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Delights present a new fuzz-driven sci-fi-flavoured double-sider by Voxatone.

Eden Atiya (Rasco) and Ben Avgay (Silvi Jan), also known together as power duo Alligator Ladies, join Shay Landa and Markey Funk for a new sonic excursion into vintage instruments with "vox" in their title. The new 45, "Altair V/Vampyrim", channels the mystique and eerie spirit of the cult 60s sci-fi/horror B-movies, as the four blend groovy psych with space-age surf and otherworldly exotica.

Black Vinyl

Mit der neuen 7" Single „Peterbilt“ liefern ZEKE einen Adrenalinschub, wie ihn nur diese Band entfachen kann. Seit ihrer Gründung 1992 in Seattle stehen ZEKE für Speed-Rock in Reinform: ein ungebremster Mix aus Hardcore-Punk, Rock ’n’ Roll und Hochgeschwindigkeits-Wut. Die beiden Tracks „Peterbilt“ und „From The Ashes“ sind nichts weniger als ein Frontalangriff: rasiermesserscharfe Riffs, gnadenloses Drumming, grollender Bass und der unverwechselbare, bissige Gesang von Frontmann Blind Marky Felchtone. Jeder Ton knallt, jede Sekunde drückt – das ist Rock ’n’ Roll auf Überholspur. Angeführt von den Gründungsmitgliedern Blind Marky Felchtone (Vocals, Gitarre) und Donny Paycheck (Drums), zusammen mit Jason Freeman (Bass) und Jeff Hiatt (Gitarre), presst die Band ihre geballte Live-Energie auf Vinyl. In unter fünf Minuten brennen ZEKE ein Feuerwerk ab, das andere Bands nicht mal in einem ganzen Album schaffen. „Peterbilt“ ist kompromissloser, hochoktaniger Punkrock – roh, direkt und voller Energie. Ein Muss für alle, die Geschwindigkeit, Lautstärke und Attitüde lieben. ZEKE sind zurück – schneller, wütender und lauter denn je.""

Das letzte von Chris Bailey mit The Saints eingespielte Material! "Long March Through the Jazz Age" ist das letzte Album von Chris Bailey und The Saints. Es ist ein bewegender Abschied - ein Zeugnis eines rastlosen, kompromisslosen Künstlers, der immer vorwärts ging, einer der großen Texter und doch unglücklicher Musiker. Aufgenommen Ende 2018 in den Church Street Studios in Sydney, flogen Bailey und der langjährige Saints-Schlagzeuger Pete Wilkinson aus Europa ein, um sich mit Gitarrist/Toningenieur Sean Carey, der zuvor mit der Band getourt und aufgenommen hatte, gemeinsam an dieses letzte Kapitel von Bailey's Saints zu begegeben . Zu ihnen gesellten sich Davey Lane (You Am I) an der Gitarre sowie ein handverlesenes Ensemble junger Musiker*innen Sydneys. Aus Baileys groben Demos entwickelte sich "Long March Through the Jazz Age" zu einer zutiefst menschlichen Momentaufnahme mit Strahlkraft."Empires (Sometimes We Fall)" ist der hymnische Opener des Albums, getragen von Gitarren und untermalt von Baileys schmerzhaften Texten: ,Sometimes we rise, sometimes we fall". Es ist der perfekte Auftakt für ein Album, das Baileys angeborenen Punk-Spirit versprüht und gleichzeitig frei in einer großzügigen Produktion fließt. Eine 12-saitige Gitarre verleiht dem streicherlastigen "Judas" Harmonie und Wärme, es ist ein herrlich melancholisches Stück, "Gasoline" erinnert an den Country-Sound der Stones auf Exile On Main Street, während "Bruises" eine ehrliche Erinnerung daran ist, wie dieser gefeierte Troubadour dorthin gekommen ist, wo er heute steht. Es gibt Momente von Dylan-artiger Erhabenheit, wenn klangvolle Gitarren und Streicher das Panorama erweitern, während der Titelsong eine eindringliche, poetische Intensität vermittelt, dessen trauriger Trompetenbreak so erschauern lässt wie kaum etwas anderes. Long March Through the Jazz Age markiert das Ende der bemerkenswerten Reise von Chris Bailey und The Saints - die üblichen Wege ignorierend, über vier Jahrzehnte Musik gelebt. Limitiertes blaues Vinyl mit Glanzlack-Cover, Linernotes & DLC oder Digisleeve CD. "One of the most sporadically brilliant, frustratingly uneven and most undeniably important bands Australia has ever produced" - The Guardian

Mit To The Source öffnet Christoph Stiefel einen Raum, in dem Musik nicht nur gehört, sondern erlebt wird. Jeder Ton seines Soloalbums auf dem Klavier ist wie ein Atemzug - bewusst gesetzt, tief empfunden und voller Resonanz. Die Aufnahmen entstanden in zwei akustisch sensiblen Räumen, in denen Klang und Stille gleichberechtigt miteinander kommunizieren. Stiefel spielt nicht, um zu beeindrucken - er spielt, um zu berühren. Die Musik entsteht intuitiv, fließt durch ihn hindurch, ohne Plan, aber mit voller Hingabe. Nebengeräusche wie Atmen oder Rascheln sind keine Makel, sondern Zeugnisse eines echten Moments, eines Menschen, der sich ganz dem Klang hingibt. To The Source ist ein musikalisches Bekenntnis zur Reduktion, zur Essenz, zur Wahrheit. Es ist ein Album, das nicht erklärt, sondern fragt - und dabei tief bewegt.

VUO14 delivers a journey through spacey deep techno moods, guided by Kirill Matveev. Side A features two tracks seamlessly blended into one continuous flow, inviting you to either focus on each part individually or let the narrative unfold as a whole.
On the flipside, Rasmus Hedlund takes the listener further into the night, raising the tension with a hypnotic dub excursion. Closing the record, Tm Shuffle reshapes the atmosphere into a bass-heavy, reverberated and house-tinged version - best experienced in front of a powerful sound system.
A versatile record for deep techno selectors and sonic explorers alike.

Clear Red Vinyl. In den späten 1990er Jahren zog Peter ,Sleazy" Christopherson mit Jhonn Balance - seinem Lebens- und Coil-Partner - von London ins ländliche Weston-super-Mare, und schuf ein Umfeld für alles, was ,musick, musick, musick!" heißt, mit einer wechselnden Mitgliedern, darunter Thighpaulsandra. Coil's Coil verdoppelte sich fast, und inmitten dieser fruchtbaren Zeit stellte Thighpaulsandra die einfache Frage: Warum spielt Coil nicht live? Nach einer 16 Jahren Wartezeit, dank des rasanten technischen Fortschritts in Form von MacBooks, DAWs, VSTs und Plug-ins waren Coil in der Lage, ihre Musik auf die Bühne zu bringen, wie sie es sich immer vorgestellt hatten. Mit der Performance konnten sie die Risiken und Freiheiten der Echtzeit-Klangmanipulation, wie Sleazy anmerkt: ,Die Show wird Minute für Minute umgestaltet die Show Minute für Minute... die Richtung ist sehr spontan, nicht so sehr in Jazz-Improvisation, sondern in einer Art Bewusstseinsstrom - Thighpaulsandra brachte uns seine Weisheit, und er konnte uns überzeugen, dass wir es schaffen konnten." Wenn Coil live spielten, waren sie, wie eine Schlange, die sich häutet" alle sechs Monate in etwas völlig anderes; in der Vorbereitung auf das 2004er "Even an Evil Fatigue"-Liveserie vorbereiteten, begannen Coil mit der Arbeit an ihrem nächsten, die Zeit definierenden Meisterwerk Black Antlers. Black Antlers zeigt die späte Coil-Periode: reduzierter, straffer und schlanker. Die Musik wurde rhythmischer, mit einer größeren Betonung auf Beats: ,Die Songs, die wir gemacht haben, sind eher... nicht Rock im eigentlichen Sinne, aber du weißt schon, konventioneller in Bezug auf die Struktur, aber jetzt ist das, was wir tun, eine Art elektronischen' Genre." Der Sound von Black Antlers ist eine mitreißende Energie, die Thighpaulsandras fortschrittliche Synthese, Balances poetische Lyrik und Christophersons Flirten mit Jazz und Ableton-gestütztem PowerBook Maximalismus. Vervollständigt wurde das Trio durch den renommierten Drehleierspieler Cliff Stapleton auf einer ,speziell in Auftrag gegebenen" elektrischen Variante, die sich in die ,seltsame und weltfremde Musik" der Band zu integrieren; der an der Royal Academy of Music ausgebildete Perkussionist Tom Edwards (der auch mit Thighpaulsandra in der der Live-Band von Spiritualized auftrat); und der Spezialist für europäische und nahöstliche Blasinstrumente Mike York an Pfeifen, Bombarde, Duduk und Balalaika.

Four decades on, "Around The World In A Day" has been newly remastered in stereo by Bernie Grundman and is available on limited-edition 140g blue marble vinyl. The record ultimately yielded four commercial singles: “Raspberry Beret” with its spectacular kaleidoscopic video featuring Prince in a suit inspired by the clouds and sky on the sleeve, “Paisley Park” (released only overseas), “Pop Life”, and “America”.

Four decades on, "Around The World In A Day" has been newly remastered in stereo by Bernie Grundman and is available on 140g black vinyl. The record ultimately yielded four commercial singles: “Raspberry Beret” with its spectacular kaleidoscopic video featuring Prince in a suit inspired by the clouds and sky on the sleeve, “Paisley Park” (released only overseas), “Pop Life”, and “America”.

Four decades on, "Around The World In A Day" has been newly remastered in stereo by Bernie Grundman. The Deluxe Edition of the album, available on 140g 3LP formats, features the extended versions of the A & B sides with the remix of “Paisley Park” along with the extended version of “Girl” and “Hello (Fresh Dance Mix)” and the nearly 22-minute 12” version of “America”.

Drummer and NEA Jazz Master Billy Hart releases his first live album, MULTIDIRECTIONAL, with his longtime all-star quartet featuring saxophonist Mark Turner, pianist Ethan Iverson, and bassist Ben Street. --- Legendary drummer Billy Hart credits the great Rashied Ali for introducing him to the term “multidirectional” – a descriptor for the elusive, daring approach to the kit that Hart and others of his generation had developed intuitively in response to the increasing freedom and exploration of the era’s jazz experimentation. “Rashied Ali told me that ‘multidirectional’ was what John Coltrane called this freeform feel, where conventional structure was abandoned and the rhythms could cut in any direction,” he writes in Oceans of Time: The Musical Autobiography of Billy Hart, his captivating new memoir. Hart had begun to explore that style under the influence of Coltrane’s pioneering work, first venturing into the terrain while playing with Pharoah Sanders at the famed East Village club Slugs’. More than half a century later, Hart has refined and evolved the approach into a singular percussive voice of unparalleled elegance, finesse, and intricacy – as exemplified on MULTIDIRECTIONAL, the first live recording by his longstanding quartet featuring tenor saxophonist Mark Turner, pianist Ethan Iverson, and bassist Ben Street.

Axel und Joja haben mit »Boogie Woogie Dimensions« ihrer gemeinsamen Leidenschaft ein Denkmal gesetzt. Alle Stücke, davon die meisten Originalwerke, die spontan bei den Aufnahmen entstanden, leben von ihrem außerordentlichen, stilsicheren Ideenreichtum, der in perfekter Harmonie von zart lyrischen Bluesklängen bis hin zu rasenden musikalischen Verfolgungsjagden das ganze Spektrum der Lebensfreude an zweimal 88 Tasten zum Leben erweckt.

Zwei große Konzertflügel, beflügelt durch den Achtelbeat des Boogie Woogie: da eröffnen sich Dimensionen des Spielspaßes, der Improvisationsfreude und freundschaftlicher Tastenduelle, bei denen Stillsitzen einfach unmöglich ist!

Axel Zwingenberger & Joja Wendt, pianos
Rec. at Nullviernull Studio Hamburg, 29.5.2018 & 15.6.2024

Brixton Heights Records is releasing a new original One Drop track, which is a collaborative effort of the Brixton Heights Crew, Kieko De Stefanis and Gaudi. The riddim is composed by Italian producer Kieko De Stefanis.

The lyrics are a re-adaptation of an old Italian reggae song by the Genoese band Sensasciou, voiced by the legendary Peter Hunnigale.

The track features drum and bass by Mafia and Fluxi, piano by Gaudi, brass by Ital Horns and a set of arches by N. Gatti at the Violin and R. Rassi at the Viola. On Side A you will find the sweet voice of the original Mr Honey Vibes, Peter Hunnigale, one of the most formidable contemporary British Reggae artists who is responsible for the rise and fame of Lovers Reggae in Britain in the 80s and 90s, with his chart-topping tunes and award-winning albums.

On Side B the track Caruggi Jazz is an homage to the Italian alleys of Genoa, where the sound of live musical instruments fuses with the perfume of lovers who exchange effusions protected by the shadows of old buildings, in a seductive harmony which mixes unconditional feelings, warm memories and affectionate hopes for the future.

The tracks were mixed by Gaudi and mastered at Anchor Studios by Augustus "Gussie" Clarke. The final result is a unique production that blends vintage vibes with modern sounds.

The project is co-led by Copenhagen-born saxophonist Andreas Toftemark, a European Jazz Master and recipient of the Bent Jædig Prize, whose career has taken him from the Conservatorium van Amsterdam to The New School in New York. He is joined by Benny Benack III, the multi-award winning Emmy-nominated trumpeter and vocalist lauded for his charismatic performances with the likes of Christian McBride, Chad Lefkovitz-Brown, Peter Bernstein and more. Rasmus Sorensen adds a vital piano voice, fresh from winning a Danish Music Award in 2024 and releasing Balancing Act (2024) featuring modern drum icon Kendrick Scott. On bass, Finnish talent Kaisa Mäensivu - leader of her own project Kaisa"s Machine - brings international credentials shaped at the Sibelius Academy, Manhattan School of Music, and festivals including Pori Jazz. Completing the lineup is New York drummer Joe Peri, a Grammy-winning artist featured on Tony Bennett & Lady Gaga"s Love for Sale and a familiar face at Birdland, Mezzrow, and other NYC institutions. Together, they craft Roadmap - a set of originals born from tours around the Copenhagen Jazz Festival and honed on the road. Each member contributes compositions: from Toftemark"s modal-driven title track and brisk swinger What Gets You to Peri"s hard-hitting opener Icebreaker, Mäensivu"s funk-tinged The Lemur, and Sorensen"s harmonically dense New York Attitude. The quintet also delivers moments of intimacy, with Again - a co-write between Toftemark and Benack - adding lyrics penned on tour and sung with understated warmth. As Benack reflects: "When I play with Andreas, I"m thinking of Joe Henderson and Kenny Dorham, of Clifford Brown and Harold Land. But this isn"t just a revival of a classic hard bop record-the heart and soul of it is the Copenhagen-New York connection."

Mit "Al Mast" legt Adir Jan sein zweites Album vor - fünf Jahre nach dem gefeierten Debüt "Leyla". Der Berliner Singer-Songwriter mit kurdischen Wurzeln bleibt seinem Stil treu: "Cosmopolitan Kurdesque" nennt er die einzigartige Mischung aus orientalischer Tradition, psychedelischem Rock, Indie-Pop und poetischer Bardenkultur. Seine Lieder - gesungen in Zaza, Kurmancî, Türkisch und weiteren Sprachen - erzählen von queerer Liebe, Schmerz, Lust und gesellschaftlicher Rebellion. "Al Mast" ist ein musikalischer Aufschrei gegen Homophobie, Rassismus und Krieg - getragen von Adir Jans klarer Stimme und begleitet von Instrumenten wie Tembûr, Violine, Kanun und E-Gitarre. Die Songs sind bittersüß, treibend und melancholisch - eine Einladung zum Träumen, Tanzen und Nachdenken. Adir Jan schafft mit "Al Mast" ein transkulturelles Klanguniversum, das Brücken schlägt zwischen Morgenland und Abendland, zwischen Tradition und Moderne, zwischen Herzen und Seelen.

Manche sagen, es sei Albert Einstein gewesen, der das gesagt hat, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass es Hristo Stoichkov war: ,Glück gibt es nicht." Manche Bands leben ihre gesamte Karriere von einem einzigen Song, was Experten als One-Hit-Wonder bezeichnen. Hier würden wir es wahrscheinlich einfach als Strohfeuer bezeichnen, etwas, das uns etwas vertrauter ist. Andere Bands schaffen es, ein oder zwei großartige Alben herauszubringen, vielleicht sogar drei. Darüber hinaus wird es schwieriger, Bands mit mehr als vier soliden Alben zu finden. Diese Bands haben etwas Besonderes, eine Art Magie. Jeder, der sie kennt, hat eine klare Referenz, eine Grundlage, ein Konzept, eine Art, Dinge zu tun, die einen fesseln und in ihren Bann ziehen, genau wie in diesem Fall. CRIMs fünftes Album "Futur Medieval" hält die Flamme ihrer vorherigen vier Alben am Leben. Es ist ein Killer-Album, voller Energie und Leidenschaft. Wie immer gibt es Hymnen, Refrains zum Mitsingen, den charakteristischen synchronen Punch in jedem Song und diese elektrisierenden Gitarren, die von der ersten Note an ihre Trümpfe ausspielen. Wie es in einem ihrer Songs heißt: ,"Nichts Neues?" Na und? Erwachsenes Vergnügen ist genau das, - Jordi "Unclu" Sabatés Ametller CRIM wurde 2011 gegründet und sind wohl die größte Punkband Kataloniens/Spanien. Diese äußerst leidenschaftlichen Musiker haben sich lokal einen Namen gemacht, spielen mittlerweile immer wieder vor Tausenden von Leuten und haben starke Songs, die in vielerlei Hinsicht eine sehr florierende Szene in Nordspanien vorantreiben. Die Popularität von Crim außerhalb Kataloniens wächst rasant, da sich ihre Authentizität in ihrem Sound widerspiegelt und ihr kompromissloser Ansatz in vielerlei Hinsicht universell ist und für Fans leicht erkennbar und einladend, unabhängig davon, welche Sprache sie sprechen. Jeder, der diese Band live gesehen oder ihre Alben gehört hat, kann die Kraft und Energie bezeugen, die sie besitzt. FFO Cock Sparrer, Leatherface, Social Distortion CD, klassisch schwarzes oder mehrfarbiges Vinyl!

Seit 2016 schmettert die Band aus Niedersachsen ihren Fans fette, treibende Rockmusik um die Ohren. Die eingängigen Metaleinflüsse und die unverwechselbare Stimme von Frontmann Christoph prägen dabei den rauen Sound der Band. Bei ihren Live-Shows bringen sie nicht nur ungebremste Energie, spürbare Freude und echte Emotionen auf die Bühne - sie reißen ihr Publikum mit und hinterlassen einen bleibenden Eindruck, der noch lange nach dem letzten Ton nachhallt. Mit Ihrem neuen Album "Zerrissen" legen sie noch einmal eine Schippe drauf! In einer Zeit, in der Hass auf den Straßen lauter wird und rechte Parolen wieder salonfähig erscheinen, setzen Sie ein klares Zeichen: Wir stehen zusammen - gegen Rassismus, gegen Ausgrenzung, gegen rechte Hetze. Unser Projekt ist mehr als nur Musik. Es ist ein Aufschrei, ein Widerstand, ein kollektives ,FUCK YOU" gegen Intoleranz und Ignoranz. Wir geben der Wut eine Stimme - und der Menschlichkeit ein Gesicht. Mit kraftvollen Texten, ehrlicher Emotion und unmissverständlicher Haltung. Als CD im Digipak mit 16-seitigem Booklet oder LP 180gr schwarzes Vinyl, 300 Stück handnummeriert mit Einleger

Ursprünglich 2010 veröffentlicht, markiert Forever Dolphin Love den Eintritt in Connan Mockasins geheimnisvolle, surreale Klangwelt – ein Ort, an dem Psychedelia, Funk und Pop in träumerischer Schwerelosigkeit verschmelzen. Das Debüt des neuseeländischen Ausnahmekünstlers – auch bekannt als Connan Tant Hosford – machte ihn rasch zum Kultphänomen und brachte ihm Bewunderer wie David Byrne, Johnny Marr, Dev Hynes (Blood Orange) und Charlotte Gainsbourg ein, mit der ihn bis heute eine kreative Partnerschaft verbindet.

Das Album entfaltet sich wie eine Reise durch ein kaleidoskopisches Universum voller feiner Eigenheiten, die sich erst nach und nach offenbaren. Songs wie It’s Choade My Dear und Faking Jazz Together flirren zwischen verspielt und verträumt, während der über zehnminütige Titeltrack Forever Dolphin Love als hypnotisches Zentrum des Albums ein funkiges, sich ständig wandelndes Klangabenteuer bietet. Ein Werk, das bis heute nichts von seiner Magie eingebüßt hat – betörend, schräg und zutiefst eigen.

Silver Nugget LP

HighSchool veröffentlichen ihr lang ersehntes selbstbetiteltes Debütalbum. Das Melbourner Duo Rory Trobbiani und Luke Scott sorgte erstmals mit der Debüt-EP „Forever At Last“ für Aufsehen, zog daraufhin nach London um mit Dan Carey (Wet Leg, Fontaines D.C., Franz Ferdinand) einige Songs aufzunehmen. Mit ihrem aufregenden Mix von Lo-Fi-, New-Wave-, Gothic- und Post-Punk-Sounds konnten sie bereits das Publikum auf zahlreichen Festivals und Supports für Sam Fender, Chvrches und zuletzt Wunderhorse begeistern. Für die Arbeit an ihrem Debütalbum zogen Trobbiani und Scott nach Australien zurück, holten sich Unterstützung von den Produzenten Ben Hillier (Blur, Depeche Mode) und Finn Bellingham (RIP Magic, Sam Akpro, Sunken) und haben nun eine essentielle Platte im Gepäck. Kernthema ist passend zum Bandnamen das Hochschulleben. Die 12 Tracks kanalisieren perfekt die rastlose Energie und die rosaroten Mythen der Jugend.

Léo Dupleix return to Black Truffle with Round Sky, following the enchanting Resonant Trees (BT119). The composer here performs on analogue synthesizer, harpsichord and spinet as one member of Asterales, a group that brings together four important figures in the international community of musicians working with just intonation: Dupleix, Jon Heilbron (double bass), Rebecca Lane (quarter-tone flute) and Frederik Rasten (guitars). The quartet perform three recent pieces by Dupleix, each of which is like a different view on the same landscape of unruffled calm, where the unique harmonic events made possible by just intonation flicker across melodies and harmonies like light on the surface of water.

The first side is dedicated to ‘Poème d’air’, composed while Dupleix was immersed in the music of 14thcentury ars nova composer-poet Guillaume de Machaut. A sustained study of the ‘sonic possibilities of low-pitched sounds in just intonation’, it begins with a long, rumbling pitch from Heilbron’s bass, soon joined by the organ-like tones of the composer on synthesizer. The piece is made up of cycling sequences of chords, each of which is repeated for several minutes before the music either freezes on a single harmony or silently pauses before the next episode begins. These structures are initially dominated by the bass and synthesizer, with Lane’s pure vibrato-less flute tone and Rasten picked harmonics adding flashes of colour. As the piece develops, flute and guitar become more prominent and the bass climbs to higher registers. The development culminates in a stunning episode around fifteen minutes in where the texture thins out, casting a spotlight on a melodic figure exploiting the uncanny sound of Lane’s quarter-tone flute.

On the second side we are treated to two briefer pieces, closer to the sound of Resonant Trees as they return harpsichord and spinet to the foreground. ‘Ghosts’ centres on a harpsichord melody that slowly expands as it repeats, growing from a haunting six-note cell to a flowing succession of notes whose shape become increasingly difficult to perceive. Alongside this melodic development, an increasingly lush accompaniment grows, with long tones from bass, flute, e-bowed guitar and synthesizer holding notes picked out the harpsichord melody in a swaying harmonic cloud. Dupleix notes that the concluding ‘Round Sky’ was written in the countryside in spring, a circumstance that seems far from irrelevant to the impression the piece makes when its euphonous spinet arpeggios emerge from a gentle synthesizer drone like a flower from a bud. Performed as a duo with Rasten, with both instrumentalists also singing, this title piece exemplifies what makes Dupleix’s music so unique: grounded in a rigorous application of just intonation principles yet as open as Harold Budd or Andrew Chalk to an uncomplicated, intuitive experience of beauty.

Hüsker Dü. Live. 1985. Das transzendente Punk-Trio aus Minneapolis in seinem explosivsten Jahr, live aufgenommen auf der Bühne im First Avenue, in der vielleicht am besten klingenden Aufnahme der gefeierten SST-Ära der Band. Diese 4xLP/2xCD-Edition enthält Beau Sorensons Restaurierung der 21 Songs des gesamten Sets vom 30. Januar 1985, dazu 20 zusätzliche Live-Tracks aus dem weiteren Tourneeverlauf des Jahres und ein Deluxe-Booklet mit detaillierten Informationen zu den zwölf geschichtsträchtigen Monaten von Hüsker Dü. Wie klingt eine Legende, in dem Moment, wenn sie geschrieben wird? Betrachtet man das Jahr 1985 durch die dynamische Linse der Independent/DIY-Musik, so gab es Mitte des Jahrzehnts für Hüsker Dü einen kraftvollen und unbestreitbaren Sprint von der rauen Punk-Institution bei SST zur künstlerischen Empathie bei Warner Bros. Die New York Times bezeichnete die Band als "die beste, die aus der Hardcore-Szene hervorgegangen ist". Im Einklang mit diesem Lob zeigte Hüsker Dü ein kreatives Tempo, das in keiner anderen Musikära zuvor oder seitdem jemals erreicht wurde. Nachdem sie im Juli des Vorjahres mit dem Doppelalbum "Zen Arcade" die aufkeimende Alternative-Rock-Bewegung sprengte, veröffentlichte die Band nur sechs Monate später, am 14. Januar 1985, das epochale "New Day Rising" und hörte nie auf, dem Sonnenaufgang über dem Hidden Beach nachzujagen, der das Cover des Albums zierte. Am 30. Januar 1985 erreichte Minneapolis am Abend zum Zeitpunkt des Konzerts -11 °C, was einem gnadenlosen Temperatursturz von 19 Grad gegenüber dem Tageshöchstwert von 8 °C bedeutete. Die 1500 Besucher im First Avenue brauchten jedoch kein T-Shirt, geschweige denn eine Daunenjacke: Von den ersten blendenden Momenten von "New Day Rising" an war klar, dass Bob Mould, Grant Hart und Greg Norton fest entschlossen waren, jedes Molekül im Raum in Brand zu setzen. Ihre Setlist bot eine nächtliche Kaskade von Feuerbällen aus den Alben "Everything Falls Apart", "Metal Circus", "Zen Arcade" und "New Day Rising" sowie fünf neue Songs, die später auf "Flip Your Wig" wieder auftauchen sollten. Außerdem würdigten sie ihre rockigen Vorfahren: mit einer rasanten Version von "Eight Miles High" von The Byrds, einer turbulenten Interpretation von "Helter Skelter" von den Beatles mit Dave Pirner von Soul Asylum, einem Pop-Punk-Remake von "Ticket To Ride" ebenfalls von den Beatles und ihrem charakteristischen Cover von Sonny Curtis' Mary-Tyler-Moore-Titelsong "Love Is All Around" zum Abschluss. Die First-Avenue-Bänder von 1985 zeigen Hüsker Dü in Höchstform mit bereits beliebten Songs, ein paar Jahre bevor sie ihren Status als Blaupause für den kommenden Alternative-Rock-Boom endgültig gefestigt hatten. Dieses Box-Set feiert diese Aufnahmen, die vielleicht die besten Hüsker-Dü-Aufnahmen sind, die während der legendenhaften SST-Jahre der Band produziert wurden. "Wenn ich an diese Zeit zurückdenke", kommentiert Greg Norton, "waren das drei Jungs, die das taten, was sie liebten, Spaß hatten und im Grunde anderen Menschen zeigten, dass man sich selbst treu bleiben kann, seiner Musik treu bleiben kann und sich nicht der Mode oder den Erwartungen beugen muss, um etwas wirklich Großartiges zu schaffen."

Auf ihrer Debüt-EP ,Future Perfect" singt die britisch-amerikanische Songwriterin Jenny Hirons von Kindheitsvisionen und kapitalistischen Überbauten, von rasanten Fahrten über schmale Landstraßen und dem sanften Verschwinden im Äther wie ein erfüllter Traum. In fünf gedämpften Pop-Tracks, die an Sakamoto & Hosono, Bowie & Eno erinnern, beschwört Hirons Pop-Fantasien herauf und konfrontiert die Realität mit strahlenden Augen und eiserner Entschlossenheit. Der Titel ,Future Perfect" bezieht sich auf Handlungen, die abgeschlossen sein werden. Nachdem man das musikalische Debüt von Jenny Hirons aufgenommen hat, wird der aufmerksame Zuhörer das Gefühl haben, seine Zeit sinnvoll genutzt zu haben. Die Analyse der Texte ist völlig optional, denn bei genauer Betrachtung entsteht ein facettenreiches Bild des Lebens, betrachtet aus allen Blickwinkeln der Zeit - ein Kind stellt sich das Erwachsenenalter vor, ein Erwachsener kehrt zur Autonomie zurück, eine Stimme von einem anderen Ort blickt zurück auf die Zukunftsfantasien eines Kindes. Die Wirkung dieser Songs ist jedoch alles andere als schwerfällig. Hoffnung, Streben, Überwindung sind die Kernaussagen, und musikalisch spiegelt der Ton die Künstlerin selbst wider - ironisch, intellektuell, ausgeglichen, absolut charmant. Die Wirkung dieser Songs ist jedoch alles andere als schwerfällig. Hoffnung, Sehnsucht und Überwindung sind die Kernbotschaften, und musikalisch spiegelt der Ton die Künstlerin selbst wider - ironisch, intellektuell, gelassen, absolut charmant. Hirons nennt Astor Piazolla, die Beach Boys, Elliot Smith, Deerhoof und Rachmaninoff als musikalische Einflüsse. (Für diejenigen, die es nicht wissen: Piazolla ist Akkordeonist.) Hirons ist auch eine äußerst versierte bildende Künstlerin und Designerin. Das Ergebnis mehrjähriger Arbeit, Future Perfect, ist auch ein Album über Trennung, Arbeitslosigkeit und eine ungewisse Zukunft. Nachdem sie es nun in die Welt hinausgebracht hat, blickt Hirons zurück auf eine Zeit, in der ,Musik die Wirtschaft unserer Herzen war", und nach vorne auf eine Zukunft, die sich so gestalten darf, wie sie will, ,in alle Richtungen nach Hause getragen".

Sometimes there are discoveries that hit like thunderbolts! Matt Pascale & The Stomps are undoubtedly one of them-and a major one at that. Everything here is simply perfect. Musically, the backbone of this album remains blues, but rock, funk, soul, and even hip-hop are never far off. The compositions flow like a string of potential hits. It only takes listening to this album once or twice for certain melodies to lodge themselves firmly in your brain. As for the performance, it"s downright incredible. Matt Pascale has a raspy voice with a "more Italian you couldn"t get" vibe, his guitar playing is a sheer marvel of precision and feel, and The Stomps are a rhythmic and groovy powerhouse capable of waking the dead. Un-be-lie-va-ble!

Wahnsinnig authentischer 90er-Jahre-Vaporware-Jazz, kreiert für den Weather Channel von Paul Coleman, einem Chicagoer Bandleader der 60er und 70er Jahre der Bands Fabulous Epics, Rasputin's Stash und Crystal Winds. Es existieren nur 500 Exemplare auf Cloud Coloured Vinyl weltweit.

""Ein Manager des Weather Channel war mit Corky Browns Tochter unterwegs und versprach mir eine Menge Geld, wenn ich Originalmaterial schreiben und dem Weather Channel vorlegen würde. Ich schaltete sofort in Superman-Modus und begann, jeden Tag einen Song zu schreiben und zu programmieren. Ich arbeitete Tag und Nacht daran, diese Songs so schnell wie möglich zu kreieren. Sie wurden ein paar Mal gespielt, bevor der Weather Channel aufgekauft wurde. Aber wir wurden nie bezahlt."" – Paul Coleman 2025

Die Nine Mile Section in der Gemeinde Saint Ann ist die Geburts- und Ruhestätte der Reggae-Legende Bob Marley. Das Mausoleum, das seine sterblichen Überreste beherbergt, ist eine wichtige Pilgerstätte für Fans aus der ganzen Welt. Nine Mile wird oft mit der Rastafari-Kultur in Verbindung gebracht, die die Reggae-Musik stark beeinflusst. Die Gemeinde spiegelt das langsamere Lebenstempo, die tiefe Verbundenheit mit der Natur und das afrozentrische spirituelle Ethos wider, das dem Roots-Reggae zugrunde liegt. Dies inspirierte Alborosie zu seinem neuesten Album, das seine persönliche Hommage „Trench Town Legend“ enthält.
„Come My Way“, die erste Single aus dem Album, ist eine Neubearbeitung von „King Tubby Meets Rockers Uptown“, einem weiteren Markenzeichen von Roots Reggae und Dub.

Die kommende Single „Calling Selassie“ liefert einen einheitlichen Roots-Sound und eine inspirierende Botschaft.
Alborosie ist im Frühjahr und Sommer 2025 auf Tournee und wird diese Songs bei seinen Live-Auftritten präsentieren.

Quattro Racconti" is a new version of the debut solo album from Wobbler's Lars Fredrik Froislie - This time in Italian, with Stefano "Lupo" Galifi from the legendary Museo Rosenbach on vocals! "Fire Fortellinger" became a great success when released in 2023, and when the opportunity for Lars to do one of the songs in Italian with Galifi, he did - and the 10" release of "Un Posto Sotto il Cielo" came out. And later, when Wobbler played a festival in Italy in 2024, Froislie went to visit Galifi and to record vocals for the rest of the album. The result is stunning! FROISLIE who is himself a huge fan of Italian Prog in general and of MUSEO ROSENBACH in particular, explains: "When I wrote "Et sted under himmelhvelvet", I imagined an Italian version in my head with just STEFANO "LUPO" GALIFI'S vocals. Not so surprising, perhaps, since he is one of my favourite vocalists. I have loved his slightly raspy, but powerful and soulful vocals, ever since I discovered MUSEO ROSENBACH as a teenager. When the opportunity presented itself, I thought it couldn't hurt to ask him, and it gave me much joy that he was actually willing to sing on this. He brings a new dimension to the songs, and it's incredible that he actually sings just as well today as he did 50 years ago. For me, it was both emotional and surreal to hear a voice I have known and loved throughout much of my life, singing my songs."

Charmaine Lee ist eine in New York lebende Sängerin, Komponistin und Elektronik-Künstlerin, die für ihre furchtlosen Erkundungen von Stimme, Geräuschen und Improvisation bekannt ist. Zu ihren Kollaborationen zählen Ikue Mori, Conrad Tao, JACK Quartet, Spektral Quartet und Wet Ink Ensemble, mit Auftritten im Lincoln Center, MoMA und Storm King Art Center. Nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt KNVF (Erratum Musical , 2021) kehrt Charmaine Lee mit Tulpaa zurück, einem kühnen neuen Statement, das das Ausdruckspotenzial der menschlichen Stimme und der Elektronik bis an die Grenzen treibt. Während ihre früheren Arbeiten ruhige Texturen und gestische Nuancen erforschten, ist Tulpa viszeral und unmittelbar und verbindet rohe Stimmkraft mit dichten Schichten analoger und digitaler Bearbeitung. Inspiriert von der Körperlichkeit des Rock der 70er Jahre und den esoterischen Eigenschaften von Hochspannungs-Röhrengeräten, schafft Lee eine Klangwelt, die sowohl wild als auch futuristisch ist. Tulpa pulsiert mit gesättigten Obertönen, mikroskopischen Details und dynamischen Verschiebungen in der Skala, die zwischen Intimität und Unermesslichkeit hin- und herpendeln. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SUNNO))), Kali Malone, Anna von Hausswolff), wurde Tulpa mit einer einzigartigen räumlichen Technik erstellt: Lees Stimme wurde in ein direktes Signal und mehrere Vintage-Röhrenverstärker aufgeteilt, die als Lautsprecher dienten, wodurch eine feedbackreiche, dimensionale Umgebung entstand. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die sich taktil und immersiv anfühlt - gleichzeitig geerdet und spektral. ,Ich war fasziniert von diesem Sound der 70er Jahre - wie lebendig und unvorhersehbar er sich anfühlte und doch so tief verkörpert war", sagt Lee. ,In Tulpa geht es darum, Grenzen aufzulösen: zwischen Körper und Maschine, Raum und Wahrnehmung, Klang und Illusion." Der Titel bezieht sich auf ein Konzept aus der tibetischen Mystik: Ein Tulpa ist ein Wesen, das durch konzentriertes Denken heraufbeschworen wird. Lee verwendet diese Idee als Metapher für ihre Praxis, in der Klang zu einem materiellen Akt der Vorstellungskraft wird, der zwischen Präsenz und Erscheinung wechselt. Das Album endet mit einem meditativen Duett mit dem weltberühmten Reed-Spieler Ned Rothenberg an der Bassklarinette , einem spärlichen und weitläufigen Track, der vom Noh-Theater inspiriert ist. Es bietet einen Moment der Stille, der noch lange nach dem Ende des Albums nachhallt.

Two years before the legendary trumpeter mysteriously fell from the window of a Dutch hotel, he delivered this high-level live performance on a stage in Bologna, Italy, in 1985.

Accompanied by Philippe Catherine on guitar and Jean-Louis Rassinfosse on double bass, Baker drew on his natural charm, that utterly disarming magnetism which made him deeply moving, even when decline was looming. Baker carried within him that inner fracture, that haunting depth that rendered every note fragile. Released for the first time as a double 180 gram vinyl LP with HD vinyl mastering

Neuestes Signing bei Blue Note Records ist der in Houston geborene und in Los Angeles lebende Pianist
und Komponist Paul Cornish. Derzeit ist er auch Mitglied von Joshua Redmans Band, tourte im vergangenen Jahr mit dem Saxophonisten um die Welt und brilliert auf seinem aktuellen Album „Words Fall Short“.
“You’re Exaggerating!” heißt Cornishs Debütalbum, auf dem er neun kompositorisch hochspannende Originale präsentiert. Im Trio mit Bassist Joshua Crumbly und Drummer Jonathan Pinson erweist er sich
zudem als Pianist von ungewöhnlicher Klasse. Das Album vermag gleichzeitig durch die melodisch ausgefeilten Kompositionen als auch die mal verhaltene, mal rasante Spielweise der drei Musiker zu überzeugen.
Paul Cornish machte seinen Master-Abschluss am angesehenen Herbie Hancock Institute an der UCLA
und ist neben Joshua Redman mit so namhaften Künstlern wie Louis Cole, Mark Guiliana, HAIM, Snoh
Aalegra, Terrace Martin, Kanye West und anderen zu hören gewesen.

Fog is Marija Rasa’s debut album on Short Span as emer, and her first cut to wax. It follows a single featuring Ugnė Uma for Stroom and a wonderful debut tape for the now cult (I hope!) incubator label Lilerne Tape Club.

It’s for dreamers. Very dub. Soul. Ambient too. A bit of Detroit-like post industrial imagining. You can read it is as a new and different version of a very classic dub technique from the producer in many ways - Marija at the mixing console and effects desk, conjuring a new versioned music through radical restructuring and an instinctive reshaping of space + melody + lyric in studio experimentation.

Tracks are pinned down by thick and enveloping bass while other elements float in and out, fleeting narcotic or hypnagogic notes of fantasy and song form bob in and out of focus. Scant colours and disorienting voice and melody sit suspended, occasionally coalescing and breaking out into moments of radiant beauty and slowly burning manifestations of warmth and presence shooting through the heart and gut.

Erstmals auf Vinyl: Die digitale "I Can Be Your Mother" EP (2024) der US-Künstlerin Sofia Isella, ergänzt um fünf frühe Singletracks, darunter "All Of Human Knowledge Made Us Dumb" und "Hot Gum". Sofia Isella ist ein aufstrebender Alternative-Pop-Star und erlebt gerade einen grossen Moment.

Nachdem sie 2024 Taylor Swift in der Londoner Wembley Arena supportete, stieg ihr Bekanntheitsgrad rasant an und eine Kult-Fangemeinde baut sich derzeit auf - mit 1,1 Mio. Follower auf Instagram und 810.000 auf TikTok. Ihre US-Tour im Frühjahr 2025 war komplett ausverkauft und im ersten Quartal 2025 war sie ...

Jetzt auf Vinyl: Die digitale "I'm Camera" EP (Mai 2025) der US-Künstlerin Sofia Isella. Sofia Isella ist ein aufstrebender Alternative-Pop-Star und erlebt gerade einen grossen Moment. Nachdem sie 2024 Taylor Swift in der Londoner Wembley Arena supportete, stieg ihr Bekanntheitsgrad rasant an und eine Kult-Fangemeinde baut sich derzeit auf - mit 1,1 Mio. Follower auf Instagram und 810.000 auf TikTok. Ihre US-Tour im Frühjahr 2025 war komplett ausverkauft und im ersten Quartal 2025 war sie die #1 der Merch-Verkäufe bei kleinen Veranstaltungsorten. Eine beeindruckende Erfolgsgeschichte. Pirolfarb...

Radiohead kündigen mit "Hail to the Thief Live Recordings 2003-2009" ein neues Livealbum, welches es der Band ermöglichte, ihre Beziehung zu ihrem sechsten Studioalbum Hail to the Thief neu zu bewerten. Das Album ist jetzt digital verfügbar und als einmalige Pressung vorbestellbar, die am 31. Oktober erscheint. Es enthält Aufnahmen von Auftritten in London, Amsterdam, Buenos Aires und Dublin zwischen 2003 und 2009. Gemischt wurde das Album von Ben Baptie und gemastert von Matt Colton. Thom Yorke sagte über das neue Livealbum: "Als ich darüber nachdachte, wie ich Arrangements für die Shakespeare-Hamlet/Hail to the Thief-Theaterproduktion gestalten könnte, bat ich darum, einige archivierte Liveaufnahmen der Songs zu hören. Ich war schockiert über die Energie, mit der wir damals gespielt haben. Ich habe uns kaum wiedererkannt, und es hat mir geholfen, einen Weg nach vorn zu finden. Wir beschlossen, diese Liveaufnahmen zu mischen und zu veröffentlichen (es wäre verrückt gewesen, sie nur für uns zu behalten). Das Ganze war ein sehr kathartischer Prozess. Wir hoffen sehr, dass ihr sie genießt." Die einmalige Vinylpressung ist außerdem in einer limitierten roten Variante bei unabhängigen Händlern sowie in einer cyanfarbenen Version exklusiv im W.A.S.T.E.-Store von Radiohead erhältlich. Kürzlich hat Thom Yorke gemeinsam die von der Kritik gefeierte Produktion "Hamlet Hail to the Thief" mitgestaltet - eine rasante Adaption von Shakespeares Hamlet, untermalt von einer dekonstruierten Partitur aus neu bearbeiteten Songs des 2003er-Albums Hail to the Thief. Rolling Stone UK schrieb über die neue Inszenierung: "Der größte Beweis für Yorke und seine Mitautoren ist, dass diese Welten so nahtlos miteinander verschmelzen - als wären sie schon immer füreinander bestimmt gewesen."

Radiohead kündigen mit "Hail to the Thief Live Recordings 2003-2009" ein neues Livealbum, welches es der Band ermöglichte, ihre Beziehung zu ihrem sechsten Studioalbum Hail to the Thief neu zu bewerten. Das Album ist jetzt digital verfügbar und als einmalige Pressung vorbestellbar, die am 31. Oktober erscheint. Es enthält Aufnahmen von Auftritten in London, Amsterdam, Buenos Aires und Dublin zwischen 2003 und 2009. Gemischt wurde das Album von Ben Baptie und gemastert von Matt Colton. Thom Yorke sagte über das neue Livealbum: "Als ich darüber nachdachte, wie ich Arrangements für die Shakespeare-Hamlet/Hail to the Thief-Theaterproduktion gestalten könnte, bat ich darum, einige archivierte Liveaufnahmen der Songs zu hören. Ich war schockiert über die Energie, mit der wir damals gespielt haben. Ich habe uns kaum wiedererkannt, und es hat mir geholfen, einen Weg nach vorn zu finden. Wir beschlossen, diese Liveaufnahmen zu mischen und zu veröffentlichen (es wäre verrückt gewesen, sie nur für uns zu behalten). Das Ganze war ein sehr kathartischer Prozess. Wir hoffen sehr, dass ihr sie genießt." Die einmalige Vinylpressung ist außerdem in einer limitierten roten Variante bei unabhängigen Händlern sowie in einer cyanfarbenen Version exklusiv im W.A.S.T.E.-Store von Radiohead erhältlich. Kürzlich hat Thom Yorke gemeinsam die von der Kritik gefeierte Produktion "Hamlet Hail to the Thief" mitgestaltet - eine rasante Adaption von Shakespeares Hamlet, untermalt von einer dekonstruierten Partitur aus neu bearbeiteten Songs des 2003er-Albums Hail to the Thief. Rolling Stone UK schrieb über die neue Inszenierung: "Der größte Beweis für Yorke und seine Mitautoren ist, dass diese Welten so nahtlos miteinander verschmelzen - als wären sie schon immer füreinander bestimmt gewesen."

Anstatt sich auf ihrem Legendenstatus auszuruhen, liefert die Münchener HipHop-Crew Main Concept zum 35. Jubiläum ihres Bestehens mal wieder Rap auf höchstem Niveau, kurz und knackig in Form einer 5 Track starken EP mit dem tre_¼Çenden Titel "Kontinuum" (Buback Records). Souverän wie gewohnt beweisen MC DavidPe, Beatproducer Glammerlicious und DJ Explizit erneut, wofür sie seit Jahrzehnten stehen: Lyrische Präzision mit Witz und Verstand, lässig pumpende Beats voller Seele und virtuose DJ-Action mit elegant platzierten Cuts. Dafür lieben Rapfans Main Concept und genau das bekommen sie auf "Kontinuum" serviert, obendrein noch garniert mit Featureparts von Retrogott, Heliocopta und C-Ras. 58er Rapshit! Die Kontinuität wird gewahrt.

2024 Reissue

“Tubby did three original dub albums, ‘Dub From The Roots’. ‘The Roots of Dub’ and the third is ‘Brass Rockers’ with Tommy McCook ‘pon the flying cymbals. Where he mixed it with the horn going in and out in a dub way and one named ‘Shalom Dub’ you can call Tubby’s too because he mixed the versions as they were off forty fives’’
Bunny ‘Striker‘ Lee

King Tubby and Producer Bunny ‘Striker’ Lee are intertwined in the birth of Dub Music. After discovering a mistake that made a ‘serious joke’ ( more of which later...) they went on to release the first pressings of this new musical genre namely ‘Dub Music’. Tubby’s vast knowledge of electronics and Bunny’s vast catalogue of rhythms would lay the foundations of what today is taken as a standard... the Remix / Version cuts to an existing vocal tune.

Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock was born in Kingston, Jamaica on 28th January 1941 and grew up in the High Holborn Street area of downtown Kingston. He studied electronics at Kingston’s National Technical College and also on two correspondence courses from the U.S.A... When he had qualified Tubby began repairing radios and other electrical appliances in a shack in the back yard of his mother’s home. His work in the early days included winding transformers and building amplifiers for Kingston’s Sound Systems. Tubby built his first Sound System in 1957 playing jazz and Rhythm & Blues at local weddings and birthday parties. His reputation as a man who knew and understood both electronics and music grew steadily and as the sixties drew to a close. Tubby purchased his own basic two track equipment. He installed this alongside his dub cutting machine, a home made mixing console and his impressive collection of Jazz albums in the back bedroom of his home at 18 Dromilly Avenue which he christened his music room.

Tubby and Striker were at Treasure Isle Studio’s one day while Ruddy from Spanish Town was working with the engineer Byron Smith....

“Tubby and myself was talking when Ruddy was cutting some dub but Smithy (engineer) made a mistake through we were talking and forgot to put in the voice. It was two track recording in those days. Ruddy said ‘No Man! Make it stay! and so they cut the rhythm. When I went over to Ruddy’s that Saturday night a dance was in progress and when they played the vocal to the tune... then he said we’re going to play ‘Part Two’. They never called it ‘Version’..and then he played the rhythm track. The song was a catchy song and everybody started to sing along and the deejay started to toast so everything went down well. On Monday morning I went up and I said ‘Tubbs the mistake we made was a serious joke.It mash up Spanish Town! The people went wild. So you have to start to do that now ‘cause when the man put on the ‘Part Two’ everyone start singing this song. It played about twenty times. I said you try Tubbs!’...Well the next Saturday night now when Tubby strung up down the farm U Roy said he’s going to play ‘Part Two’ but Tubby did it different now. He started with the voice then dropped it out and let the rhythm run and then he brought in the voice in the middle and from there Tubby started to get really popular.’’
Bunny ‘Striker’ Lee

Dynamic Sounds upgraded to sixteen track recording in 1972 and Tubby purchased, again with the help of a deal brokered by Bunny Lee. The old four track equipment and the MCI console from their Studio B. The four tracks now gave him far wider scope to work with and he began to create a new musical form where the bass and drum parts were brought up while the faders allowed Tubby to ease the vocal and rhythm in and out of the mix. It was only a matter of time before Tubby’s dub plate experiments began to make it on to vinyl and the first ever long playing King Tubby releases would feature a collection of his mixes to a selection of Strikers rhythms. So please sit back and enjoy this historic set of sounds. Lovingly restored and with a few extra gems added to the CD Editions. These releases were the first to carry the name of King Tubby and the first to credit the great musicians that contributed so much to the rhythms that made these albums possible.

"Full Cold Moon" ist eine Sammlung von EPs, ursprünglich 2014 erschienen, und nun auf 180g Icy Blue Glitzervinyl neu aufgelegt werden. Mehr als ein Sampler ist es ein Dokument des Übergangs in einer Zeit, in der Cold Cave ihren Sound über ein Spektrum von Isolation und Intensität ausdehnten. Von gitarrenbetonten Synthie-Hymnen über reduziertem Cold-Wave-Minimalismus bis zu dystopischen Spin-Outs fangen Tracks wie der ungewöhnliche Underground-Favorit "A Little Death To Laugh", "Oceans With No End", "God Made The World", "Black Boots" oder "Nausea, The Earth And Me" eine Zeit der Klangforschung und rastlosen Neuerfindung ein. Geschrieben während Wesley Eisolds Umzug von New York nach Los Angeles – einer Zeit, die geprägt war von Selbstreflexion und Distanz zum größeren Kontext von "Cherish The Light Years" – kehren diese zwölf Tracks zum nüchternen und einsamen Geist von "Cremations" und "Love Comes Close" zurück. Minimalistisch und doch mitreißend, ist "Full Cold Moon" Cold Cave in ihrer experimentellsten, essentiellsten und emotionalsten Form.

Amsterdam label Spectral Bounce recruits French club stalwart Chris Carrier for SPEC06 — Perfect Encounter. Active since 1994, the Parisian artist has released a wellspring of records on Robsoul, Slapfunk and his own Sound Carrier recordings, parallel to his longtime career as a DJ. Characterised by swirling delays and progressive arrangements, Perfect Encounter shows the producer exploring the mesmeric corners of tech house, ideally fitted to the Spectral Bounce aesthetic.

Opener “XLR8” starts with rolling toms that make way for fluid, modulated tones; each bar ebbs and flows to the sweeping synths set in motion by Carrier. Processed with a multitude of delays, rhythmic FX boldly swish above the drums, making for an immersive soundstage. Second track “Light Side” retains the billowing echoes but moves more nimbly, cutting things back to make for a spacious and breezy number. Its croaking synths hop around the stereo field, accompanied by tight percussion and a walking bassline.

The hallucinogenic “Third Moon” sees Carrier step further into trance-inducing territory. The track’s pulsing, syncopated bass note thrums underneath an arpeggio that evolves into a heady prismatic drone. While the chugging beat is ever-present, melodic refrains rise up and evaporate like wisps of vapour, alongside a vocal that fades away as quickly as it appears. The EP’s eponymous “Perfect Encounter” dials up the tension and closes the record with a mysterious touch. Speedy 16th note patterns propel the beat, creating shifty rhythms that rattle and hiss. A rasping, gelatinous synth and squeaky detuned tones resemble extraterrestrial signals — alien morse code for an enraptured dancefloor.

Credits:

,Klassenkampf in der Tonart Oi! Zwölf knallharte Tracks über SHARP, Antifaschismus und die Unterstützung gleicher Rechte für alle! Antifaschistisches Oi! aus Down Under, geschrieben für die Arbeiterklasse." ,Class war in the key of Oi!" ist das zweite Album der SHARP-Skins aus Meanjin/ Brisbane. Bislang nur digital auf Bandcamp zu hören, nun dann endlich auch auf Vinyl. Klare Kante, unverblümt, direkt und knallhart. Ihr Sound ist very british und Anleihen von Blitz sind unüberhörbar, rasiermesserscharfe Riffs, die ebenso in die Fresse hauen wie ihre Texte. limitierte Auflage von 300 Stk. 180 gr. rotes Vinyl mit Einleger

Der Grammy-nominierte Hitmaker Benson Boone hat die Veröffentlichung seines neuen Albums „American Heart“ für den 20. Juni angekündigt. Erste Einblicke in „American Heart“ geben die Singles „Sorry I’m Here For Someone Else“ (aktuell #3 der deutschen Airplay Charts) und die neue Single 'Mystical Magical', die ebenfalls rasant in den Radiocharts aufsteigt. Nach seinem spektakulären Auftritt beim Coachella-Festival Mitte April 2025 freuen wir uns hierzulande auf die Performance beim Lollapalooza Berlin am 13. Juli.Sein größter Erfolg, „Beautiful Things“, war 2024 der weltweit meistgestreamte Song und brachte Boone den IFPI Global Single Award ein. Der Track erreichte über 2 Milliarden Streams auf Spotify, insgesamt fast 4 Milliarden & hielt sich in Deutschland fünf Wochen auf Platz 1 der Charts. Nachdem er im vergangenen Sommer im Vorprogramm von Taylor Swifts ERAS-Tour im Londoner Wembley-Stadion auftrat und mit Lana Del Rey beim Hangout Festival spielte, blickt Benson Boone auf ein weiteres ereignisreiches Jahr voraus. Mit dem bevorstehenden Album „American Heart“, neuen Tourdaten und Auftritten auf renommierten Festivals steuert er 2025 auf ein weiteres Rekordjahr zu und festigt seine Position als globale Pop-Sensation. Seine anstehende US Arena Tour war bionnen 9 Sekunden komplett ausverkauft und selbiges dürfte auch für die deutschen Tour-Daten bevorstehen.