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1988 in Hamburg gegründet (und 1991 wieder aufgelöst), war die Kolossale Jugend neben OZSWMK und Cpt. Kirk eine der ersten maßgeblichen Bands, die der so genannten "Hamburger Schule" zugeordnet wurden. 1989 erschien beim Label L'age d'or die erste LP "Heile Heile Boches" und 1990 folgte das zweite Album "Leopard II". Die dritte LP des Boxsets enthält Raritäten (Sampler-Beiträge, Single-Versionen) und Aufnahmen eines bislang unveröffentlichten Live-Konzerts aus dem Forum Enger (22.9.1989). "Heile Heile Boches" erschien 1989, im Jahr des Mauerfalls. International gab es zwar Hip Hop, Crossover, Hardcore und Alternative-Punk; in Deutschland lediglich deren Simulation oder Imitation, und außer einem inzwischen längst redundanten, wenn auch unverwüstlichen Deutsch-Punk nur wenig, das in der Musik als Bollwerk gegen den neu aufkeimenden Nationalstolz hätte dienen können. Aber es gab die Kolossale Jugend. Seit jeher am reingrätschen, nerven, ständig sich austauschend, vorantreibend und völlig immun gegen Versuche der Politik, Wirtschaft und Volksgemeinschaft sie für die heraufbeschworene Pop Nation Deutschland zu vereinnahmen. Schicksalsjahre einer Kaiserin: die Wendezeit. Das zweite Album, 1990, wurde folgerichtig "Leopard II" betitelt. Mithin sind Musik und Text auch denkbar schlecht für eine groß angelegte Verwertung geeignet; sie passieren in einem irrwitzigen Tempo. Die Texte sind maßlos, schwer zu fassen und immer einen Schritt voraus. Scheinbar ohne Anfang und Ende prasseln und hämmern sie so gewaltig drauflos, wie die Band auf ihre Instrumente drischt. Wir hören, wie jemand denkt und seine Kollegen verschaffen ihm den musikalischen Nach- und Ausdruck, den das Denken in so intellektfeindlichen Zeiten damals wie heute verdient. Aber das hat mehr mit Rockmusik zu tun, als das eingangs erwähnte, auch wenn man damit glaubte, nah am Original zu sein, denn die Reduktion und die Leerstellen sind kolossal. Und doch stand die Kolossale Jugend - die Band, die vom Himmel fiel, weil sie aus keiner klar definierbaren Tradition kam - am Anfang von etwas Neuem. Als sie sich 1992 auflöste, konnten sich weitere Akteure in und außerhalb Hamburgs an neuen Referenzrahmen mit Überschriften wie "Halt's Maul Deutschland"* oder "What's so funny about L'Age Poly d'Or" ** orientieren. Pascal Fuhlbrügge gründete und verließ L'Age d'Or, machte danach Musik mit Erneuerbare Energien, Sand 11 oder 8, sowie für Theaterproduktionen. Heute entwickelt er neben der Musik eigene Theaterstücke und spielt sie auch. Christoph Leich war dann lange Schlagzeuger bei Die Sterne und ist heute in der Musikbranche im Bereich Logistik tätig. Klaus Meinhardt zeichnete das L'Age d'Or Logo, gestaltete die Jugend-Cover, war Gitarrist beim Heinz Krämer-Werner Hornig Sextett und arbeitet als Illustrator. Kristof Schreuf starb völlig überraschend am 9. November 2022, er war Bourgeois with Guitar, Autor, Sänger und Texter der Band Brüllen. Seine Texte u.a. für taz, Jungle World und die Süddeutsche Zeitung waren Ereignisse. Die vorliegende Wieder- und teilweise Neuveröffentlichung ist ihm gewidmet.

Österreichs Crossover-Legenden KONTRUST melden sich zurück!

Die österreichischen Crossover-Legenden KONTRUST melden sich nach neun langen Jahren endlich mit ihrem mit Spannung erwarteten, neuen Studioalbum zurück. madworld erscheint am 3. November 2023 via Napalm Records. Auf dem Nachfolger des 2014 veröffentlichten Explositive stellen KONTRUST die beiden Neuzugänge, Sängerin Julia Ivanova und Schlagzeuger Joey Sebald, zum ersten Mal auf Platte vor.

Beide präsentierten bereits 2022 ihr energiegeladenes Live-Potenzial auf den Hauptbühnen einiger der größten europäischen Festivals - wie dem Graspop Metal Meeting, Hellfest Open Air, Barcelona Rockfest oder Resurrection Fest. Sängerin Julia hat sich zudem bereits durch ihren Auftritt bei der ukrainischen TV-Show ”X-Factor” einen Namen gemacht und zeigt jetzt ihr beeindruckendes Talent auf den insgesamt 11 Tracks der neuen Scheibe.

KONTRUST gehören zweifelsohne zu den ausgefallensten und aufregendsten Acts der Szene. Die Band begeistert Fans und Kritiker gleichermaßen durch ein unnachahmliches Gespür, verschiedene Genres wie Reggae, Pop und Dance mit schweren Hardrock-Riffs zu fusionieren. Gepaart mit ihrer ganz eigenen Art, die Wurzeln ihrer Heimat klanglich und visuell zu repräsentieren, liefern KONTRUST ein einzigartiges aufregendes Gesamtpaket. Mit ihrem neuen Album madworld beweisen KONTRUST, dass sie voller Überraschungen stecken und bereit sind, alles bisher Erreichte zu toppen!

Die bayerische Provinz ist geplagt von Monotonie und Stammtischparolen_ Die ganze bayerische Provinz? Nein! Drei Typen leisten mit ihrer Mischung aus Punk Rock, Hardcore und Rock'n'Roll Widerstand gegen schlechte Unterhaltung, trockene Kehlen und Intoleranz. Dreistimmiger Gesang, knackige Gitarren, saftiger Bass und ein Drumgewitter, das Nasenbeine zerbersten lässt - Garniert mit einer Prise Wortwitz und Humor." Seit Beginn der Bandgeschichte ist genau das, der Pressetext, der die Band SENDESCHLUSS aus Neunburg vorm Wald beschreibt. Warum sollte man auch verändern, was seit nunmehr 9 Jahren den metaphorischen Nagel auf den Kopf trifft? Und so bleibt die Band, bestehend aus Tom, Kiki und Tim, diesen Worten auch auf ihrer vierten Veröffentlichung mehr als treu. Die sechs Tracks der neuen EP ,Bavarian Wasted Youth" decken vom melodischen Punkrocksong bis zum Hardcoreknaller mit Metalkante wieder alle Sparten ab, die den geneigten Rockfan zum kollektiven Kopfnicken bewegen und vor allem die Band selbst nach wie vor begeistern. Diesmal jedoch mit einem Unterschied. Alle enthaltenen Texte sind in bairischem Dialekt verfasst. Natürlich ist Mundartmusik, vor allem im Bairischen, mittlerweile nichts Neues mehr, da Künstler wie Hannes Ringlstetter, Karin Rabhansl, Claudia Koreck, Dicht & Ergreifend, Bbou, Liquid oder auch die Spider Murphy Gang längst auch überregional erfolgreich sind. Aber da der Punk- und Hardcoresektor bis auf ein paar Ausnahmen hier noch echten Nachholbedarf zu vermelden hat, hat sich das Neunburger Trio einen echten Herzenswunsch erfüllt, und ,Bavarian Wasted Youth" Leben eingehaucht. Und wie könnte man echte Emotionen besser überliefern als in der Sprache, die man seit Kindertagen spricht? Doch was hat es mit diesem Titel eigentlich auf sich? Wörtlich übersetzt geht es ja um die "Bayerische verschwendete Jugend", was im ersten Moment vielleicht unpassend wirken mag, da es keineswegs darum geht, irgendwelche Jugendsünden zu bereuen, oder die Sinnlosigkeit des Lebens als junger Mensch im bairischen Raum zu beklagen. Eher soll sich von den konservativen Wertevorstellungen "der Alten" abgegrenzt und eine tolerantere Weltanschauung und ein alternativer Lebensstil zum Ausdruck gebracht werden, wobei aber auf ein gewisses Maß an "Bavarian Living" nicht verzichtet werden muss. Frischer Wind für alte Gepflogenheiten sozusagen. Wo also so mancher Stammtischbruder um die Betonpfeiler seiner heilen Welt Tränen vergießen wird und "den Jungen" mangels fehlenden Verständnisses verschwendete Lebenszeit vorwirft, da wird umso deutlicher, dass "Bavarian Wasted Youth" etwas freier übersetzt doch passt, wie die metaphorische Faust aufs Auge. "Bavarian Wasted Youth" wagt gekonnt den Schuhplattler auf dem Vulkan! Bayerisch, subkulturell, rebellisch, echt! 6 Track 12inch , 180 gr. blau-weiss marmoriert mit 16-seitigem Booklet

Für LORNA SHORE war 2020 nichts weniger als eine Abrechnung - in einer Karriere, die auf Herausforderungen, Veränderungen und einer zielstrebigen Vision aufgebaut war. Für das Quintett aus New Jersey bedeutete 2020 die Pandemie und abgesagte Tourneen. Das darauffolgende Jahr stellte die Band vor eine große kreative Herausforderung in Form des Songs 'To the Hellfire' von ihrer vielbeachteten '...And I Return to Nothingness'-EP. Und doch haben sie mit 'Pain Remains' ihr klangliches Niveau gesteigert, ein Album, das nicht nur alles zusammenfügt, was LORNA SHORE angedeutet haben, sondern es auch übertrifft - brutal und großartig. 'Es fühlt sich an wie eine Wiedergeburt von allem für uns - von der Energie, der Band, der Moral', sagt Schlagzeuger Austin Archey. 'Pain Remains' ist der Sound einer Band, die ihren Klang und ihre Identität verfeinert hat. Von den eröffnenden Chorgesängen und der Orchestrierung (komponiert von Gitarrist Andrew O'Connor) von 'Welcome Back, O' Sleeping Dreamer' direkt in das Labyrinth aus musikalischen Wendungen, technischen Details und rohen Emotionen im Kern von Tracks wie 'Sun Eater' oder 'Soulless Existence' und gipfelnd in der 'Pain Remains'-Trilogie, haben LORNA SHORE ein ausuferndes Dokument aus Ehrgeiz, Seele und Können gewoben, das nur Wenige erreichen können. Es ist auch der Sound von LORNA SHORE, der aus jeder Art von Kategorisierung ausbricht und sich selbst als eine großartige Extrem-Metal-Band etabliert. Mit 'Pain Remains' sind LORNA SHORE wirklich angekommen. 'Das war schon seit Jahren die Idee und die Vision für die Band', sagt Adam. 'Wir wollten uns nie einschränken lassen oder die Erwartungen von irgendjemandem erfüllen, was wir zu sein haben.

Black Grape, eine Band, die nur in Manchester entstehen konnte, melden sich mit dem brandneuen Album ORANGE HEAD zurück. Shaun Ryder (Happy Mondays) hat sich vom wilden jungen Rabauken zu einem britischen Nationalschatz entwickelt. Ihm zur Seite steht Rapper Paul Leveridge aka Kermit. Black Grape gelten als eine der innovativsten und kultigsten Bands der letzten 25 Jahre. Sie hatten vier Top-10-Singles, ihr Debütalbum 'It's Great When You're Straight… Yeah' schoss 1995 direkt auf #1 der UK Charts und wurde mit Platin ausgezeichnet. Der Nachfolger 'Stupid Stupid Stupid' erreichte 1997 Gold. Black Grape waren schon immer ein düsteres, kosmisches musikalisches Puzzle, das Rock, Hip-Hop, Acid House, psychedelischen Pop und Reggae mit Ryders Gossenpoesie vermischte, vorgetragen in seinem unnachahmlich-hysterischen Stil.

Es ist ein Jahrzehnt her, dass wir das letzte Mal von Marnie Stern gehört haben, aber wenn ihre Gitarre auf „The Comeback Kid“, dem Nachfolger von „The Chronicles of Marnia“ (2013), wie ein Sternenstaubregen hereinbricht, ist es, als wäre keine Zeit vergangen. Aber dies ist kein Nostalgietrip. „The Comeback Kid“ ist ein Statement der Absicht. "I can't keep on moving backwards", wiederholt Stern im hymnischen Eröffnungstrack "Plain Speak", während ihre Finger wütend auf das Griffbrett klopfen und der Song wie eine Rakete mit Warp-Geschwindigkeit vorwärts schießt. Stern verlässt auf „The Comeback Kid“ immer wieder ihre gewohnte Umgebung, ohne sich auf die Klopftechnik zu verlassen, die ihr eintausend Eddie Van Halen-Vergleiche einbrachte. "Til It's Over" ist ein so geradliniger "Alternative Rock"-Song, wie Stern ihn je gemacht hat, und es gibt eine Coverversion von Ennio Morricones "Il Girotondo Della Note". „Es war so toll, wieder ich selbst sein zu können, und wenn ich dachte: "Oh, ist das zu schräg? Dann erinnerte ich mich daran, dass ich tun darf, was ich will! Das ist meins. Das bin ich", sagt Stern über das Schreiben von Songs für „The Comeback Kid“. "Ich versuche, mich gegen diesen Schwachsinn zu wehren, der besagt, dass man, wenn man älter wird, seinen Sinn für guten Geschmack verliert. Ich möchte den Leuten Mut machen, nicht so homogen zu sein und ein bisschen gegen den Strom zu schwimmen. Die Freude an der eigenen Individualität ist die Botschaft von „The Comeback Kid“, ebenso wie die Erkenntnis, dass Musik zu machen, die wirklich widerspiegelt, wer man in all seiner Helligkeit und Schrägheit ist, möglicherweise der Schlüssel zum Glück ist. Bei dieser Platte geht es darum, sich selbst zu versichern, dass es beim Glück nicht darum geht, was für Dinge man hat oder wie viele Dinge man hat oder was man nicht hat - es geht um all die guten Dinge, die man tut", sagt Stern.

Es ist ein Jahrzehnt her, dass wir das letzte Mal von Marnie Stern gehört haben, aber wenn ihre Gitarre auf „The Comeback Kid“, dem Nachfolger von „The Chronicles of Marnia“ (2013), wie ein Sternenstaubregen hereinbricht, ist es, als wäre keine Zeit vergangen. Aber dies ist kein Nostalgietrip. „The Comeback Kid“ ist ein Statement der Absicht. "I can't keep on moving backwards", wiederholt Stern im hymnischen Eröffnungstrack "Plain Speak", während ihre Finger wütend auf das Griffbrett klopfen und der Song wie eine Rakete mit Warp-Geschwindigkeit vorwärts schießt. Stern verlässt auf „The Comeback Kid“ immer wieder ihre gewohnte Umgebung, ohne sich auf die Klopftechnik zu verlassen, die ihr eintausend Eddie Van Halen-Vergleiche einbrachte. "Til It's Over" ist ein so geradliniger "Alternative Rock"-Song, wie Stern ihn je gemacht hat, und es gibt eine Coverversion von Ennio Morricones "Il Girotondo Della Note". „Es war so toll, wieder ich selbst sein zu können, und wenn ich dachte: "Oh, ist das zu schräg? Dann erinnerte ich mich daran, dass ich tun darf, was ich will! Das ist meins. Das bin ich", sagt Stern über das Schreiben von Songs für „The Comeback Kid“. "Ich versuche, mich gegen diesen Schwachsinn zu wehren, der besagt, dass man, wenn man älter wird, seinen Sinn für guten Geschmack verliert. Ich möchte den Leuten Mut machen, nicht so homogen zu sein und ein bisschen gegen den Strom zu schwimmen. Die Freude an der eigenen Individualität ist die Botschaft von „The Comeback Kid“, ebenso wie die Erkenntnis, dass Musik zu machen, die wirklich widerspiegelt, wer man in all seiner Helligkeit und Schrägheit ist, möglicherweise der Schlüssel zum Glück ist. Bei dieser Platte geht es darum, sich selbst zu versichern, dass es beim Glück nicht darum geht, was für Dinge man hat oder wie viele Dinge man hat oder was man nicht hat - es geht um all die guten Dinge, die man tut", sagt Stern.

Wenn man vier US-Top-Ten-Alben (darunter zwei Nummer-Eins-Alben) veröffentlicht hat, die allesamt mit Gold- und Platin-Award ausgezeichnet wurden, dann kann man sich einen derartigen Move wohl erlauben: nur wenige Tage Vorbereitungszeit ließ US-Superstar Future seinen Fans und Fachpublikum, um sich auf den Release seines fünften Albums "FUTURE" einzustimmen. "FUTURE" ist der Follow-Up zu "EVOL" udn brachte die Hitsingle "Mask Off" hervor, die in Deutschland mit GOLD ausgezeichnet wurde und über 40 Millionen mal gestreamt wurde.

Es fühlt sich gut an, an meinem 50. Geburtstag und nach 30 Jahren des Songwritings,
diese "Phone Orphans" ans Licht zu bringen. Diese Lieder haben sich auf meinem Handy
versteckt, einige von ihnen seit über acht Jahren. Sie handeln von meiner Familie, meinen
Liebhabern und mir. Ich habe sie alleine in meinem Wohnzimmer in meine
Sprachmemo-App aufgenommen. Mir gefällt ihre entspannte Atmosphäre. Diese Lieder
wurden gemastert, aber wir haben keine Bearbeitungen an den Aufnahmen
vorgenommen. Ich hoffe, Sie genießen diesen intimen Einblick in meinen künstlerischen
Prozess. Alle Lieder stammen von mir, außer "Up is a Nice Place to Be" von Rosalie
Sorrels und "The Archers", bei denen die Texte aus einem Gedicht von Federico García
Lorca adaptiert wurden

In der Musik einer der einflussreichsten Bands von Lomé kommt eine große Vielfalt von Einflüssen zum Ausdruck: Togo All Stars. Die Gruppe fügt ihrer Musik ein weiteres sehr originelles Element
hinzu: den togolesischen Sound, der in Voodoo-Rhythmen und Afrofunk verwurzelt ist.

Spirits", das neue Album der Togo All Stars, ist dem spirituellen Erwachen der Welt und insbesondere des afrikanischen Kontinents in diesen unruigen Zeiten, die wir derzeit erleben, gewidmet. Jeder
muss aufwachen, seinen Beitrag leisten und seine Rolle spielen, das ist die Botschaft. Dabei kommt dem Künstler eine besondere Rolle zu.
Seit ihrem Debüt im Jahr 2018 hat die Band nie aufgehöt, sich
eiterzuentwickeln und ständig an ihrem Handwerk zu feilen. Der kreative Kopf Energy Federator (Ekue Leopold Messan) hat für das
neue Album Musiker aus dem Ausland rekrutiert, was zu einer erfrischenden Mischung aus Stilen, Techniken und Ansätzen beiträgt.
Der Einfluss der westafrikanischen Religion auf die moderne Musik sollte nicht unterschätzt werden, und doch geschieht dies ständig. Eigentlich ist die Verbindung von Voodoo und Funk eine sehr
logische, wenn man bedenkt, dass Voodoo mit dem Sklavenhandel nach Amerika gebracht wurde.

In der "Neuen Welt" wurde er von den Plantagenbesitzern verboten, die Angst vor der Spiritualität und dem Rhythmus der Trommeln hatten. So kam Voodoo unverdientermaßen zu seinem schlechten Ruf.
Aber er überlebte im Untergrund, in der Musik selbst. Die Gesänge und Beats haben sich in das eingebettet, was wir heute Jazz, Salsa, Blues und Funk nennen. Wenn Sie die ursprünglichen Rhythmen der funkigsten Götter der Welt hören wollen, müssen Sie die Landkarte zücken und nach Togo reisen. Oder Sie gehen hin und sehen und hören den Togo All Stars zu, die diese musikalische Tradition wie keine anderen ehren und am Leben erhalten, auch jetzt - vor allem jetzt.

Die neun epischen Werke auf THRONEHAMMERs "Kingslayer" überraschen mit dem bisher vielseitigsten Material der Band, mit mehr Wucht als je zuvor, mit großen Riffs die sich in jedem Stück bis zur Gänze entfalten.
Unverhohlener Doom-Metal-Ethos trifft auf Zerstörung und ungestüme Verwüstung, Reminiszenzen an Paradise Lost, Bathory, Slayer, Katatonia, Bolt Thrower, Amorphis, Candlemass, Celtic Frost bis hin zu Spuren von Post-Rock. Alles das entdeckt man auf dem erdrückend-epischen "Kingslayer" und dennoch ist jeder Track eindeutig ein THRONEHAMMER-Track.
Das Doom-Kommando um die Sängerin Kat entwickelt sich deutlich weiter und kann den Vorgänger "Incantation Rites" noch toppen. Die epischen Texte tun ihr Übriges, auch die Vocals sind noch eine Stufe vielseitiger als bisher. Als Gast stößt beim Song ""Sacrosanct Grounds"" Daniel Kaufman (ex Mindrot, ex Dystopia, ex Eyes of Fire, Destroy Judas) an den Vocals hinzu.
Ein wuchtiger Sound der keine Fragen offen lässt trägt seinen Teil dazu bei. Gemastert wurde das Album von Patrick Engel / Temple Of Disharmony (Asphyx, Candlemass, Darkthrone,Tiamat, Dissection, Trouble, Slayer).
May the Kingslayer cometh!"

Transparent rotes Vinyl. Weihnachtslieder gibt es viele. Die meisten sind weichgespült und kitschig und verfolgen die geplagten Eltern häufig noch als unangenehmer Ohrwurm, wenn Lametta und Kugel längst wieder im Keller verstaut sind. Und wer sagt eigentlich, dass Kinder auf seichtes Gedudel stehen? Niemand! Und genau deshalb ist es gut, dass es die Band "Randale" gibt. Die vier Musiker Jochen Vahle, Christian Keller, Garrelt Riepelmeier und Marc Jürgen machen Rockmusik für Kinder. Manchmal laut und krachig, manchmal nachdenklich und leise, aber mit einem Augenzwinkern und viel Witz. Jetzt legen die Bielefelder mit ihrer wiederveröffentlichten CD ein ganz spezielles Weihnachts- Album vor: 10 Songs, die in bewährter Randale-Manier auf die besondere Zeit einstimmen. Und das heißt: Als Country-, Reggae-, Rock- oder Punkversion. 6 Titel stammen von der original CD von 2006. "Harald und Peter feiern Weihnachten" sowie "Jeder kann helfen" sind brandneu. "Der Kuckuck und der Esel" streiten nicht über die schönste Stimme, sondern über den schönsten Baum. Und die "Affendisco" verwandelt sich in die "Weihnachtsdisco". Die Fangruppe wächst und wächst. Fazit: Dieses Album gehört nicht unter den Baum. Es sollte spätestens zu Nikolaus in der Tüte beziehungsweise im Strumpf stecken! Und was wünscht sich die Band? "Dass die CD zusammen mit dem Christbaumschmuck sicher verstaut wird und damit auch in den nächsten Jahren zum festen Bestandteil des Festes wird!"

GER Das Londoner Duo Jockstrap, bestehend aus Georgia Ellery und Taylor Skye, kündigt heute mit "I<3UQTINVU" eine komplett neu abgemischte Version ihres für den Mercury Prize nominierten Albums "I Love You Jennifer B" aus dem Jahr 2022 an. Produziert wurde es von Taylor Skye selbst. "I<3UQTINVU", eine Abkürzung für I Love You Cutie, I Envy You, wird am 3. November über Rough Trade Records veröffentlicht. Der erste neue Track "Red Eye" (feat. IAN STARR) ist ab sofort erhältlich. "I<3UQTINVU" wird auf schwarzem Standard-Vinyl und in limitierter Auflage auf rotem Vinyl erhältlich sein, mit einem nach Parfüm duftenden Inlay. Das Remix-Album basiert auf der Idee von Skye, der mehrere Versionen des Original-Tracklistings des Albums gemacht hatte, um sich während des Schreibens von "I Love You Jennifer B." inspirieren zu lassen. Die Gastbeiträge auf dem Remix-Album reichen von Ersatz, den beiden britischen Musikern, die Skye vor vielen Jahren zum Musikmachen inspiriert haben, bis hin zu IAN STARR, mit dem er sich erst vor ein paar Monaten via Zoom getroffen hat.

Das Londoner Duo Jockstrap, bestehend aus Georgia Ellery und Taylor Skye, kündigt heute mit "I<3UQTINVU" eine komplett neu abgemischte Version ihres für den Mercury Prize nominierten Albums "I Love You Jennifer B" aus dem Jahr 2022 an. Produziert wurde es von Taylor Skye selbst. "I<3UQTINVU", eine Abkürzung für I Love You Cutie, I Envy You, wird am 3. November über Rough Trade Records veröffentlicht. Der erste neue Track "Red Eye" (feat. IAN STARR) ist ab sofort erhältlich. "I<3UQTINVU" wird auf schwarzem Standard-Vinyl und in limitierter Auflage auf rotem Vinyl erhältlich sein, mit einem nach Parfüm duftenden Inlay. Das Remix-Album basiert auf der Idee von Skye, der mehrere Versionen des Original-Tracklistings des Albums gemacht hatte, um sich während des Schreibens von "I Love You Jennifer B." inspirieren zu lassen. Die Gastbeiträge auf dem Remix-Album reichen von Ersatz, den beiden britischen Musikern, die Skye vor vielen Jahren zum Musikmachen inspiriert haben, bis hin zu IAN STARR, mit dem er sich erst vor ein paar Monaten via Zoom getroffen hat.

Das "Rock-Album" der Mountain Goats enthält 13 formidable Songs, die an so interessanten und unterschiedlichen Plätzen wie Fairbanks, Stockholm, Seattle, San Francisco oder Durham geschrieben wurden. Diese Vielfalt der Ortschaften spiegelt sich auch in der fesselnden Andersartigkeit der Songs wieder. John Darnielle fasziniert erneut mit intensiven Texten, die z.B. von Krimi-Autoren, dem letzten Sex mit der Freundin, einem See-Monster, Splatter-Filmen und vielen anderen Kuriositäten handeln. "Heretic Pride" entstand in Zusammenarbeit mit vielen guten alten Freunden von John, zu denen sich diesmal aber auch einige neue gesellten. Schon beinahe als feste Bandmitglieder fungieren Peter Hughes am Bass, John Wurster an den Drums, Franklin Bruno am Klavier und Erik Friedlander am Cello. Zudem steuerte St. Vincents Annie Clark einige bezaubernde Gitarrenchords und Backing Vocals bei.

,Wir sind die schönsten Jungs aus der Messestadt, ficken oder was, boxen oder was!?" Eine grobkörnige Schrotladung made in Leipzig: Die RIOT DOGS fabrizieren auf ihrem Debüt-Vinyl mißmutige Strassenklänge zwischen TROOPERS, SCHLEIMKEIM, TELEKOMA und BRECHRAIZ. Heavy Gitarrenriffs, heisere Aggro-Vocals (alles Atze !?) gepaart mit dem Underground-Feeling der ,Sicher gibt es bessere Zeiten, doch diese war die unsere"-Sampler. 12 deutschsprachige Oi!/Punk-Backpfeifen, inklusive einer aufgepeppten Version von ,Mein Garten" (SK). Hätte Otze sicher gefallen. Auch von den Aussagen her: Rabiate Klartexte über ,Dummer Bulle", ,Unsocial Media" oder ,Outlaw Punk Rock". ,Harte Worte und das alte Rein-Raus-Spiel". Ober-Motto ,Szenekonformität" wird nicht gesucht". Und auch nicht gefunden. Die Band existiert, mit Unterbrechungen und Umbesetzungen, bereits seit 2011, die angepisste Unfreundlichkeit ist ihr erster Streich. Erco recycled vinyl!

LOVE + POP is a snapshot of a moment in not-so-far-away time; something fast, loud, moody and a little dangerous. It is, in some ways, classic Current Joys: full of wild ambition, sneaky hooks, and songs that move from concept to completion with prolific speed. But LOVE + POP also explodes myriad expectations with aggressive, deconstructed production, house music influence, and a guest appearance from Lil Yachty. It is not so much a twist as it is a unique multiverse identity for Current Joys, as Nick Rattigan's set out to "capture this sonic moment and harken back to the way I first released music." The story of LOVE + POP begins with one of those house parties: the kind that bulldozes your home and, in its aftermath, leaves a wreckage that finds you flattened but also ready to be new. In that mess and mayhem, Rattigan watched Everybody's Everything, the documentary of Lil Peep, and recorded a cover of "walk away as the door slams". But the itch wasn't scratched, and what began as a moment of homage morphed into something bigger, deeper and more fundamental, a point where the seemingly haphazard - in his home, in Peep's process - opened Rattigan up to an entire creative space and a new approach to bending or even detonating genre. Crucially, all of this was recorded at home, in what Rattigan calls a "tribute to the process of creating" in a DIY space. And what began as a singular passion project unexpectedly grew into a uniquely collaborative record for Current Joys. "I've set out to make collaborative records before," Rattigan explains, "but they often end up totally me, with just a couple exceptions. But then this record gave me the opportunity to be extremely collaborative, to let other people write instrumental tracks, sending links around for people to mess with and weigh in on. I sat down to do credits and realized here were all these people and styles and they all came together and worked." LOVE + POP's cover art is an airbrush/spraypaint rendition of the Wild Heart album cover, which is itself a photo of Rattigan's grandparents kissing. It is sacred in some ways and shredded in others. This idea - the aggressive reimagining of something timeless into a present, finite style - is LOVE + POP.

LOVE + POP is a snapshot of a moment in not-so-far-away time; something fast, loud, moody and a little dangerous. It is, in some ways, classic Current Joys: full of wild ambition, sneaky hooks, and songs that move from concept to completion with prolific speed. But LOVE + POP also explodes myriad expectations with aggressive, deconstructed production, house music influence, and a guest appearance from Lil Yachty. It is not so much a twist as it is a unique multiverse identity for Current Joys, as Nick Rattigan's set out to "capture this sonic moment and harken back to the way I first released music." The story of LOVE + POP begins with one of those house parties: the kind that bulldozes your home and, in its aftermath, leaves a wreckage that finds you flattened but also ready to be new. In that mess and mayhem, Rattigan watched Everybody's Everything, the documentary of Lil Peep, and recorded a cover of "walk away as the door slams". But the itch wasn't scratched, and what began as a moment of homage morphed into something bigger, deeper and more fundamental, a point where the seemingly haphazard - in his home, in Peep's process - opened Rattigan up to an entire creative space and a new approach to bending or even detonating genre. Crucially, all of this was recorded at home, in what Rattigan calls a "tribute to the process of creating" in a DIY space. And what began as a singular passion project unexpectedly grew into a uniquely collaborative record for Current Joys. "I've set out to make collaborative records before," Rattigan explains, "but they often end up totally me, with just a couple exceptions. But then this record gave me the opportunity to be extremely collaborative, to let other people write instrumental tracks, sending links around for people to mess with and weigh in on. I sat down to do credits and realized here were all these people and styles and they all came together and worked." LOVE + POP's cover art is an airbrush/spraypaint rendition of the Wild Heart album cover, which is itself a photo of Rattigan's grandparents kissing. It is sacred in some ways and shredded in others. This idea - the aggressive reimagining of something timeless into a present, finite style - is LOVE + POP.

LOVE + POP is a snapshot of a moment in not-so-far-away time; something fast, loud, moody and a little dangerous. It is, in some ways, classic Current Joys: full of wild ambition, sneaky hooks, and songs that move from concept to completion with prolific speed. But LOVE + POP also explodes myriad expectations with aggressive, deconstructed production, house music influence, and a guest appearance from Lil Yachty. It is not so much a twist as it is a unique multiverse identity for Current Joys, as Nick Rattigan's set out to "capture this sonic moment and harken back to the way I first released music." The story of LOVE + POP begins with one of those house parties: the kind that bulldozes your home and, in its aftermath, leaves a wreckage that finds you flattened but also ready to be new. In that mess and mayhem, Rattigan watched Everybody's Everything, the documentary of Lil Peep, and recorded a cover of "walk away as the door slams". But the itch wasn't scratched, and what began as a moment of homage morphed into something bigger, deeper and more fundamental, a point where the seemingly haphazard - in his home, in Peep's process - opened Rattigan up to an entire creative space and a new approach to bending or even detonating genre. Crucially, all of this was recorded at home, in what Rattigan calls a "tribute to the process of creating" in a DIY space. And what began as a singular passion project unexpectedly grew into a uniquely collaborative record for Current Joys. "I've set out to make collaborative records before," Rattigan explains, "but they often end up totally me, with just a couple exceptions. But then this record gave me the opportunity to be extremely collaborative, to let other people write instrumental tracks, sending links around for people to mess with and weigh in on. I sat down to do credits and realized here were all these people and styles and they all came together and worked." LOVE + POP's cover art is an airbrush/spraypaint rendition of the Wild Heart album cover, which is itself a photo of Rattigan's grandparents kissing. It is sacred in some ways and shredded in others. This idea - the aggressive reimagining of something timeless into a present, finite style - is LOVE + POP.

Tkay Maidza, die erste Rapperin, die bei 4AD unter Vertrag steht, veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes neues Album "Sweet Justice". Der Nachfolger ihres selbstbetitelten Debüts aus dem Jahr 2016 enthält Produktionen von Flume und Kaytranada. Es ist ein flirrendes und zeitgeistiges Kaleidoskop des aktuellen Pops einer Künstlerin, die nach den Sternen greift, um selber einer zu werden. Das zweite Album der in Los Angeles lebenden, in Simbabwe geborenen und in Australien aufgewachsenen Tkay Maidza, ist strahlend, gefühlvoll und verführerisch und zeigt alle Facetten der unbändigen Tkay: ihren beißenden Witz und ihre Ansteckungskraft, ihren unerschütterlichen Glauben an sich selbst und ihre Weigerung, Kompromisse einzugehen. Maidza wechselt zwischen den Stilen und überwindet so mühelos Genregrenzen - Musik ohne Zwänge, Regeln und Vorgaben