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Bonobo alias Simon Green returns with "Distance In Static", his new album, which will be released on September 11, 2026, by Ninja Tune.

On "Distance In Static", Bonobo collaborates with a characteristically impressive lineup of artists, including Arooj Aftab, Joy Crookes, Nilüfer Yanya, Ichiko Aoba, Nicole Miglis (Hundred Waters), and Aanya Martin. The lyrics are written in English, Urdu, and Japanese, while historical Iranian samples and guzheng recordings stand alongside Bonobo's carefully crafted instrumental sounds. These were created during recording sessions in Los Angeles, Tokyo, London, and beyond: a significant part of the album was completed at Neil Young's legendary Broken Arrow Ranch in California, where he had retreated for several weeks earlier this year.

The album's title - "Distance In Static" - aptly describes Bonobo's current situation: it evokes images of distorted transmissions and fleeting frequencies, memory fragments and glimmers of meaning that echo through more than two decades at the forefront of electronic music. He sees the traces of his work reflected in a younger generation rediscovering trip-hop, downtempo, and experimental electronic music of the 1990s from a contemporary perspective. "I think the beginning of my work is relevant to younger people today," he says. "I liked the idea of listening for a distant signal - finding something in the noise," he continues. The entire album conveys the feeling of a search for transcendence: music that hovers between intimacy and vastness, the familiar and the unknown.

Within the universe of "Distance In Static", there is also a sense that this album marks something truly monumental. It is a moment of transition, a celebration of Bonobo's 25th anniversary, but perhaps also his last album in the traditional sense: with numerous guest contributions and a multi-year world tour with a full live band.

Whatever comes next, one thing is certain: "Distance In Static" is arguably Bonobo's best album to date; as ambitious and forward-thinking as ever and a reminder of why he has influenced so many people so strongly for so long.

Bonobo alias Simon Green returns with "Distance In Static", his new album, which will be released on September 11, 2026, by Ninja Tune.

On "Distance In Static", Bonobo collaborates with a characteristically impressive lineup of artists, including Arooj Aftab, Joy Crookes, Nilüfer Yanya, Ichiko Aoba, Nicole Miglis (Hundred Waters), and Aanya Martin. The lyrics are written in English, Urdu, and Japanese, while historical Iranian samples and guzheng recordings stand alongside Bonobo's carefully crafted instrumental sounds. These were created during recording sessions in Los Angeles, Tokyo, London, and beyond: a significant part of the album was completed at Neil Young's legendary Broken Arrow Ranch in California, where he had retreated for several weeks earlier this year.

The album's title - "Distance In Static" - aptly describes Bonobo's current situation: it evokes images of distorted transmissions and fleeting frequencies, memory fragments and glimmers of meaning that echo through more than two decades at the forefront of electronic music. He sees the traces of his work reflected in a younger generation rediscovering trip-hop, downtempo, and experimental electronic music of the 1990s from a contemporary perspective. "I think the beginning of my work is relevant to younger people today," he says. "I liked the idea of listening for a distant signal - finding something in the noise," he continues. The entire album conveys the feeling of a search for transcendence: music that hovers between intimacy and vastness, the familiar and the unknown.

Within the universe of "Distance In Static", there is also a sense that this album marks something truly monumental. It is a moment of transition, a celebration of Bonobo's 25th anniversary, but perhaps also his last album in the traditional sense: with numerous guest contributions and a multi-year world tour with a full live band.

Whatever comes next, one thing is certain: "Distance In Static" is arguably Bonobo's best album to date; as ambitious and forward-thinking as ever and a reminder of why he has influenced so many people so strongly for so long.

The Galvanizer/Morbific Split, once trapped in cassette‑only form, erupts again in a remastered version with a blast of rancid Finnish death metal for the first time on CD!
Two of the filthiest underground abominations collide in a whirlwind of chainsaw riffs and grave‑stench vocals and if you missed it the first time on cassette, this is your chance to seize a slab of pure decay before it sinks back into the crypt!
After having paid all their dues in the underground with tapes and eps like we were used back in the 90s, Galvanizer have quickly become one of the most promising underground acts around, their old school approach perfectly combines with their youthful energy and their sound will perfectly please both fans of old school finnish death metal and more modern death-grind approaches.
After "Sanguine Vigil" and "Prying Sight Of Imperception" the band is now ready to embark on a European tour with Malformed and finally launch the third, long awaited, third full length album!
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Morbific is a death‑metal trio from Kitee, Finland, formed in 2020 by brothers Onni and Olli together with Jusa. They play a rotted, old‑school style steeped in horror, filth and Finnish morbidity, drawing on the spirit of early Autopsy and Undergang. Their debut demo and first album "Ominous Seep of Putridity" quickly pushed them to the forefront of Finland’s new wave of grave‑soaked death metal, followed by "Squirm Beyond the Mortal Realm" and several splits that cemented their reputation for raw, putrid heaviness.
For fans of Xysma, Autopsy, Machetazo, Undergang.

MEMPHIS, TN — Fat Possum Records and Hi Records are proud to announce the first vinyl pressing in half a century of Ann Peebles' 1975 album Tellin' It, fully remastered and recovered from the Hi Records vault, where it had sat untouched for decades. Available on vinyl in stores September 11, 2026 and can be pre-ordered now and also available streaming everywhere now. 
Peebles was at the height of her career when she recorded Tellin' It — coming off her biggest hit, "I Can't Stand the Rain," the year before. Produced by Willie Mitchell at Royal Studios in Memphis, with the grooves that defined the label's sound, backed by Howard Grimes' drumming and the Memphis Horns. 

"Peebles and Mitchell don't just recast "Rain" 10 different times—instead, they lean into the supple support laid down by the Hi Rhythm Section, who have plenty more uptempo grooves to offer." Andy Beta, Bandcamp
The original master tapes were sent to John Nicholson at Nashville Tape Transfer for their first listen in fifty years. From there, the project stayed close to home: remastered by Clay Jones in Taylor, MS, then back to Memphis for lacquers cuts by Jeff Powell (Take Out Vinyl), and was pressed & plated at Memphis Record Pressing.

Donkey Inching', the Cellophane Suckers' ninth studio album, is set for release in September 2026. Unwavering and stubborn as a donkey, the Cellophane Suckers follow their very own path at their very own pace. The band, decried as "lead-swallowing" high-speed rock 'n' rollers, stoically let chords linger and celebrate feedback, reducing rather than harmonising, then picking up the speed when you least expect it and slowing down shortly afterwards to roll on in a Dadaist fashion the drums become a machine, the guitars increasingly embodying yin and yang. With "Execution Day", they pay tribute to Spencer P Jones, whom one might well cite as a musical influence, and Neil Young is also honoured, whose Wall of Sound goes down well with the Suckers. The fact that a text by Charles Bukowski is also "set to music" may be down to their love for red wine "Donkey Inching"... creeps stoically and stubbornly, like a donkey, into your ears. In July 2026, the Cellophane Suckers will once again be touring Brittany, and in September they'll be hosting a release party at the Sonic Ballroom in Cologne. Further concert weekends are planned for autumn/winter 2026...

Finnish Prog legend Wigwam's fourth album Being reissued on vinyl in September Finland´s Wigwam definitely belongs to the honorable circle of the pioneers of early progressive rock. Considered by many as their most ambitious work, Being was originally released in 1974. This reissue contains the album's partially remixed and remastered version from 2001, which the group’s mastermind behind the album concept Jukka Gustavson considers superior compared to the original mix. Being is a progressive rock masterpiece. Dark and satirical lyrics of social and political critique blended with complex jazz-rock, driven by the superb keyboard work by Gustavson who's joined by the band in its prime; Pekka Pohjola, Jim Pembroke, and Ronnie Österberg. Being is cited as one of the best albums from the 1970s Scandinavian Prog scene. Housed in a gatefold sleeve and containing a booklet, Being is out on vinyl and CD on September 11th, 2026.

Finnish Prog legend Wigwam's fourth album Being reissued on vinyl in September Finland´s Wigwam definitely belongs to the honorable circle of the pioneers of early progressive rock. Considered by many as their most ambitious work, Being was originally released in 1974. This reissue contains the album's partially remixed and remastered version from 2001, which the group’s mastermind behind the album concept Jukka Gustavson considers superior compared to the original mix. Being is a progressive rock masterpiece. Dark and satirical lyrics of social and political critique blended with complex jazz-rock, driven by the superb keyboard work by Gustavson who's joined by the band in its prime; Pekka Pohjola, Jim Pembroke, and Ronnie Österberg. Being is cited as one of the best albums from the 1970s Scandinavian Prog scene. Housed in a gatefold sleeve and containing a booklet, Being is out on vinyl and CD on September 11th, 2026.

Piano Works 2016-2026 collects fourteen impromptu pieces by composer and producer John Carroll Kirby, written whenever he had the opportunity to sit at a piano while on the road. These mostly solo works for piano were recorded in Los Angeles, Rome, Tokyo, Wollongong (Australia), rural New Zealand and London. Piano Works marks a departure from the full-band sound of recent albums Blowout and Septet, which Kirby has spent the past years performing live around the world. The album is a study in piano repertoire: Baroque, Romantic, Impressionist, jazz, minimalist, atonal, and more. Most of the pieces have an impromptu feel - improvised, or meant to sound improvised, or at least written in one sitting. The collected pieces on Piano Works are a document of Kirby's life as a piano player and touring musician, and "serve as the melodic / harmonic lexicon for what would inform all my other compositions of the past ten years." John Carroll Kirby has scored two feature films, and his solo piano song "Walking Through a House Where a Family Has Lived" formed the score for Oscar-nominated short film Retirement Plan.Fans of John Carroll Kirby's cult favourite solo album Conflict will find plenty to love in Piano Works 2016-2026.

One year earlier, 50 years ago this December, THE HEARTBREAKERS arrived in London to join the Sex Pistols on the "Anarchy" tour. They spent most of 1977 there, recording "L.A.M.F." and cementing their status as elder statesmen of the punk movement. This last date of their 1977 European tour was to be their very last as a band - until the reunions. Drummer Jerry Nolan had already jumped ship; his substitute is The Clash"s Terry Chimes. The gig was filmed for a movie that was never to be - this is the soundtrack recording.

It's now 20 years since four teenagers from Melbourne assembled under the name Harlott – chosen largely because it would look good on a black t-shirt. After a scorching debut with Origin in 2013, the band carved their path through Proliferation, Extinction and Detritus Of The Final Age, sharpening their brand of breakneck, high-tension thrash with every release. Now, after a six-year gap, Exsequiis marks the boldest leap forward in their career. Denser, harsher and more confident than ever – a razor-sharp sound picture built on world-class guitar work, relentless momentum and lyrics that cast a jaundiced eye over our bitterly divided world. The death of the gods, delivered by thrash metal artisans in the prime of their lives.

Finnish prog-psych masterpiece Harvest Time by Elonkorjuu reissued in September The original pressing of Elonkorjuu's debut album Harvest Time is among the most valuable collector’s items in Finnish rock; its average price in 2026 is over 1200 euros, and even 1500 euros have been paid for a mint copy. Recorded almost entirely live and originally released in 1972, Harvest Time is a best kept secret for many Scandinavian Prog aficionados. Inspired by groups like Cream and Free with a more progressive and free-jam style, Elonkorjuu is one of the few bands that successfully progressed the whole heavy Blues/Psych Rock style in a way that made them unique and ahead of their time. Drawing influences initially from the schools of bands like Sabbath and Colosseum but expanding them with soulful church organ and cutting guitar from bandleader Jukka Syrenius, Harvest Time is entirely worth its reputation as a sought after treasure. A killer album from beginning to end. Heavy guitar work all over with great vocals sung in English, which is rare for a Finnish band of this era. After the sold out 2017 and 2021 reissues by Svart and due to a constant high demand, Harvest Time will be available on wax and CD again in September. If you have a place in your heart for the shadowy and mysterious world of early heavy progressive rock, then it’s probably Harvest Time for you!

Finnish prog-psych masterpiece Harvest Time by Elonkorjuu reissued in September The original pressing of Elonkorjuu's debut album Harvest Time is among the most valuable collector’s items in Finnish rock; its average price in 2026 is over 1200 euros, and even 1500 euros have been paid for a mint copy. Recorded almost entirely live and originally released in 1972, Harvest Time is a best kept secret for many Scandinavian Prog aficionados. Inspired by groups like Cream and Free with a more progressive and free-jam style, Elonkorjuu is one of the few bands that successfully progressed the whole heavy Blues/Psych Rock style in a way that made them unique and ahead of their time. Drawing influences initially from the schools of bands like Sabbath and Colosseum but expanding them with soulful church organ and cutting guitar from bandleader Jukka Syrenius, Harvest Time is entirely worth its reputation as a sought after treasure. A killer album from beginning to end. Heavy guitar work all over with great vocals sung in English, which is rare for a Finnish band of this era. After the sold out 2017 and 2021 reissues by Svart and due to a constant high demand, Harvest Time will be available on wax and CD again in September. If you have a place in your heart for the shadowy and mysterious world of early heavy progressive rock, then it’s probably Harvest Time for you!

With the album 'El Ritmo' Delinquent Habits mark their 30th anniversary with 11 tracks blending West Coast vibes and Latin spirit. Featuring guests like Sick Jacken and Reverie, the album celebrates resilience, culture, and community, carrying the unmistakable spirit of East L.A. worldwide and underlining the band’s timeless impact on global hip-hop and the voice of the Latino community.

Die fünfte Vinyl-Auflage ist bei Bad Afro traditionell in Blau und auf 500 Exemplare weltweit limitiert! Das Album verdankt seine Entstehung den psychedelischen 60er Jahren und dem Einfluss von Sky Saxon, Arthur Lee, Morricone und Syd Barrett und strahlt dennoch so hell und frisch wie die Morgensonne. Vom barocken Pop von "A Sound for Two" über die knackigen Garage-Licks von "My Heavenly Way" und "Sold for Sinners" bis hin zur wogenden Pop-Eleganz von "The Only One" und "The Ecstacy Once Told" ist dies ein Album, das von der Hand der spirituellen Erleuchtung berührt wurde. Der charismatische Bandleader Daniel Poulter schreibt wunderschöne Songs, unter deren psycedelischer Oberfläche sich zeigt, dass THE DOLLY ROCKER MOVEMENT eine großartige Popband sind, welche zudem einen ganz eigenen Klang und Stil besitz. Trotz der Tatsache, dass das Album 13 Jahre alt ist, ist es das meistgestreamte Album auf Bad Afro.

Essex punk duo The Meffs return with their second album BUSINESS, due this September via Frontiers Label Group, following their 2024 release What a Life. After a huge 2025 touring with major acts, selling out shows across the UK and Europe, and playing festivals like Glastonbury, 2000 Trees and Download, Lily (vocals/guitar) and Lewis (drums) headed into the studio with producer Dan Weller to create 11 of their most intense and politically charged tracks yet. Blending frantic punk energy with sharp commentary on the music industry and modern life, BUSINESS captures the raw sound of their live shows while showcasing the band’s anger, vulnerability and refusal to be pigeonholed.

Bei ihrer Ankunft in den USA anlässlich der ersten landesweiten Tournee von The Tubs sagte Frontmann Owen Williams gegenüber dem ,New Yorker": ,Wir sind hier, um das Land zu vereinen. Wir werden so etwa dreimal kommen. Bis dann, denke ich, wird dieser Ort anfangen zu heilen." Und genau das taten sie dann auch voller Freude: Sie quetschten sich in einen Transporter und durchquerten die Vereinigten Staaten kreuz und quer, um den Massen ihren literarischen, verschlafenen, lebensmüden, ,Nacht-deines-Lebens`- Hochseilakt zu präsentieren, als dieser am dringendsten gebraucht wurde. Den Tubs hat es nie an Ehrgeiz gefehlt - auf ,Hard Life" geht es ihnen darum, das ,Tub-ullar"-Erlebnis zu verkomplizieren. Nachdem sie ihre Chemie über zwei vorherige Alben, Hunderte von Auftritten und ein ständig wachsendes Universum von Bands aus dem Londoner Gob Nation Collective (The TSG, Sniffany & The Nits, Spike und Garden Centre) perfektioniert haben, dringt die in London ansässige keltische Jangle-Boyband - Williams (Gesang, Gitarre, Keyboards, Bass), Dan Lucas (Gitarre), Taylor Stewart (Schlagzeug) und Max Warren (Bass) - dringen noch tiefer in das schillernde Herz des virtuosen Indie-Rocks vor. Zu ihnen gesellen sich die regelmäßigen Mitstreiter Lan McArdle (Gesang), George Nicholls (Gitarre) und Rachel Kenedy (Keyboards), die alle schon seit den Tagen von Joanna Gruesome an verschiedenen Projekten im Umfeld von ,The Tubs" mitgewirkt haben; doch das Geheimnis der Üppigkeit von ,Hard Life" ist die Mitwirkung des Geigers Chris Haigh, eines Musiklehrers und Session-Musikers, der mit dem Steps-Hit ,5, 6, 7, 8" unauslöschliche Spuren im britischen Pop hinterlassen hat. In Anlehnung an Williams' Einsatz von Trillern in den Gesangsmelodien untermalt Haighs Geige den wehmütigen Gesang des Sängers wie ein blauer Fleck. Bei ,Stoop to Me", dem folkigsten und klimperndsten Popsong des Albums, ergänzen Haighs Licks Williams in seinen selbstironischsten Momenten - das schiefe Lächeln eines Mannes, der versucht, nicht zu zeigen, wie sehr ihn die unerwiderte Liebe verletzt. Beim Album-Opener und Titelsong ,Hard Life" ist es die Süße der aufsteigenden Geigenlinien im Mix, die die Härte von Williams' Texten mit den mitreißenden Hymnen von The Tubs verbindet. Die harte Linie, die Williams hier und an anderen Stellen auf ,Hard Life" einschlägt, stellt die Vorstellung vom typischen Tubs-Song weiter auf den Kopf. Die Figur, die den Hörern von ,Cotton Crown" und ,Dead Meat" vertraut ist - um Williams: ,die Nabelschau über romantische Erniedrigung, Londoner Elend und die Demütigungen von Trauer und Zwangsstörungen" - ist nach wie vor präsent, doch ebenso gibt es eine zweite Stimme, die härter und erfahrener ist. ,Die zweite Figur hat nicht viel Zeit für die erste", erklärt Williams, ,und hält ihm oft seine Selbstgefälligkeit und Unreife vor; manchmal zu Recht, manchmal zu Unrecht." Es ist dieser Nörgler, der auf der Lead-Single ,Who's Gonna Love You Now?" im Mittelpunkt steht. Seine Fragen - von der im Titel genannten bis hin zu konkreteren Sorgen wie ,Wer bezahlt die Miete?" - stehen in spöttischem Gegensatz zu Ideen wie dem Umzug in die Stadt und dem Beginn eines wirklich erfüllten Lebens. Obwohl Williams den Griesgram spielt, ist der Song ein echter Raver, bei dem Gitarren über einem von Orgelklängen erhellten Horizont erklingen. ,Es ist dein Leben", singt Williams, während das Leben unter ihm vor sich hin tuckert und dabei außerordentlich lebhaft klingt. Er hätte wohl wenig Mitgefühl für den liebeskranken Williams aus ,If You Don't Love Me" - verdammt, seine gesamte Existenz wirkt wie eine Warnung, dass die Art von romantischen Verstrickungen, unter denen man in jungen Jahren leidet, in Einsamkeit, Scheitern und einem Posteingang enden wird, der mit ungelesenen Substacks überfüllt ist. Auf ,Hard Life" streiten diese Stimmen, bedrängen sich gegenseitig, verschmelzen miteinander und lösen sich wieder voneinander, manchmal sogar im Laufe eines einzigen Songs. Sie sind zwei Seiten derselben Medaille, Menschen, die Trauer, Enttäuschung, Reue und Scham erlebt haben und als veränderte Menschen aus den Trümmern hervorgehen. ,Mich interessiert, wie Mitgefühl und Geduld für jemanden, der leidet, immer irgendwann zu Ende gehen", sagt Williams. ,Wie das sowohl etwas Gutes und Befreiendes als auch etwas Trauriges und Brutales sein kann. Aber im Grunde sind es einfach nur Popsongs." Exquisite, unwiderstehliche Popsongs. Man höre sie sich so lange an, bis die Heilung beginnt, und dann noch einmal.

Bei ihrer Ankunft in den USA anlässlich der ersten landesweiten Tournee von The Tubs sagte Frontmann Owen Williams gegenüber dem ,New Yorker": ,Wir sind hier, um das Land zu vereinen. Wir werden so etwa dreimal kommen. Bis dann, denke ich, wird dieser Ort anfangen zu heilen." Und genau das taten sie dann auch voller Freude: Sie quetschten sich in einen Transporter und durchquerten die Vereinigten Staaten kreuz und quer, um den Massen ihren literarischen, verschlafenen, lebensmüden, ,Nacht-deines-Lebens`- Hochseilakt zu präsentieren, als dieser am dringendsten gebraucht wurde. Den Tubs hat es nie an Ehrgeiz gefehlt - auf ,Hard Life" geht es ihnen darum, das ,Tub-ullar"-Erlebnis zu verkomplizieren. Nachdem sie ihre Chemie über zwei vorherige Alben, Hunderte von Auftritten und ein ständig wachsendes Universum von Bands aus dem Londoner Gob Nation Collective (The TSG, Sniffany & The Nits, Spike und Garden Centre) perfektioniert haben, dringt die in London ansässige keltische Jangle-Boyband - Williams (Gesang, Gitarre, Keyboards, Bass), Dan Lucas (Gitarre), Taylor Stewart (Schlagzeug) und Max Warren (Bass) - dringen noch tiefer in das schillernde Herz des virtuosen Indie-Rocks vor. Zu ihnen gesellen sich die regelmäßigen Mitstreiter Lan McArdle (Gesang), George Nicholls (Gitarre) und Rachel Kenedy (Keyboards), die alle schon seit den Tagen von Joanna Gruesome an verschiedenen Projekten im Umfeld von ,The Tubs" mitgewirkt haben; doch das Geheimnis der Üppigkeit von ,Hard Life" ist die Mitwirkung des Geigers Chris Haigh, eines Musiklehrers und Session-Musikers, der mit dem Steps-Hit ,5, 6, 7, 8" unauslöschliche Spuren im britischen Pop hinterlassen hat. In Anlehnung an Williams' Einsatz von Trillern in den Gesangsmelodien untermalt Haighs Geige den wehmütigen Gesang des Sängers wie ein blauer Fleck. Bei ,Stoop to Me", dem folkigsten und klimperndsten Popsong des Albums, ergänzen Haighs Licks Williams in seinen selbstironischsten Momenten - das schiefe Lächeln eines Mannes, der versucht, nicht zu zeigen, wie sehr ihn die unerwiderte Liebe verletzt. Beim Album-Opener und Titelsong ,Hard Life" ist es die Süße der aufsteigenden Geigenlinien im Mix, die die Härte von Williams' Texten mit den mitreißenden Hymnen von The Tubs verbindet. Die harte Linie, die Williams hier und an anderen Stellen auf ,Hard Life" einschlägt, stellt die Vorstellung vom typischen Tubs-Song weiter auf den Kopf. Die Figur, die den Hörern von ,Cotton Crown" und ,Dead Meat" vertraut ist - um Williams: ,die Nabelschau über romantische Erniedrigung, Londoner Elend und die Demütigungen von Trauer und Zwangsstörungen" - ist nach wie vor präsent, doch ebenso gibt es eine zweite Stimme, die härter und erfahrener ist. ,Die zweite Figur hat nicht viel Zeit für die erste", erklärt Williams, ,und hält ihm oft seine Selbstgefälligkeit und Unreife vor; manchmal zu Recht, manchmal zu Unrecht." Es ist dieser Nörgler, der auf der Lead-Single ,Who's Gonna Love You Now?" im Mittelpunkt steht. Seine Fragen - von der im Titel genannten bis hin zu konkreteren Sorgen wie ,Wer bezahlt die Miete?" - stehen in spöttischem Gegensatz zu Ideen wie dem Umzug in die Stadt und dem Beginn eines wirklich erfüllten Lebens. Obwohl Williams den Griesgram spielt, ist der Song ein echter Raver, bei dem Gitarren über einem von Orgelklängen erhellten Horizont erklingen. ,Es ist dein Leben", singt Williams, während das Leben unter ihm vor sich hin tuckert und dabei außerordentlich lebhaft klingt. Er hätte wohl wenig Mitgefühl für den liebeskranken Williams aus ,If You Don't Love Me" - verdammt, seine gesamte Existenz wirkt wie eine Warnung, dass die Art von romantischen Verstrickungen, unter denen man in jungen Jahren leidet, in Einsamkeit, Scheitern und einem Posteingang enden wird, der mit ungelesenen Substacks überfüllt ist. Auf ,Hard Life" streiten diese Stimmen, bedrängen sich gegenseitig, verschmelzen miteinander und lösen sich wieder voneinander, manchmal sogar im Laufe eines einzigen Songs. Sie sind zwei Seiten derselben Medaille, Menschen, die Trauer, Enttäuschung, Reue und Scham erlebt haben und als veränderte Menschen aus den Trümmern hervorgehen. ,Mich interessiert, wie Mitgefühl und Geduld für jemanden, der leidet, immer irgendwann zu Ende gehen", sagt Williams. ,Wie das sowohl etwas Gutes und Befreiendes als auch etwas Trauriges und Brutales sein kann. Aber im Grunde sind es einfach nur Popsongs." Exquisite, unwiderstehliche Popsongs. Man höre sie sich so lange an, bis die Heilung beginnt, und dann noch einmal.

To mark their 10th anniversary, ground-breaking, JUNO Award-nominated and SOCAN Award-winning Toronto duo cleopatrick are releasing 4 cleopatrick EPs. The aptly-named collection features four iconic EPs spanning their history as a band - "14," "the boys," "DOOM," and "SCRAP" -- available on vinyl for the first time ever. The two-disc set is pressed on Petrol Blue vinyl and is available via their own Nowhere Special Recordings/Thirty Tigers.

Iris is back! This time with a brand-new long-player under the name Irisplus with many featured guests.

Lazy, stumbling slacker songs with multilingual vocals, expanding the melodic, riff-driven sound of previous Iris releases like “Surrender”. Watch out for the full-band live version!

Flute by Falyakon: Music/Ghost
Vox by TRii: Fog, Spoof, EG Land
Extra guitar/percussion by TRii: Deeds
Vox by Falyakon: يا ليل ,قرش و عتيق
Vox by Employee: Fernando, Crossings
Vox by Mo Chan: 今日も明日も

All songs written, produced, mixed and recorded by Iris. Mastered by The Bastard and Maximilian Schweizer. Graphics by Non-CN. Pressed by Disk Media Service.

Florida Punx & Skins - Working Class Oi! with Rock'n'Roll Attitude. Ihr Debütalbum nun auch in Europa. Manche Bands brauchen Jahrzehnte, um ihren Sound zu finden. ACTA NON VERBA hatten ihn vom ersten Song an. Zwar erst 2023 gegründet, bringen die vier Musiker zusammen weit über zwanzig Jahre Erfahrung aus der Oi!- und Streetpunk-Szene mit. Das Ergebnis ist ein Debüt, das klingt, als hätte es nie einen anderen Weg geben können. Working Class Oi! aus Florida trifft auf europäische Vinyl-Leidenschaft. Nach dem US-Release ist das selbstbetitelte Debüt nun erstmals auch offiziell in Europa erhältlich. 9 Track LP, 300 Stück 180 gr. weisses Vinyl, handnummeriert, mit Einleger

Das 2015 veröffentlichte Album *Bad Magic* war das letzte von Motörhead aufgenommene Studioalbum.
Es präsentiert eine Reihe knallharter Eigenkompositionen sowie eine eindrucksvolle Interpretation von „Sympathy for the Devil“. Mit Songs wie „Thunder & Lightning“, „When the Sky Comes Looking for You“ und
dem Titelstück spiegelt das Album die beständige Zusammenarbeit von Lemmy, Phil Campbell und Mikkey
Dee wider und besticht durch jenen direkten, schnörkellosen Songwriting-Stil, der die späteren Jahre der
Band prägte.

Neun Songs, gepresst auf 100 einseitig bespielte 12 Inches mit bedruckter B-Seite. New tricks by old pricks. Schnell, dreckig und verdammt eingängig - Gen-Y-Punk-Hymnen für Fans von Amphetaminen und all den großartigen Bands, deren Name mit "The" beginnt. Das namenlose Debüt ist der perfekte Einstieg in die Welt von Cheap Shots. Neun Songs voller Energie, rotziger Hooks und Melodien, die sich sofort im Kopf festsetzen. Die Band verbindet Punk, Garage und Power Pop zu einem Sound, der gleichermaßen vertraut wie eigenständig wirkt - als hätte man ihn schon einmal gehört, ohne genau sagen zu können, wann:

"Bloc Party zählen zu den prägendsten Indie-Bands der 2000er Jahre. Ihr Debüt Silent Alarm wurde mit dem NME Award als „Album of the Year“ ausgezeichnet und verkaufte sich weltweit über eine Million Mal. Über zwei Jahrzehnte hinweg hat sich die Band mit kontinuierlicher Weiterentwicklung und intensiver globaler Touring-Präsenz eine treue und stetig wachsende Fanbase aufgebaut.

In den vergangenen vier Jahren wurde ihre Ausnahmestellung eindrucksvoll bestätigt und gleichzeitig eine neue Generation von Fans gewonnen – von Welttourneen mit Paramore über ausverkaufte Headliner-Shows im Londoner Crystal Palace Park bis hin zu gefeierten Auftritten bei Festivals wie Reading & Leeds. Mit dieser neuen Dynamik im Rücken und nach ihrem größten Tourjahr seit zwei Jahrzehnten kündigen Bloc Party nun ihr nächstes Album an. Das Werk erzählt die Geschichte einer einjährigen Beziehung – intensiv, persönlich und schonungslos – produziert gemeinsam mit Studiolegende Trevor Horn.

Zudem spielen Bloc Party eine Co-Headliner-Arenatour durch UK & Europa zusammen mit Interpol sowie großen US-Open-Air-Shows mit Muse."

"Bloc Party zählen zu den prägendsten Indie-Bands der 2000er Jahre. Ihr Debüt Silent Alarm wurde mit dem NME Award als „Album of the Year“ ausgezeichnet und verkaufte sich weltweit über eine Million Mal. Über zwei Jahrzehnte hinweg hat sich die Band mit kontinuierlicher Weiterentwicklung und intensiver globaler Touring-Präsenz eine treue und stetig wachsende Fanbase aufgebaut.

In den vergangenen vier Jahren wurde ihre Ausnahmestellung eindrucksvoll bestätigt und gleichzeitig eine neue Generation von Fans gewonnen – von Welttourneen mit Paramore über ausverkaufte Headliner-Shows im Londoner Crystal Palace Park bis hin zu gefeierten Auftritten bei Festivals wie Reading & Leeds. Mit dieser neuen Dynamik im Rücken und nach ihrem größten Tourjahr seit zwei Jahrzehnten kündigen Bloc Party nun ihr nächstes Album an. Das Werk erzählt die Geschichte einer einjährigen Beziehung – intensiv, persönlich und schonungslos – produziert gemeinsam mit Studiolegende Trevor Horn.

Zudem spielen Bloc Party eine Co-Headliner-Arenatour durch UK & Europa zusammen mit Interpol sowie großen US-Open-Air-Shows mit Muse."

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Das 2017 veröffentlichte Album *Under Cöver* vereint Motörhead-Aufnahmen von Songs, die die Band
geprägt haben, darunter Versionen von Titeln von Künstlern wie David Bowie, The Rolling Stones, Sex
Pistols und Judas Priest. Die Sammlung umfasst Aufnahmen aus verschiedenen Phasen der Bandgeschichte
und bietet eine neue Perspektive auf die musikalischen Einflüsse von Motörhead, ohne dabei den unverwechselbaren Sound von Lemmy, Phil Campbell und Mikkey Dee zu verlieren.

Wer wissen möchte, weshalb Sister Rosetta Tharpe (1915-1973) bis heute als die “Godmother of Rock and
Roll” und “Original Soul Sister” gefeiert wird, muss nur ihr bahnbrechendes Album “Gospel Train” aus dem
Jahr 1956 hören. Wie keine andere verstand sie es, die Intensität des Gospel mit bluesigen Phrasierungen
und rhythmischem Drive zu verbinden. Dadurch schuf sie die musikalischen Grundlagen, die den frühen
Rock ’n’ Roll und die spätere Popmusik prägen sollten. Bei den Aufnahmen für “Gospel Train” ließ sich
die E-Gitarristin mit der kraftvollen Stimme von einer Band mit Jazzmusikern wie dem Bassisten George
Duvivier und dem Schlagzeuger Panama Francis sowie dem Gospel-Vokalquartett The Harmonizing Four
begleiten. Das Repertoire, eine Mischung aus selbst komponierten Spirituals und Gospel-Standards, wird
von Sister Rosetta Tharpe mit der für sie typischen Leidenschaft und rhythmischen Vitalität vorgetragen.

Die Shubert Alley ist eine Straße im Theaterviertel von Manhattan in New York City und gilt als Zentrum
der Broadway-Theater. Für sein Album “Swings Shubert Alley” griff der Sänger Mel Tormé 1960 natürlich auf das Repertoire der vielen bekannten Kompositionen zurück, die Cole Porter, Stephen Sondheim,
Leonard Bernstein, Harold Arlen und andere Koryphäen des Genres für Broadway-Aufführungen geschrieben
hatten. Obwohl er dabei auch einige etwas balladeskere Nummern interpretiert, ist die allgemeine Stimmung von ungezügelter Begeisterung geprägt. Dazu trägt nicht zuletzt das fulminant swingende, elfköpfige
Orchester des Pianisten und Spitzen-Arrangeurs Marty Paich bei, mit dem Tormé hier so meisterhaft um
die Wette eifert. Die agile Band, in der hochkarätige Solisten wie der Altsaxofonist Art Pepper und der
Posaunist Frank Rosolino spielen, wird von dem Bassisten Joe Mondragon und dem Schlagzeuger Mel Lewis
angetrieben.

Mit "Cut You Where You Was" kehrt Zooid, die Flaggschiff-Band des Saxofonisten, Flötisten und Pulitzer-Preisträgers Henry Threadgill zurück. Die Künstler feiern damit das 25-jährige Jubiläum ihres ersten Albums "Up Popped the Two Lips", der ersten Veröffentlichung von Pi Recordings, dem Label, das ursprünglich angetreten war, die Veröffentlichungen von Threadgill zu dokumentieren. Das Album umfasst eine Reihe kurzer Stücke, die von Threadgills Faszination für frühe Aufnahmetechniken inspiriert sind: Ihre kurze Spieldauer zwingt jeden Musiker dazu, sich schnell zu äußern, anstatt sich in langwierigen Entwicklungen zu verlieren und eröffnet so neue Möglichkeiten des musikalischen Ausdrucks.

Héritage Mélodies is the meeting point between saxophonist and composer Jean Vernhères and Black Stamp Music, brought together by a shared passion for the warm colors of music, groove, and the beauty of sound.

Nurtured from an early age by jazz and African-American music—from blues and soul to hip-hop—Jean Vernhères also ventured into Highlife, Afrobeat, and Funk, exploring the fertile “Black Atlantic” that runs throughout his musical journey.

For his first album as a bandleader, he brings together Pierre Bauzerand on Steinway piano, Laurent Vanhée on double bass, Guillermo Roatta on drums, and, as a special guest, Alfio Origlio on Fender Rhodes and piano. Six original compositions where Soul Jazz, Latin Groove, Afro-Caribbean rhythms, spirituality, and intimate melodies come together.

Recorded at Bernard Estardy’s legendary Studio CBE and mastered in Berlin at East Side Mastering, Héritage Mélodies embraces a true audiophile aesthetic: from the breadth and spaciousness of Haumea City, a nod to CTI Records, to the delicacy of Marion.

More than a jazz record, Héritage Mélodies is a story of lineage, travel, and transmission: a personal tribute to all those who have carried forward a musical heritage that transcends time.

Inspiration Information Is Presented In An Opaque Metalic Silver Pressing. Well before Shuggie Otis cut his debut album, musicianship and performance had long been a part of his life. The son of rhythm and blues legend Johnny Otis, Shuggie learned to play guitar as early as the age of two, and performed professionally with his father's band at eleven. Throughout his long and illustrious career he performed on records for the likes of Frank Zappa, Al Kooper, Etta James, and George Duke, to name a few. Despite only moderate success upon its initial release, Shuggie Otis' third album Inspiration Information turned into underground smash decades later and has since maintained a level of cult status normally reserved for mysterious, unearthed legends like Sixto Rodriguez or Lee Fields. Inspiration Information is also noteworthy among Shuggie's other releases, as it was entirely self-produced, as opposed to being overseen by his father Johnny Otis. Shuggie's signature blend of baroque funk is on full display, but with a heavy dosage of psychedelic soul blended in, resulting in an album that's equally swarthy, lush, funky, and emotional; gathering all the best bits of Marvin Gaye, Love, Miles Davis, and even Os Mutantes. Inspiration Information is more than worthy of all acclaim awarded to it, despite the delayed reverence. Track Listing: A1. Inspiration / Information A2. Island Letter A3. Sparkle City A4. Aht Uh Mi Hed B1. Happy House B2. Rainy Day B3. XL-30 B4. Pling! B5. Not Available

Strut presents Nigeria 80, the next essential chapter in the legendary Nigeria 70 series, diving deep into the explosive sound world of 1980s Nigeria.

Following the global impact of 2001's Nigeria 70, which helped introduce rare Nigerian recordings to international audiences, Nigeria 80 continues the journey, unearthing a rich, restless, and wildly creative decade of music from Lagos to Enugu. Despite economic instability and restrictive political conditions in the 1980's, Nigeria’s music industry flourished, driven by a growing network of independent labels such as Tabansi and Phonodisk, which championed local artists and expanded creative freedom. The 1980s also marked a significant rise in visibility for female artists, with trailblazers like Onyeka Onwenu helping to reshape the landscape and open doors for a new generation of performers, writers, and producers.

Nigeria 80 showcases the extraordinary breadth of this era, with all tracks reissued here for the first time. The compilation brings together essential recordings from across Nigeria’s musical spectrum: highlife greats Victor Uwaifo and Nico Mbarga appear alongside Paulson Kalu, whose personal favourite “Akugbue Nwa Ewu” stands out as a prime example of the style. Prince David Bull’s “Soko Soko” (later reinterpreted in Starboy’s Afrobeats hit “Soco”) features as a key touchpoint between eras. Segun Adewale delivers a driving juju workout, while Lekan Animashaun, longtime bandleader of Africa 70, contributes a late-era Afrobeat classic produced in collaboration with Fela Kuti.

The compilation also highlights more experimental and hybrid sounds, from I.C. Rock’s proto–hip hop gem “Advice” to Evi-Edna Ogholi’s self-produced reggae statement “The World”. The set closes with “Apama” by Ibealaoke Chukwukeziri, the “Apama Boy” from Achi in eastern Nigeria, featuring hypnotic vocals and percussion from his Anaedeonu band.

Nigeria 80 is available as a black vinyl 2LP housed in a gatefold sleeve or CD digipak, which includes a 16-page booklet with artist photos and liner notes by Francis Gooding. Compiled by Duncan Brooker. Audio restoration by See Why Audio. Mastered by The Carvery.

Norwegian rock powerhouse Slomosa will release a special live album, Live in Bergen, capturing the band's sold-out hometown show in December 2024 at Verftet. Pressed as a limited-edition double LP in a gatefold sleeve, Live in Bergen showcases Slomosa at full force in front of a hometown crowd - raw, loud, and uncompromising. The album was mixed and mastered by Eirik Marinius Sandvik, preserving the intensity and atmosphere of the band's legendary live performances.

Father's Children, die der schwarzen Musik ebenso treu waren wie dem schwarzen Islam, sind aus dem Dreck und Schmutz von Washington, D.C. hervorgegangen. Ihr gefühlvoller Funk-Stil fand vielleicht seine großartigste Bühne auf ihrem selbstbetitelten ,Debüt" von 1979 bei Mercury - ein Album, das den rauen Soul der Band mit einer Schicht erstickenden L.A.-Glanzes überzog, kaum Aufmerksamkeit erregte und den Anfang vom Ende für Father's Children markierte. Jahre bevor sich der Kokainstaub gelegt hatte, war bereits Material für ein weiteres Album aufgenommen worden - jene kreative Supernova, die die Gruppe schon Jahre zuvor ins nationale Bewusstsein hätte rücken sollen. ,Who's Gonna Save the World" ist diese Explosion aus dem Jahr 1973, die verfrüht konzipiert und dann erst Jahrzehnte später nach einer langen Reifezeit in der Garage von Produzent Robert Hosea Williams am Vorort-Ringstraßenrand entdeckt wurde. Bisher unveröffentlicht, ist dieses echte Debüt von Father's Children ein Werk, das sich aufrichtig mit seiner eigenen Zeit und seinem eigenen Ort auseinandersetzt und kometenartigen Funk, sonnige Gruppenharmonien, Fuzz-Gitarrensoli, schimmernde Keyboards, sprudelnde Percussion, spirituelle Prophezeiungen und Dub-Experimente vereint.

Analog Africa follows up its Dur-Dur Band Volume 1 & 2 reissue with the next two volumes and they again capture the Mogadishu group at their creative peak. Formed by drummer Adan Handal and Isse Dahir Qassim after their military band days, Dur-Dur became a house band at the legendary Jubba Hotel where they fused Somali melodies with funk, disco, reggae and soul into colourful new fusions. This music was recorded amid personal tragedy, including Qassim's death and key members' departures, and pushed further into electronic percussion. It's a unique window into Mogadishu's golden era, presented as ever in excellent style with photos and liner notes.

Somewhere Between Heaven and Hell is the fourth studio album by the American band Social Distortion. It continues the melding of country and rockabilly influences with punk that began two albums before with the album Prison Bound. Clear influences include Hank Williams and Johnny Cash.

The album also marks the first time that a Social Distortion line-up had not changed in three consecutive studio recordings. The American punk rock band Social Distortion formed in 1978 in Fullerton, California and is fronted by vocalist, guitar player and main songwriter Mike Ness.

This pressing of Somewhere Between Heaven and Hell is available as a limited edition of 3000 individually numbered copies on yellow vinyl. The record is packaged in a deluxe sleeve finished with linen laminate and includes an insert with lyrics.

It’s been one hell of a wild ride for Wine Lips. Originally formed in Toronto back in 2015 as a part-time project between Cam Hilborn (vox, songwriter, guitar) and drummer extraordinaire Aurora Evans, Wine Lips quickly escalated into a full-blown, full-time, full-on international phenomenon. Their debut album took them across North America followed immediately by an intensive and unexpected tour of Hong Kong and China in 2018. They released their massive “Stressor” album the very next year (2019) to rave reviews and massive critical acclaim. Multiple tracks from Stressor charted across North American and European radio, while several songs ended up being featured in broadcast and Netflix series. Endless touring ensued. Then 2020 happened. The band used their mandatory downtime to fully dedicate themselves to crafting their groundbreaking third full-length “Mushroom Death Sex Bummer Party” (recorded by Simon Larochette at The Sugar Shack). The record was released in October 2021 and then shit really hit the fan. The international music press lost their collective minds, penning over 250 glowing features and super positive reviews spanning 35+ countries. At the time of writing, the album blew past 40 Million spins on Spotify alone.

The vinyl release of MDSBP is currently in its 7th pressing with 9 different colour variants. The lead track “Eyes” has been licensed to a metric ton of films, series and video games including ABC’s The Rookie, Hockey Night In Canada and Population 11. Even more endless touring ensued, except this time the venues were huge and mostly sold-out. The 2024 follow-up album “Super Mega Ultra” was an absolute beast. Recorded by Simon Larochette at The Sugar Shack in Ontario, the album packed 12 ramped-up supersonic ear-scorching auditory delicacies and racked up millions of plays.

STEELOVER is a Belgian Melodic Rock / Metal band. The band was formed in the early 80's by three friends living in Liege, Belgium, the guitarists Pat Freson & Mel Presti and the bassist Nick Gardi. In search of a drummer, they threw their sights on Rudy Lenners (Scorpions) upon his return from Germany, having left the famous German band Scorpions. Rudy proposed to contact Vince Cardillo, a singer who had already on the one hand good experience and on the other hand he already recorded an album in London, “It will fit perfectly” explained Rudy. They all felt the magic during the first rehearsal. In no time, Steelover recorded their first album "Glove Me” which was released under the Mausoleum label. This album sold over more than 400.000 copies of which more than 76,000 in Poland. They followed with a tour across different countries like The Netherlands, Germany, France and Belgium including Forest National opening for Bon Jovi and KISS. Vince decided to leave the band. Replaced by Dani Klein, the second album was recorded but never released. Dani left the band after a short time with Mel Presti to start a new band under the name Vaya Con Dios.
The band came back in 2017 with a new E.P. (including single "Wild and Free") mixed by the legendary producer and and mixing engineer Tommy Hansen.
In 2019, Rudy Lenners greeted the audience one last time before retiring from his musical career. Vince had returned to the band at this point…after the show Vince, Pat & Nick decided to continue the Steelover adventure and in 2022 released the album “Stainless” on the Escape music label (ESM368). This was a great metal album and fans old and new longed to hear more. It’s now 2026 and Steelover are back with a brand-new recording featuring 11 tracks of hard rock / heavy metal. The band are very much in the style of that 80’s metal sound, a sort of mixture of Scorpions and Saxon if you like. These new songs all hit the mark making “Devil’s Highway” an album that needs to be checked out…