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Crystal Clear Vinyl. Ambient-Post-Rock aus San Diego, dem Rückzugsort der Millennials für Post-Hardcore. Aufgenommen zwischen den Tourneen zu "Tristeza", verwebt das zweite Album von The Album Leaf zarte Gitarrenklänge, klimperndes Klavier, nachdenkliche Synthesizer, unheimliche Feldaufnahmen und treibende Percussion zu einer Meditation über das Vergehen der Zeit. Diese remasterte 25-jährige Jubiläumsausgabe entspricht dem Original, mit neuen Anmerkungen des Autors Adam Gnade und bisher unveröffentlichten Fotos. Eine beeindruckende Stunde akustischer Photosynthese.

Die Gegenkultur-Ikone Hyd bringt ihr zweites Album raus, voll mit dynamischen, abwechslungsreichen Popsongs. Hyd holt ihre kreativen Freunde mit rein, um die Musik zu machen, darunter Hudson Mohawke, Sophie, Finn Keane (der gerade ein mega Jahr hinter sich hat als Produzent für Charli xcx), Marcus Andersson, Saint Patrick und Sophies Bruder Benny Long. Das Artwork wurde vom Fotografie-Phänomen Michael Bailey Gates aufgenommen, die Vinyl-Schallplatte wurde vom Produzenten umru gestaltet und die Musikvideos wurden vom Schauspieler Bobbi Salvor Menuez gedreht. Hayden modelt regelmäßig für Courreges, Junya Watanabe und Balenciaga und wird von der Company Gallery (NYC) für ihre visuelle Kunst vertreten. Hyd war auch der Gründer von QT, einem Performance-Kunstprojekt, das aus Hayden, Sophie und AG Cook zusammensetzt und bei XL Recordings unter Vertrag steht. Hyds neues Album beschäftigt sich damit, was es bedeutet, sich zwischen Formen zu bewegen, eine Form zu übernehmen und sich gleichzeitig in eine andere zu verwandeln; queere Ökosysteme der Fürsorge. ,Als ich 2017 mein Augenlicht verlor, begann ich, anders zu sehen. In völliger Dunkelheit wird dir klar, dass du über deinen Körper hinaus existierst. Da habe ich angefangen, dieses Material zu schreiben."

"Singled Out" kommt als auf 1000 Stück limitierte Doppel-LP auf farbigem Vinyl (LP1 blau / LP2 kirschrot) im Klappcover oder als glänzende CD! Dreiunddreißig Tracks! Alle 7"-Singles der Band bis jetzt! Das sind alle ihre A- und B-Seiten! Mit dabei sind zwei bald erscheinende Singles, von denen eine als kostenlose 7" der nächsten Ausgabe des SAFETY PIN MAGAZINE beiliegt. Die andere gibt's als streng limitierte Lathe-Cut-7". Um Komplettisten zu begeistern oder zu ärgern, wird gleichzeitig eine dritte (Standard-)7"-Single veröffentlicht, deren A- und B-Seite hier nicht enthalten sind. Cyanide Pills veröffentlichten 2009 ihre erste 7"-Single ,Break It Up", gefolgt von weiteren 14 fantastischen 45er-Singles, zuletzt eine Split-Single mit den Schweizer Nasty Rumours Anfang letzten Jahres. Die meisten dieser Veröffentlichungen enthielten exklusive B-Seiten, die auf keinem Album zu finden sind und die Damaged Goods für ,Singled Out" zusammengestellt haben. Schön, sie alle an einem Ort zu haben, oder? Alle Tracks wurden im Billiard Room in Leeds mit dem Produzenten Carl ,Razorblade" Rosamond aufgenommen. ,Einflüsse? Hmm, nun, wir hören nicht nur Punkrock, das taten auch die frühen Bands nicht, weil es noch keinen gab", sagte Leadsänger Phil 2023 im Gespräch mit dem Magazin ,Vive le Rock". ,Wir mögen natürlich die üblichen Verdächtigen, unsere Favoriten sind die belgische Band The Kids, X-Ray Spex und Buzzcocks. Wir mögen Satan's Rats, The Tours, Knots, The Fingers, Panic, Kleenex, Crime, The Terrorways, Victims, Wipers, The Briefs, The Spits, The Plugz, Bad Nerves, Nasty Rumours, solche Sachen, jede Menge Sachen, Syd Barrett, The Kinks, MC5, Stooges, Bowie, Ruben and the Jets, Kim Fowley, John Lee Hooker, Howlin' Wolf. Die Liste geht weiter und weiter und weiter."

'The Endless Dance' is the first collaborative album from Northern Irish producer and composer Hannah Peel and Chinese percussionist Beibei Wang. The record is grounded in the strength of ancient concepts, but comes alive with the joy and freedom of play as together, Peel and Wang travel through the 24 solar terms of the Chinese calendar with a cornucopia of sound in tow – synths and prepared piano alongside traditional and unconventional percussion.

The album is collaged together from recordings made over five days at legendary rural studio Real World, a setting which aligned with the duo’s inspiration from the natural world creating a permanent record of their shared musical landscape, informed by the flora and fauna that emerge and retreat through the seasons.

Both genre-defying, storied artists in their own right, Peel and Wang met while working on Manchester Collective’s 2023 album NEON and 'The Endless Dance' certainly represents a step-change from the duo’s shared classical backgrounds – but their knowledge and training is also the foundation of its freewheeling audacity, giving them the confidence to trust their instincts.

The album is produced by Mike Lindsay LUMP, Tunng, Guy Garvey, Jon Hopkins who, with free rein, brings added energy and creativity to the album, whilst Peel & Wang are also joined by Hyelim Kim on Daegeum, a Korean flute with “colourful overtones on every note”.

Track to track, 'The Endless Dance' is unpredictable and unexpected, which is in part due to the genuine curiosity and outside perspectives that each player brought to the sessions. “I am so familiar with Chinese heritage, but I don't see how it can present in electronics, for instance,” says Wang. “Hannah comes in with that direction, to imagine what the sounds could be together.” The characterful richness of the album stems from the commonalities they found in the sessions. “We both come from cultures where story is really important,” explains Peel. “The attention to detail comes from telling a story, and one note can set that off in a different direction.”

'The Endless Dance' is a major work from two accomplished, singular artists - but it’s also the sound of mutual curiosity and shared fun, or as Wang puts it: “Two women talking in totally different language that had a wonderful chat.”

Seit über 30 Jahren ist Simon Joyner eine Ausnahmeerscheinung - ein vollkommen unabhängiger Künstler, der sich ganz auf sein Handwerk konzentriert. Der in Omaha lebende Singer-Songwriter veröffentlichte Anfang der 90er Jahre erstmals Musik und ist seitdem seinem Weg treu geblieben. Joyners Songs voller stiller Freude und Herzschmerz haben verschiedene Generationen von Künstlerkollegen geprägt und zeigen sich als offensichtlicher Einfluss bei Acts wie Bright Eyes oder Kevin Morby sowie als Anklänge gemeinsamer Perspektiven bei den nachfolgenden Lenkers, Oldhams und Molinas. "Tough Love", Joyners 19. Studioalbum, setzt diesen Aufwärtstrend fort. Obwohl es untrennbar mit der persönlichen Trauer von "Coyote Butterfly" aus dem Jahr 2024 verbunden ist - dem autobiografischen Album, das Joyner nach dem Tod seines Sohnes aufgenommen hat - erforscht dieses neue Album das Konzept der ,tough love" als Dichotomie, die auf verschiedene fiktive Beziehungen angewendet wird, darunter romantische, familiäre und politische. Dieser Balanceakt zeigt sich in lebhaften Schilderungen alltäglicher Herzensschmerzen und in der Auseinandersetzung mit politischer Wut und dem Verrat am amerikanischen Traum. Eines der Wunder von Joyners Werk ist, dass sich seine Muster nicht wiederholen, sondern wandeln. Anspielungen auf Cohen, Dylan und die Velvets sind seit den frühen Lo-Fi-Tagen Teil seines Songwritings, doch die Art und Weise, wie diese Vorbilder einfließen, verändert sich ständig. Während Joyners raue Akustiksongs im Rampenlicht stehen, werden sie von E-Gitarren angestachelt und sind von experimentellen Tendenzen durchdrungen. Die Rocksongs bilden einen Mittelweg zwischen minimalistischen Grooves, die von Velvet Underground der Loaded-Ära übernommen wurden, und der ekstatischen rhythmischen Verrücktheit von Can. Wenn wir beim vorletzten Track, ,Anniversary Song", angelangt sind, haben die geisterhaften Vocals und die Scratches des mikrotonalen Synthesizers die Grenzen zwischen Joyners Folk-Sänger-Herz und seinem Avantgarde-Geist verwischt. All das mündet in den 20-minütigen Titeltrack, der "Tough Love" abschließt - ein erschütternder Sturz in einen scheinbar bodenlosen Abgrund aus Reue, Überlebensschuld und unverblümter Trauer. Er leiht sich eine repetitive Struktur aus Lou Reeds erzählter Suite ,Street Hassle" und kombiniert sie mit dem seitenfüllenden Zeugnis von Dylans ,Sad-eyed Lady of the Lowlands", Joyner erzählt dazu aus der Perspektive seines verstorbenen Sohnes, der zu seinem Vater spricht, all seine Fehler darlegt und schonungslos hervorhebt, dass nichts davon rückgängig gemacht werden kann. Bald jedoch öffnet sich diese Qual zu etwas Transzendentem, sowohl in ihrer eleganten Bildsprache als auch in ihrer ätherischen Atmosphäre. Die letzten Momente des Albums gewähren die Erlaubnis zur Selbstvergebung und hoffentlich eines Tages auch zum Verständnis. Dieses kathartische Ende bringt all die verworrenen Gefühle, die sich durch "Tough Love" ziehen, auf den Punkt. So wie Joyner das Songwriting aus ungewöhnlichen Blickwinkeln angegangen ist, die sich jedes Mal ändern, wenn er zur Gitarre greift, um ein neues Album aufzunehmen, so verändert sich auch auf "Tough Love" seine Beziehung zu Trauer, den alltäglichen Kämpfen und dem ewigen Streben nach etwas Besserem.

aja monet ist eine surrealistische Blues-Dichterin, Musikerin und Bandleaderin, deren Werk fließend zwischen Poesie, Musik und politischem Ausdruck wechselt. Aus der Spoken-Word-Szene der Lower East Side in New York City hervorgegangen, wurde sie die jüngste Gewinnerin des Nuyorican Grand Slam Poetry-Titels, bevor sie ihr Schaffen auf genreübergreifende musikalische Darbietungen ausweitete, die ihre Wurzeln im Jazz, Blues und experimentellen Sound haben. Ihr Debüt-Poetry-Album ,when the poems do what they do" wurde 2024 für einen Grammy Award in der Kategorie ,Best Spoken Word Poetry Album" nominiert und etablierte Monetas als einzigartige Stimme in der zeitgenössischen schwarzen Musik- und Performance-Szene. Das Projekt verbindet Poesie mit Live-Instrumentierung und Improvisation und erkundet Themen wie Widerstand, Liebe und Freude durch einen kollaborativen, ensembleorientierten Ansatz. Als tourende Bandleaderin ist sie weltweit bei großen Festivals und in bedeutenden Veranstaltungsorten aufgetreten, darunter das Newport Jazz Festival, das North Sea Jazz Festival, das Montreal Jazz Festival, das Guggenheim, das Lincoln Center, das Barbican Centre und die Fremantle Biennale. Neben ihrer musikalischen Arbeit ist monet eine gefeierte Dichterin und Autorin. Ihr erster vollständiger Gedichtband, ,my mother was a freedom fighter" (2017), wurde für den NAACP Image Award in der Kategorie Poesie nominiert. Ihr jüngstes Buch, ,florida water", erschienen bei Haymarket Books, schöpft aus mehreren Jahren des Lebens und der Organisationsarbeit in Südflorida und setzt ihre Auseinandersetzung mit Ort, Bewegung und kollektivem Gedächtnis fort. Zu ihren Auszeichnungen zählen der Marjory Stoneman Douglas Award für Poesie, der Nelson Mandela Changemaker Award, der Harry Belafonte Voices for Social Justice Award, der EBONY 100 Artist in Residence Award sowie der Malcolm X & Dr. Betty Shabazz Vanguard Award. Zudem ist sie künstlerische Kreativdirektorin von V-Day, der globalen Bewegung zur Beendigung von Gewalt gegen Frauen und Mädchen, und Schöpferin von VOICES, einem Hörspiel aus dem Jahr 2022, das die Geschichten schwarzer Frauen in der Diaspora und auf dem afrikanischen Kontinent in den Vordergrund rückt. aja monet's zweites Studioalbum, ,the color of rain", wird im Mai 2026 bei drink sum wtr erscheinen.

Mit "Angriff auf"s Schlaraffenland" veröffentlicht Tapete Records eine umfassende, musikalisch kuratierte Reise durch 50 Jahre deutschsprachigen Punk - von den frühen Experimenten der späten 1970er bis zu modernen Positionen der Gegenwart. Die Compilation begleitet die Jubiläums-Veröffentlichungen des Ventil Verlags, der über 200 Autor:innen zu ihren prägendsten Punk-Songs versammelt und damit das Vermächtnis sowie die Relevanz des Genres würdigt. Wie ein gutes Mixtape verzichtet die Sammlung bewusst auf Chronologie und setzt auf rein musikalische Kriterien: rohe Energie, politische Haltung, Humor, Widerspruchsgeist und stilistische Vielfalt. Vertreten sind u. a. Die Radierer, Hans-A-Plast, Palais Schaumburg, Egotronic, Bärchen und die Milchbubis, Toxoplasma, Slime, Schnipo Schranke, Stereo Total, Die Nerven - Bands, die Punk mit Pop, Dada, Elektronik, Chanson oder Noise neu definiert haben. "Angriff auf"s Schlaraffenland" ist damit ein unverzichtbares Dokument für alle, die Punk nicht als Nostalgie, sondern als lebendige, widersprüchliche und weiterhin unbequeme Kulturform verstehen.

Shaped from fragile, emotionally charged piano motifs that distort, disappear and transform into dense, cinematic textures, 'CANALS' is a debut that's finely matured, the result of years of friendship and growth. Italian artist Vanja Sturno and Montréal-based Belgian-Spanish composer Pablo Geeraert (aka Sanea Ima) have worked together extensively on various projects up until now, but 'CANALS' is their first official release as a duo. Having both studied music academically, the pair were eager to work more intuitively, so applied their well-honed set of skills to sound that, instead of fitting into a conceptual box, reflected more personal experiences.

Back in 2023, Geeraert travelled to Rome to support his friend at a difficult time and, during the trip, received some bad news of his own. The complicated feelings unconsciously surged through a series of delicate Ryuichi Sakamoto-inspired piano improvisations and a new project began to coalesce. They didn't realize it at the time, but once the record was finished, Sturno and Geeraert began to understand that the entire process had been a form a joint catharsis - a release of pressure. They were able to function so effortlessly and swiftly because they had already provided the space for each other to resonate emotionally and the music flowed from that point.

So the album's title, while remaining ambiguous, suggests its formation: a sequence of eight interconnected channels that feed a creative whole. On the first segment, Sturno and Geeraert's initial recordings can be perceived most nakedly, the melancholy, Satie-like phrases floating peacefully for a moment before the tranquility is agitated by stormy distortions and swelled into thick waves of harmony. The piano provides the record with its emotional anchor, offering focus and clarity as multi-dimensional noise wells up around it before inevitably dissipating, leaving gentle, unadorned sounds once again.

And the familiar instrument is reshaped into a wheezing artificial organ on the animated 'CANALS III', punctuated by percussive, tape-warped pitch fluctuations that seem to bite into its very essence. Gauzy acoustic granulations snowball into a powerful, bass-heavy crescendo on the fourth part, setting the tenor for the album's second half. But after the crushing 'CANALS VI', possibly Sturno and Geeraert's heaviest track, a brief tremolo-heavy vignette that ripples through experimental rock and ambient music's braided history, the duo clear the air with a jazzy diversion, introducing soft woodwind blasts as a palate cleanser before an epic, widescreen finale.

It's an album that's best absorbed as a whole, a vortex of ritualistic, rhythmic repetitions that Sturno and Geeraert appropriately refer to as "spiral listening".

To commemorate 10 years since its original release, Architects present a physical-only reissue of All Our Gods Have Abandoned Us. This isn"t just a repress; the album has been completely remixed and remastered for this 10th anniversary edition, featuring brand-new artwork and an insert of never-before-seen studio photos from 2016. Exclusive to vinyl and unavailable on digital platforms.

To commemorate 10 years since its original release, Architects present a physical-only reissue of All Our Gods Have Abandoned Us. This isn"t just a repress; the album has been completely remixed and remastered for this 10th anniversary edition, featuring brand-new artwork and an insert of never-before-seen studio photos from 2016. Exclusive to vinyl and unavailable on digital platforms.

Time To Get On Board A New Black Universal Express.

With each new recording Anthony Joseph presents an imaginative, personal vision of contemporary black culture, and The Ark is yet another compelling album by the award-winning Trinidadian poet and musician. This second part of a sequence of two albums launched with last year’s Rowing Up River To Get Our Names Back, finds Joseph giving full vent to his desire to explore many thought-provoking themes. However, there is a specific thread running through the glorious offering of sounds.

”I was especially interested in the idea of using Afrofuturism as a means of using the future in order to correct the wrongs of the past,” explains Joseph. “And so a lot of lyrics reimage or imagine an alternate black history. At the same time there are elements of autobiography.” The aforesaid cultural phenomenon, a view of the black experience through the prism of science fiction and ancient Egypt and Africa, as mapped out by visionaries from music and literature such as Sun Ra, Parliament-Funkadelic and Octavia E. Butler, has previously inspired Joseph. His 2006 novel The African Origins Of UFOs was a multi-hued work, and the new music shows how Joseph

has, much like all significant artists, gone on to broaden his conceptual palette, creating beguiling new stories and images set to startling rhythms and tones. Tracks such as ‘James’, with its taut, crisp bass and dubbed-up brass, and ‘Transposition Of Space (Glissant)’, a potent evocation of the influential Martiniquan theorist set in a haze of jazz guitar and ambient synthesizers, are marvels of text-sound painting.

As for ‘Baron Samedi’, shaped by a languid, almost wounded guitar line and slow rise of horns that frame Joseph’s journey to the ‘mountain of fire, almost touching the sky’ it is an epic blend of commanding vocal delivery and dramatic sonic tapestry.

Joseph led the Spasm band in the early 2000s and recorded well-received albums such as Bird Head Son and Time, in which songs were largely based on spirituals or chants enhanced by improvisation. But his musical curiosity has naturally led to collaborations, and the new work is produced by Dave Okumu, the prodigiously talented guitarist-vocalist-composer known as the leader of Mercury Music Prize-nominated The Invisible, and who was also a member of the seminal band Jade Fox.

Having first performed together at a show curated by influential saxophonist-flautist Shabaka Hutchings at the storied Total Refreshment Centre In London during lockdown, Joseph and Okumu struck up a rapport that further developed when the former guested on he latter’s album. With the connection made Joseph knew Okumu was the ideal producer for this latest project, which has a freewheeling, almost black psychedelic thing. After sifting through demos and loops the guitarist made on pro-tools the poet started to live with the music. Many months later words began to take shape. Joseph then went into the studio with Okumu’s band and set about creating a magnum opus. Boasting a stellar cast such as vocalist Eska Mtungwazi, trumpeter Byron Wallen and keyboardist Nick Ramm, The Ark is a highly intricate musical mosaic framed by simmering funk grooves, wily jazz improvisation and haunting dub effects. Through the use of many genres the music has simply become its own genre.

The Ark can be perceived as a vessel or means of transport to new worlds, along the lines of Sun Ra’s Ark or Funkadelic’s Mothership, and the material it contains is a unique blend of who Anthony Joseph is and how he sees the world and society in these stimulating, challenging times. “It balances the personal with the universal in a much more vulnerable, accessible way than on previous albums,” Joseph explains.

“It has become less about a personal experience and more about a collective, communal experience in which the artist is conduit, messenger, urban griot.”

"Blinded by Fame", das zweite Studioalbum von Dutch Interiors, ist ein Fan-Favorit. Es wurde noch nie zuvor auf Vinyl gepresst. Die sechsköpfige Band aus Long Beach begleitet sich schon seit fast zwei Jahrzehnten. Jack Nugent, Conner Reeves, Shane & Hayden Barton, Davis Stewart und Noah Kurtz waren alle Freunde aus Kindertagen, und die Band ist das Ergebnis einer kreativen Verbindung, die durch bereits bestehendes Vertrauen und vertraute Verbundenheit entstanden ist. Man kann die unterschiedlichen Stile und Persönlichkeiten der Bandmitglieder an den Songs erkennen, die sie unabhängig voneinander schreiben, bevor sie sie der gesamten Band vorstellen, wo die Stücke oft zu ganz neuen Formen heranwachsen. Trotz dieser individuellen Herangehensweise an das Songwriting beschreiben sie sich gegenseitig als ,Zweige desselben Lebensstamms", deren aufeinanderprallende Einflüsse und Erfahrungen alle in die Songs einfließen. Mit Einflüssen, die von Ambient über Southern Rock und Jazz bis hin zu Dance-Musik reichen, wandelt sich die Band und oszilliert zwischen Alternative Country, kantigem Indie-Rock und Anklängen an dissonante Ambient-Klänge, während sie dennoch wie eine Band klingt, die sowohl ihre eigene private Sprache spricht als auch diese in etwas Universelles übersetzt. Nach der Veröffentlichung ihres jüngsten Albums ,Moneyball" und einer neuen EP, ,It's Glass", über Fat Possum ist Dutch Interior gekommen, um zu bleiben. Lob für Dutch Interior kommt von Pitchfork, Rolling Stone und anderen.

Crimson Roots schöpfen tief aus dem Blues und erschaffen weiträumige, eindringliche Musik, in der progressive Strukturen und psychedelische Klangfarben auf Emotion und Erzählkunst treffen. Ihr Sound entsteht aus gefühlvollem Gitarrenspiel, ausdrucksstarkem Gesang, markanten Basslinien, warmen Vintage-Keyboards und dynamischem Schlagzeugspiel. Jedes Instrument dient dem Lied und formt eine Musik, die lebendig, ehrlich und zutiefst menschlich wirkt. Jedes Stück ist ein Spiegel ihrer gemeinsamen Reise - aufrichtig und stets im Wandel, genau wie die Band selbst.

SUN DONT SHINE (formerly EYE AM) is a powerful convergence of four iconic musicians who have shaped the landscape of hard rock and heavy metal. Comprising Kenny Hickey (vocals/guitar, ex-Type O Negative/Silvertomb), Kirk Windstein (guitar/vocals, Crowbar/Down), Johnny Kelly (drums, ex-Type O Negative/Silvertomb), and Todd Strange (bass, ex-Crowbar/Down), the band offers a raw, unfiltered sound that rejects the overly polished, embracing instead the heavy atmosphere of their origins. From Birth to Death is a 2026 masterpiece produced by Duane Simoneaux and recorded at OCD Studios. The album delivers earth-shaking riffs, bleak atmosphere, and a "next level up" in songwriting - darker, heavier, and more versatile than their previous singles.

Blue w/ black splatter vinyl. SUN DONT SHINE (formerly EYE AM) is a powerful convergence of four iconic musicians who have shaped the landscape of hard rock and heavy metal. Comprising Kenny Hickey (vocals/guitar, ex-Type O Negative/Silvertomb), Kirk Windstein (guitar/vocals, Crowbar/Down), Johnny Kelly (drums, ex-Type O Negative/Silvertomb), and Todd Strange (bass, ex-Crowbar/Down), the band offers a raw, unfiltered sound that rejects the overly polished, embracing instead the heavy atmosphere of their origins. From Birth to Death is a 2026 masterpiece produced by Duane Simoneaux and recorded at OCD Studios. The album delivers earth-shaking riffs, bleak atmosphere, and a "next level up" in songwriting - darker, heavier, and more versatile than their previous singles.

Nothing Left to Love is Counterparts' sixth studio album following 2017's You're Not You Anymore. Bookended by the powerful lyric “Will you love me when there’s nothing left to love?” — a desperate plea on commitment in the face of both mortality and morality — the album muses on many of the topics vocalist Brendan Murphy has in the past: life’s darkness, self-destructive tendencies and the self-flagellation they beget.

British alt-rock favourites A return with PRANG, their first studio album in over 20 years, released via Cooking Vinyl. Sparked by the effervescent lead single "Hello Sunshine," the album finds the band rediscovering their identity with the carefree spirit and stylish sloppiness that defined their early days. Written and recorded free from expectation or pressure, PRANG is a vibrant, hook-laden reaffirmation of A"s enduring appeal - balancing punchy, riff-driven anthems with heartfelt, soul-baring moments. Frontman Jason Perry, now a Grammy Award-winning producer known for his work with Don Broco, McFly and Kids In Glass Houses, helms production to preserve the band"s DIY ethos and singular personality. Lyrically, PRANG is A"s most open and reflective work to date. Drawing on two decades of life experience, Perry explores gratitude, resilience, mental health and friendship with warmth and disarming honesty. The result is an album that feels both nostalgic and strikingly modern - each track its own colourful island, yet unmistakably A. Twenty years in the making, PRANG is more than a comeback; it"s a rebirth. Cathartic, melodic and life-affirming, it marks a bold new chapter for one of Britain"s most beloved rock bands.

The studio album from 2002, remastered from original source files in 2024. Includes One More Nightmare, From the Fire, Fallen and Darkcell AD. Absent from vinyl for 10 years until the 2025 sold-out RSD release. Includes a bonus LP "Live in Roskilde 2000" not on vinyl before. New sleeve notes by gothic chronicler journalist Mick Mercer in a gatefold sleeve. Limited edition in transparent red vinyl.

Wer sich Drunks Debütalbum ,A Derby Spiritual" aus dem Jahr 1996 noch einmal anhört, wird feststellen, dass es charmanter, sanfter und - wenn ich das so sagen darf - farbenfroher ist, als es sein stoischer Slow-Core-Ruf aus den 90ern vermuten lässt. Und man könnte sogar bemerken, dass Rick Alversons Stimme einen bisher ungeahnten, von Niederlagen gezeichneten Tom-Petty-Singsang aufweist. Der Sound der Band aus Richmond ist zweifellos zurückhaltend, knarrend und karg. Doch die Jahrzehnte haben diesem alten, traurigen Kerl einen wärmenden bernsteinfarbenen Schimmer verliehen. Das Black-Hole-Radio-Stück am Ende des atemberaubenden Openers ,Collarbone" scheint das Kommen von ,Yankee Hotel Foxtrot" vorherzusagen. Und hier in der seltsamen Gegenwart könnten Stücke wie ,Germany Skies", ,Gideon's Trumpet" und ,Gizmo" nahtlos in den heutigen Indie-Country-Boom eingefügt werden. Der seltsame Walzer aus Akkordeon und Geige in Stücken wie ,Indeliberate Matrimony" und ,Coming Home" klingt - wage ich es noch einmal zu sagen - wie Mellencamp aus der ,The Lonesome Jubilee"-Ära am Boden eines Fasses Schnaps. Alversons Lyrik schwankt zwischen dem hoffnungsvollen Nihilismus seines zeitgenössischen Songwriter- und Dichterkollegen aus Virginia, David Berman, und dem tiefgründigen Post-Beat-Minimalismus von Robert Creeley. Ich schwöre, wenn er in dem hoch-und-einsamen, von der Mundharmonika getragenen ,Window Sill" seufzt: ,I feel willy-nill/I pissed upon your window sill", klingt das im Lenderman'schen Sinne des Wortes verdammt romantisch. Im Rahmen des 30-jährigen Jubiläums von Jagjaguwar wird ,A Derby Spiritual", Jags zweite Veröffentlichung überhaupt, zum ersten Mal auf Vinyl gepresst. Ein drei Jahrzehnte langes Unrecht wird endlich wiedergutgemacht. Tatsächlich erscheinen im Rahmen der Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum des Labels eine Handvoll dieser frühen Veröffentlichungen aus der Charlottesville-Ära von Jagjaguwar auf Vinyl.

Magic Tuber Stringband act in communion with the natural world around them. Highly skilled players and writers, the trio are leaders within the burgeoning Avant-Folk world. Growing up in Appalachia studying the folk traditions of the region in tandem scientific and observational work in nature, their music appears to weave in and out of the fabric of the landscape. The ensemble continues to stretch the parameters of acoustic instrumental expression with masterful flourishes of dense, textural arrangements, subtle minimalist gestures and deft improvisation. Heavy Water addresses the impact of nuclear production on the environment and the communities within, a musical evocation of destruction and resilience, an embrace of dissonance and tension within moments of transcendence.

The Charmer, Toadies first full-length studio album in nearly a decade, also happens to be one of the last records recorded by famed engineer Steve Albini (Nirvana, Pixies, PJ Harvey) before his death in 2024. The raw, guitar-driven collection places the platinum-selling band firmly back in the Alternative Rock pantheon that sparked their early success, while sounding right at home with the dozens of younger contemporary rock bands they've influenced.

Weiß-blaues Halstuch, das Dorf im Rücken, die große Bühne vor der Brust: TREAM hat in den vergangenen Jahren aus einer Welt, die lange eher nach Bierzelt, A-Klasse-Fußball und letzter Zigarette am
Weiher klang, eines der eigenständigsten Erfolgsmodelle der deutschen Poplandschaft gebaut. Der 27-
Jährige aus Büchelkühn bei Schwandorf verbindet HipHop, Pop und modernen Schlager zu einem Sound,
der genauso drückt wie er mitsingtauglich ist, genauso größenwahnsinnig wie bodenständig und genauso
laut wie herzlich. Oder, wie TREAM selbst es sagt: »Meine Musik klingt nach Leben«. Genau das ist auch
die Überschrift über seinem neuen Album »STAMMTISCHPAROLEN«.
Dass TREAM längst mehr ist als ein Phänomen mit Kultstatus, zeigt sein Weg der letzten Jahre ziemlich
eindeutig. Nach der restlos ausverkauften »Biergarnitour 2024«, einer Arena-Tour 2025 mit über 130.000
verkauften Tickets und drei Abenden hintereinander in der Münchner Olympiahalle geht es im Sommer
2026 auf die nächste Stufe: die erste große Open-Air-Tour. Dazu kommt in diesem Jahr seine Teilnahme
bei »Sing meinen Song – Das Tauschkonzert«. Das alles wirkt bei TREAM nicht wie der glattgebügelte
Aufstieg eines Künstlers, der sich für den Mainstream passend gemacht hat, sondern eher wie das konsequente Durchziehen einer eigenen Vision.
Genau deshalb passt auch der Albumtitel so gut. »STAMMTISCHPAROLEN« ist nicht politisch gemeint,
sondern ein selbstbewusstes Etikett für 15 Songs, die TREAMs eigenes Lebensgefühl bündeln: Provokation,
Herz, Heimweg, Heimweh, Abriss, Eskalation, Freundschaft, Sehnsucht und ein Humor, der nur funktioniert, wenn einer weiß, wo er herkommt. Das Album spielt mit bayerischen Bildern, ohne darin stecken zu
bleiben, und macht aus Klischees Gegenwart.
Schon der Opener »BAYERN GO HIGH (INTRO)« macht klar, dass hier niemand langsam anlaufen will:
808s drücken, Hörner dröhnen, irgendwo zwischen US-Rap-Sound und bayerischer Folklore wird sofort der
Claim abgesteckt. »DIE KENN ICH NICHT« zieht als vergnügter Spießrutenlauf weiter, »SAUNAKONTAKT« erzählt mit Uptempo-Beats den Wahnsinn einer Begegnung, und »HASENJAGD« liefert eine
Hymne, die klingt, als würde die Nacht schon beim Intro eskalieren.
Auch in den Kollabos zeigt sich die Erweiterung seiner Welt: »EISENBAHN« mit Bausa, »APRES SKI«
mit Gzuz oder »K2« feat. Blümchen verbinden scheinbar Gegensätzliches und funktionieren genau deshalb.
Dass »STAMMTISCHPAROLEN« mehr kann als Abriss, zeigen die ruhigeren Momente: »WUNSCH FREI«
erzählt von den Schattenseiten eines Lebens, das von außen nach Dauerparty aussieht, »99 LUFTBALLONS« ist ein Lovesong, während »PSYCHO« und »ALLERLETZTE FAHRT« die Platte in eine nachden-klichere Richtung ziehen.
Gerade darin liegt die Stärke des Albums: Es macht aus Bayern kein Postkartenmotiv und aus TREAM
keine Kunstfigur, sondern zeigt einen Künstler, der Wirtshaus, Wahnsinn und Weltoffenheit gleichzeitig
denken kann – laut, liebevoll, verletzlich und provokant.

Gravity Freeze ist die andere Seite derselben Medaille und entstand im gleichen Zeitraum wie Electric War.
Beide Alben wurden parallel aufgenommen, wobei bei Gravity Freeze Tony Coote am Schlagzeug sitzt. Die
Songs wurden in derselben Phase geschrieben und aufgenommen, allerdings gab es Stücke, die sich natürlicher in den Little Barrie-Kosmos einfügten – Gravity Freeze verfolgt dabei einen stärker songorientierten
Ansatz mit einer direkten Verbindung zu Rhythm & Blues, während Electric War experimenteller angelegt
ist.
Barrie hatte zuvor bereits mit dem Produzenten Rupert Lyddon an verschiedenen Soundtrack- und Filmprojekten gearbeitet, darunter der Dokumentarfilm-Soundtrack zu Dogs On The Streets sowie Barries
musikalische Beiträge zu Elvis und The Black Phone von Scott Derrickson.
Dies ist das erste Little Barrie-Album seit dem tragischen Tod von Virgil Howe im Jahr 2017.

Tauche ein ins Herz des Londoner West Ends mit Paddington The Musical – Original Cast Recording, das
all die Wärme, Magie und den liebenswerten Humor von Paddingtons neuem Abenteuer einfängt. Inspiriert
von Michael Bonds zeitlosen Geschichten und den preisgekrönten STUDIOCANAL-Filmen präsentiert das
Musical neue Songs und Liedtexte von Tom Fletcher, ein Buch von Jessica Swale und die Regie von Luke
Sheppard.
Von mitreißenden Ensemble-Nummern bis hin zu gefühlvollen Balladen feiert der Soundtrack Familie, Freundschaft und die Suche nach dem eigenen Platz in der Welt. Begleite Paddington und die Browns durch
spannende Momente, herzliche Begegnungen - und natürlich ganz viel Marmelade.
Mit dem gesamten West-End-Ensemble aufgenommen, bringt dieses Album den Charme der Windsor Gardens direkt zu dir nach Hause. Erhältlich auf CD und als Sammler-Vinyl ist es ein freudiges Erinnerungsstück
für Fans jeden Alters - der perfekte Begleiter für Londons liebenswertesten Bären.

Richard Pinhas" Projekt Heldon zählt zu den markantesten Außenseitern des europäischen Undergrounds der 1970er Jahre, eine Verbindung aus den avancierten Spielarten des Progressive Rock und früher elektronischer Musik, die bis heute nichts von ihrer Dringlichkeit verloren hat. 1976 erschienen, markiert Agneta Nilsson einen Moment der Verdichtung: Die ausgedehnten Stücke entfalten sich in Zyklen aus Spannung, Schwebezustand und Entladung. Dabei folgt das Album einer inneren Logik, die zugleich präzise und offen wirkt, kontrolliert und doch jederzeit bereit, in Intensität umzuschlagen. Zum 50-jährigen gibt es nun eine Sonderedition in rotem Vinyl, handnummeriert und limitiert. Ein zentrales Album im Katalog Heldons, hier in einer sorgfältig produzierten Neuausgabe.

Zeitgleich mit der Fußball-Weltmeisterschaft 2026 veröffentlicht das Label 4AD eine besondere Double-A-Side-7-Inch-Single mit zwei alternativen WM-Hymnen von Air Miami und Colourbox. Die Single trägt den Titel "Complicated Opposition". Das Artwork stammt von Chris Bigg und verwendet Fotografien von The Douglas Brothers. Der Song "World Cup Fever" von Air Miami erschien ursprünglich 1995 auf dem Album "Me. Me. Me.". Er entstand im Sommer 1994, als Mark Robinson mit Blast Off Country Style auf Tour war - während die USA erstmals Gastgeber der Fußball-WM waren. Robinson erinnerte sich, dass er sich damals Fußballschuhe und grellorange Trainer-Shorts aus einem Second-Hand-Laden kaufte. Seine Bandkollegen nannten ihn daraufhin "Coach". Bei einem Konzert in North Carolina meinte Esther Oliver zu ihm: "Du hast World-Cup-Fieber" - eine Bemerkung, die schließlich den Song inspirierte. Der Titel wurde von Pete Weiss neu gemastert. Der zweite Track, "The Official Colourbox World Cup Theme", erschien ursprünglich 1986 als Bonustrack einer CD-Neuauflage des Debüt-Mini-Albums von Colourbox. Das Stück war als Fußball-Thema gedacht und wurde sogar für die BBC-Sendung während der 1986 FIFA World Cup in Betracht gezogen, jedoch letztlich nicht verwendet. Das Remaster stammt von Kevin Vanbergen. Auch darüber hinaus gibt es Verbindungen zwischen 4AD und Fußball. Designer Vaughan Oliver war leidenschaftlicher Fußballfan und gestaltete unter anderem Artwork für Sunderland AFC. Die Indie-Supergroup The Lillies veröffentlichte zudem den Song "And David Seaman Will Be Very Disappointed About That...", der 1991 einem Fanzine von Tottenham Hotspur beilag.

San Francisco hardcore stalwarts Western Addiction return with Psychedelic Munitions, a high-octane successor to Frail Bray that captures the explosive fervor and technical precision of their Bay Area roots. Recorded and mixed by Scott Evans at Sharkbite Studios and Antisleep Audio, then mastered by Brad Boatright at Audiosiege, the album delivers a massive, "live-in-the-room" sound that avoids modern polish in favor of visceral, room-shaking grit. Despite the time between releases, the band bridges the gap with a collection of songs that feel both seasoned and dangerously urgent. Psychedelic Munitions stands as a definitive masterclass in authentic California punk, honoring the legacy of the Gilman Street scene while pushing the boundaries of the genre's aggressive potential. Since forming in 2003, WA has defied easy categorization, the band crafting songs that comfortably draw from a wide swath of rock 'n' roll while retaining punk's ferocity with a hardcore feel. Fat Mike often lists WAs "Cognicide" (2005) as one of the greatest releases on the label, also calling it one of the best hardcore albums he's ever heard. Joey Cape from Lagwagon has also stated that it's his favorite album released on Fat Wreck Chords.

Mit Un Rêve Sans Conséquence Spéciale, ebenfalls 1976 veröffentlicht, verdichten Heldon ihre musikalische Sprache zu einer dunkleren, konzentrierteren Form. Das Zusammenspiel von Synthesizer und Gitarre gewinnt hier an Schärfe und formt Strukturen, die zugleich zielgerichtet und fragil erscheinen, präzise und doch von unterschwelliger Unruhe durchzogen. Die Stücke entfalten sich unter spürbarer Spannung, bewegen sich zwischen Vorwärtsdrang und Auflösung, ohne je in festen Formen zu verharren. Zum 50-jährigen Jubiläum gibt es nun eine Sonderedition in orangefarbenem Vinyl, handnummeriert und limitiert. Ein eindringliches Dokument aus Heldons produktivster Phase.

For decades, Dan Penn’s mid 60s Muscle Shoals demos were the Holy Grail among southern soul fans, feted by the likes of Rick Hall and Jerry Wexler as being better than the hit versions. When they finally became accessible to all, 40-plus years after they were recorded, they turned out to be just as good as had been stated.

Further acclaim awaits the recent discovery by Soul-4-Real of two more demo masterpieces, written and performed by Dan and Spooner Oldham while working in Memphis at American Studio in 1967-68. The tape box shows who they were intended for, and it’s a real shame that James Carr never recorded either as both would have been perfect for him. At least we got to hear fine versions of “Cheaters Never Win” from Tony Borders and Bobby Boseman in due course. The lovely “I’m Believing In You” seems to exist only in the version you hear here.

New ‘old’ music from Dan is always worth hearing and having. These wonderful performances are no exception…

For decades, Dan Penn’s mid 60s Muscle Shoals demos were the Holy Grail among southern soul fans, feted by the likes of Rick Hall and Jerry Wexler as being better than the hit versions. When they finally became accessible to all, 40-plus years after they were recorded, they turned out to be just as good as had been stated.

Further acclaim awaits the recent discovery by Soul-4-Real of two more demo masterpieces, written and performed by Dan and Spooner Oldham while working in Memphis at American Studio in 1967-68. The tape box shows who they were intended for, and it’s a real shame that James Carr never recorded either as both would have been perfect for him. At least we got to hear fine versions of “Cheaters Never Win” from Tony Borders and Bobby Boseman in due course. The lovely “I’m Believing In You” seems to exist only in the version you hear here.

New ‘old’ music from Dan is always worth hearing and having. These wonderful performances are no exception…

Das zentrale Thema von »Come« ist Rausch. Das Album behandelt Phänomene, die in verschiedenen Rauschzuständen auftreten, und hinterfragt, was real ist und welchen Eindrücken man vertrauen kann. Gedanken, Gefühle und Empfindungen entstehen ungehemmt, mal schön, mal bedrohlich.

Die Songs erzählen Geschichten ohne klare Logik, fließen ineinander und laden den Hörer ein, die Reise anzutreten und eigene Eindrücke zu sammeln. Produziert wurde das Album bewusst in organischem, retro-orientiertem Analogsound im Wide Noise Studio, um den typischen Band-Sound fortzuführen. Schlagzeuger Andre Schaltenberg wechselt sich innerhalb der Songs mit Gründungsmitglied Christoph Hesse ab.

Rising from the wreckage of a war torn planet, Czarface joins forces with MF DOOM in the epic Czarface Meets Metal Face! Blending DOOM's trademark abstractions and CZARFACE's in-your-face lyrical attack, this album is ripe with cartoon violence, societal observations and pop culture musings. Over banging beats provided by The Czar-Keys, the armored team give you the witty unpredictable treats any hip-hop fan can sink their fangs into. Expect beats, rhymes, and metal as Czarface controlled by WU-TANG CLAN powerhouse Inspectah Deck and 7L & Esoteric team up with everyone's favorite villain, MF DOOM. With track titles like "Nautical Depth","Meddle With Metal", "Astral Traveling" to "Madness of Badness" this album packs a punch with 16 brand new tracks. Add that with features from Open Mike Eagle and Jedi Mind Tricks' Vinnie Paz, we promise you mind-bending metaphors and brain-melting beats as this powerful pairing sounds off in March 2018! Long time rumored full length collaboration album from Czarface and MF DOOM, fan favorite "Ka-Bang" from Czarface's 2015 sophomore LP Every Hero Needs A Villain had fans begging for more. Cover Art by clothing brand Mishka's head designer Lamour Supreme. Album features Vinnie Paz of the legendary Jedi Mind Tricks, and Open Mike Eagle, who's most recent album "Brick Body Kids Still Daydream" was on Rolling Stone & Pitchforks top 50 albums of 2017 list. The albums lead video "Meddle With Metal" done by Animation Firm TFU Studios who have worked with MF DOOM prior on the "All Caps" video as well as with Mayer Hawthorne, Biz Markie, Cut Chemist and more!

Radhika Meera Dade: “Ever since I entered this realm, music has surrounded me in every way possible. The sounds of magic have been nourishing my soul since birth, the first memories I have as a young child are listening to my dad’s eclectic vinyl collection. I feel so lucky to have been exposed to such a range of music at a really young age: artists from Alice Coltrane to The Go-Betweens, all of these musicians have subconsciously and consciously inspired me musically in many different ways”.

Glass Modern is very proud to present the debut album by Radhika Meera Dade. Cine-Pop is a collection of songs that flow gently and easily in and out of each other - a suite, a short film, everything an album should be. Coming in at 33.3 minutes, it’s the perfect length for an album, it doesn’t short change you, it doesn’t stay too long - it’s designed to be played in one sitting. It’s like being in a friend’s house and noticing the things that are most important in their life - objects, family portraits, records, musical equipment, their curated accumulation. It reflects so many things - culture, community, fandom and the incredible bond between Radhika and her father, Sushil, the Future Pilot AKA. The record spans generations and continents but its home is always Radhika and the family jams she made with Sushil in various garages, bedrooms and garden dens - her soaring voice and love of all kinds of music from Bollywood to Goth Pop to The Glasgow School. The songs are collected from memory and the immediacy of time - one goes all the way back to her 10 year old self penning Future Me, an eco anthem. In different moments other musicians appear - most notably key collaborator, Eric MacDonald, on hazy synth and keys, and Radhika’s mother Vinita, who has a gorgeous voice too. The Glasgow School is very present - Mitch Mitchell (The Pastels) , Gerard Love (Lightships/ ex-Teenage Fanclub) and Tracyanne Campbell (Camera Obscura) all bring their casual magic to the table. Cine-Pop, mostly made in Glasgow at La Chunky Studio with the excellent Colin McGeogh (who also contributes flute, keys and electronics) is a one-off. It’s unrepeatable - there, gone. It’s the world through the eyes of a dazzling young Indo-Scottish woman. Everything she is has gone into it, is part of it and is there for a reason. Following on from the first single, Starry Eyes, which was played multiple times on BBC 6Music and other stations, other singles to be released from the album include Feline Bandits plus a version of the Strawberry Switchblade classic Since Yesterday. Radhika will also be collaborating with Glasgow-based film maker, Laura Meek, on promos and the plan is to play live throughout the year.

He knew now that this was the only way with life. He knew now that fear and pleasure go together like the nut and the shell. - Vicki Baum, Grand Hotel (1929)

Five years after his debut Music For Video Stores (2020), Squama co-founder Martin Brugger is back on the label with his new album The Shell.
It's an introspective record on which field recordings, noisy synths and lo-fi folk guitars yield contemplative emotions with a veiled dream-pop sensibility, the sparse instrumentation and an eerie atmosphere mirroring the quarrels of the inner self.
Otherwise created in solitude in his Munich studio, the record features two contributions from label mate Lilian Mikorey (aka PILLBERT).

Stern Records is proud to announce the first-time reissue of the self-perpetuating plunderphonic classic, Right Into The Sun by Pol Maló.

Originally released on CD-R in 1999 by Cha-Bashira Records Tokyo under the alias "Orange Head," this new 2xLP edition features fully remastered audio and new cover art by Pol. The release also includes a special riso print edition of the original artwork.

Recorded using 3-6 portable record players, plus one MD player on tracks 2 and 4. All records used were melted, warped or broken by briefly placing them on a gas heater. The records were randomly altered this way to allow the styluses to find and stay in their own loops themselves on the wavy record surfaces. No samplers or editing - live aleatoric playback recordings only.

Raw, cacophonous kinetic sound!

Pol's thoughts on the making of the album:

"Difficult to say what it was that made me interested in making music or actually audio art. In comparison, making visual art had always been there for me. But meeting several now generally known musicians as a student certainly left a very deep impact on me. While doing a DIY label and later kind of music store too, I became fascinated in accidental music, experimental sounds and all kinds of improvisations and bricolages. I think I wanted to try to make sound pieces from scratch, with the bare minimum and resulting in a way in found music. Rhythm and repetition seemed to go well with random audio coming from broken things. This way, I thought, I could create new meaning out of something existing by letting it come apart and back together again anew almost by itself. The album "Right into the Sun", I feel, can be listened to and read on various levels and I hope playback of it in all kinds of environments now will add to the original "spark" of it."

Anathema formed in Liverpool in 1990, initially under the name of Pagan Angel & grew from a heavy doom/death metal style act into a more progressive & melodic group, blending rock elements with strong atmospherics inspired by classic acts such as Pink Floyd & Radiohead. The band signed with Peaceville Records after recording the 'All Faith Is Lost' demo in 1991, & is known for being part of the hallowed Peaceville doom metal trinity in the early 1990's (alongside fellow UK bands Paradise Lost & My Dying Bride), with some highly influential releases in the early part of their long, esteemed career. 'Pentecost III' was released in early 1995 & was recorded at the infamous Academy Studios in Yorkshire UK (My Dying Bride, Paradise Lost). 'Pentecost III' featured classic heavy & often hypnotic doom metal, as well as a reworking/rerecording of the 'Memento Mori' track from the 'Iliad of Woes' demo.

Following in the footsteps of Sister John, The Muldoons and The Bluebells, the band recently decamped to Beetroot Studios where, in the company of legendary good guy Bill Ryder- Jones, they set about continuing their tradition of making a new album better than their last. 2024's critically acclaimed shaking hands with the nme is a tough act to follow but we can confidently say they have done it again. The forthcoming i don't think you want to hear this is graceful, humorous and, above all, another collection of stunning musicianship from Scotland's best kept secret. Impeccably produced with consideration and class, the new album is released by Last Night From Glasgow on two shades of coloured vinyl, CD and digital. wojtek the bear (stylised in lower case) formed in 2016. They have been featured across BBC 6 Music, BBC Radio 1, KEXP, BBC Radio Scotland, Radio X, The Herald, Snack Mag and more. Fan favourite track 'tonic youth' has over 203,000 streams on Spotify.

Following in the footsteps of Sister John, The Muldoons and The Bluebells, the band recently decamped to Beetroot Studios where, in the company of legendary good guy Bill Ryder- Jones, they set about continuing their tradition of making a new album better than their last. 2024's critically acclaimed shaking hands with the nme is a tough act to follow but we can confidently say they have done it again. The forthcoming i don't think you want to hear this is graceful, humorous and, above all, another collection of stunning musicianship from Scotland's best kept secret. Impeccably produced with consideration and class, the new album is released by Last Night From Glasgow on two shades of coloured vinyl, CD and digital. wojtek the bear (stylised in lower case) formed in 2016. They have been featured across BBC 6 Music, BBC Radio 1, KEXP, BBC Radio Scotland, Radio X, The Herald, Snack Mag and more. Fan favourite track 'tonic youth' has over 203,000 streams on Spotify.