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Jim Jones All Stars ist ein brodelnder Sumpffluch mit unheiligem Rhythmus und das neueste Projekt des britischen Garage-Paten Jim Jones (Thee Hypnotics, The Jim Jones Revue). Die Band besteht aus Mitgliedern von Jim Jones Revue, The Heavy, The Swamps und einer kompletten Bläsergruppe. Ihre LP "Ain't No Peril" ist ein dickes, fettes Stück Rama-Lama-Rhythm'n'Blues mit einigen von Jones' inspiriertesten Songs samt Gastauftritten des stimmlichen Powerhouse Nikki Hill und Eugene S. Robinson (Oxbow), das mit Scott McEwen in dessen Memphis Magnetic-Studio aufgenommen, von John Gletze produziert und von Grammy-Gewinner Randy Merrill gemastert wurde.

SAM MORTON, das musikalische Duo, bestehend aus der Sängerin, Songwriterin und jüngst mit dem BAFTA (dem britischen Äquivalent zum Oscar) ausgezeichneten Schauspielerin und Regisseurin Samantha Morton und dem Musikproduzenten und Co-Songwriter Richard Russell, veröffentlichen ihr gemeinsames Debütalbum. Das Album trägt den Titel "Daffodils & Dirt" und wird am 14. Juni über XL Recordings veröffentlicht. In zwölf atmosphärischen Tracks bauen die beiden eine zutiefst persönliche musikalische Welt auf, die gleichzeitig intim und zart, aber auch kraftvoll und mitunter schroff wirkt. In der teilweise autobiografischen Songfolge bilden Russells spartanische Klanglandschaften das fragile Gerüst für Mortons wunderschönen wie ätherischen Gesang. Unterstützt werden sie dabei von einer Reihe musikalischer Freunde. Darunter Alabaster DePlume, Laura Groves, Jack Peñate und als zusätzliche Sängerin Ali Campbell (bei "Broxtowe Girl"). Obwohl Samantha Morton schon ihr ganzes Leben lang Musik liebt und sich mit ihr beschäftigt, ist dies ihr erstes Projekt als Musikerin überhaupt. Die Zusammenarbeit kam zustande, nachdem sie im Oktober 2020 in der BBC-Sendung "Desert Island Discs" auftrat und Russell zufällig zuhörte. Er war nicht nur von ihrer Songauswahl beeindruckt (einschließlich der gemeinsamen Vorliebe für ein bestimmtes Lied: "I Remember" von Molly Drake), sondern auch von der Art und Weise, wie die Musik ihre Lebenserfahrungen verwebt. Die beiden nahmen Kontakt auf und tauschten Ideen, Skizzen und Gedankenströme aus. Schließlich trafen sie sich Monate später im Studio und begannen eine spontane wie intensive und ergebnisoffene Zusammenarbeit, die sich für beide Künstler als kathartischer musikalischer Prozess erwies. "Daffodils & Dirt" wurde schließlich 2023 fertiggestellt und zeigt, wie es klingt, wenn Sound-Kosmen miteinander zu einer wunderschönen Fusionen verschmelzen. "Daffodils & Dirt" ist digital und als CD, LP und exklusive gelbe Indie-Vinyl erhältlich. Das Cover des Albums zeigt ein Archivfoto des renommierten britisch-amerikanischen Fotografen und bildenden Künstlers Nick Waplington, der das Leben in Nottinghams Broxtowe Estate zur gleichen Zeit dokumentierte, als Morton dort Mitte der 1980er Jahre aufwuchs. Bereits heute erscheint die neue Single "Let"s Walk In The Night" aus dem Album. "Let"s Walk In The Night" ist eine gespenstische, jenseitige Neuinterpretation des britischen Street Soul und wird von einem Video begleitet, bei dem Samantha Morton selbst Regie führte. Das Video wurde auf der jährlichen Goose Fair in Nottingham gedreht und ist das zweite Musikvideo, bei dem Morton Regie geführt hat, nach dem Video zu "Cry Without End", in dem sie auch die Hauptrolle spielte Anfang des Jahres.

SAM MORTON, das musikalische Duo, bestehend aus der Sängerin, Songwriterin und jüngst mit dem BAFTA (dem britischen Äquivalent zum Oscar) ausgezeichneten Schauspielerin und Regisseurin Samantha Morton und dem Musikproduzenten und Co-Songwriter Richard Russell, veröffentlichen ihr gemeinsames Debütalbum. Das Album trägt den Titel "Daffodils & Dirt" und wird am 14. Juni über XL Recordings veröffentlicht. In zwölf atmosphärischen Tracks bauen die beiden eine zutiefst persönliche musikalische Welt auf, die gleichzeitig intim und zart, aber auch kraftvoll und mitunter schroff wirkt. In der teilweise autobiografischen Songfolge bilden Russells spartanische Klanglandschaften das fragile Gerüst für Mortons wunderschönen wie ätherischen Gesang. Unterstützt werden sie dabei von einer Reihe musikalischer Freunde. Darunter Alabaster DePlume, Laura Groves, Jack Peñate und als zusätzliche Sängerin Ali Campbell (bei "Broxtowe Girl"). Obwohl Samantha Morton schon ihr ganzes Leben lang Musik liebt und sich mit ihr beschäftigt, ist dies ihr erstes Projekt als Musikerin überhaupt. Die Zusammenarbeit kam zustande, nachdem sie im Oktober 2020 in der BBC-Sendung "Desert Island Discs" auftrat und Russell zufällig zuhörte. Er war nicht nur von ihrer Songauswahl beeindruckt (einschließlich der gemeinsamen Vorliebe für ein bestimmtes Lied: "I Remember" von Molly Drake), sondern auch von der Art und Weise, wie die Musik ihre Lebenserfahrungen verwebt. Die beiden nahmen Kontakt auf und tauschten Ideen, Skizzen und Gedankenströme aus. Schließlich trafen sie sich Monate später im Studio und begannen eine spontane wie intensive und ergebnisoffene Zusammenarbeit, die sich für beide Künstler als kathartischer musikalischer Prozess erwies. "Daffodils & Dirt" wurde schließlich 2023 fertiggestellt und zeigt, wie es klingt, wenn Sound-Kosmen miteinander zu einer wunderschönen Fusionen verschmelzen. "Daffodils & Dirt" ist digital und als CD, LP und exklusive gelbe Indie-Vinyl erhältlich. Das Cover des Albums zeigt ein Archivfoto des renommierten britisch-amerikanischen Fotografen und bildenden Künstlers Nick Waplington, der das Leben in Nottinghams Broxtowe Estate zur gleichen Zeit dokumentierte, als Morton dort Mitte der 1980er Jahre aufwuchs. Bereits heute erscheint die neue Single "Let"s Walk In The Night" aus dem Album. "Let"s Walk In The Night" ist eine gespenstische, jenseitige Neuinterpretation des britischen Street Soul und wird von einem Video begleitet, bei dem Samantha Morton selbst Regie führte. Das Video wurde auf der jährlichen Goose Fair in Nottingham gedreht und ist das zweite Musikvideo, bei dem Morton Regie geführt hat, nach dem Video zu "Cry Without End", in dem sie auch die Hauptrolle spielte Anfang des Jahres.

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

"Kindred Spirits" versammelt elf Coverversionen, allesamt im Alleingang eingespielt, eingesungen und aufgenommen von Ronny Moorings. Und was für eine Auswahl uns hier erwartet: "Blue Monday" von NEW ORDER, "Question Of Time" von DEPECHE MODE, "Decades" von JOY DIVISION, "A Forest" von THE CURE oder "Alice" von THE SISTERS OF MERCY mögen Stücke sein, die man in der ewigen Playlist eines Ronny Moorings vielleicht schon immer vermutet hätte; die Art und Weise, wie er diese Songs zu neuem CLAN OF XYMOX-Leben erweckt, erstaunt und begeistert dennoch mehr als man das jemals erwartet hätte. Warm, organisch, irgendwo zwischen waviger Elektronik und nebelumwalltem Goth Rock geben sich diese Respektbekundungen, zeigen eine gänzlich neue Seite von CLAN OF XYMOX und lassen ganz nebenbei unsterbliche Klassiker wieder aufleben.

Dass "Kindred Spirits" kein herkömmliches Coveralbum ist, zeigt neben der Songauswahl auch der beinahe sakrale Charakter, mit dem Ronny Moorings an diesem Album gearbeitet hat. Es sind allesamt Songs, die ihm viel bedeuten, die ihn geprägt haben und ihm zweifellos über die eine oder andere besonders dunkle Stunde hinweggeholfen haben - genau, wie es die Musik von CLAN OF XYMOX bereits für unzählige Menschen getan hat. "Kindred Spirits" ist ein Album, so persönlich wie ein gemeinsamer Abend mit Ronny Moorings und seiner Plattensammlung. Eine Lehrstunde in Sachen seelenvoller Musik - gesehen durch die Augen eines hoffnungslosen Musikliebhabers.

Mehrfarbiges Vinyl, Blau, Schwarz und Weiß, Farben viskos ineinanderlaufend und gesprenkelt, Individuell von Hand gefertigt, Jede Schallplatte ist ein Unikat, Deutsche Pressung, 180 Gramm, Überarbeitetes Artwork, Stabile Kastentasche, Mehrfarbig bedruckte Innenhüllen, Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten, Limitiert auf 500 Exemplare weltweit

Originalmusik von den Chiptune-Rockern Anamanaguchi (Künstlerveröffentlichungen, Scott Pilgrim Videospiel, Capsule Silence XXIV) und Joseph Trapanese (Oblivion, Straight Outta Compton, No One Will Save You, The Greatest Showman, Skull Island, The Witcher, The Machine, Star Wars: Tales from the Galaxy's Edge, Stuber), mit Originalsongs von Anamanaguchi.

Scott Pilgrim Takes Off ist eine Anime-Streaming-Fernsehserie, die von Bryan Lee O'Malley und BenDavid Grabinski für Netflix entwickelt wurde. Die Serie basiert auf den Scott Pilgrim-Grafikromanen, die von O'Malley geschrieben und gezeichnet wurden, wobei die gesamte Hauptbesetzung aus der Verfilmung von 2010, Scott Pilgrim vs. the World, ihre Rollen für die englische Sprachbesetzung wieder aufnimmt, und dient sowohl als Fortsetzung als auch als Neuinterpretation des Grafikromans und des Films. Die Serie wurde am 17. November 2023 veröffentlicht und von der Öffentlichkeit
begeistert aufgenommen. Im Gegensatz zur Verfilmung, die weitgehend die gleiche Geschichte wie die Comics erzählte, weist "Takes Off" eine völlig eigenständige Handlung auf: Der titelgebende Scott Pilgrim verschwindet in der ersten Folge, und Ramona Flowers, sein Liebesinteresse, steht im Mittelpunkt, während sie versucht, herauszufinden, wer von den Darstellern für sein Verschwinden verantwortlich ist, während andere Figuren in der Geschichte an einer fiktiven Adaption von Scotts Leben arbeiten.

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

"Ich bin neu in der Hamburger Schule" haben Tocotronic 1995 gesungen. "Die Lehrer sind alle ganz nett hier und die meisten meiner Mitschüler auch." Doch wer sind die "Lehrer" dieser 1993 gegründeten Band, die erst spät zu der unter dem Namen "Hamburger Schule" bekannten Szene gestoßen ist? Und wie blicken die "Mitschüler" heute auf die Musikszene, die sich ab Mitte der Achtziger an den Tresen, in den Übungsräumen und Konzertsälen der Hansestadt entwickelte? Zu einer Zeit als Deutschpunk stumpfer und die Neue Deutsche Welle schlagerhafter wurde, entstand irgendwo dazwischen etwas Neues, Eigenes. Noch ohne Trainingsjacken, Seitenscheitel und deutschsprachige Texte herrschte zunächst eine musikalisch wilde Mischung vor - Alternative neben Northern Soul, Punk neben Noise, Pop neben Instrumentalmusik. Erst nach und nach schälte sich der deutschsprachige, intellektuelle Diskurspop heraus, der zum Markenzeichen - und Klischee - der Hamburger Schule wurde und Bands wie Blumfeld, Die Sterne oder Tocotronic zu überregionaler Bekanntheit führte. "Der Text ist meine Party" begleitet zahlreiche Akteur:innen auf ihrem Weg aus der Provinz nach Hamburg. Viele der Musiker:innen hatten in der Punkszene die Selbstermächtigung, den Do-it-yourself-Ethos erlernt und gründeten Bands und Tonstudios, Labels und Konzertorte. "Der Text ist meine Party - Die Hamburger Schule 1989-2000" ist das musikalische Pendant zum gleichnamigen Buch von Jonas Engelmann (Ventil Verlag). Auf der Compilation finden sich viele Musiker:innen, die auch im Buch zu Wort kommen und einige mehr.

A home, a house, has countless frequencies. Each room, each corner feels different. Swings differently. And as you grow older, you realize which corner is yours. But yeah, it takes time…

It certainly marks the end of an era when the house one called home as a kid no longer exists. This home, it was the starting point of so many journeys. Of one big, ongoing journey. And so it feels good, soothing, reassuring to at least return to a spot nearby – to that (proverbial) hill from where you can see it. Feel the vibe that made you.

Andi Haberl’s debut solo album as Sun is sort of dedicated to that house. It’s a journey leading to that hill overlooking everything that made him. It’s not about nostalgia, not about actually returning to a specific place. Instead, it’s about finding a personal frequency, an overlapping of sounds and samples, an open space that mirrors and extends whatever frequencies felt right at different points in time.

“To me, the results feel like Gold Panda/Four Tet meets Steve Reich meets Krautrock meets film scores. I just really wanted to create moods that touch me – and ideally others, too.”

Talking about his first solo album, Haberl recalls many stages: early compositions that ended up on Alien Ensemble’s albums, early DIY/home studio/multi-instrumentalist inspirations (Le Millipede), new technologies that came and went, even a set of wildly convincing arrangements (done with Cico Beck’s crucial input) that ultimately became stepping stones for yet another round of DIY takes. “It was a long, recurring process, and the songs went through so many different versions,” he says, talking about phases of growth (“I added more and more equipment over time”) and pruning, “cleaning up my music a bit.” Tending towards instruments that open up space, and slowly falling in love with sampling, he certainly didn’t rush things once it was time for interior design decisions ;)

“During this whole process I got to learn so much about my own taste, how I prefer to listen to the pieces, which musical elements really matter to me… and what my own voice is. For example, that acoustic elements are most important to me: the banjo, piano, drums, my voice, glockenspiel, trumpet, melodica. Anything that opens up some space.”

Every journey begins with a search: “Missing” with its plucked chords opens like a sunrise over pastoral plains, gently leading the way towards the intricate, playful explosion that occurs once a certain amount of energy (“Sun”) hits dirt and other surfaces: things grow, clot and curdle into new shapes, like new buds; layers of sound move forward, drenched in Spring’s new light. Relying on samples to ask for precipitation (“Rain On Me”), robotic “Low” goes from barren to bass-heavy after its midway shift in pace, full of loops plucked from the shade.

Towards the album’s midpoint, things are suddenly reversed: “Cluster” has that backwards pull, you can’t tell what’s what, yet everything is perfectly locked in, as the pace increases once again. And before the title song shimmers with densified cheering (to eventually stand tall like early Lymbyc Systym), “Beside Me” swipes you off your feet with its booming bass drum. The beat returns once again (“Daydream”), full of searching voices underneath, and at “Dawnday,” we can finally catch a melancholy view of the house. Voices hum. It’s the score moment of the album. Everything makes sense now. A happy end of sorts?

“I want to take people on a journey. A personal journey, too, because when my parents split up and sold the house I grew up in, I felt a bit like the ground had fallen out from under my feet. But I have dedicated the album title and the accompanying piece to this house… so I can keep it in good memory.”

“I Can See Our House From Here” has been a long time coming. It’s been a long journey. Homeward-bound. Leading to a place that’s really Haberl’s – his sound. His frequencies.

Known as a long-time member of The Notwist and various other bands/projects (Alien Ensemble, AMEO, jersey, Ditty etc.), Berlin-based drummer/composer Andi Haberl has also worked with My Brightest Diamond, Till Brönner, Owen Pallet, and Kurt Rosenwinkel, to name a few. “I Can See Our House From Here” is his first solo offering.

A1 - Polaris
Going all in to open the EP with a truly stand out 2-step roller, ASC crafts a distinctly energetic vibe with Polaris, featuring an intricate old school break seldom heard in drum & bass - packed with high-end detail and a glorious raw energy. With long radiant pad work, a classic jumpy 808 bassline and a stunning, reverberating female vocal sample whooshing and panning across the mix, Polaris will instantly become a favourite in your setlist.
A2 - Things Left Unsaid
Opening with an intriguing fusion of suspenseful keys and deliciously crisp bongos that each play a key role throughout, Things Left Unsaid asks the listener questions of yesteryear in a varied odyssey filled with a myriad of echoed vocal samples, horns and effects, set to a break-laden beat pattern that hops along with kicks and snares each snatching the attention. A calmer vibe from ASC that still packs a punch.
AA1 - Temple Bell
A thumping, spirited beat pattern with rapid kicks and metallic snares provide a visceral aural onslaught as the aptly-named Temple Bell blends our imperious breaks with darkly, epic tolls radiating through a vast ornate hall of resonance -suitably reverberating alongside a backdrop of synchronic atmospherics. Heavily EQ'd vocal samples colour the mix to complete a weighty musical collage.
AA2 - Contrast
Beginning with a flurry of cow bells in a vibrant, expertly edited take on the classic Circles break, ASC serves up a delightfully laid back yet danceable piece with Contrast. Space FX, swirling pads and a mellow, memorable key melody overlay a beautiful mosaic of calm as the continued thrust of the break drives a constant energy to the track, perfectly capturing the ethos of Spatial and closing another immense EP

Words by Chris Hayes Spatial/Red Mist

L.D. 50 is the debut studio album by Mudvayne, the American heavy metal band that is known for their sonic experimentation and horror-styled appearances. The album was co-produced by none other than Garth Richardson and Shawn ""Clown"" Crahan of Slipnot. For the album, they experimented with a ragged, dissonant sound; a sound collage prepared specially for the album that was used as a series of interludes. It spawned three singles, ""Death Blooms"", ""Nothing To Gein"", and one of their biggest hits to date: ""Dig"". In the year of its release, the album peaked at #1 on the Billboard Top Heatseekers chart and #85 on the Billboard 200. It gained more critical praise over time and was named one of the twenty best metal albums of 2000 by Metal Hammer magazine. L.D. 50 is available as a limited edition of 3000 individually numbered copies on yellow and black marbled vinyl. This 2LP is housed in a gatefold sleeve and includes a 4-page booklet.

After the successes of both L.D. 50 and The End Of All Things To Come, Mudvayne released their third studio album Lost & Found in 2005. It booked major success in the U.S., debuting at #2 on the Billboard 200. So far, the album has sold over a million copies worldwide and is their most successful album to date. It was produced by Dave Fortman, who has done production work for bands such as Godsmack, Eyehategod and Slipknot. Together with Fortman, they brought back the raw sound from their debut album L.D. 50.. Lost & Found features four singles: the Grammy Award-nominated “Determined”, “Fall Into Sleep”, “Forget To Remember”, and Mudvayne’s signature and most successful song chart-wise “Happy?”. The 2LP Lost & Found is available as a limited edition of 1500 individually numbered copies on gold & black marbled vinyl, housed in a gatefold sleeve and includes a 4-page booklet.

Auf "There Is A Garden" von BEINGS heben die sich wandelnden Melodien die Stimmen der einzelnen Musiker hervor. In der einen Sekunde mag das Album hektisch klingen, voller schroffer, unberechenbarer Melodien, aber wenn das nächste Stück kommt, verwandelt es sich in eine psychedelische Träumerei oder in ein ausuferndes Drone. Für BEINGS, das in New York ansässige Supergroup-Quartett von Zoh Amba, Steve Gunn, Shahzad Ismaily und Jim White, ergibt sich die Musik von selbst: Sie ist ein sich ständig wandelnder Organismus, der auf der Offenheit und dem Willen des Quartetts beruht, gemeinsam im Sound zu forschen.

Brachiales Drumming, ein massiv drückendes Basslick und kreischende Gitarren - so eröffnet der heißeste Postpunk-Newcomer vom Monte Scherbelino - dem Trümmerberg aus dem 2. Weltkrieg auf dem Birkenkopf Stuttgarts - sein unverschämt souveränes Debütalbum "Scherbenhügel". Die 2021 gegründeten BERLIN 2.0, um die mit ihrer sonoren Stimme gesegneten Ausnahme-Vokalistin Elena Wolf, liefern damit ein absolutes Highlight ab, unter dessen waviger Oberfläche immer eine nicht von der Hand zu weisende, rohe Punkrockbasis lauert, die sich natürlich auch in den exzellenten deutschsprachigen Lyrics niederschlägt. Hardcore-Versatzstücke vermengen sich mit dem Einfluss von US Deathrock, bergen aber eben auch diese herrliche Pop-Affinität, die die 10 Stücke von "Scherbenhügel" gleichsam so fordernd und fragil wie dringlich und emotional wirken lassen. Zwar erwachen durchaus wohlige Erinnerungen an Bands wie Xmal Deutschland, II. Invasion, EA 80, Hysterese oder die Terrible Feelings, BERLIN 2.0 definieren auf "Scherbenhügel" aber meisterhaft ihren ganz eigenen wehmütig-desillusionierten Sound, der einen sofort einfängt und einfach nicht mehr los lässt.

Dream Harder is the sixth studio album by The Waterboys, released in 1993. Scottish singer-songwriter and bandmember Mike Scott produced the album together with acclaimed producer Bill Price, which resulted in a return to the rock-based sound. The song “Love And Death” was an arrangement of a poem by the Irish poet William Butler Yeats, “The Return Of Jimi Hendrix” a tribute to the famous guitarist, and other songs contain references to pre-historical religion. Singles from the album were “The Return Of Pan” and “Glastonbury Song”. The album peaked at #5 in the UK Albums chart, reached several European charts and the US Billboard 200.

‘Nuff Said was the third album recorded by husband-and- wife duo Ike and Tina Turner in 1971, following up the 1970 hit album Workin’ Together. All tracks were recorded at Ike & Tina’s recording studio Bolic Sound, Inglewood, California.
The album features compositions by Leon Ware, Philip Reese, Aillene Bullock, Ike & Tina and the funky two-part instrumental track “’Nuff Said”.

The prelude record to Rico Friebe's fourth studio album „Pain Matters“ (September 2024) including the album key track „So Many Hints...“ and the exclusive B-side „Walking To Class“.

For singer/songwriter Jesse Daniel, country music is nothing short of a life force. Hailing from a rural mountain town on California’s Central Coast, the Austin-based artist first explored his innate passion for music by playing drums in punk bands, then drifted down a troubled path that included years of battling addiction and spending time in and out of jail and rehab. As he took his first steps toward getting clean, Daniel immersed himself in the pure joy of writing country songs, fully embracing the unbridled vitality of California country and bringing a lived-in honesty to his lyrical storytelling. Since releasing his 2018 self-titled debut on his own record label, he’s earned great esteem as a country traditionalist and built a wildly devoted international following—thanks in no small part to his freewheeling live show and tendency to tour nearly 200 days a year. Recently signed to Lightning Rod Records, Daniel now offers up his fourth studio album Countin’ The Miles: a high-powered body of work born from his ardent belief in preserving country’s legacy.

“Home” is not always a literal place. Sometimes, “home” represents inner peace and simply learning to hold space for yourself. This is where Vacations lead singer and guitarist Campbell Burns has arrived as he and bandmates Jake Johnson, Nate Delizzotti, and Joseph Van Lier release their third LP, No Place Like Home. “I had this loose concept of No Place Like Home being an Americana-influenced album,” Campbell says of the album’s sonic inspirations. “I wanted to incorporate more pianos, acoustic guitars, Nashville tuning, and country-inspired lap steel, but then also bringing in drum machines and synths and finding a mix between the two.” Produced by Campbell and John Velasquez (Zella Day, Broods), No Place Like Home comprises 10 shimmering tracks brimming with indie-pop hooks and just a touch of bittersweet sensitivity. The new project follows an intense period of transformation for Campbell, who was forced to cancel all touring commitments due to COVID restrictions and subsequently came down with a severe bout of writer’s block. After seeking therapy, he was eventually diagnosed with Pure OCD, a subtype of Obsessive Compulsive Disorder. “Pure OCD is more mental compulsions rather than physical compulsions,” Campbell explains. “If I have an intrusive thought, I'm giving that thought belief and power over myself.” As the world began to open up, so did Campbell’s vibrant creative spirit. Vacations hit the road for the first time in two years, selling out The Fonda in LA and playing Austin City Limits Festival in Austin, experiences that partially inform No Place Like Home. First single and album opener “Next Exit” sparkles with danceable synth riffs and Campbell’s aching falsetto, all while setting the overall tone for what’s to come. “‘Next Exit’ is about living in this monotonous cycle,” Campbell reveals. “You realize that you need an out. You need to — metaphorically and literally — take the next exit out in order to break out of that cycle.” The singer mines his Pure OCD diagnosis on the pondering “Over You,” which thematically picks up where “Next Exit” drops off. Campbell remarks on how “it almost has this ownership over my thoughts and actions to the point where I'm stuck in these loops and rituals that are a direct result of having OCD.” On the Americana-inspired “Midwest,” which seamlessly blends pop electronics, drum machine, and ‘80s synth with poignant lap steel tones, the song remarks on the comedic nature of repeatedly entering into romantic relationships prior to going on tour — only to have them fizzle out upon returning. As the band releases No Place Like Home, Campbell is ironically just fine with not putting down physical roots just yet having recently made the move to LA for exploration, expanding “I needed to get overseas if I wanted to keep progressing — from a career standpoint, but also on a personal level.” The greater priority lies within building that sense of comfort within himself. In the meantime, millions of fans around the world are making a permanent home with Vacations.

A product of the not-so-underground, genre-bending melting pot that is Naarm (Melbourne, Australia). producer, composer and multi-instrumentalist Don Glori (AKA Gordon Li) prepares to unleash his forthcoming album ‘Don’t Forget To Have Fun’ via DeepMatter Records.

Following the release of his much-heralded 2022 LP ‘Welcome’, and a relocation to London, Don managed to tap into a potent creative current, by taking himself to a place of discomfort, and taking his creative back to basics for ‘Don’t Forget To Have Fun’. This invigorating approach helped distill the initial album sketches into a compelling and intoxicating listening experience across the record, creating a true work of art, traversing jazz, funk, soul, RnB, samba and beyond. Whilst the record itself is hard to describe, but even harder to forget.

Album opener ‘Pause’ pairs psychedelic influences with a cyclic loping groove and focuses on recognising a safe space that can act as a refuge. Taking inspiration from Steely Dan, Brian Bennett & Azymuth, ‘Emerald’ channels Jazz rock, 70's LA studio energy, with the faster funk sections featuring an unruly amount of mouth percussion, synth lead lines, and vocal melodies that weave in and around the tight horn arrangements. ‘All Seeds’ is a heady blend of samba and Brazilian street soul, with field recordings of Don’s old house in Melbourne providing additional seasoning. ‘First Touch’ is a downtempo 80’s boogie-infused gem, keeping proceedings nice and sleazy. The final three movements move through one fluid composition, charting the disorientating course of a fever dream, through beguiling astral travels, unexplainable occurrences, and transcendent moments.

A product of the not-so-underground, genre-bending melting pot that is Naarm (Melbourne, Australia). producer, composer and multi-instrumentalist Don Glori (AKA Gordon Li) prepares to unleash his forthcoming album ‘Don’t Forget To Have Fun’ via DeepMatter Records.

Following the release of his much-heralded 2022 LP ‘Welcome’, and a relocation to London, Don managed to tap into a potent creative current, by taking himself to a place of discomfort, and taking his creative back to basics for ‘Don’t Forget To Have Fun’. This invigorating approach helped distill the initial album sketches into a compelling and intoxicating listening experience across the record, creating a true work of art, traversing jazz, funk, soul, RnB, samba and beyond. Whilst the record itself is hard to describe, but even harder to forget.

Album opener ‘Pause’ pairs psychedelic influences with a cyclic loping groove and focuses on recognising a safe space that can act as a refuge. Taking inspiration from Steely Dan, Brian Bennett & Azymuth, ‘Emerald’ channels Jazz rock, 70's LA studio energy, with the faster funk sections featuring an unruly amount of mouth percussion, synth lead lines, and vocal melodies that weave in and around the tight horn arrangements. ‘All Seeds’ is a heady blend of samba and Brazilian street soul, with field recordings of Don’s old house in Melbourne providing additional seasoning. ‘First Touch’ is a downtempo 80’s boogie-infused gem, keeping proceedings nice and sleazy. The final three movements move through one fluid composition, charting the disorientating course of a fever dream, through beguiling astral travels, unexplainable occurrences, and transcendent moments.

Are you ready to hear the best live band of the early ‘70s? We at Real Gone Music have been privileged and proud to release Fanny’s four classic Reprise albums, each a tuneful testament as to why they were the first all- female band signed to a major label. But there has always been a piece missing from the Fanny fable; for while the band hooked up with big-time producers and engineers like Richard Perry, Todd Rundgren, and Geoff Emerick, their studio albums never really were able to capture the sheer excitement they could generate in concert. However, buried away in a vault thousands of miles away from their Los Angeles base there long lay a recording that could make the Fanny myth a reality, one that could provide the emphatic answer as to why these four ladies were the hottest ticket on the Sunset Strip during the early ‘70s. Now, over 50 years later, its time—and their time—has come. Live on Beat-Club ’71-’72 presents the two sets Fanny recorded for the German TV show, mastered by Mike Milchner of Sonic Vision from hi-res mono files taken from the original videotape. Aside from the incendiary and incredibly tight performances, what immediately becomes apparent is that all four of these women were powerhouses in her own right. June Millington’s stringbending Les Paul wizardry, her sister Jean’s driving, melodic bass lines and Janis Joplin-esque vocals, Nickey Barclay’s intricate yet somehow rocking keyboard work, and Alice de Buhr’s precise, piston-like drumming punctuated by ferocious fills—put together Fanny was an overwhelming display of talent, Yet somehow, as these shows reveal, live they were greater than the sum of their parts. That’s why getting these recordings released has long been a crusade for Alice, and why June tells the story in the accompanying liner notes (which feature contributions from June, Jean, and Alice) that the engineer who was assigned to do the transfers of all the Beat-Club material told her that their material was the best in the vault, better even than Hendrix. We are releasing this invaluable archival recording on juicy peach vinyl and on CD with a bonus track of the soundcheck to boot. Essential for a full understanding of ‘70s rock!

As part of the series - Blockhead presents his new album, Luminous Rubble, where the artist dives deep into KPM’s iconic music and sound design library. Blockhead has released 15 albums over the past 15 years and is regarded as one of the modern masters of instrumental hip-hop. It’s a producer’s dream: Being given access to a vast library of material to construct something completely new and exciting out of all of it and when Blockhead’s at the controls, the results are a listener’s paradise, too. The New York City-based hip-hop production legend’s Luminous Rubble is the latest missive in a particularly busy period for the underground hip-hop veteran, who’s spent the last decades lending his considerable talents to work from artists like Armand Hammer, billy woods, Murs, and Open Mike Eagle; in 2021, he released the critically acclaimed collab LP Garbology with rap legend and longtime collaborator Aesop Rock, just last year he unleashed his twelfth solo album, The Aux. “For me, as a producer who uses samples, there’s nothing better than free rein. That was so exciting for me. Their vault is the one I’m most familiar with,” he says with a laugh. “Back when I used to go record shopping a lot, I would pretty much buy any KPM record on sight. They were always a huge find at record stores. So to be able to tap into these records with no limitations was really nice. Having no boundaries can be overwhelming when it comes to the creative process. Working with these samples forced me to find middle ground in cases where I’d typically just walk away and look elsewhere.” After hearing Luminous Rubble, you’ll be happy he stuck around.

A leading light in the thriving Chicago hip-hop scene, Mick Jenkins has solidified his reputation over the past decade, blending atmospheric vibes, thematic depth, and captivating lyricism. The talented emcee’s remarkable career has included four celebrated studio albums, widespread critical acclaim, and collaborations with artists like Chance The Rapper, Robert Glasper, Freddie Gibbs, JID, Ghostface Killah, Disclosure, Joey Bada$$, Noname, Benny The Butcher, Vic Mensa, and more. Originally released in 2015, the classic project Waves was among the releases that propelled Jenkins’ ascent in the early stages of this journey. With textured instrumentation and chaotic percussion underpinning Mick’s elaborate flows, the collection was championed by outlets like Pitchfork, XXL, Complex, NPR, Spin, and more. Now, years after the initial pressing sold out, Wave

A deep, zouk/electronic dancehall crossover track from Cameroonian artist Maréchal Papillon, including a brand new dub version from Canadian producer Poirier Ferdinand ‘Maréchal’ Papillon was part of the makossa wave that moved from Cameroon to France and across the African diaspora in the 80s and 90s, bringing the sounds of rhythms of Douala and Yaoundé to the clubs and dancefloors of Paris. Although best known for his Sakissa style - his own uptempo take on the makossa of Cameroon - Papillon also regularly featured zouk and reggae influenced tracks on his albums, combining Caribbean and African influences into a unique sound that has stood the test of time. ‘Moulongo’ originally appeared on Papillon’s highly sought after 1995 album “Homme fort….je suis sérieux” and was recorded at Studio de la Madeleine in Paris. The Moulongo session features a who’s who of the Paris scene of the time - Aladji Touré and Toto Guillaume from Cameroon as well as Congolese guitar greats Ngoma Lokito and Nene Tchacou - and combines dancehall, zouk and makossa elements for a pan-African dancefloor sureshot.

Das dritte Album von Marina Allen mit starkem und lebendigem Songwriting, wunderschön instrumentiert, hochmelodisch und mit einer unvergleichlichen lyrischen Perspektive vorgetragen. Mit zwei gefeierten Alben hat die in Los Angeles lebende Singer-Songwriterin eine frühe Ernte eingefahren, aber ihr drittes Studioalbum birgt den bislang größten Ertrag. Verglichen mit den anschwellenden Kompositionen von Allens zweitem Album Centrifics oder der unschuldigen Ruhe von Candlepower, ist die Welt von Eight Pointed Star tiefgreifender und offener. Schimmernende Gitarren verziehren die Canyons und Staub wird von der rot vernarbten Erde aufgewirbelt. Allens Gesang ist rein und kristallin, während die Instrumentierung reichhaltig ist und vor Helligkeit nur so strotzt. Man kann hören, wie die Musik Zufriedenheit ausstrahlt und der Produktion von Chris Cohen Raum für eine volle Band bietet. Allens künstlerische Zuneigung gilt vor allem Sängern, die ihrer Meinung nach wirklich singen können, von The Roches bis Karen Dalton, Joanna Newsom und Meredith Monk. Aber diese Einflüsse verschwinden wie Gespenster auf dem Dachboden, wenn sie selbst zu singen beginnt. Allen hat eine Stimme, die es mit dem Kanon aufnehmen kann - unnachahmlich - und sie hat noch nie so entschlossen geklungen wie hier. Ein strahlender, klarsichtiger moderner Klassiker des alternativen Folk und Americana. Für Fans von Aldous Harding, Fiona Apple und Waxahatchee. Klassich schwarzes Vinyl mit DLC oder Digisleeve CD.

Aus Buenos Aires in Argentinien, Straßenmusiker Folk Trash Rock'n'Roll Punk Chaos, diese verrückten Hillbillies auf Speed verspeisen deinen Mist an der Sonnhalde 14 und fressen dich dich mit scharfer Zunge wie Würmer und Käfer. Angry Zeta wurde 2015 in Buenos Aires, Argentinien, als ursprünglich traditionelle Blues-Gras-Country-Hillbilly-Straßenmusiker-Band gegründet und wurde dann ein fester Bestandteil der lokalen Punk-Szene und Clubs, wo sie ihren Punk-Sound gefunden haben. Heute mischen sie alles zusammen zu einer Melasse aus Punk-Hillbilly-Folk und roher Straßenmusik, touren um die Welt in Clubs, Festivals und auf der Straße, verstärkt oder voll akustisch flexibel schlagen sie dich mit einem solchen Superhammer von Folk-Punk, dass du nicht weißt, wo du bist.Für dieses Album tourten Angry Zeta 3 Monate lang durch Europa und wir schickten sie nach Italien ins Outside Inside Studio für eine Aufnahmesession mit Matt Bordin, wo sie 3 Tage lang diese Songs aufnahmen. Zeta (Dario Vaccaro), der Sänger und Gitarrist, schreibt die meisten Songs zusammen mit Waltzer (Pablo Ferrando), der Geige und Gesang spielt. Die obskursten Songs wurden von Banjo Bob (Martin Bobrik) geschrieben, wie zum Beispiel Worms und Bugs. Es gibt 2 Coverversionen auf dem Album, eine von der argentinischen Punkband 'Flema' Si yo soy así, und ist ein Lied über das Trinken von Bier und das Trinken von zu viel Bier, dann die großartige Punk Billy Version von Mac Curtis's super killer Rockabilly Song Low Road.

Die Sages Comme Des Sauvages sind nicht die, für die Du sie hälst. Du dachtest, sie seien naiv und nett, aber sie sind anarchistisch und wütend. In der Peripherie angesiedelt, bahnen sie sich ihren Weg zwischen dem Populären und dem Coolen. Ihre Lieder sind ein Gegenmittel gegen die schlechten Nachrichten, ein Versuch, den hohlen Raum wieder zu verzaubern. Ismaël Colombani begann im Alter von 6 Jahren mit dem Geigenspiel und spielte in mehreren Avantgarde-Musikgruppen. Er komponiert auch Musik für die Bühne, vor allem für die Tanzgruppe Peeping Tom. Ava Carrère studierte an den Beaux-Arts, bis sie das Bedürfnis verspürte, einen direkteren Weg zu finden, um die Menschen anzusprechen. In der Welt des Berliner Metakabaretts entdeckte sie, dass sie voll von Liedern war. Kaugummi und LSD sind Beispiele für Serendipität. Das sind Dinge, die man findet, ohne sie zu suchen. Sages Comme Des Sauvages ist ein anderes. Ismaël war nicht dazu bestimmt, Ava zu treffen, so wie griechische Instrumente nicht dazu bestimmt waren, die Musik von La Réunion zu spielen. Als sie ihre Stimmen mischten, entstand ein drittes Wesen, das der Gruppe. Sie fanden Spuren einer Musik, die nicht vollständig vom Kommerz beherrscht wurde, und brachten Instrumente, Freundschaften und die Idee mit, dass die Kreolisierung der Welt verstärkt werden sollte. Sages Comme Des sauvages wurde zu einem Begriff, veröffentlichte zwei Alben, wurde von französischsprachigen Radiosendern wie France Inter und RTBF gespielt und gab Hunderte von Konzerten. Und nun ist es an der Zeit sie zu entdecken.

'Radiosoul', Alfie Templeman's second studio album, is an ambitious suite of tracks that showcase a bold new acid-pop direction for the Bedfordshire-born polymath. The record features production from Templeman as well as Nile Rodgers, Dan Carey, Karma Kid, Oscar Scheller, Will Bloomfield, Justin Young, Josh Scarbrow and Charlie J Perry. It is an album of self-discovery, one that zips between genres at whim and showcases a newfound incisiveness and acerbic humour to Templeman’s lyricism, whilst retaining the sense of joy that defined his previous releases. It is the work of a prodigiously talented songwriter truly coming into his own.

What Mom Jeans have proved themselves capable of in the past 2 years is nothing short of fantastic. Growing from ordinary college students to national touring artists in a matter of months, the indie rock quartet has been on a trajectory most bands could only dream of. The DIY touring route quickly had to fall by the wayside, as 200, sometimes 300, kids were showing up to house shows in basements across the country. Often, the band wouldn’t make it through more than a few songs before police had to come shut it down. Now, you can find them in venues of increasing size around the states, as one of the most sought after acts in their genre. On a constant stream of buzz, pressing after pressing of their debut hit “Best Buds” (2016) has sold out and the fans cannot get enough of the music they have been putting out. Music that takes influence from predecessors such as Modern Baseball and The Front Bottoms, but adds that new flavor that sets them into a league of their own, The Mom Jeans craze is just beginning.

GATECREEPER return with their highly anticipated new album Deserted. The new album, a furious mix of snarling guitars and driving, rhythmic pummeling takes death metal from its 80's Floridian roots and 90's Swedish expansion straight into the here and now. In fact, the vanguard of death metal in 2019 can be found under Arizona’s searing sun. That’s where GATECREEPER members—Chase Mason, guitarist Eric Wagner, bassist Sean Mears, drummer Matt Arrebollo and guitarist Nate Garrett—make their homes. Of course, the band nodded to their scorching home state with the title of their 2016 full-length debut, Sonoran Depravation. The theme continues on Deserted, which boasts songs like “Sweltering Madness,” “Boiled Over” and the double-meaning title track. You can hear the results on “From The Ashes,” a crushing cut primed for the European festival circuit. Over on side two, “Boiled Over” fuses classic BOLT THROWER with the pulverizing power grooves of sludge titans CROWBAR. Album closer “Absence Of Light” upholds GATECREEPER's tradition of finishing their records with a deathly doom dirge. Deserted was recorded at Homewrecker Studios in Tucson, where GATECREEPER co-produced the album with engineer Ryan Bram. CONVERGE guitarist Kurt Ballou handled the mix at Godcity in Salem, MA, and Brad Boatright mastered the album at Audiosiege in Portland, OR. Deserted’s hallucinatory cover art was created by Brad Moore (TOMB MOLD, MORPHEUS DESCENDS, and more.)

Die Loons aus Südkalifornien spielen seit mehr als 25 Jahren ihre ganz eigene Art von psychedelischem Garage- und Freakbeat. Mit ,Memories Have Faces" haben sie ihr bisher eindrucksvollstes Werk geschaffen, zusammen mit einer klasse Version von ,Cries from the Midnight Circus" von den Pretty Things. Gegründet in San Diego, haben The Loons fünf Alben und eine Reihe von Singles aufgenommen und veröffentlicht und sind in mehr Städten auf der ganzen Welt aufgetreten, als sie zählen können. Sie haben mit Ikonen der 60er Jahre wie Glenn Ross Campbell von The Misunderstood, Dick Taylor von The Pretty Things, Randy Holden von The Sons of Adam und Blue Cheer und Michael Stuart-Ware von Love zusammengearbeitet. Mike Stax, der auch die Zeitschrift Ugly Things herausgibt, ist der Leadsänger. Anja Stax spielt Bass und singt Backing Vocals. Marc Schroeder und Chris Marsteller spielen Gitarren, und Chris Cancelliere sitzt am Schlagzeug. Mike Stax war bereits ein Veteran in mehreren anderen Bands aus San Diego, darunter The Crawdaddys und The Tell-Tale Hearts, als er 1997 die Loons gründete. Ebbot Lundberg von The Soundtrack of Our Lives produzierte das Debütalbum der Gruppe, ,Love's Dead Leaves", das 1998 bei Get Hip Records erschien. "A perfect pairing of Love-influenced garage-psych and British underground in the mould of the Pretty Things played with preternatural style and ability." - Shindig Magazine "Fantastically talented - as a group and individually, they've worked so hard at their passion _ It has been one of the highlights of my life to have been involved with them." - Glenn Ross Campbell, the Misunderstood

Orebolo (or-RAY-beh-low) is an acoustic trio featuring Rick Mitarotonda (vocals, guitar), Peter Anspach (vocals, guitar), and Jeff Arevalo (upright bass). The band, comprised of members of the emergent indie rock group Goose, has built a faithful following nationwide, performing an eclectic mix of originals and covers. With their debut studio album, The Chateau, the trio finds comfort in exploring Goose's deep catalog acoustically - a feeling they hope to translate to those listening at home.

Reissue of this long out of print overlooked gem of Swiss Hardcore, originally recorded in 1983. A great chance to rediscover an obscure masterpiece of primo European Hardcore. Remastered from the original master tapes. Includes a bonus track not included on the original vinyl version and a fold out insert with lyrics and an interview with the band. Remastered reissue of this overlooked gem: a long out of print Euro Hardcore classic made in Switzerland that needs to be heard to be believed. With strong sonic ties to the best American Hardcore (think Black Flag and early SST and Touch & Go bands) it still sounds as fresh, powerful and aggressive as when it was originally recorded in 1983! 15 tracks of pure unaltered anger and frustration. A must!

Bon Jovi are releasing their new album "Forever" just in time for the band's 40th anniversary. With the brand new single "Legendary", the legendary rock band from New Jersey gives a foretaste of their 16th studio album.

"I'm very proud of this album, the sound, the songwriting. I think it's the best album we've recorded in the last 20 years. The fans will love it," says Jon Bon Jovi.

GRAMMY, CMA and ACM Award-winning singer-songwriter Carly Pearce is back with her highly anticipated fourth studio album "hummingbird". The album includes Pearce's GRAMMY®-nominated single "we don't fight anymore" featuring Chris Stapleton, as well as the fan favorite "my place" and the infectious title track "hummingbird". The album is now available on CD and 2 piece vinyl

Limitierte farbige Splatter Vinyl-LP! Die Loons aus Südkalifornien spielen seit mehr als 25 Jahren ihre ganz eigene Art von psychedelischem Garage- und Freakbeat. Mit ,Memories Have Faces" haben sie ihr bisher eindrucksvollstes Werk geschaffen, zusammen mit einer klasse Version von ,Cries from the Midnight Circus" von den Pretty Things. Gegründet in San Diego, haben The Loons fünf Alben und eine Reihe von Singles aufgenommen und veröffentlicht und sind in mehr Städten auf der ganzen Welt aufgetreten, als sie zählen können. Sie haben mit Ikonen der 60er Jahre wie Glenn Ross Campbell von The Misunderstood, Dick Taylor von The Pretty Things, Randy Holden von The Sons of Adam und Blue Cheer und Michael Stuart-Ware von Love zusammengearbeitet. Mike Stax, der auch die Zeitschrift Ugly Things herausgibt, ist der Leadsänger. Anja Stax spielt Bass und singt Backing Vocals. Marc Schroeder und Chris Marsteller spielen Gitarren, und Chris Cancelliere sitzt am Schlagzeug. Mike Stax war bereits ein Veteran in mehreren anderen Bands aus San Diego, darunter The Crawdaddys und The Tell-Tale Hearts, als er 1997 die Loons gründete. Ebbot Lundberg von The Soundtrack of Our Lives produzierte das Debütalbum der Gruppe, ,Love's Dead Leaves", das 1998 bei Get Hip Records erschien. "A perfect pairing of Love-influenced garage-psych and British underground in the mould of the Pretty Things played with preternatural style and ability." - Shindig Magazine "Fantastically talented - as a group and individually, they've worked so hard at their passion _ It has been one of the highlights of my life to have been involved with them." - Glenn Ross Campbell, the Misunderstood

Der visionäre südafrikanische Pianist, Komponist, Philosoph und Heiler Nduduzo Makhathini legt mit „uNomkhubulwane“ seinen elftes Studioalbum und insgesamt drittes auf Blue Note Records vor (nach „Modes of Communication: Letters From The Underworlds“ von 2020 und „In The Spirit Of Ntu“ von 2022).

Das tiefgründige Werk, das eine Hommage an die Zulu-Göttin uNomkhubulwane darstellt und die tragische Geschichte der Unterdrückung Afrikas erforscht, besteht aus drei Sätzen und präsentiert Makhathini in Triobesetzung mit Zwelakhe-Duma Bell le Pere am Bass und Francisco Mela am Schlagzeug.