bekannt. Mit "Get Well Soon" fügen sie dieser Liste noch packendes Songwriting hinzu. LO-PAN definieren ihren amerikanischen Hard Rock weiter und tiefer aus: Dieser mischt brutzelnden Hardrock mit Metal und einer satten Prise Grunge. LO-PAN haben sich in der pulsierenden Underground-Szene von Columbus, Ohio aufgrund ihrer geteilten Liebe zu Vintage Rock, Stoner Metal und modernem Heavy Metal zusammengefunden. Die vier Musiker eint außerdem die Leidenschaft zur Grenzüberschreitung. Es war kein Zufall, dass sie sich nach dem magischen Erzschurken aus dem Kultfilm "Big Trouble in Little China" benannten, denn die Band wollte filmisches Drama mit überlebensgroßer Energie verbinden. Von Anfang an zeichneten sich LO-PAN auch durch eine intensive Live-Präsenz und einen Sound aus, der klassischen Rock mit dem erdrückenden Gewicht von Stoner- und Doom-Einflüssen kombiniert. LO-PANs Debütalbum "Sasquanaut" aus dem Jahr 2009 brachte den sofortigen Durchbruch. Das zweite Album "Salvador" (2011) verfeinerte das Klangerlebnis und demonstrierte musikalische Reife. Im Jahr 2019 veröffentlichten LO-PAN "Subtle", das eine Weiterentwicklung ihres Sounds markierte. Die Band wagte das Risiko, mit einer introspektiven und atmosphärischen Herangehensweise neue emotionale Tiefen zu erkundete, was sich bei Kritikern und Fans gleichermaßen auszahlte. "Get Well Soon" läutet einen weiteren großen Sprung nach vorne für LO-PAN ein. Heavy, cool, eingängig und mit einer ausgeprägten emotionalen Kraft, die aus Erfahrung und Reife erwachsen ist, trägt "Get Well Soon" die Amerikaner sicherlich an neue Orte rund um den Globus.

FALKENBACH waren ursprünglich ein von Vratyas Vakyas konzipiertes Soloprojekt und wurden offiziell erstmals im Jahr 1995 mit dem Demo "Læknishendr" aktiv. Sein im Jahr 1998 erschienenes zweites Album " ...Magni blandinn ok megintíri..." lässt sich als eine gereifte, melodischere Fortsetzung des Debüts " ...En their medh riki fara..." (1996) einordnen. Dessen angeschwärzter Pagan Metal Stil mit Einflüsse sowohl von Bathory als auch der zweiten nordischen Black Metal Welle blieb der Multiinstrumentalist erfolgreich treu. "...Magni blandinn ok megintíri..." gilt zu Recht weiterhin als ein wichtiger Meilenstein des Genres.

2025 Repress in Arctic Pearl Vinyl
Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Sänger/in und Gitarrist/in Raven van Dorst stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren - und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen - und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!

Flutter Ridder is the duo of Norwegian multidisciplinary artists Espen Friberg and Jenny Berger Myhre, both of whom play important roles in Oslo’s contemporary art and music underground. The pair first collaborated during the production of Friberg’s debut solo record, “Sun Soon” (Hubro, 2022), quickly recognizing in one another a creative kinship rooted in a playful, intentionally naive approach towards making art. In November of 2023, the pair decamped to the coastal town of Hvisten in southeastern Norway to record what would become this debut, self-titled album in an ancient wooden church. Drawing from a palette of Friberg’s idiosyncratic Serge modular system and the church’s resident pipe organ and intoxicating acoustic reverb, they began recording and sculpting music informed by the notion that air and electricity share a common flow, a continuous current that can be directed through valves and potentiometers. The pair came to think of the Serge and pipe organ as sibling instruments, the former yielding characteristically unpredictable and complex timbres that complement the wooly, reedy drones and strange, microtonal overtones of the latter. At once sublime, liturgical, and whimsical, Flutter Ridder offers its listener a series of moving, cinematic natural landscapes, affirming the sensibilities of its makers and the indelible influence of the environment in which it was produced.

Hüma Utku returns to Editions Mego with her new album. The title Dracones makes reference to the mediaeval latin term "Hic sunt dracones" (Here be dragons), marking the unexplored, dangerous places on world maps, expressing the fear of chaos, the unexpected and the unknown.

This new work by the Istanbul sound artist is a sonic journal of an expedition into uncharted territory, one which occupies self and domesticity. Inspired by Utku’s experience of matrescence, Dracones explores the themes of familial demonology, metamorphosis and homecoming as well as human relationship to the experience of love woven layers of euphoria, alienation and consumption.

Musically, Dracones traverses a wide array of sonic tools whereby industrial sounds are imbedded with certain psychological angles, this is an album where, all matter meshes into a sly snapshot of the human experience with a tension and release exposure occurring frequently with dark corners opening up to bright layers of electronic experimentation.

The haunting opening track ‘A World Between Worlds’ tackles pregnancy, of which Utku was experiencing when making this record. The emotional, physical, spiritual and mental experience of this journey is all documented here.. This track features the ‘Lyraei’, an electromagnetic string instrument and modern interpretation of the ancient lyre, that was built and played by Mihalis Shammas. ‘Comfort of The Shadows’ moves from within to without, what was once hidden is now exposed. Utku’s ability to conjure the visual in the sonic is at the forefront as howling electronics give a distinct impression of movement. ‘A Familial Curse’ presents a desire to break the cycle of generational trauma with a creeping sense of dread that rolls into an industrial rhythm prior to landing in a beautiful place represented with shimmering guitar tones. ‘Here be Dragons’ is a rich and dark evocation, a spooked surrender to the themes of the record whereby Utku’s wildly distorted voice beckons all manner of phantasmagoria over cello and recordings of her ultrasound. ‘Care in Consume’ engages in further sonic exploration as a means of conjuring ‘matriphagy’, with its unique psychic energy coursing through electronic veins. ‘A House within a House’ could also be read as a body within a body as the pulse of ultrasound audio rattle amongst a cage of thudding rhythms and swirling electronics, one also ending in optimism as an exquisite melody is born from the prior fire. The striking journey ends with the more soothing ‘Ayaz’a’, a track embracing love and all the hardships that a period of fundamental metamorphosis brings, this is a heartfelt dedication to her son and concludes an album draped in life, experience, joy and pain.

Dracones is a deeply visual journey through inner and outer worlds, a space where symbolic evocation is supreme and passive listening is not an option.

All tracks composed,performed and recorded by Hüma Utku
Buchla 100, vocals, cello, electric guitar performed by Hüma Utku
‘’A World Between Worlds’’ features the ‘Lyraei’ built, played and recorded by Mihalis Shammas
Buchla 100 recorded in EMS Stockholm 2022-2023

Mixed by Enyang Urbiks
Mastered by Heba Kadry, NYC
Cover Artwork by Marco Ciceri
Design by Tina Frank

Chris Ryan Williams (trumpet & electronics) and Lester St. Louis (cello & electronics) work together as HxH (H by H). Their skills have seen them move smoothly across various situations, constantly carving out new terrain and working in new configurations of musicians at a rapid pace. While worth reading, their biographies capture only a part of their complex rhizome.

HxH started about three years ago. The project is a direct response to all their activity with others and more importantly all their future leaning sonic desires. Their debut album STARK PHENOMENA is both their first studio recording and their first physical release. The album is appropriately set to be released by KMRU on his growing label OFNOT. It’s an ideal introduction to their sound world and their approach.

HxH describe their music as “electroacoustic,” but until recently the presence of Black musicians in this field has been greatly overlooked and largely ignored, making this phrase only partially appropriate. What HxH do really is to always be unpredictable. Every gig is a new soundscape. Sometimes you might hear echoes of Autechre or Robert Hood but then the sound-field will open up into a new terrain all their own. Chris and Lester bring together techniques from across the sound spectrum of electronic music and also draw on their deep backgrounds in Jazz, Improvisation, Classical and Noise scenes to create a sound that is true to them. After all, these two have worked with the likes of Bennie Maupin and the music of Black Fluxus artist Ben Patterson. Their rhizome is deep.

One of the ways that their unique approach manifests is in their merging of both acoustic instruments and electronic instruments in real time. This is something few have managed to do – but their spontaneous leanings work in both complex and accessible ways because of their deep understanding of landscape crafting. You can hear this clearly on the track “Pyrex Vision.” Their approach makes it tempting to compare their music to Sun Ra jamming with Laurel Halo – a comparison that would be only partly accurate.

Chris and Lester note that the sounds on STARK PHENOMENA are “imbued with such hopeful, gracious care; one that is far flung from obsessive carefulness or fuck the world carelessness, but more a caring embrace without the fuzziness of nostalgia.”

They note that when they began working together, they would “always come back to speaking on our concepts of an architecture of the expanse,” noting that their live sets often take on the joyfully noisy task of “dreaming big.” For HxH it was essential that STARK PHENOMENA have a quality that is “almost sculptural.” They consider the album “an object to be viewed from all sides.” This kind of thinking has resulted in them directly engaging with numerous sculptors and artists including Torkwase Dyson. Shape wise HxH’s sound fields work in a parallel to Dyson’s black architectural works.

They also note that the opening cut “BEACH” (the opening and longest track from the album) was “written weeks after our first gig in a studio session donated to us by our dear friend jaimie branch.” And that Pyrex Vision “was continually being edited months after sending our ‘final mixes’ to KMRU.” Their sound sources and samples come from studio sessions, live gigs, durational installations, 3am improvised downloads and more.

KMRU notes: "I think there is an in-between layer on this record. I was first caught by the Pyrex Vision track which organically flows between monologue, subtle field recording, and instrumentation. It's such a beautiful track, evoking deep emotion through simplicity. STARK PHENOMENA effortlessly glides in between imaginative mosaics of sounds — free yet complex — unlocking memories within its layers."

‘The Return of Pachyman’ is a supernatural force
from a brave new world that’s a little bit San Juan,
a little LA, and a whole lot of Channel One in
Kingston, Jamaica. Designed to be a resurrection
of sound systems from the past through which we
can celebrate a post-Trump future, the record
shows that blasting off into reggae’s deep space
has never gone out of style.
Pachy García (aka Pachyman) is perhaps best
known as the drummer / vocalist for the LA-based
band Prettiest Eyes, a unique pop-noise project
that reflects his other formative interest, synth
punk. He thinks of ‘The Return of Pachyman’ the
same way King Tubby might - an ‘X-ray’ of reggae
music, breaking it down to its bare bones.
Originally a guitarist, he moved to Los Angeles in
the early 2010s and developed his passion for
dub. From there, he started recording bass, drums
and piano and collecting recording equipment in
his basement studio, which he calls 333 House.
With ‘The Return of Pachyman’, García wants to
show how the Caribbean flow is transnational, a
vibe that resounds from Jamaica to San Juan to
Southern California. “With this project, I was
looking to make positive music and radiate good
energy; something to kinda disconnect from the
negative things that were happening at the
moment,” Garcia explains. “I am trying to make this
project a service for humanity in the sense that I
just wanted to shine a positive light.”

Remastered!

Letters from the Atlantic displays a seamless blend of jazz, house, indie, funk, R&B, soul, bossa nova, and more. The band elevates to a new level of sophistication with their genre defying approach, while featuring numerous female guest artists: Yaya Bey, Melanie Charles, Leanor Wolf, Mia Gladstone, Victoria Victoria, along with Nicholas Payton and Neal Francis. With the new album, the band ventures closer to a indie vibe, rather than the hip-hop style displayed on Solar Music (2023). The Richmond, Virginia based collective consists of friends and bandmates Corey Fonville (drums), Andrew Randazzo (bass), Morgan Burrs (guitar), Marcus “Tennishu” Tenney (trumpet, saxophone, vocals) and Devonne “DJ Harrison” Harris (multi-instrumentalist), who make music that is as diverse as their own varied tastes and backgrounds.



Butcher Brown has a storied touring history having played many of the world biggest and most prestigious festivals including Afropunk, Pitchfork Festival, Monterey Jazz, and more have toured with the likes of Pink Siifu, Tom Misch, Galactic, Lettuce, and Kamasi Washington. In support of Letters From the Atlantic, Butcher Brown has plotted headline tour dates across North America in spring of 2025 followed by an extended European festival tour this summer.