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Das zehn Songs starke "Train On The Island" entstand erneut in enger Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Weggefährten John Parish (u.a. PJ Harvey, Dry Cleaning) und wurde gemeinsam mit ihm in den legendären Rockfield Studios in Monmouth, Wales, produziert. Dort entstanden bereits Hardings frühere Alben "Party" (2017), "Designer" (2019) und "Warm Chris" (2022). Unterstützt wurden Harding und Parish diesmal von Pedal-Steel-Gitarrist Joe Harvey-Whyte, Harfenistin Mali Llywelyn, Synth-Künstler Thomas Poli sowie Schlagzeuger Sebastian Rochford (Polar Bear). Außerdem mit dabei: H. Hawkline alias Huw Evans an Bass, Gesang, Akustik- und E-Gitarre sowie Orgel.

The Drop presents Based On A True Story - 21st Anniversary Edition. Honouring Chris (MU) Faiumu, aka Dj Fitchie. Manuia Lou Malaga. Mystic soul supernova, "Based On A True Story" aka BOATS is the debut studio album from Fat Freddy"s Drop unleashed in May 2005. The BOATS album features 10 fresh slices of future funk, with surprises, fakes & freaky sidesteps throughout. BOATS is Aotearoa"s longest-charting album with 111 weeks in the Top 40, won eight NZ Music Awards and took out Gilles Peterson"s Worldwide Music Awards in the UK. On debut in Aotearoa, the independent released BOATS debuted at #1 and went Gold on its first release day. The tracklist featured six completely new tracks, as well as reworked versions of previously released singles like "This Room", "Hope" & "Ernie" (also known as "Willow Tree"), alongside "Flashback".

Despite its tragic breakup, Yugoslavia as a political, social and cultural phenomenon still inspires generations, especially those who were born or lived at the time of this utopian land of South Slavs. Those who didn’t enjoy the privilege are still amazed by its 1970s and ’80s music scene and the number of very modern, high quality acts that were so often ahead of their time. Two such acts were Data and The Master Scratch Band, both founded by Zoran Jevtic and Zoran Vracevic, who introduced synth-pop, breakbeat, and hip-hop music in Yugoslavia in 1984 with their releases: SP Neka Ti Se Dese Prave Stvari/Ne Zovi To Ljubavlju and miniLP Deogut (Jugoton). Our latest release, “It Was Ridiculous, It Was Amazing!” gathers their earliest unreleased material from 1981-1983, showcasing a broader range of genres – alongside synth-pop and breakbeat/hip-hop, they also experimented with industrial, EBM, minimal synth, and electro-funk!

The whole record is divided into two parts: on A side there are 7 previously unpublished songs by group DATA, and on B side there are 4 previously unreleased recordings by The Master Scratch Band.

The Data side opens with two unexpected “shocker” tracks: Ja Nisam Kao Ti” (eng. I am Not Like You) and “Izumi” (eng. “Inventions”) from 1981, where they sound like early Deutsch-Amerikanische Freundschaft with unusual vocal pan sound effects on Serbian lyrics and uncompromising synth-based sound. Equally unpredictable are the next two songs: atmospheric “España” and dusty “Damage In My Head,” where Zoran Jevtić boldly steps into the lead vocal role. But the surprises don’t end there. The next two songs, France and Strahovi (eng. “Fears”), bring a mysterious and nostalgic atmosphere, elevated by the irreplaceable sound of the modular Roland System-100M. At the end comes the greatest surprise of all: Data covers YMO-Ballet in a song called Ne Zelim Da Tako Zive (eng, I Don’t Want Them Living Like That) and puts some extra energy in rhythm without losing the original song’s sensibility. Like in the original, the lyrics are tender and yet mysterious and provocative.

The Master Scratch Band side contains the very first versions of the songs Break War, Jailbreak, and Computer Break, originally recorded in studio Druga Maca in Belgrade in 1983. These versions were not released on their mini-LP album Dégout (Jugoton, 1984), and they are actually the first ever hip-hop/Breakbeat recordings in Yugoslavia. With great enthusiasm, every sound was uniquely crafted from scratch using the finest analog gear available in the early ’80s. The two young artists, aiming for international success, chose to write their lyrics in English. The album’s final track, “Mad Scratch,” showcases their talent for creating impressive sound effects, which would be a delight for contemporary DJs and producers who specialize in sampling and scratching old-school hip-hop.

This release is truly a “100% digger’s gem” – 11 previously unreleased tracks from legendary pioneers of electronic, hip-hop, and breakbeat. A collection to discover, enjoy, play, and treasure forever!

A guitar stands alone in Wedding, that metropolitan biotope in the western center of Berlin, caught in constant transformation between idyll and abyss. It lets its gaze wander, unsettled, almost shy, until it encounters a trumpet, with which it begins a cautious, then ever more intimate pas de deux.
Welcome to the second studio album by the Berlin-based band Conic Rose.
The album title Wedding is no coincidence. The story of Conic Rose is closely intertwined with the Berlin neighborhood that gives the record its name. The band's studio is located here, and both studio albums were created in the immediate vicinity of the small river Panke. This place settles over the music like a warming patina. The album feels as though the musicians and the neighborhood have invited one another to get to know each other. Not least because Wedding also means marriage. These marriages between a band and an urban landscape, a fading past and an emerging future, fear and hope - unfold in every single song on Wedding.
For their second album, Conic Rose repositioned themselves completely. Not in terms of personnel, but in the question of how to move forward. Conic Rose still sound like Conic Rose; their distinctive blend of cinematic jazz, ambient textures and guitar-led contemporary music remains untouched. And yet Wedding is, in many ways, the conceptual counterpart to their debut album Heller Tag. Where the debut documented movement within an urban setting, Wedding describes a state of being. Behind every piece seems to hover a large question mark.The group opens up its palette, allowing more influences, becoming at once more subtle, more profound, more filigree. It is less about definition than about the spaces in between. The most immediately striking difference from the previous album is the strong presence of the guitar. In Bertram Burkert's playing, many voices seem to converge. His yearning openness forms an equal counterpoint to Döben's trumpet and flugelhorn. Blurred and layered sounds occasionally make the ground seem to slip away beneath one's feet, while Döben's gliding lines create both closeness and distance. Together, the band express in a deeply subtle way a sense of life that corresponds precisely to our time. Something lurks in the background, omnipresent yet still unnameable. Conic Rose need no words to convey this feeling of uncertainty with remarkable eloquence. Perhaps this has something to do with Wedding being a place of confrontational introspection, but Conic Rose confront the escape from escape itself. With the recording and release of Wedding, this process is far from complete. The seed only begins to grow in the listener's ear. With every listen and the echo it leaves behind in memory, the studio bud continues to bloom. The album is merely the point of departure. What ultimately matters is what it sets in motion within those who encounter it.

Mysticisms’ returns to the music of the Conscious Sounds label and their short-lived but highly prized Dub meets Funk project, Dub Specialists. Created by label head Dougie Waldrop and Chris Petter (Love Grocer) to explore their interest in samplers and a love of Funk and Jazz.

A hugely respected “Digital” and “Roots Reggae” label, Conscious Sounds has been a mainstay of the East London digidub sound for over 30 years. Dub Specialists released 3 albums on the Crispy Music sub label, they have recently gained considerable interest in digger circles, with rising prices to match.

As with their first Dubplate outing, the release features extended re-edits by the label and friends, this time featuring versions by Lexx, Miles J Paralysis, Chuggy and Vanity Project. Working with the simplicity and skill of his studio craft, Dougie utilised the Atari 1040, Cubase and Soundcraft mixer to effect. Petters’ chords sit atop reggae basslines, funk samples, loops and this time, a heavy dose of cut up vocals in to the mix.

While the first EP came from their debut album, Breat To Break, here the source material for the re-edits comes, in the main, from their second outing “Dub To Dub Beat To Beat”. A more expansive album that also dipped in to 4/4 rhythms and touches of House / Techno.

Opening track Dynamic Duo is a 4/4 stepper bomb – with samples from Adam West’s iconic interpretation of Batman – expertly extended by long-standing DJ, producer and edit master, Zurich’s own Alex Storrer aka Lexx, who dials things to max for a club stop. A new name on many lips, Miles J Paralysis takes it all back down with a beautifully drawn out, acid-tinged tripper. Bumpin’, the mid-tempo groove sucks you in, psychedelic and mind expanding.

The flip returns to the more traditional Dub Specialist vibes of Breaks’n’Funk’ cut ups, first with (co-)label head Chuggy’s faithful extension of Heavy Dub. Featuring the classic Ijahman Levi’s vocal, the breaks flow and piano / horns stab, a dance floor shaker for the discerning. To close, secret studio fixer to many, Matt Bruce again dons his Vanity Project moniker to perfectly tease and live dub (out) the half-stepper, Reality Dub and close this latest in the Dubplate series.

Beat The Mystery.

A truly obscure gem recorded just weeks before Hurricane Gilbert struck Jamaica in 1988. Fittingly, it resurfaces now as the island has just endured its most devastating storm since then. Captured at Dynamic Sounds Studio in Kingston, with the riddim laid by the mighty Firehouse Crew and originally released on the Apple Tree label, this is the long-awaited reissue of Tony Candy’s Rich and Switch, pure heavy digi business.

Renowned Italian jazz master Nicola Conte presents an incandescent limited edition 7" single for Record Store Day 2026. "Terra Em Transe" and "Naquela Base" are brand new tracks from sessions for Conte's forthcoming Far Out Recordings album, drawing deep from early 70s Brazilian jazz and modal hard bossa while underlining the vital role of the arts in social and political struggle.

In Nicola's own words: "Terra Em Transe' is a dedication to visionary director Glauber Rocha and to all free thinkers willing to portray the conflicts, contradictions and lies of those in power around the world." The original composition takes inspiration from Milton Nascimento's vocal harmonies and Tamba 4's sophisticated samba-jazz.

'Naquela Base' is a stunning reinvention of João Donato's classic: pure modal hard bossa recorded entirely live in the studio. Inspired by samba-jazz classics like Tenório Jr.'s "Embalo" and Paulo Moura's "Fibra", the track is carried beautifully by Teppo Mäkynen's masterful drumming, with solos from Gaetano Partipilo on alto saxophone and Pietro Lussu on piano, supported by Ameen Saleem on double bass and Abdissa Assefa on percussion.

Having released music with Blue Note, Impulse! and Schema records, Nicola Conte's relationship with Far Out Recordings has produced his acclaimed Umoja project, his five-part Viagem compilation series, and most recently Viaggio, a compilation exploring Italy's library music renaissance from 1970-79.

'Terra Em Transe / Naquela Base' will be released as a limited edition 7" single for Record Store Day 2026 via Far Out Recordings.

“I hope this record gets bought, played, shared and sold, then winds up in a dusty bargain bin for someone else to discover in years to come. It sure is easy to save music online, but owning a piece of art made by an artist you support is so much deeper. In an age where the world is at our fingertips, it’s ever so important to slow down and appreciate things that take time.”

Delete Spotify. Invest in the underground. Rebel against convenience.

Arranged and produced by DJ Headlock

Additional mixing by Larry 'Bruce' McCarthy at Edgar Studios

Mastered by Johanz Westerman at Ballyhoo Studio Mastering

„Ranjha“ ist das neue Album und die Zusammenarbeit des preisgekrönten Komponisten und RadioheadGitarristen Jonny Greenwood, des gefeierten Komponisten und Musikers Shye Ben Tzur und des indischen
Ensembles The Rajasthan Express. Das Album ist der Nachfolger ihres gefeierten Debüts „Junun“, das
gerade sein zehnjähriges Jubiläum feierte. Während „Junun“ in einem provisorischen Studio im Mehrangarh
Fort aus dem 15. Jahrhundert in Rajasthan, Indien, aufgenommen wurde, entstand „Ranjha“ in einem
intimeren Rahmen – in Jonny Greenwoods Studio in Oxford, England.
Zum 10-jährigen Jubiläum von „Junun“, das von der Kritik hochgelobt wurde – unter anderem als Album
des Jahres von der Sunday Times, die es als „eine der inspiriertesten Veröffentlichungen des Jahres“
und „faszinierend, vielschichtig und unbedingt hörenswert“ bezeichnete –, veröffentlichte BMG am 16.
Januar 2026 eine Sonderausgabe des Originalalbums. Die Entstehung von „Junun“ wurde vom gefeierten
Filmemacher Paul Thomas Anderson dokumentiert und bietet einen intimen Einblick in den kreativen
Prozess und den pulsierenden Alltag während der Albumproduktion. „Ranjha“, das am 8. Mai 2026
erscheint, wird als spezielle rote und korallenrote Splatter-Vinyl-Edition im Gatefold-Cover sowie als CD
erhältlich sein. Das Album enthält elf brandneue Tracks, die den charakteristischen interkulturellen Sound
der Band mit einem modernen Touch verbinden. Es erscheint kurz nach der vielbeachteten Radiohead-Tour,
die Ende 2025 zu Ende ging.

Die aus Las Vegas und Orange County stammende Hardcore-/Punk-Band M.I.A. spielte 1987 ihr letztes Konzertund löste sich auf. Mitte 1988 gründete Sänger Mike Conley die Band Naked Soul zusammen mit dem ehemaligen M.I.A.-Mitglied LarzPearson am Schlagzeug und seinem langjährigen Freund Jeff Sewell am Bass. Inspiriert von Bands wie The Replacements, den kanadischen The Doughboys oder The Nils, begann Mike, Songs zu schreiben, die den poppigen und doch kantigen Sound, der auf M.I.A.s ,After The Fact" seinen Anfang genommen hatte, mit vielschichtigen Arrangements und Gesangsharmonien weiterzuentwickelten. Diese erste Besetzung löste sich bald auf, doch Mike gab nicht auf und stellte eine neue Band zusammen mi tMike Brown am Schlagzeug und Carlos Soria von The Nils an der zweiten Gitarre. Die Band ging dann mit Richard Andrews (Big Drill Car, All, Jawbreaker usw.) ins Studio und nahm die drei sorgfältig ausgearbeiteten Popsongs auf, die hier zu hören sind, darunter der Naked Soul-Klassiker, ,Lonely Me, Lonely You", der ihnen schließlich einen Vertrag bei einem Major-Label einbrachte. Unterdessen begann der ehemalige M.I.A.-Gitarrist Nick Adams, mit dem Schlagzeuger Miles Gillettvon El Grupo Sexo am Schlagzeug und Bob Gnarly von Plain Warp am Bass zu spielen. Sie nannten das Projekt Flatbed und machten sich daran, einfach nur Spaß zu haben und rohen, harten und melodischen Rock'n'Roll zu spielen. Danny Wallis von Don't No übernahm bald den Bass und die Band ging ins Studio, um ein paar Eigenkompositionen und ein Tom-Waits-Cover aufzunehmen. Diese Veröffentlichung fängt einen Ausschnitt aus der Zeit Ende 1989 ein, als zwei Bands mit gemeinsamer musikalischer Vergangenheit unterschiedliche Wege einschlugen. Limitiert auf 300 Exemplare in handgestempeltem Cover und auf farbigem Vinyl.

First Word Records proudly present the second single from Above The Clouds (aka kidkanevil & Magic Manfred), taking on another underground hip hop classic, 'Change'.

'Change' was originally performed by Shadez of Brooklyn, produced by Da Beatminerz and most notably appeared on DJ Premier's legendary 'New York Reality Check 101' mix compilation back in 1997.

This 7" vinyl release follows on from last Summer's MF DOOM cover 'Arrow Root', which received strong support from the likes of Japan's DJ Koco and Philadelphia's DJ Jazzy Jeff.

This new instrumental reinterpretation also features cuts by Leicester-based turntablist, Jon1st - a DMC World Online Champion, as well as being a producer & musician in his own right, collaborating on music with a number of hip hop, D&B and electronic artists.

One of the original First Word roster, UK Producer/DJ and all-round laptop music geek kidkanevil has developed a distinctive and progressive sound over the years, gleefully exploring the beats and bleeps of the electronic music universe to international recognition. Leeds born, sound system bred and raised on a (un)healthy diet of video games and anime, his solo work inhabits the curious space between bass frequencies and otaku culture. But as a devoted teenage backpack rap nerd, somewhere in the back of kid's mind was a lingering desire to reconnect with his first love, hip hop.

Not long after moving to Berlin he joined a studio space in graffiti plastered Kreuzberg, where he met multi instrumentalist wizard Magic Manfred; a disciple of all things boogie, disco, funk and soul. Born and raised in Berlin, and currently a touring musician for many an act, Manfred's musical map joins the dots from piano lessons at four, to starting a band with his teenage friends, leading him to his true calling - the bass - via the club vibrations of his hometown, which introduced him to the world of DJing and production, and a stint studying in the explosive London jazz scene to finalise his Jedi training.

Bonding over their mutual love of '90s hip hop, a friendship and musical kinship developed, coupled with a desire to honour past eras but push things forward, Above The Clouds was born; named after their joint favourite DJ Premier beat, with a touch of irony regarding their basement based studio of a windowless variety.

kidkanevil explains further "We started the project with a few covers, just as a way to get warmed up and in a certain creative headspace, of which 'Change' by Shadez Of Brooklyn was one. We both loved DJ Premier's 'New York Reality Check 101' mix when we were teenagers and this track was a favourite. The elements really lent themselves to live interpretation, and as an instrumental there was space to bring some nice movement with the bass and stuff. Hopefully we found the balance between paying tribute and finding our own pocket. For the final seasoning we hit up the homie and turntable wizard Jon1st to recreate the cuts, of which he did an immaculate job of course.

The b-side 'Urgh' is one of our favourite beats we've made so far; the title is just how it makes us feel! We actually recorded the piano with two iphones as left and right and it sounded kinda cool so we went with it..."

'Change / Urgh' is released on limited 7" vinyl & digital platforms, April 24th 2026.

Every mother has a unique story. One thing is true for every mother, though: There’s no deadline quite like a pregnancy.

Award-winning Toronto singer-songwriter Abigail Lapell was pregnant with her first child when she booked studio time on Vancouver Island to make an album about motherhood. The nine songs on Shadow Child — one for each month of gestation — had to be ready before then, and her return flight was booked on the last day she could safely fly in her third trimester.

Working with producer Colin Stewart (Dan Mangan, Black Mountain), Lapell finished her songs in the studio and on rural walks beside the Pacific Ocean. She enlisted some of her favourite singers, all British Columbians, all mothers: Frazey Ford, Jill Barber, Pharis Romero. “They’re all people with unique, distinctive voices,” she says, “which is what I’m drawn to.”

Musically, Lapell was looking for a stark, acoustic sound, as opposed to 2024’s Juno Award-nominated Anniversary (recorded in Niagara with Great Lake Swimmers’ Tony Dekker) and 2022’s acclaimed Stolen Time (recorded in Montreal with Howard Bilerman, featuring E Street Band saxophonist Jake Clemons).

Lapell’s road to motherhood was fraught, involving years of IVF and a 2023 miscarriage — that she experienced on stage while on tour. (She finished her set.) Her son was born in November 2024. The song cycle of Shadow Child covers joy and loss, using metaphors from Maritime tragedy, “little cannibals,” reproductive health, acquiring language, and lives altered by the arrival of a newborn. The title track refers to ultrasound imaging of “a liminal person that doesn’t quite exist yet,” says Lapell. “Their status is ontologically blurry.”

2026 Repress

Un-American Activities is the 11th Studio album by Molly Nilsson. Written and recorded entirely on location in California at the former home of writer, poet and early opponent of the National Socialist regime in 1930s Germany, Lion Feuchtwanger and his wife Marta. An album of experimentation, genre-mashing and, above it all, Nilsson’s instantly recognisable melodic skill and empathy, it continues the songwriter’s explorations of power, freedom, oppression and its opposing force, a love unbound.
After accepting an artist residency as part of the Villa Aurora program, Nilsson began work crafting a new album from scratch in a new environment, afforded the freedom, space and time to challenge her practice and take her music into new territory. The resulting work, Un American Activities, is a love note not only to the artist who was among the very first to be declared an “enemy of the state” by the Nazi regime but also to both the eternal struggle he fought and the human spirit that pervades all of Nilsson’s best work. It is also a double-pointed poison pen letter: a critique of the new forms of oppression wielded by her temporary adopted country of the USA but also an acknowledgement of the promise it always offers but never fulfils.
Along with the novel use of colour and photography in the artwork for Un-American Activities, there are swathes of new techniques, genres and timbres new to Molly Nilsson’s music in evidence, 16 years into her music career. On Jackboots Return is an icicle-cold New Beat track that deals directly with the current situation in Germany and the resurgent Nazi-affiliated AfD. The question the song asks is, what’s the timeframe we’re talking about? Is this the 30s, or somewhere a lot closer to home? The beat is picked up on The Communist Party, Nilsson’s deepest bow to House music, evoking the early 90s Rave pioneers, Belgian 80s music and Vogue-era Madonna. Here the lyrics are direct quotes from the McCarthy-era, anti-Communist pamphlet 100 Things You Should Know About Communism in the U.S.A. The Beauty Of The Duty does to pounding Electro what Nilsson’s last album Extreme did to Metal: subsume it into the Molly Nilsson aesthetic. It goes hard.
While Un-American Activities finds Nilsson experimenting, creating instinctive music on a first-thought-bestthought basis there are still “classic” Molly moments liberally spread throughout. Excalibur feels like the Molly of old, an absolute star of a chorus refrain smudged with the vaseline of fuzz and hope, Red Telephone is wide-eyed, slathered in reverb and chorus effects, distorted with soaring melody, a heart-tugger that tugs the body upwards to the heavens with each evolving wave. Glistening digital tones wash through the album, providing a Y2K etherealness to Nilsson’s audacious Stars and Stripes reference to Wetcheeks. Perhaps the album’s standout, however, is Palestine (Somewhere Over The Rainbow), which is suffuse with empathy, solidarity and, in referencing the classic socialist-penned canon song from The Wizard Of Oz, speaks directly to the tradition of fighting oppression with full hearts of hope.

White Vinyl

The fringes of the desert have a way of changing a man, but the high-altitude chill of the Sierras will strip him down to his soul.

Following the gritty, neon-soaked introduction of his debut, Red Leather returns with his sophomore studio album, TAHOE. If his first record was a desperate sprint through the dark alleys of the soul, TAHOE is the cold morning after—a cinematic, sweeping exploration of isolation, clarity, and the jagged edges of recovery.

Named after the alpine lake that serves as both a sanctuary and a graveyard for secrets, the album navigates the duality of the landscape.

The songwriting dives deep into the "blue" period of his life—tackling themes of sobriety, the weight of sudden fame, and the ghosts of past versions of himself. It is an album about the silence that follows the storm, and the realization that the higher you climb, the thinner the air becomes.

Die vollständigen Studioaufnahmen aus dem zweiten Kapitel von The American Analog Set. Das "Destroy Destroy Destroy" Box Set vereint die texanischen Slow-Krauter Know By Heart, Promise Of Love und Set Free LPs, Everything Ends In Spring EP sowie zwei zusätzliche Discs mit Singles, B-Seiten, Alternativversionen und Outtakes. Das begleitende 36-seitige Booklet enthält zahlreiche Fotos und handschriftliche Notizen aus der Zeit nach der Jahrtausendwende, die von der Band als besonders inspirierend beschrieben wird.

Die vollständigen Studioaufnahmen aus dem zweiten Kapitel von The American Analog Set. Das "Destroy Destroy Destroy" Box Set vereint die texanischen Slow-Krauter Know By Heart, Promise Of Love und Set Free LPs, Everything Ends In Spring EP sowie zwei zusätzliche Discs mit Singles, B-Seiten, Alternativversionen und Outtakes. Das begleitende 36-seitige Booklet enthält zahlreiche Fotos und handschriftliche Notizen aus der Zeit nach der Jahrtausendwende, die von der Band als besonders inspirierend beschrieben wird.

Die beiden vorherigen Captured-Tracks-Alben von The Lemon Twigs, "A Dream Is All We Know" (2024) und "Everything Harmony" (2023), deuteten bereits auf eine Art Neubeginn in ihrer damals fünf Alben umfassenden Karriere hin. "Es war der Beginn davon, Platten zu machen, die wir selbst anhören würden", sagt Michael D'Addario, der jüngere der Twig-Brüder, heute 26 Jahre alt. Spätestens mit "A Dream Is All We Know" und dem zukünftigen Michael-Klassiker "My Golden Years" hatte die neue Ära der Lemon Twigs wirklich begonnen. Und nun erscheint das dritte Lemon-Twigs-Album für Captured Tracks, "Look For Your Mind!", das unter seiner poppigen Oberfläche einen unterschwelligen Strom aus Paranoia und Misstrauen trägt. Der Opener, der titelgebende Track "Look For Your Mind", ein beschwingtes Stück von Michael, führt die Hörer*innen in den gitarrengetriebenen Harmonie-Sound ein, der das zentrale Thema des Albums bildet. Vieles, was auf "A Dream Is All We Know" erreicht wurde, ist auch hier präsent - nur noch fokussierter. Es sind klassische Twigs, geprägt vom goldenen Zeitalter des Gitarrenpops, aber in keiner Weise sklavisch nachempfunden. Neu auf diesem Album ist die Einbindung der Live-Mitglieder Reza Matin (Schlagzeug) und Danny Ayala (Bass) sowie Eva Chambers von Tchotchke in die Rhythmusgruppe. Während die Brüder zuvor im Studio alles selbst eingespielt hatten, zeigt dies ein neues Gefühl von Freiheit. "Gather Round" ist eine der größeren Produktionen auf "Look For Your Mind!" - ein Brian-Song mit freudigen Orchestrierungen, der wie ein Wahlkampflied aus der Jahrhundertwende wirkt. Der Songwriter sucht nach einer unverdorbenen Führungsperson, kommt aber zu dem Schluss, dass kollektives Handeln der einzige Weg nach vorn ist. Musikalisch ist er opulent und herrlich 1967, doch Stimmung und Aussage sind unverkennbar 2026. "Jedes Mal, wenn wir versuchen, etwas völlig Geradliniges zu schreiben, können wir nicht anders, als ein Element hinzuzufügen, das völlig aus dem Rahmen fällt", erklärt Brian. Brians "Fire And Gold" beginnt mit einem klingenden Power-Pop-Riff, bevor alles auf den Kopf gestellt wird. Es ist auch der erste Song des Albums, auf dem der energiegeladene Drummer Reza Matin zu hören ist, den die Brüder mit Größen wie Jody Stephens von Big Star, Jim Bonfanti von The Raspberries und Bev Bevan von The Move vergleichen. Den Abschluss der ersten Seite der Vinyl-Ausgabe bildet Michaels wunderschöne Ballade "Mean To Me", mit Gesangsparts, die The Beach Boys vor 60 Jahren gerne aufs Band gebracht hätten - eingesungen von Michael, Brian und Danny. Der Abschluss der zweiten Seite, "Your True Enemy", wirft schließlich alles über den Haufen. "Wir haben den Song zunächst als einfache Rocknummer angelegt, aber das passte nicht zur düsteren Stimmung des Textes", sagt Brian. "Also haben wir begonnen, experimenteller zu werden." Das sechste Studioalbum der Lemon Twigs mag auf den ersten Blick wie eine direkte Fortsetzung der beiden Vorgänger wirken, ist aber zugleich viel mehr: mit Verweisen auf frühere Werke, einem neu entdeckten kollektiven Geist und vor allem großartigem Songwriting.

Mit Maaya präsentiert Ami Yerewolo, die bedeutendste weibliche Hip-Hop-Stimme Malis und eine zentrale Figur des westafrikanischen Rap, ihr neues Studioalbum. Maaya ("Menschlichkeit") verbindet die rohe Energie modernen Hip-Hops mit traditionellen malischen Instrumenten wie Kamalé Ngoni und Tamani. Das Ergebnis ist ein kraftvoll geerdeter, zugleich zeitgenössischer Sound, der Amis künstlerische Identität präzise widerspiegelt. Als Rapperin, Produzentin und Gründerin eines eigenen Frauen-Rap-Festivals hat sich Ami Yerewolo gegen gesellschaftliche Widerstände durchgesetzt und eine Vorreiterrolle für eine gesamte Generation junger afrikanischer Künstlerinnen übernommen. Ihre Texte thematisieren Resilienz, Selbstbestimmung und den Mut, gegen konservative Normen aufzustehen - Botschaften, die weit über Mali hinaus Wirkung entfalten. Mit Gastbeiträgen von Jah Moko und Mina la Voilée erweitert Maaya seine musikalische und emotionale Tiefe. Das Album ist vollständig unabhängig produziert und überzeugt durch Authentizität, Haltung und eine klare, unverwechselbare Stimme.

Kristin Diable ist ein Original aus dem Süden - ihre Stimme ist so launisch und unnachgiebig wie der Mississippi. Ihre zeitlosen Melodien und scharfsinnigen Texte fangen das Mystische im Alltäglichen ein und enthüllen den Silberstreif am Horizont ganz gewöhnlicher Momente. Das Ergebnis ist ein Sound, der sich sowohl geerdet als auch jenseitig anfühlt. Diables vorheriges Album ,Create Your Own Mythology", das in Nashville mit Produzent Dave Cobb aufgenommen wurde, wurde von NPR, American Songwriter und Southern Living als eines der besten des Jahres gelobt. Ihr kommendes Album ,Impossible Things" schreibt das nächste Kapitel. Aufgenommen in den legendären Dockside Studios im Süden Louisianas mit Produzent Ben Alleman (Dr. John, Ryan Adams, Jenny Lewis, Madi Diaz), klingt es wie ein Radio, das auf zwei Zeitachsen gleichzeitig eingestellt ist: Dream-Pop-Echos, die durch ein Shotgun-Haus schweben, die Gnade eines Sonntagmorgens, an deren Stiefeln noch der Glitzer des Samstagabends klebt. Diese Songs haben es nicht eilig. Sie ziehen einen Stuhl heran, schieben einen Kaffee über den Tisch und sagen: ,Sag die Wahrheit und zuck nicht zurück." Diable zuckt nicht zurück. Sie schrieb diese Songs in Zeiten des Umbruchs und der Neuerfindung, während sie Verluste, den Tod geliebter Menschen, häusliche Gewalt, das Leben als alleinerziehende Mutter und die Abrechnung bewältigte, die damit einhergeht, ein Leben nach eigenen Vorstellungen neu aufzubauen. Was dabei entsteht, ist ein Werk, das eine Art spirituelles Jiu-Jitsu praktiziert und Last in Anmut und Schmerz in Architektur verwandelt. Dies ist ein Album, das nahelegt, dass Transzendenz nicht auf der anderen Seite der Not wartet, sondern genau hier in der Gegenwart lebt, wenn wir nur genau genug hinhören. Wenn der Song endet, sieht die Welt vielleicht noch genauso aus, aber du vielleicht nicht mehr. So fangen unmögliche Dinge meist an.

Camera Obscura feiern das 25-jährige Jubiläum ihres Debütalbums ,Biggest Bluest Hi-Fi" mit einer Vinyl-Neuauflage bei Merge Records. Seit der ursprünglichen Veröffentlichung in Großbritannien bei Andmoresound im Jahr 2001 ist das Album in diesem Format vergriffen. Die Jubiläumsausgabe kommt als die definitivste Version von ,Biggest Bluest Hi-Fi", die je auf Vinyl gepresst wurde, und enthält beide B-Seiten der Single ,Eighties Fan" - ,Shine Like a New Pin" und ,Let's Go Bowling" -, die später den erweiterten CD-Neuauflagen des Albums hinzugefügt wurden. ,Biggest Bluest Hi-Fi" wurde nach seinem Erscheinen wiederholt von John Peel in seinen BBC-Radiosendungen gespielt. Das Album ist ein bemerkenswert selbstbewusstes Debüt, ein voll ausgereifter Ausdruck eines Sounds, der die Fans der Band seit ihrem ersten Durchlauf des von Stuart Murdoch (Belle & Sebastian) produzierten ,Eighties Fan" bis zum letzten Hören des 2024 erschienenen Studio-Comebacks von Camera Obscura ,Look to the East, Look to the West" in seinen Bann gezogen hat. Diese Fans haben lautstark gefordert, dass ,Biggest Bluest Hi-Fi" die Vinyl-Neuauflage erhält, die es schon lange verdient hat. Wenn man die Nadel auf Tracks wie ,Swimming Pool", ,Pen and Notebook" und ,Happy New Year" setzt, ist leicht zu hören, warum: Jeder der 12 Songs des Albums ist ein perfekt beobachteter Ausschnitt aus dem Leben, der durch opulent detaillierte Arrangements filmisch inszeniert wird. Es ist zeitlose, grundsolide Popmusik, wie sie nur Camera Obscura machen kann, geeignet für die Hi-Fi-Anlagen von 1966 und 2026 gleichermaßen.

Following the two EPs "Epoxy Plains" and "Wipe Clean", which were released in 2024, the debut album from the Glasgow Post Punk/Rock quartet and currently the only British band on DevilDuck is finally here... "Human Poultry" is an observation of the situations, emotions and characters the band encountered during their first two years together in Glasgow. It questions how we spend our time and how that decision is influenced by external factors. Conscious Pilot are Joe Laycock (vocals & guitar), Emmy Leishman (guitar & vocals), Jack Sharp (bass & vocals) and drummer Chris McCrory, who recorded and mixed the album together with Seth Evans (Black Midi, Shame, Geordie Greep) and Adele Phillips (Fontaines DC) at Rak Studios in London - Felix Davis (Geese, The Vaccines) then put his masterful touch on it. The artwork is by Scottish painter Keiti Forbes.

Mouth By Mouth ist das erste Album von His Name Is Alive bei dem die Band alle Prozesse - einschließlich des Mixings - selbst kontrollierte, und markierte einen deutlichen Wandel: Es ist zugleich ihr vielfältigster und zugänglichster Katalogeintrag. Die kontinuierliche künstlerische Weiterentwicklung des Projekts ermöglichte es Defever, einen außergewöhnlich experimentierfreudigen Ansatz für Klang und Vision des Albums zu verfolgen und seiner Liebe zu unterschiedlichsten Musikstilen freien Lauf zu lassen - von loop-basiertem Dub über zuckersüßen Pop der 1960er, verzerrten Dream-Gaze, atmosphärischen Alternative-Noise bis hin zu gitarrenbetontem Folk. Indem die Band das Surreale aufgriff und ihren experimentellen Ansatz noch weiter intensivierte, während Defevers Studiofähigkeiten voll zur Entfaltung kamen, gilt dieses Album für viele als ein Höhepunkt ihres Schaffens.

When Elder Island went into the studio to record the followup to their critically acclaimed 2021 album, Swimming Static, they were determined to "turn everything on its head". The trio are celebrated for their brooding indie-electronica that draws on their Bristol roots, creating vastly detailed and immersive soundscapes. But Hello Baby Okay marks a new era for the band, fuelled by a longing for transcendence and euphoria. An effervescent counterpoint to the current times, their new Music is threaded through with a liberated energy, lilting funk-Pop guitars, danceable beats and a renewed sense of play.

Die Band Touch Girl Apple Blossom aus Austin komponiert Songs, die dich direkt ins Herz treffen. Ihre selbstbetitelte Debüt-EP ist eine Sammlung von klirrend-nostalgischen Popsongs, die sich so vertraut und intim anfühlen, dass sie sofort an die zuckersüße Glückseligkeit von Künstlern wie Heavenly, Tiger Trap und Velocity Girl erinnern. Die Gitarristen Olivia Garner und John Morales lernten sich beim Spielen in einer Country-Band kennen und fanden über ihre gemeinsame Liebe zur Twee-Musik zueinander, was sie dazu inspirierte, sich zusammenzutun und ein paar Songs zu schreiben. Bassist Dustin Pilkington und Schlagzeuger Charles Powell stießen kurz darauf dazu, und die Band begann, in ihrer Heimatstadt Austin, Texas, aufzutreten. Letztes Jahr ging die Band mit Max Deems ins Studio und nahm die vier Songs, aus denen später die EP Touch Girl Apple Blossom werden sollte, auf einem 8-Spur-Recorder auf und stellte sie im August 2023 online.

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Intimacy is manifested in every moment of Radiator, the debut album from Philadelphia's Sadurn. This feeling of closeness, of being able to lend your every sense to one's confessions of internal conflict, is due in large part to the circumstances under which this album was created. Much of the world fell apart in 2020, but Sadurn tucked themselves away in a Pocono's cabin, creating and recording what would become their first full-length. Within the confines of their close quarters, passing animals as the only auditory witness to a makeshift recording studio created by moving furniture, Sadurn created an album that will break your heart and then slowly piece it back together.Sadurn started as the solo project of Genevieve ??DeGroot. Picking up guitar in 2015, DeGroot started writing songs, eventually playing DIY shows throughout the city of Philadelphia. With time, the direction, sound, and members of Sadurn changed. The beginning of 2020 was meant to serve as their debut as a four member band (Jon Cox on guitar/tenor guitar, Tabita Ahnert on bass, and Amelia Swan on drums), but the world had other plans and the group adapted.Taking influence from artists like Gillian Welch, Alex G, and Jason Molina, Sadurn's emotive indie rock explores the struggles and eventual beauty of grappling with multiple emotional realities, particularly when it comes to relationships. That conflict, the idea of being forced to choose, even when terrified, is present on singles like "Radiator" and "Golden Arm." The latter is an unhurried ballad that shows its truest colors with time, eventually blossoming with unexpected admissions of desire and uncertainty. Indecision, heartbreak, and attempting to live out your days against the actual backdrop of a gradually worsening hellscape is a shared commonality among us all, but on Radiator Sadurn breaks down walls that others so often put up. It's a fleeting, impactful glimpse at one's whole heart, and its sweeping, special nature is evident from the moment the album opens.

CORTIS IST MIT IHRER ZWEITEN EP GREENGREEN’ ZURÜCK.
ERHÄLTLICH IN 3 VERSIONEN:
BRIDGE VER., STREET VER., STUDIO VER. DER INHALT DES ALBUMS UMFASST: PHOTOBOOK
(120 SEITEN), MAGNET, STICKER, KRATZKARTE (1 VON 5), PHOTOCARD (1 VON 5), HÜLLE,
CD. MASSE: 165 X 240 X 12 MM.
ERHÄLTLICH AUCH AUF VINYL. DER INHALT DES VINYLFORMATS UMFASST: CORTIS BRIDGE
12” VINYL, GATEFOLD-HÜLLE, INNERHÜLLE, BOOKLET (16PG), PHOTOCARD (6EA), PHOTOCARDHÜLLE. MASSE: 316 X 316 X 7 MM.

Nur wenige Orchesterwerke erfordern so viel Präzision wie Richard Strauss’ „Alpensinfonie“. Die DeccaAufnahme von Sir Georg Solti und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks entstand 1979 und
war eine der letzten analogen Produktionen von Decca vor der Umstellung auf Digitaltechnik. Solti kannte
Strauss persönlich und studierte die Aufnahmen des Komponisten, bevor er diese einzigartig authentische
Aufführung in München aufnahm.
Die neue audiophile Vinyl-Reihe DECCA PURE ANALOGUE präsentiert legendäre Aufnahmen aus den
Archiven von Decca und Philips in einer völlig neuen Klangqualität. Die renommierten Emil Berliner Studios haben diese in 100 % analoger Qualität (AAA) mit speziell für diese Reihe entwickelten Technologien
neu gemastert.
Jede Veröffentlichung der Serie wird auf 180 g schweren Virgin-Vinyl-Schallplatten gepresst und in einer
luxuriösen Gatefold-Edition präsentiert, mit Original-Artwork und Liner Notes, zusätzlichen Fotos und
Faksimiles der Bandboxen und Aufnahmedokumentation. Darüber hinaus enthält jede handnummerierte
Limited Edition neue Liner Notes, in denen die Geschichte der Aufnahme sowie der technische Prozess der
Neu-Veröffentlichung detailliert beschrieben werden.

Zubin Mehtas klanglich spektakuläres Album mit Orchesterwerken von Edgar Varèse aus dem Jahr 1971,
aufgenommen mit dem Los Angeles Philharmonic, wurde von Gramophone für sein „virtuoses Spiel“ und
seine „vorbildliche Aufnahme“ gelobt. Mehta wird dieses Jahr 90 Jahre alt, und diese Aufnahme – mit
ihrem beeindruckenden Artwork – erinnert uns an Mehta in seiner besten Zeit, dynamisch und mit jugendlichem Verve, als er, auch wegen der atemberaubenden Aufnahmen, die Decca in LA produziert hat,
die internationale Bühne eroberte.
Die neue audiophile Vinyl-Reihe DECCA PURE ANALOGUE präsentiert legendäre Aufnahmen aus den
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Limited Edition neue Liner Notes, in denen die Geschichte der Aufnahme sowie der technische Prozess der
Neu-Veröffentlichung detailliert beschrieben werden.

Seiji Ozawas Antritt als Musikdirektor des San Francisco Symphony Orchestra im Jahr 1970 wurde später
von Barack Obama anschaulich beschrieben: „Mit seinem Mop-Haarschnitt, seinen Rollkragenpullovern
und seinen Liebesperlen sah er fast aus wie ein Beatle“. Diese Aufnahme von Dvořáks Sinfonie „Aus der
Neuen Welt“ aus dem Mai 1975 war eine der letzten, die von Philips in Quadrophonie aufgenommen und
speziell für diese Neuauflage neu abgemischt wurde.
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Archiven von Decca und Philips in einer völlig neuen Klangqualität. Die renommierten Emil Berliner Studios haben diese in 100 % analoger Qualität (AAA) mit speziell für diese Reihe entwickelten Technologien
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Limited Edition neue Liner Notes, in denen die Geschichte der Aufnahme sowie der technische Prozess der
Neu-Veröffentlichung detailliert beschrieben werden.

Bernard Haitinks Mahler war schon immer einer der Höhepunkte des Philips-Katalogs, und die Aufnahme
der 5. Sinfonie und des Adagios aus der 10. Sinfonie stammt aus dem analogen Zyklus, den er Ende
der 1960er und Anfang der 1970er Jahre aufgenommen hat. Diese Aufnahme aus dem Jahr 1970 wurde
im Concertgebouw in Amsterdam quadrophonisch aufgenommen und von Gramophone für „die besondere
Klarheit, die durch eine ausgewogene Balance entsteht” gelobt.
Die neue audiophile Vinyl-Reihe DECCA PURE ANALOGUE präsentiert legendäre Aufnahmen aus den
Archiven von Decca und Philips in einer völlig neuen Klangqualität. Die renommierten Emil Berliner Studios haben diese in 100 % analoger Qualität (AAA) mit speziell für diese Reihe entwickelten Technologien
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Jede Veröffentlichung der Serie wird auf 180 g schweren Virgin-Vinyl-Schallplatten gepresst und in einer
luxuriösen Gatefold-Edition präsentiert, mit Original-Artwork und Liner Notes, zusätzlichen Fotos und
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Limited Edition neue Liner Notes, in denen die Geschichte der Aufnahme sowie der technische Prozess der
Neu-Veröffentlichung detailliert beschrieben werden.

Aufgenommen 1971 in den Chappell Recording Studios in London, während seines Exils, erschien „Transa“,
das sechste Studioalbum von Caetano Veloso, im Januar 1972. Das sieben Stücke umfassende Werk wurde
vom britischen Künstler Ralph Mace produziert; die musikalische Leitung übernahm Jards Macalé, der auf
„It’s a Long Way“ zudem Gitarre spielt.
Die Band bestand aus Áureo de Souza (Schlagzeug), Moacyr Albuquerque (Bass), Tutty Moreno (Perkussion) und Jards Macalé (akustische und elektrische Gitarre). Außerdem wirkt die damals 22-jährige Angela
Ro Ro mit, die Caetano Velosos verführerischen Schlusstitel „Nostalgia (That’s What Rock’n’Roll Is All
About)“ mit ihrem charakteristischen Mundharmonikaspiel bereichert. Diese Zusammenarbeit gab der jungen Künstlerin entscheidenden Auftrieb für ihre weitere Karriere.
Musikalisch ist das Album von einer rockigen Grundhaltung geprägt, in der zugleich Velosos zentrale
Einflüsse anklingen: die MPB (Música Popular Brasileira) sowie die Klangwelt Bahias. Dennoch bleibt eine
feine Melancholie spürbar, wie sie bereits sein erstes Londoner Album „Caetano Veloso“ (1971) kennzeichnete.
Veröffentlicht wurde das Projekt mit einem auffälligen, dreifach aufklappbaren Cover, bei dem Booklet
und Hülle eine Dreiecksform bilden. Der bahianische Schauspieler und Theaterregisseur Álvaro Guimarães
prägte dafür den Begriff „Discobjeto“; gemeinsam mit Aldo Luiz entwickelte er das markante grafische
Konzept.

PCD ist das Debüt-Studioalbum der legendären Girlgroup The Pussycat Dolls, das am 12. September 2005
veröffentlicht wurde. Mit Ron Fair als Executive Producer und Beiträgen von Produzenten wie Kwamé,
Polow da Don und Rich Harrison sowie Gastbeiträgen der Rapper Busta Rhymes, Timbaland und will.i.am
wurde das Album sofort zu einem Riesenerfolg.
Textlich enthält das Album sexuelle Anspielungen und behandelt Themen wie Feminismus und Romantik, untermalt von energiegeladenen Dance-Pop-Songs und mitreißenden Balladen. Die ersten vier Singles
aus PCD – „Don’t Cha“, „Stickwitu“, „Beep“ und „Buttons“ – waren kommerziell erfolgreich und führten
die Charts in verschiedenen Ländern an, darunter Neuseeland, wo alle vier die Spitze der Single-Charts
erreichten.

PCD ist das Debüt-Studioalbum der legendären Girlgroup The Pussycat Dolls, das am 12. September 2005
veröffentlicht wurde. Mit Ron Fair als Executive Producer und Beiträgen von Produzenten wie Kwamé,
Polow da Don und Rich Harrison sowie Gastbeiträgen der Rapper Busta Rhymes, Timbaland und will.i.am
wurde das Album sofort zu einem Riesenerfolg.
Textlich enthält das Album sexuelle Anspielungen und behandelt Themen wie Feminismus und Romantik, untermalt von energiegeladenen Dance-Pop-Songs und mitreißenden Balladen. Die ersten vier Singles
aus PCD – „Don’t Cha“, „Stickwitu“, „Beep“ und „Buttons“ – waren kommerziell erfolgreich und führten
die Charts in verschiedenen Ländern an, darunter Neuseeland, wo alle vier die Spitze der Single-Charts
erreichten.

Dritte Wahl ist eine deutschsprachige Punkrock-Band aus Rostock, die sich gegen Ende der 1980er-Jahre gründete. Die Band spielt Deutschpunk mit deutlichen Metal-Einflüssen und singt sehr direkte, politisch-kämpferische, linke Texte, für die es zu DDR-Zeiten die damals üblichen staatlichen Repressalien gab. 1996 veröffentlichte Dritte Wahl mit "Nimm drei" ihr drittes Album. Es wurde in Braunschweig im Whiteline Studio von Uwe Golz (auch Gitarrist bei Daily Terror) und Uwe Rust produziert. "Nimm drei" bedeutete für die Rostocker einen deutlichen Schritt Richtung mehr Professionalität. Das druckvolle Album hebt sich soundmäßig markant von den beiden früheren Werken "Fasching in Bonn" (1992) und "Auge um Auge" (1994) ab. Es wird durch sehr groovige und gitarrenbetonte Songs charakterisiert. Dazu gibt es einen steten Wechselgesang der beiden Frontmänner Marko "Busch"n" Busch (Gesang, Bass) und Gunnar Schroeder (Gesang, Gitarre). Komplettiert wird das Trio durch Krel (Drums), der die Songs mit seinen mitreißenden Beats stetig voran treibt. Auch heute stehen einige Tracks dieses Albums auf jeder Setliste der tourfreudigen Band.

Phantastic Ferniture are back with their jubilant garage pop, releasing not one but two singles - their very first recordings since their critically acclaimed 2018 debut album. Recorded at Golden Retriever Studios in Sydney, produced by Phan Fern themselves, and mixed and mastered by previous collaborators Tim Carr and Andrew Edgson respectively, tracks “Change My Mind” and “Dare to Fall in Love” immediately evoke everything about this band we have come to know and love. Julia Jacklin’s ability to write a catchy yet effortlessly cool vocal hook is evident on first listen, but it’s the magic that Phan Fern creates together that really brings the songs home.

Redux, an ambient-folk album from Portland, Oregon musician, poet, and multimedia artist Dao Strom, is a collection of nine resurrected pieces. Reimagining songs she initially composed as a member of the Austin, Texas alt-country and singer-songwriter scenes of the early 2000s, Strom reworks these lost songs into ambient-folk mini-epics—part grounded and earthly, part ethereal and otherworldly. Drawing on an intimate yet spacious palette of folk, ambient, and experimental textures, woven through with a poetics of vulnerability and quiet emotion, Redux explores song as gently reverberant fields of layered vocals over finger-picked guitars with touches of electronics and sampling. Strom’s musical journey initially began in a roots and acoustic vein, simultaneously with her career as a fiction writer. In the years since, she has moved from Austin, Texas to Juneau, Alaska to Portland, Oregon; her work too has expanded across genres into more experimental formats of poetry, music, and multidisciplinary art. In returning to these earlier songs, Strom reclaims and revives them, exploring her relationships to time, voice, and the continuances of emotion and memory. The word redux means “brought back; revived”; a sense of something restored—earlier renditions of some of the Redux songs were recorded with Austin-based collaborators and producers; some songs were written in that time period but never recorded. Produced, performed, and recorded by Strom alone in her home studio, Redux is a return and reemergence of the artist to her own most personal, intuitive structures and atmospheres of voice, sound, and song. Released on cassette by Antiquated Future Records, and reissued on vinyl in 2026 by Disasters By Choice.

Dao Strom is an artist who works with three “voices”—written, sung, visual—to explore hybridity and contemplate the intersection of personal and collective histories. Her music releases move between “song-poem” cycles and ambient-folk albums. She is the author/composer of several hybrid projects that blend poetry, music, and visual art into unique multimodal experiences, including Tender Revolutions/Yellow Songs, a song-cycle with set of four chapbooks, jointly released by Beacon Sound, Antiquated Future Records, and The 3rd Thing Press (2025), and Instrument/Traveler’s Ode, a poetry-art collection and song-cycle released by Fonograf Editions and Antiquated Future Records (2020). Born in Vietnam and based in Portland, Oregon, Strom began her musical journey in the early 2000s, when she first began infusing into the context of “Americana” folk/roots music her own diasporic Vietnamese experience and stories. Her music has since moved in more experimental directions, resisting easy categorization, yet still maintaining tendrils of folk ethos. She also writes songs about the ineffable nuances of emotion, memory, and connection, as captured on the album, Redux, which gathers songs from across her songwriting years into an ambient-folk setting, self-produced and recorded by Strom, released on cassette in 2022 by Antiquated Future Records, and reissued on vinyl in 2026 by Disasters By Choice. As a multidisciplinary artist, Strom has presented performance and installations at venues such as the Time Based Art Festival (Portland Institute for Contemporary Art) and Moving Poets Novilla in Berlin, Germany, and has received awards from the Creative Capital Foundation, Spark Artist Award, and others. Strom is also a founding member of She Who Has No Master(s), a collective of Vietnamese women writers and artists making polyvocal poetry-art works as a means of reaching across borders.

2026er Nachpressung ist Nebula Blue Vinyl! Ein krautrockiges Mini-Album ist THE GOLD & SILVER SESSIONS geworden - eingespielt während ihrer letztjährigen Europatour - welches den ELDER-Sound und seine Stoner/Doom-Wurzeln in neue Sphären schießt! Zwei experimentierfreudige Tracks zusammen mit einer langen, psychedelischen Jam formen dies EP von LP-Länge, welche ELDERs expressive Kreativität und nuancierte Entwicklung auf eine Art und Weise einfängt, wie es eine "normale" Studio-Veröffentlichung wohl nicht könnte. Metalischen Härte wird mit krautrockiger Improvisationskunst zusammengebracht, die Referenz zeigt sich u.a. auch in den Songtiteln "Im Morgengrauen" und "Weißensee". Sicherlich ein Experiment oder eine Art Übergang, aber dies ist immer noch die Band, die 2017 das unglaubliche "Reflections of a Floating World" herausgebracht hat und mit dieser Veröffentlichung auf neuen und unerforschten Pfaden zu wandern beginn. Oder sich selbst und seinen Fans nur mal das Hirn freibläst, bevor die nächste Ebene im Stoner/Psychrock-Kosmos aufgemacht wird.