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Wie eine Rauchwolke haben sich Stoned Jesus über die Karpaten erhoben und sind nicht nur die härteste, sondern vielleicht auch die wichtigste Rockband, die aus der Ukraine hervorgegangen ist.

Vor der Erstkommunion von Stoned Jesus war der sympathische Frontmann Igor Sydorenko nur ein weiteres bekanntes Gesicht unter den lokalen Progressive-Rockern. Doch nachdem er inmitten einer stürmischen Zeit in seinem Privatleben seine alte Flamme für den Metal wieder entfacht hatte, begaben sich Igor und seine beiden neuen Bandkollegen auf die Suche nach neuen, erdrückenden Höhepunkten.

Obwohl es erst ihr zweites Album ist, stellt Seven Thunders Roar einen frühen Meilenstein für Stoned Jesus dar. Die Riffs rollen immer noch mit der schlammigen Kraft einer Schlammlawine bergab, aber die Band hat knackige Akustikgitarren hinzugefügt, um ihre neu gefundene innere Stärke zu reflektieren.

Wie eine Rauchwolke haben sich Stoned Jesus über die Karpaten erhoben und sind nicht nur die härteste, sondern vielleicht auch die wichtigste Rockband, die aus der Ukraine hervorgegangen ist.

Vor der Erstkommunion von Stoned Jesus war der sympathische Frontmann Igor Sydorenko nur ein weiteres bekanntes Gesicht unter den lokalen Progressive-Rockern. Aber nachdem er seine alte Flamme für den Metal inmitten einer stürmischen Zeit in seinem Privatleben wieder entfacht hatte, machten sich Igor und seine zwei neuen Bandkollegen auf die Suche nach weiteren krachenden Höhepunkten.

Als es 2014 zum ersten Mal erschien, waren selbst Stoned Jesus von The Harvest überrascht. Nachdem die Band nach nur zwei Alben bereits den Gipfel des Stoner Metal erreicht hatte, wollte sie sich auf ihre progressiven Rockwurzeln besinnen. Mit seinen synthielastigen Passagen und dem verwobenen Gitarrensolo sät "Silkworm Confessions'' definitiv diese Saat aus. Aber während es sich stark an die Sci-Fi-Erzählung des Albums anlehnt, kommt "Here Come the Robots" mit einem so aggressiven, eingängigen Riff aus dem Tor gestürmt, dass es vom Alt-Rock-Radio programmiert worden sein könnte.

Wie eine Rauchwolke haben sich Stoned Jesus über die Karpaten erhoben und sind nicht nur die härteste, sondern vielleicht auch die wichtigste Rockband, die aus der Ukraine hervorgegangen ist.

Vor der Erstkommunion von Stoned Jesus war der sympathische Frontmann Igor Sydorenko nur ein weiteres bekanntes Gesicht unter den lokalen Progressive-Rockern. Aber nachdem er seine alte Flamme für den Metal inmitten einer stürmischen Zeit in seinem Privatleben wieder entfacht hatte, machten sich Igor und seine zwei neuen Bandkollegen auf die Suche nach weiteren krachenden Höhepunkten.

Als es 2014 zum ersten Mal erschien, waren selbst Stoned Jesus von The Harvest überrascht. Nachdem die Band nach nur zwei Alben bereits den Gipfel des Stoner Metal erreicht hatte, wollte sie sich auf ihre progressiven Rockwurzeln besinnen. Mit seinen synthielastigen Passagen und dem verwobenen Gitarrensolo sät "Silkworm Confessions'' definitiv diese Saat aus. Aber während es sich stark an die Sci-Fi-Erzählung des Albums anlehnt, kommt "Here Come the Robots" mit einem so aggressiven, eingängigen Riff aus dem Tor gestürmt, dass es vom Alt-Rock-Radio programmiert worden sein könnte.

Doppel-LP auf rotem Vinyl, limitiert auf 2000 Stück. Das lange vergriffene Debütalbum der beliebten Indie-Rock-Band Velocity Girl aus dem Jahr 1993 ist wieder erhältlich, mit einem neuen, von der Band genehmigten Mix und einem kompletten Album mit Bonustracks, das Singles, Outtakes und die Peel Session der Band von 1993 enthält. Velocity Girl gründeten sich etwa 1989 an der Universität von Maryland außerhalb von Washington DC und setzten sich kurz darauf aus Gitarrist Archie Moore (Black Tambourine), Gitarrist Brian Nelson (Black Tambourine), Schlagzeuger Jim Spellman (Starry Eyes, Foxhall Stacks, High Back Chairs, Julie Ocean, Piper Club), Bassist Kelly Riles (Starry Eyes) und Sängerin Sarah Shannon (Starry Eyes, The Not Its) zusammen. Die Band kombinierte englisch inspirierten lärmenden Shoegaze-Fuzz mit rauem US-Indie-Rock und klassischem 60er-Jahre-Pop-Songwriting. Eine Killer-Single auf Slumberland und pausenloses Touren erregten die Aufmerksamkeit der damaligen Indie-Rock-Kenner, und nach einem hitzigen Werben, das sowohl Abendessen als auch Nachtisch beinhaltete, unterzeichneten Velocity Girl in Hoboken, New Jersey einen Vertrag auf einer Motorhaube, und machten Sub Pop zu ihrer Heimat. 1992 begann die Band mit der Arbeit an ihrem Debütalbum "Copacetic" in den Easley Studios in Memphis - einst Heimat der Bar-Kays und anderer klassischer Soul-Bands - unter der Leitung von Bob Weston (Volcano Suns, Shellac), und mischte das Album anschließend mit Weston in Chicago. Obwohl das Album starke Songs enthielt - Popsongs wie "Audrey's Eyes", "Pop Loser" und "Living Well" neben ehrgeizigen Erkundungen wie "Pretty Sister" und "Here Comes" - hatte die Band wenig Erfahrung mit der Produktion und es fehlte ihr an den Fähigkeiten, im Studio "das Boot zu steuern". Infolgedessen war das Album eine eher schlichte Angelegenheit, der es an der Üppigkeit der früheren Aufnahmen mangelte. In den Ohren der Band war das ein Schock, und sie merkten bald, dass dies nicht die Platte war, die sie zu machen hofften. Bob Weston hatte genau das getan, was von ihm verlangt wurde, und die Klänge eingefangen, aber die Band hatte nicht ihren Teil dazu beigetragen, eine klare Vision zu formulieren. Aber die Zeit der Band im Studio war vorbei, und Polvo war gerade aufgetaucht, um an ihrem Album zu arbeiten, also machten sich Velocity Girl auf, um das Video zu Audrey's Eyes" zu drehen. "Copacetic" kam 1993 auf den Markt und die Leute schienen es zu mögen, aber innerhalb der Band gab es ein Gefühl der Enttäuschung bis zu dem Punkt, an dem die meisten Mitglieder es nicht mehr ertragen konnten, die Platte zu hören. Seitdem hat die Band viel über Aufnahmen gelernt, und Archie Moore eine Karriere als Tontechniker eingeschlagen, so dass die Band schließlich beschloss, sich mit "Copacetic" nochmal auseinanderzusetzen. Nach umfangreichen Ausgrabungen tauchten die 2"-Bandspulen im Haus der Mutter von Jims Ex-Frau auf, und im Frühjahr 2023 begann Archie mit der Arbeit an einem Remix. Song für Song entstanden die neuen Abmischungen genau so, wie die Band sie sich vorgestellt hatte. Der erhabene Gesang von Sarah (die am College Oper studiert hat), die klingende Leadgitarre, die saftigen, verwaschenen Rhythmusgitarren und das klare, stampfende Schlagzeug. Die Popsongs sind viel poppiger. Der Klang ist kraftvoller, und die Platte ist ein zusammenhängendes Werk, das von Song zu Song fließt. Der Ansatz war nicht, ein Album zu machen, das nach 2024 klingt, sondern sich auf das Jahr 1992 zurückzubesinnen und das Album zu machen, das die Band damals hätte machen sollen. Das Ergebnis, "UltraCopacetic (Copacetic Remixed and Expanded)", ist eine spannende alternative Geschichte von "Copacetic". Und während sie dabei waren, hat die Band den Rest ihres Studiomaterials aus dieser Zeit ausgegraben und aufgefrischt: "Ultracopacetic" enthält "Warm/Crawl" von der Velocity Girl/Tsunami Split 7", ,Creepy' von der Crazy Town 7", "Stupid Thing" von der Audrey's Eyes 7" und die unveröffentlichte Albumauskopplung ,Even Die'. Abgerundet wird das Ganze durch die komplette John-Peel-Session der Band aus dem Jahr 1993 mit fünf Liedern, darunter zwei Tracks, die seit der ursprünglichen Sendung nicht mehr zu hören waren. "UltraCopacetic" ist wirklich die definitive Version von Velocity Girls erstem Album.

Diese leicht verrückten Italiener kannten keine Berührungsängste! Für Fans von gut gespieltem, originellem Thrash Metal ist „Neurodeliri“ von 1988
ein Muss. 1988 schien der richtige Zeitpunkt für die Welt gekommen zu sein, Bulldozer endlich so zu sehen, wie sie es verdienten, nämlich nicht mehr
als Venom-Tribute-Band, sondern als eine wirklich eigenwillige Band mit einer ganz eigenen Musikrichtung. Im Lichte dieser Überlegungen markierte
„IX“ definitiv eine 180-Grad-Wende von der Vergangenheit, mehr als in musikalischer Hinsicht. Es war endlich der Moment für die Mailänder Crew,
auf ihrer Popularitätswelle zu reiten, vielleicht erwarteten die Bandmitglieder, dass es das beste Jahr für die bisherige Karriere der Band werden
würde. Doch dann, im April, beging der Mitbegründer und ehemalige Bassist Dario Carria Selbstmord und machte alles kompliziert. AC Wild und vor
allem Andy Panigada waren wie die Fans fassungslos und zutiefst erschüttert. Dennoch gelang es ihnen, alle Emotionen dieser Tragödie in das
Songwriting für den Nachfolger ihres Durchbruchsalbums „IX“ zu kanalisieren, das übrigens ihr letztes Album nach ihrer Auflösung im Guten im Jahr
1990 sein sollte.

Siamese entwickeln sich zum Aushängeschild der dänischen Musikszene. Inspiriert von Bands wie Architects und Bad Omens, navigiert die Band mit Finesse durch die zeitgenössische Heavy-Musiklandschaft.

Auf ihrem kommenden Album "ELEMENTS" begeben sich Siamese auf eine Reise der Erkundung und Weiterentwicklung. Mit Songs, die bereits auf Serious XM Octane und Kerrang! Radio rotieren, präsentiert "ELEMENTS" nicht nur einen härteren Sound, sondern feiert auch das 10-jährige Bestehen der Formation. Nach emeinsamen Touren mit Schwergewichten wie Korn, Corey Taylor, Nothing More und Beartooth, ist klar, dass Siamese Reise noch lange nicht zu Ende ist. Wieso sollte man sich auch bremsen, wenn man dem Ende ins Auge geblickt hat und als Sieger
hervorgegangen ist?

In den letzten 15 Jahren hat sich Ryan Gustafson von THE DEAD TONGUES zu einer der markantesten Stimmen des modernen Folk entwickelt. So eigenwillig und gespenstisch seine Songs manchmal auch sind, Gustafson hat seine Visionen und Verse immer mit der Art von Hooks verknüpft, die man wie Talismane aufbewahrt und im Notfall hervorholt. "Dust", "Unsung Passage", "Desert": Die Alben von THE DEAD TONGUES gehören nach wie vor zu den fesselndsten und kuriosesten Werken in diesem Bereich in diesem Jahrhundert. Das magnetische "Body of Light" und das diskursive und wunderbar elliptische "I Am a Cloud", besteht aus 16 kompletten Stücken, die sich auf verschiedene, miteinander verwobene Alben verteilen. Auf den Alben sind Auftritte von Jenn Wasner (Wye Oak, Bon Iver), Mat Davidson (Twain), Matt Douglas (The Mountain Goats), Joe Westerlund (Califone, Megafaun), Jeff Ratner (Bing and Ruth) und anderen zu hören. Gustafson wollte die Zeit im Studio nutzen, um nicht nur Songs aufzunehmen, sondern auch etwas Neues zu schaffen, mit neuen Improvisationen. Die beiden Alben, die digital als eigenständige Veröffentlichungen erschienen sind, vereinen sich im physischen Format zu einem wunderschönen, luxuriösen Doppelalbum. Das 2LP-Paket enthält ein sorgfältig geprägtes Cover und wunderschöne, individuell gestaltete Innenhüllen für jedes Album.

"Oyster Cuts", das vierte Album und Merge Records-Debüt von Quivers, zeigt, dass die in Melbourne, Australien, ansässige Band in der Art von Emotionen schwimmt, in denen sich die meisten Menschen zu verlieren fürchten. Der überdimensionierte Gitarrenpop von Quivers schimmert wie die Oberfläche eines Ozeans, unter der ein Riff liegt, das abwechselnd schön und schmerzhaft ist, dessen Züge fremdartig und scharf genug sind, um zu verwunden. Angetrieben von Melodien, die manchmal an Galaxie 500 und The Pretenders erinnern, machen Quivers Musik, die zart und hart ist und den Hörer dazu zwingt, immer wieder einzutauchen, wobei jeder Song einen neuen Gefühls-Blickwinkel eröffnet. "Oyster Cuts" ist Sonnenschein-Pop mit Blut im Wasser. Die Verluste und Lieben, die Quivers' Musik seit ihren Anfängen geprägt haben - der plötzliche Verlust eines Bruders im gebrochenen Optimismus von "We'll Go Riding on the Hearses" (2018) und das Leben in und nach der Trauer von "Golden Doubt" (2021) - fließen in "Oyster Cuts" ein, das sich dem Weitermachen verschrieben hat, während es akzeptiert, dass einige Gefühle, wie Trauer, ein Kreislauf sind. Entscheidend ist, dass Quivers sich verpflichten, miteinander Vorwärts zu gehen. Ohne den Chor und die Streicher von "Golden Doubt" ist "Oyster Cuts" ein Beispiel dafür, was immer noch möglich ist, wenn vier Leute - Sam Nicholson (Gitarren), Bella Quinlan (Bass), Michael Panton (Gitarren) und Holly Thomas (Schlagzeug) - zusammen Musik machen. Durch die Verwendung von Tape Loops - die "Oyster Cuts" eröffnen und schließen und das Album wie Haie umkreisen - legen Quivers Wert auf Wiederholung, setzen gemusterte Riffs ein und navigieren durch kreisförmige Gedanken, bis sie an ihre Grenzen stoßen und schließlich zu einem neuen Song zusammenfinden. Ihr verträumter, sonnenverwaschener Jangle-Pop ist dadurch schlanker und muskulöser geworden, und ihre Sound-Palette wird durch Anklänge an The Cure, Echo & the Bunnymen und The Durutti Column verdunkelt. Innerhalb dieses Rahmens betreten Quivers als Band Neuland, indem sie ihrem charakteristischen Gruppengesang eine neue Dimension hinzufügen: Quinlan übernimmt bei vier Songs die Leadstimme, die ineinander verwobenen Gitarren von Nicholson und Panton werden in den Mittelpunkt gestellt und der zielgerichtete Groove von Quinlan und Thomas treibt das Ganze voran. Die Songs von Quivers fühlen sich wie lange Gespräche zwischen Freunden an, in dem Sinne, dass ein Gespräch sowohl ein Akt der Sprache als auch ein Raum ist, den Menschen füreinander einnehmen. Die ersten beiden Tracks auf "Oyster Cuts", "Never Be Lonely" und "Pink Smoke", nehmen diese privaten Universen, die aus gemeinsamer Sprache, Erinnerungen, Songfetzen und dem Licht eines Handybildschirms mitten im Doomscroll bestehen, und verwandeln sie in ein Leuchtfeuer, in suchende Texte, die von massiven Hooks entfacht werden. "All I ever wanted was a true friend / All I wanted was a friend with benefits / All I ever wanted was transcendence" singen Quinlan und Thomas zu Beginn des Albums, und von da an spult "Oyster Cuts" in den Horizont hinaus. Die vier Mitglieder von Quivers erforschen diesen Raum nicht nur, sondern füllen ihn auch so weit wie möglich mit sich selbst aus, indem sie sich aneinanderbinden, egal wie unklar und chaotisch Herzensangelegenheiten werden können. Jeder Moment der Katharsis, den Quivers aus dem Äther zaubern, ist eine Einladung, sich ihnen anzuschließen. Wenn man ihnen zuhört, wie sie dort aufsteigen, wo andere grübeln würden, ist es unmöglich, ihrer Einladung zu widerstehen.

Schwedens beste Horror-Metaller MISTER MISERY kehren 2024 mit einem neuen Epos zurück: ihrem selbstbetitelten dritten Album "Mister Misery".
Bereitet euch darauf vor, eine düstere und abgedrehte Welt zu betreten, die von eigentümlichen Kreaturen wie dem "Crooked Man" oder der Gräfin "Erzsébet" bewohnt wird. MISTER MISERY verknüpfen meisterhaft Geschichten aus ihrer persönlichen Vergangenheit mit Gestalten, die die Monster sein könnten, die sich unter unseren Betten verstecken.
Mit ihrer originellen Mischung aus verschiedenen Metal-Subgenres wollten MISTER MISERY nie in irgendeine Schublade passen, sondern schufen mit ihrem einzigartigen Ansatz zu Modern Metal eine ganz eigene Schublade.
Das selbstbetitelte dritte Album von MISTER MISERY wird während des Auftritts der Band auf dem Wacken Open Air am 2. August 2024 über AFM Records veröffentlicht.
For Fans Of: Avatar, Ice Nine Kills, Motionless in White, Lord of the Lost, Rob Zombie

"Million Dollar Baby" ist Pixeys bislang ehrgeizigstes Popprojekt, das sie zusammen mit Tom McFarland (Jungle, Olivia Dean, Alfie Templeman) und Rich Turvey (Rachel Chinouriri, Blossoms, The Coral) produzierte. Das Album folgt ihrer Reise der Selbstfindung als Künstlerin und dem Abwerfen damit verbundener Illusionen. "Million Dollar Baby" kombiniert Pixeys Liebe zu 90er Breakbeats mit ihren Skills als Popkünstlerin und -Produzentin, probiert und interpoliert einige ihrer Lieblingssongs, um nicht nur die Lücke zwischen alten und neuen Sounds zu schliessen, sondern einen völlig neuen Sound zu schaffen. Pixey erhält enorme Unterstützung von den britischen Popmedien und zierte hierzulande das Cover von Spotifys "Indie Brandneu" Playlist.

Nach der Veröffentlichung des bewegenden Konzeptalbums "Gates of Europe" (2023) über den russischen Überfall auf die Ukraine und einer anschließenden intensiven Europatour, ging Jerome Reuter - kreativer Kopf und Frontman von ROME - in Klausur und meldet sich nun mit einem brandheißen wie brandaktuellen, musikalischen Faustschlag zurück.

Die offensichtliche thematische Quellenlage dieses Kleinods vermindert nicht deren Wirkkraft beim Hörer. "World in Flames" ist ein drastisches, auf das Wesentliche verdichtete Werk. Im Gegensatz zu so manchem Vorgängeralbum ist "World in Flames" kein intimes Drama, sondern eine rücksichts- und schonungslose Sezierung der Großwetterlage.

Wie die Welt an sich, ist auch dieses schlagkräftige Mini-Album zweigeteilt. Wuchtige Industrial-Brachialkunst trifft auf ROME-typisches und hervorragendes Singer-Songwriting. Textlich wird eine zutiefst verstörende Einsicht von Reuter behutsam und genau nachgezeichnet: Der Zivilisationsbruch als neue Signatur dieser Epoche. Was die Lyrik dabei auszeichnet ist eine ganz eigene Art der apodiktischen Darstellung, eine hauseigene Poetik der Zäsur.

Prophetisch? Ein Weckruf!

Sonne
Das Album besticht durch eine Klarheit, die das Licht auf so wundervolle Weise einfängt. Auf Schillers Sonnenreise lassen sich wieder besondere Klang-Horizonte entdecken. Überraschende Gastkünstler, bewegende Kompositionen. „Jedes Album ist wie eine neue Reise. Ich lasse mich gerne überraschen – von der Anmut
dieser Welt und von den Menschen, die ich unterwegs treffe“, sagt der Musiker und Komponist Christopher von Deylen, der sich hinter dem Künstler Pseudonym Schiller verbirgt. Fast 12 Jahre später erscheint dieses große Album endlich als auf 1000 Stück limitierte Vinyl-Neuauflage im farbigen 2LP Format, welche nicht nur Musikfans, sondern auch Plattenliebhaber begeistert, die mehr wollen als eine rein digitale Version. So kommt das Album auf zwei transparent-roten Vinylscheiben und rundet somit das Gesamtkunstwerk auf ansehnliche Weise ab!


Sonne (Chill Out Edition) Schon das Vorgänger-Album Sonne galt als absoluter Fan-Liebling, nach Erscheinen der Sonne (Chillout
Edition) lässt sich feststellen, dass diese Variante dem Original Sonne Album in eigentlich nichts nachsteht. Schiller ist wie immer für eine Überraschung gut und hat mit dieser Sonderedition seine ruhige
und träumerische Seite gezeigt. Nun erscheint diese einzigartige Zusammenstellung als Vinyl Neuauflage!
Die Sonne (Chillout Edition) 2LP Version ist auf 1000 Stück limitiert und ist nicht nur klanglich etwas
Besonderes, sondern macht als transparent-türkisfarbene Doppelvinyl auch optisch so einiges her!

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album „Through and Through“ kehrt Baby Rose mit „Slow Burn“ zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu „Slow Burn“. Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen." Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir “One Last Dance“ hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf „Slow Burn“ wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe und imaginäre Dialoge zu schaffen, die man sonst vielleicht nicht zu hören wagt. Diese Momente haben etwas Verträumtes, und sie schwelen auf Slow Burn: Erinnerungen verlieren ihre Realität, Gefühle ersetzen Geschehnisse. Der Titeltrack zum Beispiel setzt sanfte, schlendernde Drums gegen Roses lyrische Wiederholungen, während sie diesen Erinnerungen - manche leben, manche fühlen - mit geduldigem, beharrlichem Verlangen nachspürt. Das herausragende "One Last Dance" kommt als Liebeslied getarnt daher, ist aber eigentlich eine Ode an eine verlorene Freundschaft und ein imaginärer Traum von einem weiteren Tag wie in alten Zeiten. Die Realität verschwimmt wieder mit dem Gefühl, der Gesang geht in ein Wiegenlied über, und BADBADNOTGOODs Bassist Chester Hansen bringt diese traumhafte Qualität in einen schleichenden, vorsichtigen, aber liebevollen Unterton. Tatsächlich haben die meisten Songs auf „Slow Burn“ dieses schleichende, schattenhafte Gefühl, als würden sie auf Zehenspitzen daherkommen: intim, aber ein wenig gefährlich, zärtlich, aber ein wenig geheimnisvoll. So vollständig und überzeugend dieses Werk auch ist, Slow Burn weist auf einen größeren, höheren Aufstieg in Baby Roses Zukunft hin.

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".