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„I Can’t Let Go“ ist die erste Zusammenstellung der Aufnahmen der Brooklyn-Sängerin Evie Sands aus den 60er Jahren, die alle 15 Titel ihrer ersten 8 Singles auf der Vinylversion enthält. Die CD-Ausgabe umfasst weitere 11 Titel, darunter ihre kompletten 45er-Singles aus den Jahren 1963 bis 1970. · Sands, die bereits als Kind zu singen begann und schon in jungen Jahren im Studio arbeitete, verfügte über eine kraftvolle und faszinierende Stimme, die ihr Alter Lügen strafte und auf klassischen 45er-Singles zu hören war, die von Soul- und Rock-Sammlern sowie Liebhabern von Girlgroups und Femme-Pop gleichermaßen geschätzt wurden. · Nach ersten Veröffentlichungen bei ABC und Gold tat sich Sands 1965 mit dem Songwriting-, Arrangement- und Produktionsteam Chip Taylor und Al Gorgoni zusammen, um eine Reihe exzellenter und oft erstaunlicher Platten bei den Labels Blue Cat, Cameo und A&M aufzunehmen, die in ihrem vielbewunderten ersten LP gipfelten. Dabei nahm sie die Originalversionen (und definitiven Versionen) von „Take Me For A Little While“, „I Can't Let Go“, dem Northern-Soul-Floor-Filler „Picture Me Gone“ und dem majestätischen „Angel Of The Morning“ auf und sah ungläubig zu, wie sie alle zu Hits für andere Künstler wurden. Nachdem sie 1969 mit „Any Way That You Want Me“ endlich einen eigenen großen Hit gelandet hatte, folgte nach einer kurzen Auszeit Anfang der 70er Jahre ein gut aufgenommenes Comeback-Album, „Estate Of Mind“, und zwei US-Top-50-Hitsingles. Durch die kontinuierliche Weiterentwicklung ihrer Produktions- und Songwriting-Fähigkeiten standen bald die Größen der Popmusik Schlange, um mit ihr zusammenzuarbeiten und ihre Songs aufzunehmen: Barbra Streisand, Dusty Springfield, Karen Carpenter, Dionne Warwick und später auch Missy Elliot coverten Sands' Kompositionen, und Elvis hätte es beinahe auch getan... · „I Can’t Let Go“ wurde von Jai Rathbone in enger Zusammenarbeit mit Evie Sands zusammengestellt, die ihre Gedanken und Erkenntnisse über diesen frühen Abschnitt ihrer Karriere teilt. Mit zahlreichen Illustrationen versehen, ist dieses Buch ein Muss für jeden Fan. · Bewundern Sie erneut (oder zum ersten Mal) die Vielseitigkeit eines der bestgehüteten Geheimnisse der 60er Jahre: die volle, emotionale und wahrhaft unverwechselbare Stimme von Evie Sands.

Difficult as it may be to imagine, there was a time when Sun City Girls did not exist. Prior to the Bishop brothers teaming up with drummer/shaman Charlie Gocher to form SCG's classic trio lineup, there were various ad-hoc assemblages of local Phoenix-area freaks and weirdos – groups which existed only long enough to play a single gig, open mic or house party before disbanding without a trace. Hatched from this milieu was Paris 1942, a short-lived band formed by guitarist Jesse Srogoncik that included Alan Bishop, Richard Bishop and former Velvet Underground drummer Maureen Tucker.

Paris 1942 would play only four shows in as many months, but between April and August of 1982, the band would gather several times a week in Tucker's living room, where the group feverishly wrote and rehearsed with a kind of quotidian discipline. While P42 didn't release anything during their brief tenure, a 7" EP and LP (both self-titled) surreptitiously surfaced on the Majora label in the mid to late '90s. Until now, those two titles – as well as an appearance on Placebo's Amuck comp in late '82 – would be the only documented evidence that this improbable, serendipitous and magnificent band ever existed.

While those expecting P42's music to sound like a tantalizing combination of Sun City Girls' iconoclastic hoodoo havoc and the Velvets' primal drug-chug certainly won't be disappointed, Paris 1942 more often than not transcends even these nearly impossible expectations. Srogoncik's songs, in particular, are a revelation, displaying as much in common with the exuberant raunch of The Gun Club and the chapbook punk of Peter Laughner as they do any of the more obvious touchstones.

The group's foresight to document and capture this meeting of musical minds – a meeting as unlikely as it was short-lived – provides a missing link between the Velvets and the Voidoids, between the Dead Boys and the Dead C, between ESP-Disk' and DNA. Far more than a historical curiosity, Paris 1942 provides a fresh perspective on an embryonic and sadly vanishing US underground. It is music that blinks at the past and anticipates a thousand possible futures.

– James Toth (excerpt from the liner notes)

"I live in the arcades. Reality was never an option!"

The 85-year-old video game queen and film composer pdqb (born on November 14, 1939) delivers a beautiful love letter to your boomer childhood, a wild ride through the golden age of video gaming. Hear how she dodges bullets, jumps over cosmic chasms, beats bosses, reaches bonus stages, uses cheat codes and even her last continue...just to stay in a world of pixels and vectors forever. pdqb will bring you back all those fond memories of unburdened joy that you might have lost while growing up. She could be your savior.

Synaptic Cliffs is filled with otherworldly pride to present these 14 timeless masterpieces to its beloved listeners.

Eyvind Kang ist Komponist und Bratschist, dessen Werk experimentelle, klassische und traditionelle Musikformen umfasst. Zu seinen Kollaborationen zählen unter anderem Jessika Kenney, Bill Frisell, Laurie Anderson, Bennie Maupin, Stuart Dempster, Sun City Girls und SUNN O))). Kang ist bekannt für seine Erkundungen der Mikrotonalität, der modalen Improvisation und des Klangrituals. Seine Werke wurden weltweit auf führenden Festivals und Veranstaltungsorten präsentiert. Kang ist derzeit Fakultätsmitglied am CalArts und unterrichtet Komposition und experimentelle Klangpraktiken. Seit über dreißig Jahren erforscht Eyvind Kang die verschwommenen Grenzen zwischen Komponist, Interpret und Zuhörer. Auf Riparian präsentiert er eines seiner bisher intimsten und fokussiertesten Werke: zwei Langformstücke für Viola d'amore, improvisiert innerhalb mikrotonaler Systeme, die er während der Pandemie entwickelt hat. Kang bezeichnet diese Improvisationsmethode als ,Riparian" und beschwört damit das Bild eines Flusses herauf, der in verschiedene Richtungen überquert wird - fließend, nichtlinear und lebendig mit subtilen Variationen. ,Ich stellte mir Pizzicato und Arco wie das Springen von Stein zu Stein in einem Bach vor", sagt er. ,Es gibt eine geerdete Zufälligkeit, wie bei einem Frosch oder einer Schildkröte, die sich zwischen Land und Wasser bewegt." Jedes Stück auf Riparian ist eine erste Aufnahme, die im Studio als Teil dessen aufgenommen wurde, was Kang als ,eine Art Geschichtenerzählen unter gleichgesinnten Freunden" bezeichnet. Das Ergebnis ist Musik, die mit stiller Intensität und emotionaler Klarheit fließt und Melodien entfaltet, die sich sowohl uralt als auch lebendig präsent anfühlen. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SU NN O))), Omar S ouleyman, Kali Malone) produziert und aufgenommen, fängt Riparian die volle Resonanz der Viola d'amore in einem reichen, dimensionalen Klang ein. Dunns Handschrift verleiht Kangs lyrischer Phrasierung Wärme und Transparenz und offenbart subtile Klangtexturen, die ein tiefes Hören belohnen. Meditativ und ausdrucksstark zugleich lädt Riparian den Hörer in einen Raum ein, in dem die Zeit weicher wird und Klang zu einer Form der Einstimmung wird .

Jessika Kenney ist Sängerin, Komponistin, Autorin, Klangkünstlerin und Lehrerin, deren Engagement für Improvisation, Poesie und Klangforschung eine einzigartige Perspektive hervorgebracht hat. Ihre Erkundungen von Klang, Raum und der Metaphysik des Klangs wurden in vielen Kontexten und an vielen Orten präsentiert, darunter in der Seattle Public Library, im Nottingham Contemporary und im Benton Museum. Zu ihren Kollaborationen und Projekten gehören eine umfangreiche Diskografie mit Eyvind Kang, das letzte aufgezeichnete Vokalwerk von Alvin Lucier, Auftritte mit Melati Suryodarmo, die Komposition der Vokalmusik für A24s Midsommar und die Chorleitung für SUNN O)))'s Monoliths and Dimensions. Jessika Kenney, bekannt für ihren einzigartigen Umgang mit der Stimme, hat in den letzten zwei Jahrzehnten neue Klangwelten geschaffen, die auf intensiven Studien, rituellen Praktiken und einer ungezähmten Ausdruckskraft beruhen. Von ihren gefeierten Kollaborationen mit Eyvind Kang bis zu ihrer Vokalkomposition für A24s ,Midsommar" bewegen sich Kenneys Arbeiten an der Schnittstelle zwischen dem Heiligen, dem Klangvollen und dem Unsichtbaren. Auf Uranian Void wendet sich Kenney nach innen und spürt den Konturen von Erinnerung, Resonanz und Wahrnehmung nach. Mit verschwommenen Sinuswellen, Hydrofonaufnahmen, einem Ghazal von Hafez und Originaltexten ist das Album eine Meditation über Liminalität, in der Schimmer und Schatten gleichermaßen vibrieren. Kenneys Stimme webt sich durch alles hindurch: manchmal flüsternd, manchmal strahlend , immer präzise. ,Dieses Album ist eine Übung in Transparenz innerhalb der Dunkelheit", erklärt Kenney. ,Es geht darum, offen zu bleiben für Zweifel , für Nachhall, für das, was jenseits unserer Wahrnehmung liegt." ,Uranian Void" wurde von Randall Dunn (SU NN O))), Kali Malone, Annea Lockwood) produziert und aufgenommen, dessen charakteristische räumliche Details und Tiefe dem Album seine immersive Klangarchitektur verleihen. Jeder Ton, jeder Atemzug und jede Resonanz wird mit Intimität und Dimension wiedergegeben und verstärkt Kenneys Erforschung von Präsenz und Abwesenheit. Fragmente, die während Besuchen in Spokane, ihrem Elternhaus, aufgenommen wurden, bilden die Grundlage des Albums. Im Studio transformiert, werden diese zu beschwörenden Vierzeilern - leise, aber eindringlich - die den subtilen Puls von Ort, Zeit und Körper offenbaren. Echos der Vergangenheit verschmelzen mit der Gegenwart , als ob die Wände selbst sich erinnern und mitschwingen würden. Uranian Void ist Musik für Schwellenbereiche - eine Einladung, sich mit dem Unsichtbaren und Kaum hörbar. Mit dieser kraftvollen und poetischen Aussage bestätigt sich Kenney als eine der visionärsten Vokalistinnen der Gegenwart.

Chloe Kim ist eine in Korea geborene, in Sydney lebende Schlagzeugerin und Improvisatorin, deren Musik Traditionen und Geografien miteinander verbindet. Bekannt für ihren unerschrockenen Improvisationsansatz und ihre ausdrucksstarke Beherrschung des erweiterten Schlagzeugs, ist sie in ganz Australien und international in den Bereichen Jazz, Experimental und Neue Musik aufgetreten. Aufgewachsen in Korea und heute in Sydney ansässig, hat sich die Perkussionistin Chloe Kim als einzigartige Stimme im zeitgenössischen Schlagzeugspiel etabliert, indem sie furchtlose Improvisation mit kompositorischer Klarheit und interkultureller Tiefe verbindet. Ratsnake markiert ihren kühnen Einstieg in den Kanon der Solo-Schlagzeugalben, indem sie viszerale Kraft mit Präzision und Fantasie verbindet. Kims internationales Ansehen stieg 2023 nach ihrer ,herkulischen" (The Guardian) 100-stündigen Solo-Drum-Performance über 10 Tage. Auf Ratsnake kanalisiert sie dieselbe Ausdauer und Vision in ein zutiefst persönliches Studioalbum, das das vollständige klangliche Potenzial des Schlagzeugs auslotet und es als melodisches und skulpturales Instrument behandelt. Der Titel des Albums stammt aus einem Traum, den Kims Mutter vor ihrer Geburt hatte und der sich auf die Rattennatter bezieht, ein koreanisches Symbol für Widerstandsfähigkeit, Verwandlung und seltenes Glück. Dieses symbolische Erbe zieht sich durch das gesamte Album, während Kim komplexe rhythmische Ideen mit Eleganz und Kraft entfaltet. ,Als ich zum ersten Mal in New York war, spürte ich, wie die Energie der Stadt neue Ideen aus mir hervorbrachte ", sagt Kim. ,Jeder Track hebt eine Facette meiner Solo-Sprache hervor - von ausgedehnten Percussion-Parts und langen rhythmischen Zyklen bis hin zu Texturen, die ich noch nie live verwendet habe ." Auf dem gesamten Album greift Kim auf jahrelange persönliche Motive zurück: eine im Laufe der Zeit verfeinerte Zwei-Takt-Phrase im Titeltrack, komplexe Strukturen in ,The First Gift" und weitläufige Arrangements in ,Birth Dream". Jedes Stück baut auf ihrer fortwährenden Auseinandersetzung mit Rhythmus, Form und verkörpertem Klang auf. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SU NN O))), Annea Lockwood, Kali Malone), fängt Ratsnake Kims dynamische Phrasierung mit räumlicher Fülle und Detailtreue ein. Es ist ein kraftvolles , nuanciertes Debüt, das die Möglichkeiten der Solo-Percussion neu definiert .

Charmaine Lee ist eine in New York lebende Sängerin, Komponistin und Elektronik-Künstlerin, die für ihre furchtlosen Erkundungen von Stimme, Geräuschen und Improvisation bekannt ist. Zu ihren Kollaborationen zählen Ikue Mori, Conrad Tao, JACK Quartet, Spektral Quartet und Wet Ink Ensemble, mit Auftritten im Lincoln Center, MoMA und Storm King Art Center. Nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt KNVF (Erratum Musical , 2021) kehrt Charmaine Lee mit Tulpaa zurück, einem kühnen neuen Statement, das das Ausdruckspotenzial der menschlichen Stimme und der Elektronik bis an die Grenzen treibt. Während ihre früheren Arbeiten ruhige Texturen und gestische Nuancen erforschten, ist Tulpa viszeral und unmittelbar und verbindet rohe Stimmkraft mit dichten Schichten analoger und digitaler Bearbeitung. Inspiriert von der Körperlichkeit des Rock der 70er Jahre und den esoterischen Eigenschaften von Hochspannungs-Röhrengeräten, schafft Lee eine Klangwelt, die sowohl wild als auch futuristisch ist. Tulpa pulsiert mit gesättigten Obertönen, mikroskopischen Details und dynamischen Verschiebungen in der Skala, die zwischen Intimität und Unermesslichkeit hin- und herpendeln. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SUNNO))), Kali Malone, Anna von Hausswolff), wurde Tulpa mit einer einzigartigen räumlichen Technik erstellt: Lees Stimme wurde in ein direktes Signal und mehrere Vintage-Röhrenverstärker aufgeteilt, die als Lautsprecher dienten, wodurch eine feedbackreiche, dimensionale Umgebung entstand. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die sich taktil und immersiv anfühlt - gleichzeitig geerdet und spektral. ,Ich war fasziniert von diesem Sound der 70er Jahre - wie lebendig und unvorhersehbar er sich anfühlte und doch so tief verkörpert war", sagt Lee. ,In Tulpa geht es darum, Grenzen aufzulösen: zwischen Körper und Maschine, Raum und Wahrnehmung, Klang und Illusion." Der Titel bezieht sich auf ein Konzept aus der tibetischen Mystik: Ein Tulpa ist ein Wesen, das durch konzentriertes Denken heraufbeschworen wird. Lee verwendet diese Idee als Metapher für ihre Praxis, in der Klang zu einem materiellen Akt der Vorstellungskraft wird, der zwischen Präsenz und Erscheinung wechselt. Das Album endet mit einem meditativen Duett mit dem weltberühmten Reed-Spieler Ned Rothenberg an der Bassklarinette , einem spärlichen und weitläufigen Track, der vom Noh-Theater inspiriert ist. Es bietet einen Moment der Stille, der noch lange nach dem Ende des Albums nachhallt.

Der düstere Zauber von Ritual Howls sechstem Album ,Ruin" entfaltet sich bereits in den ersten Momenten der ersten Single ,Follow the Sun", wenn der klare Ruf von Paul Bancells hallender Gitarre von Chris Samuels pulsierendem Kick und flirrenden Drum-Programmierung sowie dem knurrenden, verzerrten Bassgroove von Ben Saginaw untermalt wird. Mehr als ein Jahrzehnt nach ihrer Gründung verfeinert das Trio seine nuancierte Mischung aus Industrial, Goth und Post-Punk auf ein neues Niveau vollendeter Fülle, und die Ergebnisse verkörpern mehr denn je die Gegensätze, die sie ausmachen. Mit ,Ruin" kehren Ritual Howls zurück zu ihren düsteren Wurzeln. Mehr als ein Jahrzehnt nach ihrer Gründung verfeinert das Trio weiterhin seine nuancierte Mischung aus Industrial, Goth und Post-Punk zu einer neuen Ebene von alles verzehrender Fülle, und mehr denn je verkörpern die Ergebnisse die Kontraste, für die sie bekannt geworden sind: auf einmal eindringlich düster, aber kinetisch eingängig, intim roh, aber verlockend geheimnisvoll. Seit ihrer Gründung in Detroit hat die Band immer lose Elemente der Old-School-Rave-Kultur in ihre Arbeit einfließen lassen, was zu einer zutiefst physischen Erfahrung ihrer schweren, düsteren, melodischen und akribischen Konstruktionen führt. Nach ihrem letzten Album (Virtue Falters, 2023) zog Bancell nach Los Angeles, und ein Großteil von Ruin entstand über das Internet, gipfelnd in einer Reihe intensiver Aufnahmesessions mit dem langjährigen Toningenieur Adam Cox in Michigan. ,Es begann damit, dass Chris musikalische Ideen präsentierte - Beats, Melodien, Sounds, Riffs - und ein paar fertige Tracks; er und Ben trafen sich zum Jammen, und ich steuerte aus der Ferne einige Gitarrenparts bei ", erzählt er. Von der Entfernung grundlegend unbeeindruckt, funktioniert Ritual Howls als echte kollaborative Einheit, und Ruin ist ein reichhaltiger, unbestreitbarer Beweis dafür, dass sie weiterhin an der Spitze ihrer Kunst stehen.

Nach zwei gefeierten experimentellen Instrumentalalben, Feral Hymns (2021) und Acts of Light (2023), kehrt Hilary Woods auf ihrer neuen LP Night CRIU zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Sie lernt erneut, wie sie ihre Stimme einsetzen kann, und komponiert Songs, die sich um sie drehen. Das intime Ökosystem von Night CRIU mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. Night CRIU ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Diese Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

High Roller Records, transparent beer colored vinyl, ltd 450, 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet, download code Starlight Ritual wurden 2013 in Montréal, Québec, geboren, gegründet von den beiden Gitarristen J.F. Bertrand und Dan Toupin. Bertrand schwebte ursprünglich ein Doom/Psychedelic-Projekt vor, zu dem er Bassist Mat Forge und Schlagzeuger Louis Lecomte anheuern ließ. Dan und J.F. schreiben einen Haufen instrumentaler Doom-Heavy-Prog-Nummern, von denen einige 2015 auf dem ersten selbstbetitelten sowie selbstproduzierten Album landen (technisch gesehen mit vier Songs eine EP, allerdings mit einer Spielzeit von nahezu 40 Minuten). 2014 stößt Sänger Damien Ritual zur Band. Mit »Age Of The Universe« folgt zwei Jahre später eine weitere EP, gefolgt vom ersten offiziellen Album »Sealed In Starlight« auf Temple Of Mystery (2021). Starlight Rituals erste Veröffentlichung auf High Roller Records ist das neue Album »Rogue Angels« (auf dem Damien Ritual nicht nur singt, sondern auch Bass spielt). Seit den frühen Tagen hat sich der Stil der Band seiner Meinung nach doch recht nachhaltig verändert: Bei »Sealed In Starlight« war die Identität dann gefunden: traditioneller Heavy Metal mit Epic-Flair, ein Mix aus Manowar und Running Wild sowie alten Helden wie Thin Lizzy und Rainbow‘, Epic Hard Rocking Traditional Metal’

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

Shell Company featuring Richie Culver, LINTD, Older Brother. Full artwork sleeves & label design by Ciaran Birch ///

Hazy & dark contemporary pop from Shell Company, drenched in spoken word dreamscapes...

Manchester / Glasgow trio Shell Company debut on Accidental Meetings with a record of dark hued, noise pop adjacent pieces. The trio is spearheaded by poet Rosabella Allen, whose misted balladry pierces through the textured backdrops of Chris and Rob Banks, all three complimenting and melding perfectly.

Following stand out releases for Glasgow imprint Numbers, and Rainy Miller's Fixed Abode, Locket sees the band push the boat out for AM which sees them unite with fellow collaborators Richie Culver & LINTD on the project. A deeply personal record that fuses fractured electronics, post-rock and spoken word, with the end product being a damp, noir masterpiece.

Transparentes orangefarbenes Vinyl. Diese beiden Tracks, die aus den Randbereichen von "Nosebleed Weekend" ausgegraben wurden, bieten einen rohen, aufschlussreichen Einblick in den kreativen Prozess von The Coathangers und zeigen eine Band in voller Fahrt, die zwischen Instinkt und Absicht hin- und hergerissen ist. "Hurry" und "Drifter" wurden beide während der Sessions für dieses Album geschrieben und als Demos aufgenommen, aber letztendlich auf Eis gelegt und blieben in den Archiven liegen. Jahre später hörte sich Sängerin Julia Kugel die Tracks mit neuen Ohren an und entdeckte etwas Wichtiges: eine Lockerheit, einen Funken. "Hurry" begann als Experiment mit vertauschten Instrumenten - Julia am Schlagzeug, Stephanie an der Gitarre - mit einem rauen Charme und einer wilden Dynamik. Die Rhythmusgruppe ist treibend, die Gitarren sind übersteuert und drahtig, der Gesang hallt mit einer Art privater Dringlichkeit nach. Der Song ist nicht auf Hochglanz poliert, und genau darum geht es: Man hat das Gefühl, dass die Band etwas Neues entdeckt hat, indem sie nicht zu viel nachgedacht hat. "Drifter" hingegen ist eine frühe Version eines Songs, der später auf der "Parasite" EP erschien, diesmal mit einem leichteren Touch die Verzerrung wurde gerade so weit zurückgenommen, dass die Gesangsmelodie mehr im Vordergrund steht und selbstbewusster wirkt. Es fühlt sich ein bisschen wie eine Zeitreise zu den ursprünglichsten Instinkten der Band an. Beide Tracks haben eine Unmittelbarkeit, sind Skizzen, die während des Chaos der Albumproduktion entstanden sind, voller Experimentierfreude und Risikobereitschaft. Die von Suicide Squeeze auf 7" gepressten Tracks sind weniger auf Perfektion ausgerichtet, sondern mehr auf den Prozess: ein Beweis für die Fähigkeit der Coathangers, ihrem Bauchgefühl zu vertrauen und den Dingen Raum zum Atmen zu lassen.

f *Goodbye, Asshole* was the wild night—tequila-sharp riffs, sticky floors, and last-call chaos howled into the void of a disappearing city—then *Boone* is the merciless morning after. The sun cracks the blinds. The brain throbs. Every bad decision gleams in the hard light, raw and undeniable.

Fuckwolf’s second album pares their scuzz-wave blitz down to exposed nerves: Eric Park’s basslines stalk like a hangover pulse, Simon Phillips’ drums land like a palm slapping the alarm into silence, and Tomo Yasuda’s guitar wirings spit like diner coffee left to burn on the hotplate. The fog has lifted; the damage is inventoried. These ten tracks are crime scene Polaroids, tales of longing and woe, fresh mystery bruises and eulogies.

There’s no wallowing here, just the tight, terrible beauty of a band that’s stared down the void and come back swinging.

The party’s dead. Long live the reckoning.

Fuckwolf have been around the SF scene for a while, and it took Ethan Miller (Silver Current / Comets On Fire / etc) ages to get them to record the debut album, they then toured Japan and released a limited split mini with Green Milk From The Planet Orange. They reconvened late 2024 and recorded Boone..

This new album "Boone", polishes and extrapolates the fizzing psychedelia of their first album, and turns Fuckwolf into the heirs to the crown of mass-consumptive Sike-rock. This album is in the same vein as Mercury Rev's "Yerself Is Steam", Butthole Surfers' "Rembrandt Pussyhorse" and Flaming Lips "Telepathic Surgery", there's sheer pop in amongst the mind's eye rattling dollops of psychedelic wallop... the Koolaid was drunk and the songs were made.. plug it in, turn on...drop out.

Master by the one and only Mikey Young!!

Denmarks leading outlet for fresh, forward forward-thinking jazz, April Records, proudly presents the debut release from award award-winning Danish vibraphonist Viktoria Sondergaard. With wide ranging influences from jazz, chamber music, cabaret, pop, rap and SukumaSukuma-inspired grooves, as well as the hymns and melodies of the Danish Hojskolesangbog traditional/folk songbook, the music is grounded in collective expression and responsibility. The album s bold, boundary boundary-pushing sound was built on a strong sense of musical community, as well as Sondergaard s desire to integrate spoken word and lyrics into her practice to convey her thoughts and feelings on the world around her on a deeper, more personal level. Composing with her four collaborators in mind, Viktoria imagined her quintet playing each note as she composed, making the music inseparable from their presence. The album integrates spoken word, rap, singing, screaming, and whispering - a shared sonic tapestry that expresses joy, wonder, questioning and celebration. It s a band built on inspiration, joy, dreams and love, Viktoria says. For me, one of the most beautiful things in art is that we have a platform to say something about the society and world around us. This album is an attempt to do just this. this." Balancing warmth and intimacy with tension and exploration, the music weaves rich instrumental textures and spacious soundscapes with intricate vocal arrangements - intertwining voices that move between comforting folk folk-like harmonies and angular, avant avant-garde expression. The quartet s deep listening and intuitive interplay are evident throughout, shifting fluidly from open, exploratory passages to tightly locked grooves. The result is a sound that feels both grounded and searching: a sonic conversation inviting the listener into a space of vulnerability, curiosity, and connection. With a sparkling tone, emotive improvisation and refined control over her instrument Viktoria is recognised as a fearless explorer and bold musical voice. A recipient of the Aarhus Jazz Talent Prize, Tivoli Jazz Prize and the 2025 Carl Prize Honorary Award presented by Marilyn Mazur, she balances adventurous writing and collective invention with melodic immediacy and emotional power.

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint A Certain Trigger gemeinsam mit der 2006er B-Sides- und Demo-Compilation Missing Songs als hochwertige 2LP auf schwarzem Vinyl im Gatefold-Cover. Die Zusammenstellung enthält seltene B-Seiten und Demo-Aufnahmen aus den UK-Singles dieser Ära und wird ergänzt durch ein beidseitig bedrucktes, farbiges 60 × 90 cm Poster auf luxuriösem Kunstdruckpapier. Ein Sammlerstück für alle Fans des energiegeladenen Indie-Rock-Sounds von Maxïmo Park.

Format: 2LP schwarzes Vinyl, Gatefold, inkl. beidseitigem Farbposter (60 × 90 cm)

ROADS VOL.3 is the third installment of Thylacine's iconic ROADS series, recorded in the heart of the stunning landscapes of Namibia, in his caravan studio. A true sonic journey, this album immerses the listener in a unique universe, where every note tells a story of landscape, emotion, and authentic experience.



Since the breakthrough success of Transsiberian, Thylacine has continued to push boundaries, venturing into new territories in search of stories to tell and challenges to take on. Much like mountaineers carving fresh paths across glaciers, he is constantly exploring new creative horizons. With millions of streams to his name and standout tracks like Anatolia, Piany Pianino, and Satie I, his momentum shows no sign of slowing.
Breaking away from the familiar, his upcoming album Roads Vol.3 draws on the raw beauty of his recent journey through Namibia, offering listeners a collection of previously unreleased tracks. Guided by his instinct for musical nomadism, Thylacine treats each project as a true adventure in its own right. Roads Vol.3 will be released on October 31.

ROADS VOL.3 is the third installment of Thylacine's iconic ROADS series, recorded in the heart of the stunning landscapes of Namibia, in his caravan studio. A true sonic journey, this album immerses the listener in a unique universe, where every note tells a story of landscape, emotion, and authentic experience.



Since the breakthrough success of Transsiberian, Thylacine has continued to push boundaries, venturing into new territories in search of stories to tell and challenges to take on. Much like mountaineers carving fresh paths across glaciers, he is constantly exploring new creative horizons. With millions of streams to his name and standout tracks like Anatolia, Piany Pianino, and Satie I, his momentum shows no sign of slowing.
Breaking away from the familiar, his upcoming album Roads Vol.3 draws on the raw beauty of his recent journey through Namibia, offering listeners a collection of previously unreleased tracks. Guided by his instinct for musical nomadism, Thylacine treats each project as a true adventure in its own right. Roads Vol.3 will be released on October 31.

Detroit-born artist, Jalen Elk Star unveils his debut LP, ESIN on L.I.E.S. Known in certain circles as filmmaker, music producer, playwright, and collagist, Jalen often draws from controversial themes to craft modern avant-garde works redefining the way art is seen in today’s chaotic universe. After years working on diverse projects under various aliases, his shift to a more liberated creative process under this new moniker has allowed his vision to reach a broader audience, continuing the path with the music on this new lp.

ESIN, a 13-track sonic collage, builds on his past, blending raps, noise, ambience, samplers, drum machines and synths into a raw, vibrant narrative. This work traces Jalen’s journey between his cities, Detroit and Chicago, offering a profound glimpse into his dynamic, limitless world of sound and vision. Something along the lines of the dusty crunched out vapors of the 2010s getting in a car crash with the abstractions of Rammellzee. A headtrip for the headphones.