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"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

Seit ihrer Gründung im Jahr 2016 haben die Londoner High Vis ihre Palette an progressivem Hardcore mit Nuancen von Post-Punk, Brit-Pop, Neopsychedelia und sogar Madchester-Groove verfeinert und einen Mittelweg zwischen Hooks und Wut, Melodien und Moshpits gefunden. Sänger Graham Sayle beschreibt ihr drittes Album Guided Tour als eine Achse der konkurrierenden Kräfte: "Es versucht, eine hoffnungsvolle Platte zu sein, während es gleichzeitig wütend macht." Die Band, die von Schlagzeuger Edward 'Ski' Harper, Bassist Jack Muncaster und den Gitarristen Martin MacNamara und Rob Hammaren komplettiert wird, ist tief in der britischen und irischen DIY-Hardcore-Szene verwurzelt und wird von Rastlosigkeit und rechtschaffener Wut gleichermaßen inspiriert. Sayle sagt: "Jeder kratzt sich, jeder arbeitet die ganze Zeit, und die Vorstellung von Entspannung ist es, sich zu ficken und der Realität zu entgehen. Dieses Album ist eine Flucht vor dieser Realität." Von den ersten Sekunden an, in denen eine Kabinentür zuschlägt, ein Auto aufheult und ein sackartiger Rhythmus zum Leben erweckt wird, klingt Guided Tour wie eine Band, die nach neuen Höhen strebt und vor Energie strotzt. Das Ergebnis der mehrwöchigen Aufnahmen in den Holy Mountain Studios in London mit Produzent Jonah Falco und Tontechniker Stanley Gravett fühlt sich dynamisch und einstudiert an, wie Hymnen, die sich durch Schweiß und Wiederholung in das Gedächtnis der Sinne eingebrannt haben. Harper bringt es auf den Punkt: "Wir hatten eine klare Idee, jeder Moment wurde genutzt. Wenn wir 60 sind, können wir uns vielleicht hinsetzen und einen Schlagzeugsound hinbekommen, aber im Moment geht es darum, die Dinge zu erledigen." Die 11 Songs des Albums umfassen das gesamte Spektrum zeitgenössischer Gitarrenmusik, die durch Erfahrung, Kameradschaft und gesellschaftliche Frustrationen geschärft wurde. Von schwungvollem Streetpunk ("Drop Me Out", "Mob DLA") über schrillen Indie-Spott ("Worth The Wait", "Deserve It") bis hin zu Heavy Alt ("Feeling Bless", "Fill The Gap") und shoegazeartigem Spoken Word ("Untethered") - die Chemie der Gruppe verwandelt jeden Stil in ihre einzigartige Intensität. Sayle setzt sich für diese sich entwickelnde Verschmelzung ein: "Jahrelang hatten wir, die wir aus dem Hardcore kamen, ziemlich klare Grenzen - andere Szenen waren getrennte Welten. Jetzt vermischen sich die Dinge immer mehr, wir schöpfen aus verschiedenen Quellen."

Pique is the sensational debut solo album from Dora Morelenbaum, one of the key talents spearheading Brazil’s new musical wave. A member of the Latin Grammy award-winning band, Bala Desejo, Dora showcases a new side to her solo productions on this special LP. Whereas Dora’s first solo EP, Vento de Beirada, was a leap of faith, Pique sees her soaring as one of Brazil’s standout stars, emboldened, emphatic but ever elegant. Building bridges between past and present, it’s a funkier, more groove-based affair, weaved together with those signature, slower, celestial tracks. Touching on disco, MPB, soul, R&B and jazz, the album is enriched with an indie pop aesthetic courtesy of fellow Brazilian star and co-producer, Ana Frango Elétrico.

With an ethereal, enveloping air few can match, Dora’s gift shines through both the serene and the spirited songs contained within. The blissful, sun-soaked ‘Não Vou Te Esquecer’ opens, before the funk-fuelled, feel-good ‘Venha Comigo’ and ‘Sim, Não.’ give a glimpse of the creativity bursting from the production partnership between Dora and Ana Frango Elétrico. Elsewhere, the album reclines into hazy lean-back realms via ‘A Melhor Saída’ and ‘Petricor’, virtuoso jazz funk in the form of ‘VW Blue’ and radiant MPB through the album’s title track ‘Pique’.

The drumming is tight, fresh and swung, the horns and strings deftly arranged, as funk-driven basslines and strutting guitars mesh with playful production touches that give an added vibrancy to the record. It is an album that exhibits every side of Dora and one she has been involved in from the ground up, from the songwriting, singing, arrangement and production to booking the studio time and sourcing the artwork designer, Maria Cau Levy.

An exchange of musical ideas powers every great scene and Rio’s contemporary landscape is no different - a family of interconnected musicians and friends that collaborate on each other’s productions. Pique is graced by a wealth of these leading Brazilian lights including her Bala Desejo bandmates Lucas Nunes, Julia Mestre and Zé Ibarra, as well as Guilherme Lirio, Alberto Continentino and Tom Veloso to name just a handful. This exchange crosses generations merging tradition with modernity. In a full circle moment, Dora’s parents Paula and Jaques Morelenbaum, who featured in countless recordings from Tom Jobim's Nova Banda and Ryuichi Sakamoto to Gal Costa and Gilberto Gil, join on the album through backing vocals and arrangement.

Pique sees Dora embrace a freedom through fresh forms, showcasing the depth and diversity of her creative artistry. An infinitely listenable release that nods to Brazilian greats like Gal Costa, Banda Black Rio and Lincoln Olivetti, fused with the indie pop edge of Ana’s production. The result is truly unique and sure to be a future Brazilian classic.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

Fast 30 Jahre alt sind sie nun. Und zeitgleich zum runden Bandjubiläum begeht die Band auch ein rundes Alben-Jubiläum: Studioalbum Nr. 10 ist entstanden im Hertzwerk @ Chefrockstudios in Hamburg unter den bewährten Fittichen von Olman Viper, hört auf den freundlichen Namen "Wenn der Teufel anruft". Stets ohne Helm, ohne Gurt und ohne Sicherheits-Schlüppi: Da kommt nix aus der Dose, da ist alles von Hand beim Vollgasrockzirkus von der Waterkant.

Distance as a measure of time and place informs Kelly Finnigan's, A Lover Was Born with a grit and grace that turns passion into virtue. The latest solo release from The Monophonics frontman roots itself in the best traditions of midwest soul labels like King, Curtom, Dakar, and the Bodie Recording Company. A Lover Was Born is a testimony that these deep cut grooves are not resigned to nostalgia, instead, they are at the burning heart of longing and hope. The journey Finnigan takes listeners on over Lover's eleven tracks echo the state of motion and growth since his solo debut, The Tales People Tell (2019). These two records bookend a prolific period of output, including a pair of Monophonics albums, a Christmas album, a mixtape, and a full slate of producing other artists (The Ironsides, Alanna Royale, the Sextones). "There's nothing like making records," says Finnigan. "It feels like that's my purpose _ the reason I was put on this earth." Written in California, Ohio, and Staten Island, Kelly Finnigan collaborated with old friends in and outside the studio. "I enjoy working alone but it's not how you want to make a record_almost everybody I brought in for this album I've worked with, toured with or spent a great deal of time with." Max and Joe Ramey (The Ironsides), Jimmy James (Parlor Greens), Sergio Rios (Orgone), Joey Crispiano (Dap Kings) and Jay Mumford (aka J-Zone) all contribute to the overall sound of A Lover Was Born. Dramatic influences like Isaac Hayes (check out the piano on "Be Your Own Shelter") and Jerry Ragovoy are chopped and folded into Northern Soul uptempo numbers to create stompers like "Get a Hold of Yourself" or "Chosen Few". Finnigan's take on Deep Soul is captured brilliantly on "Walk Away from Me" and "Love (Your Pain Goes Deep)", while Boom Bap pervades on hard hitters "His Love Ain't Real" & "Cold World". Slower songs such as "Let Me Count the Reasons", the emotional "All That's Left", and the soul-stirring album closer "Count Me Out" show the honest and tender side that has become Finnigan's calling card. All the while, the voice is raw and earthy _ in the best tradition of R&B shouters like Otis Redding, Lee Moses, and David Ruffin. The songs on A Lover Was Born reconfigure the spliced and sampled DNA of hip hop (extracted by crate diggers like Dilla and RZA) to create something new, underscoring both the spectrum and depth of soul while making a case to the timelessness of Finnigan's sound.

Distance as a measure of time and place informs Kelly Finnigan's, A Lover Was Born with a grit and grace that turns passion into virtue. The latest solo release from The Monophonics frontman roots itself in the best traditions of midwest soul labels like King, Curtom, Dakar, and the Bodie Recording Company. A Lover Was Born is a testimony that these deep cut grooves are not resigned to nostalgia, instead, they are at the burning heart of longing and hope. The journey Finnigan takes listeners on over Lover's eleven tracks echo the state of motion and growth since his solo debut, The Tales People Tell (2019). These two records bookend a prolific period of output, including a pair of Monophonics albums, a Christmas album, a mixtape, and a full slate of producing other artists (The Ironsides, Alanna Royale, the Sextones). "There's nothing like making records," says Finnigan. "It feels like that's my purpose _ the reason I was put on this earth." Written in California, Ohio, and Staten Island, Kelly Finnigan collaborated with old friends in and outside the studio. "I enjoy working alone but it's not how you want to make a record_almost everybody I brought in for this album I've worked with, toured with or spent a great deal of time with." Max and Joe Ramey (The Ironsides), Jimmy James (Parlor Greens), Sergio Rios (Orgone), Joey Crispiano (Dap Kings) and Jay Mumford (aka J-Zone) all contribute to the overall sound of A Lover Was Born. Dramatic influences like Isaac Hayes (check out the piano on "Be Your Own Shelter") and Jerry Ragovoy are chopped and folded into Northern Soul uptempo numbers to create stompers like "Get a Hold of Yourself" or "Chosen Few". Finnigan's take on Deep Soul is captured brilliantly on "Walk Away from Me" and "Love (Your Pain Goes Deep)", while Boom Bap pervades on hard hitters "His Love Ain't Real" & "Cold World". Slower songs such as "Let Me Count the Reasons", the emotional "All That's Left", and the soul-stirring album closer "Count Me Out" show the honest and tender side that has become Finnigan's calling card. All the while, the voice is raw and earthy _ in the best tradition of R&B shouters like Otis Redding, Lee Moses, and David Ruffin. The songs on A Lover Was Born reconfigure the spliced and sampled DNA of hip hop (extracted by crate diggers like Dilla and RZA) to create something new, underscoring both the spectrum and depth of soul while making a case to the timelessness of Finnigan's sound.

Distance as a measure of time and place informs Kelly Finnigan's, A Lover Was Born with a grit and grace that turns passion into virtue. The latest solo release from The Monophonics frontman roots itself in the best traditions of midwest soul labels like King, Curtom, Dakar, and the Bodie Recording Company. A Lover Was Born is a testimony that these deep cut grooves are not resigned to nostalgia, instead, they are at the burning heart of longing and hope. The journey Finnigan takes listeners on over Lover's eleven tracks echo the state of motion and growth since his solo debut, The Tales People Tell (2019). These two records bookend a prolific period of output, including a pair of Monophonics albums, a Christmas album, a mixtape, and a full slate of producing other artists (The Ironsides, Alanna Royale, the Sextones). "There's nothing like making records," says Finnigan. "It feels like that's my purpose _ the reason I was put on this earth." Written in California, Ohio, and Staten Island, Kelly Finnigan collaborated with old friends in and outside the studio. "I enjoy working alone but it's not how you want to make a record_almost everybody I brought in for this album I've worked with, toured with or spent a great deal of time with." Max and Joe Ramey (The Ironsides), Jimmy James (Parlor Greens), Sergio Rios (Orgone), Joey Crispiano (Dap Kings) and Jay Mumford (aka J-Zone) all contribute to the overall sound of A Lover Was Born. Dramatic influences like Isaac Hayes (check out the piano on "Be Your Own Shelter") and Jerry Ragovoy are chopped and folded into Northern Soul uptempo numbers to create stompers like "Get a Hold of Yourself" or "Chosen Few". Finnigan's take on Deep Soul is captured brilliantly on "Walk Away from Me" and "Love (Your Pain Goes Deep)", while Boom Bap pervades on hard hitters "His Love Ain't Real" & "Cold World". Slower songs such as "Let Me Count the Reasons", the emotional "All That's Left", and the soul-stirring album closer "Count Me Out" show the honest and tender side that has become Finnigan's calling card. All the while, the voice is raw and earthy _ in the best tradition of R&B shouters like Otis Redding, Lee Moses, and David Ruffin. The songs on A Lover Was Born reconfigure the spliced and sampled DNA of hip hop (extracted by crate diggers like Dilla and RZA) to create something new, underscoring both the spectrum and depth of soul while making a case to the timelessness of Finnigan's sound.

Pianist Aaron Parks returns to Blue Note—where he released his influential 2008 album Invisible Cinema—with Little Big III, the third studio album from his acclaimed band Little Big featuring guitarist Greg Tuohey, bassist David Ginyard Jr., and drummer Jongkuk Kim. Co-produced by Parks and Don Was, the collective’s concise, accessible writing and vibrant, empathetic playing elevate the band’s powerfully modern, post-genre concept for improvised music in the 21st century.

Die New-England-Extrem-Metal-Band Escuela Grind wird am 18. Oktober ihre neue LP „Dreams on Algorithms“ über MNRK Heavy veröffentlichen.
Aufgenommen im GodCity-Studio in Salem, Massachusetts, mit Produzent Kurt Ballou und gemastert von Nick Townsend (Dr. Dre, Betty Davis), ist die
Platte der mit Spannung erwartete Nachfolger von Escuela Grinds gefeiertem Debütalbum „Memory Theater“ aus dem Jahr 2022, das von der New
York Times als „ein Opus der Extremität“ gefeiert wurde.Escuela Grinds Reise durch die strafende Klanglandschaft des Grindcore war alles andere als
status quo. Ihr Mantra der Förderung von Inklusivität und Akzeptanz innerhalb extremer Musikgemeinschaften steht als Pfeiler des Fortschritts in
einer oft abgeschotteten und verschlossenen Subkultur. Sängerin Katerina Economou verbreitet den Geist und die Grundüberzeugungen der Band auf
jeder Bühne, auf der sie auftritt - sie verstärkt die Stimmen der Unterrepräsentierten und verbindet die Menschen auf einer Ebene, die tiefer geht als
die Musik.Dreams on Algorithms ist ein klanglicher Beweis für die Ideologien der Band - eine knüppelharte Darbietung von progressivem
Extrem-Metal, der die Genregrenzen überschreitet.

Die 1967 gegründete Band TEN YEARS AFTER zählte in den späten sechziger und frühen siebziger Jahren zu den innovativsten und erfolgreichsten Vertretern der britischen Progressive- und Rock-Szene. So veröffentlichte die Formation, der zwei Jahre später mit ihrem Auftritt beim legendären Woodstock-Festival der internationale Durchbruch gelang, acht hochgelobte Studioalben. Die jetzt erhältliche LP - gepresst in weissem Vinyl - präsentiert
Klassiker und Hits der Band wie ‘I‘m Going Home’, ‘I Woke Up This Morning’ u.v.m.

Laura Jane Grace & the Mississippi Medicals - das brandneue Rock-Quartett unter der Leitung von Grace und mit Matt Patton von den Drive-By
Truckers (Bass), Mikey Erg von The Ergs (Schlagzeug) und Paris Campbell Grace (Gesang, Perkussion) - freuen sich, die Veröffentlichung der Debüt-EP
Give An Inch ankündigen zu können.
Aufgenommen von Patton bei Dial Back Sound in Water Valley, MS, läutet Give An Inch ein neues und aufregendes Kapitel für die Emmy-nominierte
Künstlerin, Autorin und Aktivistin ein, indem sie auf die verschiedenen Talente dieser erfahrenen Musiker zurückgreift. Angeführt von den Singles „All
Fucked Out“, einem Stück, das der Rolling Stone als „eine staubige Plane aus treibendem Country-Punk“ bezeichnete, und dem ausgelassenen „Karma
Too Close“.

It's been nearly a decade since Montreal's PYPY (pronounced like 'π π'...with a long 'i' rather than long 'e', thank you very much) landed with their debut Pagan Day (Slovenly), but the same lunatics behind CPC Gangbangs, Red Mass and Duchess Says are back with Sacred Times on Goner Records. One might recall the thunderous pop of their banger "She's Gone" carving out a place for itself in the high-end fashion world, becoming the soundtrack to Yves Saint Laurent's 2016 show. If that album bounced, punched and clawed like Delta 5 covered in dirt and trying to get somewhere in a booted vehicle while dodging lightning rod guitar licks the whole way, Sacred Times takes things to somewhere far beyond the proverbial "next level."

Co-vocalist/founder/multi-instrumentalist Annie-Claude Deschênes' (Duchess Says) signature howl and vocal acrobatics are present but so is a tendency towards beautiful melodies. Bassist Philippe Clement's (Duchess Says) brings a nastier bottom end that locks onto Simon Besré's drumming with a death grip for the entire affair. And guitarist/co-vocalist Roy Vucino (Red Mass, CPC Gangbangs, Black Leather Rose, Les Sexareenos, a gazillion others) goes bonkers with wildass blown-out guitar that's like hornets caught in yr hair.

"Lonely Striped Sock" grooves along like "Earthbeat"-era Slits/ESG until the chorus transforms PYPY into something else entirely. Something huge. Something with monster riffs and wah wah that pins you to the back wall. So there is clearly a brilliance with dynamics here, and it proves to be a not-so-secret-weapon that repays the "ear-vestment" in dividends throughout. "Ear-vestment"? Yikes. Then it's time for "She's Back," a sort of part 2/continuation (maybe a trilogy is in the works?) of Pagan Day's best-known gem (the aforementioned "She's Gone"). This one packs a hook that'll make your brain take out a restraining order. Looking for lost keys? Jury duty? Underwater welding? Negotiating a hostage situation? It doesn't matter...nothing will stop it from invading your thoughts. They say the only way to get a song unstuck from the noodle is to listen to it from start to finish, but you'll be doing that anyway. A lot. "Erase" is a (synth) noise-punk nugget; revealing a need for Brainiac-meets-Blondie we didn't know we had...deceptively kicking off with a no-fi drum machine that is immediately lost in the massive pop din that seemingly includes everything within reach. "Poodle Escape" is two minutes of perfect (and perfectly distorted) synth-punk and "I Am A Simulation" – with lead vox from Vucino – is yet another hit that deviates from the noise a bit and pays homage to both Devo and classic late-70's (big) power-pop (ex: the first Cars LP), but with a manic nature that is 150% circa right now. "15 Sec" (actually 3:38 in duration, thankfully) serves up a stanky-brown bass line, Deschênes' gorgeous vocals, wonderfully combative white hot, pin-the-meters Oh Sees/early Comets on Fire guitar rips, and a stunning coda that seems to utilize everything great about this band over its final minute. The album's title track is a love letter to Hawkwind in the musical language already established here. "Vanishing Blinds" is like being chased through the rain-soaked streets in an unknown dystopian nightmare from 40+ years ago. The album closes with the brooding if not playful menace of "Poodle Escape,” which, like its predecessors, is completely unlike every track before it.

Das neue Album des Rephlex-Alumnus Bogdan Raczynski ist eine Sammlung warmer, melodischer, elektronischer Skizzen, mit Tracks, die abwechselnd beatlos im Wind dahintreiben oder von Lo-Fi-Drums untermalt werden, manchmal gerade mal zusammengehalten von einer filigranen Konstruktion aus merkwürdigen Synthie-Patches und Ping-Pong-Percussion. Jedes Stück ist kurz und auf den Punkt, eine Platte perfekter Miniaturen. Auch wenn diese Beschreibung utopisch klingen mag, ist das Album um Themen wie spätkapitalistische Brutalität, Hyperkonsumismus, Online-Untergang und algorithmische Apokalypse herum konzipiert. Schönheit angesichts des planetaren Zusammenbruchs und des rund um die Uhr live gestreamten Mordens.

Gerüchten zufolge wurde Raczynski von Aphex Twin entdeckt, als er auf einer Parkbank in Tokio schlief. Er erschien erstmals 1999 auf der Bildfläche, direkt im ersten Jahr mit 3 Alben. Er erkundete u.a. halluzinatorische, basserschütternde IDM, Aussenseiter-Junglism und traditionelle polnische Volksmusik, arbeitete mit Björk zusammen, produzierte den Soundtrack für ein PlayStation-Spiel und remixte Tracks von u.a. Autechre, Jonsi und CLIPPING. 2019 begann das Label Disciples, sich um seinen Katalog aus der Rephlex-Ära zu kümmern, stellte die "Rave 'Till You Cry" Compilation mit unveröffentlichtem Gold aus den Archiven zusammen und veröffentlichte seinen Klassiker "Samurai Math Beats" neu. Sein letztes Studioalbum "ADDLE" erschien 2022 bei Planet Mu.

Mit ihrem 6. Studioalbum “Sting” lassen Emarosa ihre Post-Hardcore Wurzeln zurück und öffnen das Tor zu einer neuen Welt voll von Pop-Rock Songs mit Ohrwurm-Garantie. In “Sting” vereint die Band ihre atmosphärischen Post-Rock Elemente mit einem musikalischen Ansatz, der als amerikanische Antwort auf The 1975 verstanden werden kann. Mit Funk Einlagen zwischen elektronischen Beats, einem 80er Jahre Vibe und modernem Alt-Rock, dominanten Synths und E-Drum Beats überzeugen sie alte wie neue Fans. “Sting” hat für die Band aus Kentucky ein neues Kapitel aufgeschlagen und ist nun auf limitierter neuer Multi-Color Picture Vinyl erhältlich, die zusätzlich den Cover Song “I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)” enthält.

The 25th anniversary edition of Mariah Carey’s multi-platinum selling record, Rainbow has been pressed on rainbow vinyl and includes rare photos from the era. Rainbow is Mariah’s seventh studio album, with #1 hits, “Heartbreaker” (ft. Jay-Z), “Thank God I Found You” (ft. Joe & 98 Degrees), the globally successful cover of "Against All Odds" plus more fan favorites. This deluxe album also features several bonus tracks including, ‘Rainbow’s End,’ a brand-new recording.

Phoebe Rings is a dream-pop band offering a unique blend of introspective yearning with celestial danceable grooves. Their self-titled debut EP, a hopeful collection of musings, out on Carpark Records, is a testament to the distinctive musical style of Auckland jazz-school-trained pianist and songwriter Crystal Choi. Across six tracks, the EP is a love letter to some of the band’s influences: Studio Ghibli films, Zelda and Stardew soundtracks, Bossa Nova, Stereolab, and 90’s Korean ballads.

In 2020, the band played their first gig in a ‘funny side room’ during a festival at Auckland Town Hall. Choi’s songwriting was brought to life with Alex Freer on drums, Simeon Kavanagh-Vincent on guitar and synths, and Benjamin Locke on bass. Choi says she knew the tracks had to be recorded after the band played the songs better than she could ever imagine. And so, remotely through the COVID-19 lockdowns, the band started recording the EP.

“Daisy” is the vibrant leading single, with the shimmery refrain “Ooh-wee-a-waa” and the uplifting mantra: “When you’re next to me, the world’s full of daisies.” The swirling synths fizz on the skin like warm sun, promising growth and new starts. “Cheshire” is an Alice in Wonderland-inspired trip through the rabbit hole, pacing in anticipation. “Like a Cheshire cat, it grins and disappears in moments when you accept yourself,” explains Choi. Locke and Choi finished the lyrics one evening, huddled in the corner of a local underground music venue, with references to Murakami’s book Dance Dance Dance.

Choi grew up in Seoul, developing a palette for K-pop and retro sounds. The city-pop influence of “January Blues” shines through, with Choi crediting one of her favourite songs from the ’80s: “연극이 끝난 후 After Play”. The track explores her disconnect with the summer break. “In the Northern Hemisphere, January is winter,” says Choi. “I missed that a lot, and I don’t vibe with the beach.”

“Spissky,” chimes in with Choi’s lilting vocals reminiscent of childhood lullabies, inspired by a lonely-looking castle she saw on tour with Princess Chelsea in Slovakia. While “Ocean” leans into its mumble-core roots, taking a leaf from the Cocteau Twins. There’s an external shift in the EP, with “Lazy Universe” being the most energetic track, evolving with the band’s chaotic sci-fi experimentation. Asking, “Are you still waiting for a kiss?” Choi is self-critical and urgently speaks up from being passive.

The members of Phoebe Rings are cemented in the musical ecosystem, balancing other projects and full-time work. Yet Sundays will always be carved out for Phoebe Rings to dream up imaginative, world-building tunes — often with a Nintendo game soundtrack in the background as inspiration.

The origins of Oreo Jones forthcoming third studio album, to be released September 20th, 2024, started in 2019 while on an extended trip to Antananarivo, Madagascar supported by an Andy Warhol Foundation grant. The myriad sights and sounds of this journey greatly inform the sonic tapestry of this new album.Jones teamed up with indie producer Ben Lumsdaine (Durand Jones/Wishy/Varsity/Barrie) to build songs from the ground up sending demos back and forth from across the country. Jones also recruited composer and vocalist Hanna Benn to add heavenly harmonies sprinkled throughout the album. The result is a sound that is intentional and immediate, earthly and ethereal. Each song is a chapter in a narrative crafted with purpose.Emotionally, the album emerges from a place of much needed rest and peace. During the recording process, Jones' uncle passed away unexpectedly. Over the past few years, he has found himself processing grief and loss within his immediate family of elders. Nephew is an ode to celebrate the ancestors who shaped the artist he is today.